ROMPIENDO LAS OLAS

 

Bess McNeil (Emily Watson), una ingenua joven de un pueblo costero de Escocia, se enamora de Jan (Stellan Skarsgård), un danés que trabaja en una plataforma petrolífera. A pesar de la oposición de la rígida comunidad puritana a la que pertenece, Bess y Jan se casan, ambos están muy enamorados. Tras la boda, él vuelve a su trabajo, y ella cuenta los días esperando su vuelta. Un mal día, Jan regresa con el cuello roto tras un accidente a bordo de la plataforma. Debido a su condición, ya no pueden disfrutar de una relación sexual, y Jan insta a su esposa a buscar un amante y contarle los detalles. Bess, una devota creyente, está convencida que sus acciones están guiadas por Dios y están ayudando a Jan a recuperarse.

Ambientada a principios de la década de los 70 de pasado siglo, supuso el debut cinematográfico de Emily Watson.

En una entrevista televisiva de 2005 con la prestigiosa periodista sueca Stina Lundberg Dabrowski, Lars von Trier comentó lo siguiente sobre la película: "Estaba decidido a escribir una historia tan inverosímil y llena de clichés que nadie pudiera tomarla en serio, pero, por supuesto, al público le gustó. Basta con inventar algo realmente absurdo y se convertirá en un gran éxito".

TRENES RIGUROSAMENTE VIGILADOS

 

Como en algunos de sus otros libros, el checo Bohumil Hrabal, se basa en las experiencias de los diversos trabajos que desempeñó en su juventud para extraer las anécdotas que conforman el relato. Un libro breve y risueño, divertido y algo travieso, porque así busca dar mayor realce a los trágicos acontecimientos que rodearon la ocupación nazi de su país y la Segunda Guerra Mundial.

Reflexionando sobre su relato, Hrabal decía: "Quiero descubrir hasta qué punto se puede jugar con dos motivos tan contradictorios. El motivo del ridículo y de lo obsceno al lado de un acontecimiento trágico, dominado por el motivo central: la lucha contra el enemigo".

El protagonista es un ferroviario joven y tímido que no vacila en aceptar la tarea que le asignan, en cierto modo se siente importante con su uniforme de relucientes botones, pero sabe que, al final, más allá de su pasión por los trenes y su intento de dejar a un lado el conflicto que está viviendo su país, ocupado por tropas extranjeras, éste le acabará engullendo y aquello tiene visos de acabar de forma trágica.

Salpicado de momentos y personajes hilarantes, como el jefe de estación, rodeado de las palomas que cría o el factor Hubicka, a quien van a abrir un expediente por llenar el trasero de la telegrafista con todos los sellos de la estación, el relato fue llevado al cine en una película del mismo título que fue premiada con el Oscar en 1967, dirigida por Jiří Menzel, con guion del propio Hrabal

La vida de Hrabal está marcada por gags semejantes a los de una película muda y que, de algún modo, se reflejan en su obra. No puedo sustraerme, a modo de ejemplo y ya que el libro trata de trenes, a narrar una de esas situaciones: Mientras asistía a un curso de ferroviarios, se presentó ante el tribunal examinador en la estación de Kostomlaty, la cual debía ser su destino. El inspector preguntó al alumno: "¿Cómo averiguaría usted cuándo llega el tren si los semáforos estuvieran estropeados?". Hrabal replicó: "Con los ojos". "Muy bien. ¿Y si estuviera nublado?". El alumno, que vestía uniforme limpio y planchado, extrayendo del bolsillo un pañuelo blanco y colocándolo al lado del raíl, se arrodilló, acercó el oído al raíl, estuvo un rato escuchando y al final se incorporó para comunicar al inspector: "El tren número ochocientos cuatro acaba de pasar por la población de Kamenné Zbozi". El inspector se quedó anonadado: "¿En qué manual ha leído esto?". "Lo he visto en una película del oeste protagonizada por Gary Cooper; éste era su método para distinguir si se acercaban los indios con sus caballos o bien una manada de búfalos". El inspector lo aprobó con todos los honores y comunicó al tribunal que aquel mozo sería un excelente ferroviario.

