DE TAL PADRE, TAL HIJO

 

Un arquitecto volcado en el trabajo y obsesionado con el éxito vive con su esposa y su hijo de seis años. De pronto una llamada del hospital donde nació su hijo cambia todo. Los responsables del hospital explican que hubo un error y que su hijo fue cambiado por otro. Así el matrimonio entra en contacto con la otra familia afectada, muy diferente en estatus social y económico a la suya.

Ryoata (Masaharu Fukuyama), el protagonista, siente que su hijo es débil para enfrentarse a un mundo competitivo, no obstante, lo quiere, pero la nueva situación que se le plantea a la familia trae al primer plano cuestiones con las que no contaban: ¿Los niños serán intercambiados? Si ello se lleva a efecto, ¿Cómo afectaría a las criaturas y cómo se llevaría a cabo? ¿Qué ocurre con el resto de los allegados: padres, abuelos...?

La película está llena de situaciones entrañables y graciosas y su realizador y guionista, el japonés Hirokazu Koreeda procura eludir el drama, al menos, no hacer énfasis en él. 

La pausa, los silencios, los encuadres estudiados al milímetro, la primorosa dirección de actores... Todas las constantes del cine de Koreeda, están presentes en esta película en la que, una vez más, su director logra emocionarnos, sobre todo captando esas miradas, esos gestos de los niños y sus inocentes diálogos.

He leído en alguna parte críticas sobre el hecho de que el guion se centre preferentemente en el personaje de Ryoata, como si fuera un error no hacerlo en el drama colectivo, yo pienso que eso es una elección y que de haber incidido más en el resto de personajes estaríamos hablando de otra película, no necesariamente mejor o peor, sencillamente, distinta. Además, ello no es exactamente así, ya que creo que la situación, por otro lado tan complicada, del resto de los afectados, queda perfectamente puesta de relieve.

UN ASUNTO DE FAMILIA

 

Después de uno de sus habituales hurtos, Osamu (Lily Franky) y su hijo ven a una niña sola en su casa, aterida de frío y la llevan a su domicilio. Al principio, la mujer de Osamu no quiere que se quede con ellos, pero acaba apiadándose de la pequeña con signos evidentes de malos tratos. A pesar de sobrevivir con dificultades gracias a pequeños robos, la familia es feliz, hasta que un incidente imprevisto revela un secreto que pone a prueba los lazos que les unen.

Hirokazu Koreeda retorna a una de las constantes en sus films: La familia. Una institución tan importante en Japón, al menos hasta no hace tanto en que parece que las cosas cambian a un ritmo vertiginoso. 

Con sutiles movimientos de cámara que refuerzan la narrativa visual, el maestro japonés nos va acercando a la situación de esta familia que no lo es, algo que iremos descubriendo poco a poco y planteando preguntas al espectador, preguntas que nosotros mismos habremos de ir respondiendo cada cual desde nuestro enfoque y modo de entender particular.

¿Es la sangre o es el amor el lazo que nos une a unos seres? Es la cuestión principal que nos pone delante Koreeda. Hay una escena en que Nobuyo (Sakura Andô), una superviviente que representa el papel de madre en esta peculiar familia, le dice a la niña que han recogido e integrado como a una más: "Uno no hace daño a quien quiere, lo abraza". Esa puede ser la clave del mensaje del film que, más adelante, en su último tramo, hace una reflexión crítica sobre el papel de las instituciones a la hora de hacerse cargo de estas criaturas, anteponiendo, casi siempre, el derecho de sangre sobre otros valores. ¿Es esta realmente la solución? ¿Debe primar un entorno de amor y cariño o lo que la ley marca en su frialdad? ¿Se es madre por el hecho de parir y lo demás va por detrás de este derecho que las leyes reconocen para hacerse cargo de la criatura? 

Una historia aparentemente simple que encierra mucho más de lo que a primera vista parece.