MANDERLAY

 

Tras abandonar Dogville, la banda de Mulligan (Willem Dafoe) viaja desde las Rocosas, al norte, hasta Alabama, al sur de EE.UU. Por casualidad se detienen ante la verja de una plantación llamada Manderlay. Los trabajadores negros siguen siendo esclavos, aunque la esclavitud fue abolida hace 70 años. Grace (Bryce Dallas Howard), la hija del gánster, ayudada por los secuaces de su padre, desposee de sus derechos a los herederos de la moribunda propietaria, convirtiendo a los esclavos en socios libres de la plantación. Se supone que los antiguos esclavos deben tomar ahora las decisiones, una situación a la que no terminan de acostumbrarse después de toda una vida con una dueña que les decía lo que tenían que hacer, cómo y cuándo.

La película sigue algunas de las claves que se vieron antes en Dogville, como es un escenario reducido a lo esencial, con las paredes de las casas pintadas en el suelo, con decorados muy teatrales y en el que la iluminación juega un papel fundamental. 

Al parecer, una parte de la película se basa en una historia acaecida en Barbados en los años 30 del siglo XIX, cuando un grupo de personas que habían alcanzado la libertad se presentaron en su antigua plantación para pedir a su propietario volver a vivir como esclavos. La historia terminó con el propietario y su familia asesinados por sus antiguos esclavos.

El desarrollo de la historia nos introduce por los caminos de la reflexión política y social. Aunque referida a los EE.UU., puede decirse que el argumento puede considerarse universal mutatis mutandis.

Lars von Trier nos plantea unos cuantos interrogantes referidos a la libertad. ¿La democracia nos hace libres? ¿O resulta que la gente vota llevada por impulsos y no siempre acierta en sus decisiones? 

Desde occidente nos empeñamos en llevar nuestro modelo de vida a otros lugares en el convencimiento de que llevamos el progreso a esos países, que les liberamos de dictadores o de una cultura atrasada, pero quizá deberíamos tener en cuenta los modos de vida de esas personas antes de intentar imponer lo que consideramos como el mejor modelo de libertad, pues a veces, lo que se consigue, casi siempre porque hay intereses de otro tipo, es dejar las cosas peor de lo que estaban.

Situaciones complejas, sin duda, pero reales como la vida misma.

EUROPA

 

Tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Leo Kessler (Jean-Marc Barr), un joven americano de origen alemán, se traslada a Alemania, donde su tío le ha conseguido un empleo como revisor de coche cama en la compañía de ferrocarriles Zentropa, en la que él mismo trabaja. Su trabajo le permitirá viajar, fascinado, por un país destruido por la guerra; pero también tendrá que enfrentarse poco a poco a los horrores de la barbarie nazi. Tratará de mantenerse neutral en un país dividido, pero, tras enamorarse de la hija del magnate ferroviario, descubre que no puede permanecer al margen y debe tomar decisiones difíciles.

Hay quien dice que en este film, Lars von Trier supedita la historia a la grandiosidad de las imágenes y, en su intento de crear una nueva forma de cine, la historia queda como un elemento secundario. Una historia en la que el protagonista se ve arrastrado lentamente a la vergüenza y la culpa de toda una nación.

El film es la manera en que el maestro danés nos acerca a la inmediata postguerra y, a través de numerosos metáforas nos va narrando, de manera que llega a resultar hipnótica, nada menos que la realidad, al menos la realidad que él se representa. El mismo tren es la primera de las metáforas, unos vagones que van sin rumbo claro, a los que a veces se cambia el cartel con el destino en el último momento; o la prohibición absoluta de abrir las cortinas, para no ver lo que sucede, algo que, como se nos ha repetido tantas veces, hicieron los propios alemanes que prefirieron ignorar la realidad de lo que estaba ocurriendo o acababa de ocurrir; o la hipócrita actuación de las potencias de ocupación que blanquearon la colaboración con los nazis de grandes magnates con la excusa de que su participación era imprescindible para la reconstrucción de un país devastado. 