NADIE SABE

 

Keiko (You), una madre soltera, vive en Tokio y se muda a un pequeño apartamento con su hijo Akira Fukushima (Yûya Yagira) de doce años y sus hermanos Shigeru (Hiei Kimura) y Yuki (Momoko Shimizu). Kyoko (Ayu Kitaura), otra hermana, llega más tarde en tren. Los niños tienen padres diferentes y no están escolarizados, pero llevan una vida resignada con su madre. Cuando Keiko encuentra un nuevo novio, decide dejar a los niños, le da algo de dinero a Akira y le asigna el cuidado de sus hermanos. Aunque regresa un tiempo después, acaba desapareciendo definitivamente. Cuando se acaba el dinero, Akira consigue encontrar la manera de sobrevivir con los jóvenes sin luz, gas ni agua en casa, y con la casera reclamando el alquiler.

La película se inspira en un hecho real de finales de los años 80 en que una madre abandonó a sus cuatro hijos, y al morir la más pequeña se descubrió la trama. Se trata de una familia totalmente atípica, con niños no inscritos en el registro, que no van a la escuela, en la que el mayor, de 14 años, hace de padre y madre.

Aunque según su director y guionista Hirokazu Koreeda, únicamente los escenarios y el final de la historia (aunque con una variante) tienen parecido con la historia real y la versión cinematográfica es menos cruda que la realidad de los hechos. 

A veces el cine nos demuestra que ni grandes estrellas, ni un gran despliegue de medios, son imprescindibles para ofrecernos una gran película. En un minúsculo apartamento y con unos exteriores que no van más allá del reducido entorno de un barrio de Tokyo, con un grupo de niños-actores desconocidos, Koreeda nos sumerge en esta dura historia de abandono, criaturas entrañables obligadas a vivir como adultos, pero sin la experiencia, los medios o las referencias que un adulto posee.

Enfrentados a una sociedad que sienten hostil (Akira manifiesta en un momento del film que ya una vez cayeron en manos de los servicios sociales y fueron separados), no se atreven a pedir auxilio a las autoridades por miedo a las consecuencias y se verán atrapados en una espiral de degradación con pocos visos de futuro, pero prefieren eso a la alternativa que preveen.

Un film en que la crudeza y la ternura que sentimos por esas criaturas, se dan la mano y en el que su realizador consigue eludir el melodrama barato a que tan proclives son estas historias de niños desamparados.

Una historia muy triste, tremendamente entrañable que nos deja un desgarro en el alma cuando pensamos que algo falla en nuestras sociedades superdesarrolladas, de las que formamos parte lo queramos o no, cuando son capaces de permitir situaciones tan crueles.

LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY

 

El libro es una colección de 25 relatos que lleva el título del más conocido de ellos, en el que se narra de forma breve una visita a la ciudad que se convierte en una extraordinaria aventura tras otra. Walter acompaña a su esposa a la ciudad y mientras ella acude a la peluquería, él tiene que realizar unas compras. Pero durante un corto espacio de tiempo y para evadirse de su insignificante existencia, Walter abandona la realidad para sumergirse en su propio mundo imaginario. Bastará una palabra mencionada por su mujer, un titular en un periódico o, sencillamente, tratar de recordar los encargos de su esposa, para que el protagonista se meta en la piel de hombres heroicos que llevan a cabo brillantes hazañas. Así pasará por diferentes personalidades: comandante de un hidroavión que tiene que atravesar una terrible tormenta, cirujano de reconocido prestigio que salva la vida a un importante banquero, seductor en cuyos brazos caen hermosas mujeres o piloto de un bombardero en plena guerra. Mientras en la vida real la gente se ríe de Mitty al oírle hablar consigo mismo en voz alta, en sus sueños los que le rodean se deshacen en elogios y admiraciones provocando la felicidad de Walter al que inevitablemente cogeremos cariño y que nos dibujará una sonrisa en los labios.

La historia comienza en medio de una ensoñación lo que inicialmente puede desorientar al lector pero bastará con unas cuantas líneas para coger el hilo del relato, en el que su autor, el norteamericano James Thurber, demuestra especial habilidad a la hora de conectar los dos mundos, con unas suaves transiciones para pasar de la realidad a la fantasía, sin embargo el regreso a la vida real se realiza de forma brusca, casi siempre por la intervención de su esposa que, por otra parte, domina su vida, programando todas las actividades cotidianas y llevando la voz cantante de la pareja. 

La historia ha sido llevada dos veces a la pantalla, la primera en 1947, en una película dirigida por Norman Z. McLeod y con un reparto encabezado por Danny Kaye, Virginia Mayo y Boris Karloff. En 2013 Ben Stiller dirigió y protagonizó una segunda versión en la que también intervienen, entre otros, Shirley MacLaine y Sean Penn.

Como queda dicho, el libro contiene otros relatos, todos ellos en clave de humor, algunos a modo de fábulas con moraleja y todo, en alguno incluso hablan los animales, en el más puro estilo de los fabulistas clásicos. Ya digo que todos destilan humor, como cuando expresa su animadversión hacia las mujeres y enumera las razones, entre ellas, que siempre recuerdan donde están las cosas en la casa, o la forma de mirar de arriba a abajo cuando se cruzan con otra mujer y con ese rápido vistazo son capaces de memorizar cómo va vestida o los adornos que lleva.

En otro de los relatos, "Elogio de los perros", alaba la forma, mucho más inteligente que la humana, dice, en que tienen estructurada la familia. A las seis semanas justas, asegura, la mamá despacha a sus vástagos y no quiere saber nada más de ellos por más lastimeras que sean sus súplicas, pudiendo así emprender una nueva vida y, además, cuando el marido se va de caza, la esposa no se preocupa de su paradero, ni se pregunta si va a regresar o si piensa en ella. Tampoco le echa en cara que no escriba, ni envíe la pensión alimenticia y jamás se ha oído de una perra que haya hecho seguir al padre de sus hijos por un detective.

20.000 ESPECIES DE ABEJAS

 

Cocó (Sofía Otero), de ocho años, no encaja en las expectativas del resto y no entiende por qué. Todos a su alrededor insisten en llamarle Aitor pero no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre, Ane (Patricia López Arnaiz), sumida en una crisis profesional y sentimental, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde residen su madre Lita (Itziar Lazkano) y su tía Lourdes (Ane Gabarain), estrechamente ligada a la cría de abejas y la producción de cera. Este verano que cambiará sus vidas, obligará a estas mujeres de tres generaciones distintas a enfrentarse a sus dudas y temores.

No es nuevo en el cine, sobre todo en los últimos años, el tema de la disforia de género, ese estado de ansiedad que produce en la persona no encontrarse a gusto con el género asignado al nacer conforme a sus características físicas y en el que no se reconoce. 

La realizadora y guionista del film, la alavesa Estibaliz Urresola Solaguren, elige para acercarnos a la situación de la protagonista la propia voz de la niña y desarrolla con naturalidad situaciones que se dan en la sociedad y entre las familias y allegados que han de lidiar con lo que a día de hoy, por desgracia, continúa siendo un problema, entre otras razones, porque no estamos preparados o lo estamos de forma insuficiente, cuando no equivocada, para afrontarlo.

Primer largometraje de la directora vasca que ha obtenido multitud de premios y reconocimientos y que pone sobre la mesa una situación que nunca está de más volver a traer al primer plano. Lo mal que lo pasan las personas que se ven en esta tesitura, desde fuera, solo podemos intuirlo y más cuando algunas decisiones de personas que parece que pretenden obtener otros réditos, se apuntan al cambio de género sin que esté claro por qué lo hacen, pero que lo que sí consiguen es hacer muchos daño a quienes de verdad sufren este problema, generando debates en la sociedad sobre si la situación se debe a la educación, al entorno, si los menores están capacitados para percibir su verdadera realidad, etc. Urresola plantea estas dudas al espectador, por supuesto que lo hace desde su propia visión y que podemos decir que no es imparcial, ella lo tiene claro, pero, al tiempo, deja que nosotros nos impliquemos y nos invita a que nos planteemos la realidad que nos narra. 

Muy interesante también la situación de la madre, inmersa ella misma en una crisis existencial y el papel de la tía que parece que es la única que se da verdadera cuenta del drama que está viviendo la pequeña. 

Un tema complicado tratado con cierta amabilidad, sin excesivos dramatismos y en el que al final, lo que ha de cambiar no es la actitud de la niña, sino que será la familia la que tiene que adaptarse a la realidad.

EL CONFORMISTA

 

Cuando tenía trece años, Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant) le disparó a Lino (Pierre Clémenti), un adulto homosexual que intentó seducirlo, un hecho que dejará vinculados para siempre sexo y violencia en la mente de Marcello. Años más tarde, Clerici es un ciudadano respetable, profesor de filosofía y va a casarse con Giulia (Stefania Sandrelli). Pero ideológicamente Clerici es fascista, tiene contactos con el servicio secreto y se muestra dispuesto a combinar su luna de miel en París con un atentado contra un exiliado político italiano que había sido profesor suyo.

El guion, del propio realizador del film, Bernardo Bertolucci, adapta la novela del mismo título del escritor italiano Alberto Moravia, publicada por primera vez en 1951, en la que, con el trasfondo histórico de la Italia de Mussolini, intenta explicar un comportamiento moral: el conformismo. Un deseo de confundirse en la masa y no destacar aun a costa de perder la libertad individual. Un fenómeno capaz de convertir a sociedades cultas y críticas en masas indeterminadas capaces de seguir los dictados de cualquier caudillo "redentor". El viaje de novios de Marcello, su biografía y la descripción de su entorno, se transforman así en un alegato en contra de los mecanismos del Estado totalitario.

Al parecer, el escritor admiraba la adaptación de su novela, a la que Bertolucci despoja de sus anotaciones psicológicas (excepto el trauma vivido en la infancia por el protagonista a manos de un homosexual), presentando al personaje de Marcello como un hombre turbio y, al tiempo, con deseos de vivir una vida normal, un conformista que voluntariamente se convierte en instrumento anónimo del Estado.

El film no es un alegato antifascista al uso, apenas vemos a quienes mueven los hilos, si es que los vemos, a cambio, su poder, la manera en que manejan los resortes del poder, se nos presentan a través de metáforas visuales: La inmensa y fría grandiosidad de los edificios; el personaje ciego que lee en la radio las directrices del fascismo (somos un movimiento antidemocrático y antiparlamentario); el padre del protagonista internado en un sanatorio para enfermos mentales... La historia incide en la circunstancia de que son las clases medias, ciegas a una realidad que no quieren ver o son incapaces de hacerlo, quienes sustentan a esos nuevos gobernantes que no entienden más que de ricino y cachiporra cuando topan con alguien que piensa diferente.

Con una estructura no lineal gracias a un gran trabajo de montaje de Franco Arcalli y en la que se han inspirado algunos grandes realizadores posteriores, también es destacable la fotografía de Vittorio Storaro, que nos ofrece algunas tomas realmente llamativas gracias a la magnífica técnica y el sentido artístico de este maestro en el uso del color. Muy recordada es la secuencia con las hojas otoñales barridas por el viento, pero hay otros cuantos momentos muy logrados. 

Estamos ante la que es tenida por una de las mejores obras de Bertolucci, un trabajo deslumbrante visual y narrativamente hablando.

YO CAPITÁN

 

Seydou (Seydou Sarr) y su primo Moussa (Moustapha Fall) son dos jóvenes senegaleses que abandonan Dakar para emprender camino a Europa. Una odisea contemporánea a través de los peligros del desierto, los horrores de los centros de detención en Libia y los peligros del mar.

Eludiendo el sensacionalismo, el morbo y la sensiblería, pero sin tratar tampoco de ser amable o complaciente, Matteo Garrone nos acerca la epopeya de estos dos jóvenes cuya historia y la de quienes comparte su peripecia, es tratada con absoluto respeto.

Quizá lo más llamativo de la historia es que no narra nada especial, nada que no les ocurra a otros que viven la misma experiencia que los dos protagonistas del film, precisamente esa es la tragedia, que esto lo hemos convertido en algo normal y eso que Garrone únicamente se centra en el viaje, porque todos sabemos, al menos intuímos, lo que les que espera una vez conseguido el objetivo de llegar a Europa. Un film lleno de sensibilidad, con un ritmo ágil y dinámico y gran fuerza visual sin por ello dejarse llevar por esteticismos. 

Quizá algunos descubran cosas para ellos nuevas con esta historia: Las torturas en la cárceles clandestinas; la trata de seres humanos; la desidia de los países de acogida que tratan por todos los medios de eludir el problema, incluso, llegado el caso, dejando que mueran en el mar con la excusa de que están fuera de aguas territoriales; pero, repito, la tragedia es que estas situaciones se repiten sin fin cada año, cada mes y cada día, este peligroso y despiadado periplo en el que miles de personas arriesgan nada menos que su vida, nos acompaña en nuestra sobremesa a través de la pequeña pantalla y, por desgracia, lo hemos llegado a normalizar.

LOS ASESINOS DE LA LUNA

 

Los nativos americanos de la tribu Osage, están siendo asesinados uno a uno, después de que la tribu se haya enriquecido con el hallazgo de petróleo en sus tierras. La masacre de los Osage atrae la atención del recién creado FBI, que inicia una investigación.

Ambientada en la Oklahoma de la década de 1920, el guion adapta el libro de David Grann Los asesinos de la luna: Petróleo, dinero, homicidio y la creación del FBI (Killers of the Flower Moon: The Osage Murders and the Birth of the FBI), publicado en 2017.

Scorsese ajusta cuentas con el pasado de su país recreando uno de los episodios más oscuros de la historia estadounidense. Aunque podría haberse centrado en los hechos que rodearon a los crímenes, prefiere prestar, también, atención a la relación entre Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) y Mollie (Lily Gladstone) que acaba acaparando buena parte del metraje.

Hay quien se pregunta qué hubiera sido de esta película si estuviera dirigida e interpretada por personas menos conocidas que quienes figuran en el reparto. Todo ello a cuento de que, si bien técnicamente, incluso en el plano artístico, el nivel es de cierta altura, como no podía esperarse menos hablando de quienes están al frente de la misma, no a todo el mundo acaba de convencer una historia que, por momentos, no acaba de concitar todo el interés potencial que encierra y que la película tiene una duración que no pocos consideran desmesurada para lo que cuenta. Si a ello añadimos un tramo final que algunos consideran superfluo y más una especie de homenaje a la radio que no viene a cuento, que otra cosa, la controversia está servida.

DESOBEDIENCIA CIVIL Y OTROS ESCRITOS

 

Tras pasar una noche en prisión durante el verano de 1846 por negarse a pagar los impuestos que sufragaban la guerra contra México ("Realmente en un país que encarcela injustificadamente, el único sitio digno para las gentes decentes es la cárcel", escribió), Thoreau escribe su ensayo Desobediencia civil. 

Considerado como un pilar fundamental de la resistencia civil contra el Estado, este ensayo es un alegato a favor de los ciudadanos y sus libertades individuales frente a las injusticias del Gobierno. El texto, publicado por primera vez por Elizabeth Peabody en 1849, plantea la problemática de la esclavitud dentro del Gobierno de los Estados Unidos. Henry D. Thoreau, asentado en su cabaña en la laguna Walden, se niega a pagar sus impuestos por considerar que, de hacerlo, está contribuyendo a sufragar la trata de esclavos y la contienda contra México. El filósofo de Concord manifiesta de forma contundente su negativa a participar en aquellas cuestiones que considera ilícitas, instando a sus conciudadanos a hacer lo correcto. 

 En Desobediencia civil Thoreau plantea que es posible una sociedad más ética formada por ciudadanos libres, con un alto sentido de la justicia y la moral, que puedan resistir los sinsentidos de un Gobierno injusto.

Por el mismo camino de exposición de sus ideas, contrarias a la aceptación de leyes injustas, van los otros tres trabajos que completan el libro: Una vida sin principios, La esclavitud en Massachusetts y Apología del Capitán John Brow. A éste último, el celebre luchador antiesclavista al que se tachaba de bandolero peligroso por sus tácticas de acción directa y algunos golpes violentos que asestó a la autoridad, llegó a compararlo con Jesucristo tras ser detenido y condenado a muerte.

Quizá el resumen de las ideas de este autor que tanto influyó en personajes posteriores como Mahatma Gandhi, Lev Tolstói o Martin Luther King, pueda encontrarse en este párrafo de La esclavitud en Massachusetts: "Quisiera recordarles a mis compatriotas que ante todo deben ser hombres y americanos después, cuando así convenga. No importa lo valiosa que sea la ley para proteger las propiedades e incluso para mantener unidos el cuerpo y el alma, si no nos mantiene unidos a toda la humanidad".

Estamos ante la obra de un hombre que luchó con todas sus fuerzas por la libertad y que, a través de sus ensayos, pero también de su propio modo de vida, consiguió ser libre. 

AMERICAN FICTION

 

Harto de que las clases dirigentes se lucren a costa del entretenimiento “negro” que recurre a clichés ofensivos, Thelonious 'Monk' Ellison (Jeffrey Wright), un profesor y novelista frustrado decide, por despecho, escribir en broma su propio y estrafalario libro "negro" cargado de estereotipos, aunque lo hace bajo seudónimo. El libro se publica recibiendo fama y elogios generalizados, lo que le llevará al mismo corazón del éxito y la hipocresía que él dice desdeñar.

El escritor y realizador estadounidense Cord Jefferson adapta y dirige la novela de Percival Everett, Erasure, publicada en 2001. Además de varios premios, el film obtuvo el Oscar al Mejor guion adaptado, el único de los cinco a los que optaba.

Cuando un movimiento de contestación (como quienes se oponen al racismo, un activismo que en EE.UU. ha recibido el apelativo de "Woke" y que después se ha extendido a otras minorías, como el colectivo LGTBI), adquiere cierto predicamento en la sociedad, el voraz capitalismo trata de sacar partido, incluyendo su lenguaje, incluso, sus objetivos, en sus campañas de marketing, como cebo para nuevos consumidores, jóvenes y no tan jóvenes hasta entonces vistos como marginales que suponen un nicho de mercado a explotar hasta que sus reivindicaciones sean normalizadas y surjan nuevas tendencias. 

Básicamente esto es lo que critica la película con su sátira mordaz y acertada, que va más allá, cuando vemos a Monk engullido por el sistema tras publicar la, según él mismo, peor novela posible pero que incluye todos los elementos que el mercado reclama. 

Por cierto, muy divertida.

CREATURA

 

Tras mudarse con su pareja a la que fue la casa de veraneo de su abuela, Mila (Elena Martín) se da cuenta de que su pérdida de deseo y apetito sexual se encuentra en sí misma. A partir de ahí, empieza un viaje en el que revisita experiencias de su infancia y adolescencia con la esperanza de reconciliarse con su propio cuerpo.

Hablada exclusivamente en catalán, la película fue rodada y producida en Cataluña y su realizadora, Elena Martín, es también la protagonista y coautora del guion junto a Clara Roquet. 

El film alterna imágenes del presente junto a secuencias que rememoran la infancia y la adolescencia de Mila, a la que dan vida respectivamente Claudia Borràs y Claudia Malagelada.

Mila tiene dificultades para encontrar placer en el sexo y se ve a sí misma como una persona rara, la búsqueda de ese placer y los miedos que atormentan a la protagonista, conforman el relato del film que trata de acercarnos la historia de una manera natural. 

La película ha recibido elogios por atreverse con un asunto poco tratado en el cine, aunque opino que es el problema de Mila el más original de la trama, su circunstancia particular, una situación que tiene mucho de psicosomático y arranca de su infancia con consecuencias físicas sobre su cuerpo cuando intenta llevar a cabo el acercamiento carnal. 

Las otras circunstancias: La influencia del grupo; los calificativos y opiniones negativas que ha de soportar una mujer cuando trata de vivir de forma abierta su sexualidad; las relaciones con los padres; el despertar del amor y los primeros escarceos durante la adolescencia; las preguntas inocentes, muchas veces no respondidas, de la infancia; etc., ya han sido tratados otras veces en el cine, aunque haya sido desde ópticas diferentes.

MATRIA

 

Ramona (María Vázquez), una mujer de cuarenta años, vive sumida en un contexto laboral y personal tenso y precario en un pueblo de la costa gallega. Hace malabarismos con múltiples trabajos para mantenerse a flote y proporcionar un futuro mejor a su hija Estrella (Soraya Luaces). Pero cuando la joven está preparada para tomar su propio camino, Ramona se da cuenta de que, por primera vez, puede hacer algo por sí misma.

Para dibujar al personaje protagonista, el gallego Álvaro Gago Díaz, realizador y guionista del film, nos presenta a una especie de choni madura, gritona y malhablada, con la que resulta complicado socializar. Una mujer que se rebela en su trabajo cuando se siente explotada y que es una especie de líder entre sus compañeras, pero que, sin embargo, se muestra incapaz de poner orden en su propia casa y en su propia vida. 

Nos muestra también el contrapunto de su personalidad, lo que se esconde debajo de esta amargura a que la ha llevado su perra vida, sobre todo lo vemos en su relación con el anciano al que acompaña, en esa casa, en ese ambiente, en el que también realiza las tareas domésticas, se transforma en un ser casi complaciente, como lo es en el barco en el que faena ocasionalmente y en el que se la trata como a una igual. 

Sin embargo yo no se si esta parte de su personalidad llega al espectador con la misma fuerza que la primera que la convierte en un personaje bastante antipático, al menos hasta que se acerca el desenlace.

Drama social con un envoltorio costumbrista (vemos a Ramona pelando patatas, preparando la comida, haciendo la colada...) y una imponente interpretación de María Vázquez a la que sigue la cámara de manera constante.

LA REGLA DEL JUEGO

 

Un rico aristócrata duda si abandonar a su amante para conservar el amor de su esposa, una mujer cortejada al mismo tiempo por su confidente y un famoso aviador. En el trascurso de una cacería de fin de semana en Sologne y de una fiesta posterior, las intrigas amorosas de señores y sirvientes se mezclarán desembocando en un hecho inesperado.

Tenida casi de forma unánime como la obra maestra de Jean Renoir, la película fue un absoluto fracaso tras su estreno, debido en parte a una serie de circunstancias que fueron interpretadas de forma errónea, únicamente muchos años después fue reconocida en toda su grandeza esta visión de la sociedad francesa de 1939, una farsa tragicómica, sátira mordaz, pero al tiempo, compasiva, aunque, claramente, los espectadores franceses de la época se quedaron solamente con la primera de sus dos vertientes.

No se si por clarividencia o por mera casualidad, bajo una cierta apariencia de comedia de enredo, Renoir radiografía de forma certera el ambiente de la alta sociedad francesa en un momento en que Europa estaba patas arriba y ellos se dedicaban a vivir en su limbo, rodeados de lujo, transitando de la indolencia al aburrimiento y pendientes del qué dirán mientras solo miran a su propio ombligo volviendo el rostro a la sociedad que les rodea. Un mundo ante el que las clases bajas se limitan a imitar sus peores vicios. Todo ello nos conduce a un final pseudo dramático que remarca la hipocresía del ambiente que la película nos muestra.

Renoir hace un uso extraordinario de la amplitud de campo que le permite mostrar, en una misma escena, situaciones diferentes, incluso contrapuestas.

 

LUZ DE FEBRERO

 

Continuación de la novela Olive Kitteridge, en la que la norteamericana Elizabeth Strout continúa con las andanzas de esta mujer cascarrabias, pero vulnerable en el fondo.

Leí en algún lugar que la autora nunca pensó escribir una segunda parte de la novela, pero que el personaje de Olive se le aparecía y no me extraña, porque ha logrado dar con una figura tremendamente atractiva, humana y un tanto especial, con la que acabamos encariñados a pesar de todos sus defectos y gracias a las virtudes que vamos descubriendo.

Al igual que su predecesora, Olive,again (titulo original de la novela), está ambientada en el pequeño pueblo de Crosby, en Maine y se compone de historias interconectadas, en las que Strout nos habla no solo de la consciencia de su propia mortalidad que acompaña a la protagonista, si no de la soledad, el dolor, los conflictos entre padres e hijos o los arrepentimientos.

A lo largo del libro, personas dispares comparten momentos y situaciones reveladoras.

Escrito con una concisión que resulta llamativa, por lo difícil que se antoja, con tal economía en la prosa, reunir tantos detalles y tantas emociones, la autora nos sumerge en las vidas de sus personajes perfectamente dibujados, tratados sin concesiones, pero con respeto y cariño, incluso, llegado el caso, con compasión.