¿Pretenciosa?, seguramente, pero para quien sepa desentrañar su mensaje, muy ilustrativa.

LOS CHICOS DEL BARRIO

 

La historia de tres amigos de la infancia que viven en un peligroso barrio de Los Ángeles. Los medio hermanos Doughboy (Ice Cube) y Ricky Baker (Morris Chestnut) presentan enfoques muy diferentes ante las duras vidas que enfrentan. Ricky es atleta "All-American" (los considerados mejores en su deporte a nivel universitario), aspira a una beca de fútbol americano para la USC (el programa de fútbol americano de la Universidad del Sur de California) y busca la salvación en el deporte, mientras que Doughboy sucumbe a la violencia, el alcohol y la delincuencia que lo rodea, pero mantiene un fuerte sentido del orgullo y un código de honor. Entre ellos dos se encuentra su amigo Tre Styles (Cuba Gooding, Jr.), quien tiene la suerte de tener un padre, Furious Styles (Laurence Fishburne), que le muestra la fuerza de carácter para hacer lo correcto y asumir siempre la responsabilidad de sus actos.

John Singleton, realizador y guionista del film, debutó en la gran pantalla con esta, en su momento, aclamada película, por la que fue doblemente nominado a los Oscar (Mejor Director y Mejor guion) cuando tan solo contaba 24 años.

Parece una historia mil veces contada, en otras películas la hemos visto referida a hampones y mafiosos: amigos de la infancia que siguen caminos diferentes. En este caso está referida exclusivamente a la comunidad negra. 

Seguramente la gran virtud del film está en la sutileza con la que cuenta lo que cuenta, casi siempre a través de actos cotidianos o de diálogos que ilustran los entresijos de la historia, de manera que el mensaje del film va penetrando en el espectador de forma que casi no somos conscientes, con escenas como aquella en que hablan entre los amigos, apenas unos niños, que el padre de Tre disparó la noche anterior contra alguien que pretendía entrar en su casa y lo hacen sin darle mayor importancia, como si fuera algo natural; o en esa otra en la que van a ver un cadáver que yace en un descampado desde hace varios días y lo único que les sugiere es que huele mal y que es raro que tarden tanto en retirarlo de allí. A pesar de que es cierto que el escenario es el de un barrio conflictivo, y de que no encontramos blancos a los que culpar, pero sí chicos que viven prácticamente todo el día en la calle con sus amigotes, bebiendo y trapicheando de manera que sin trabajar llevan una vida que les permite tener unos dólares en el bolsillo y a nada que se les de bien, su propio automóvil, el film también deja caer de cuando en cuando que parte de los males les vienen de fuera, comentarios como que ellos (los negros), no tienen barcos ni aviones en los que transportar la droga, pero alguien se encarga de que les llegue para que la consuman y puedan traficar con ella; o que no son lo que fabrican las armas, pero en cada esquina, junto a las licorerías, que también proliferan, hay una tienda de armas porque alguien quiere que se maten entre ellos. 

La narración transcurre sin exageraciones, como si estuviera haciendo un retrato de la vida cotidiana del barrio y sus gentes (que es lo que hace), pero no deja de ser una especie de toque de atención para que quien tenga que cambiar algo lo haga ya y se deje de victimismos asumiendo sus propias responsabilidades, porque nadie de fuera va a venir a cambiar la vida de unos negros que, en realidad, a nadie importan mientras se mantengan en sus barrios y no molesten ni atemoricen a los respetables ciudadanos de otros lugares.

Al principio del film se ofrecen unos fríos números que retratan una triste y dramática realidad: En EE.UU., uno de cada 21 negros morirá asesinado, la mayoría a manos de otro negro. 

Son cifras referidas a los años noventa que no se si estarán vigentes ahora, pero en todo caso, bastante reveladoras.

HAZ LO QUE DEBAS

 

En Bedford Stuyvesant, uno de los barrios más humildes de Brooklyn, viven varias familias de raza negra, algunos hispanos, una pareja de comerciantes vietnamitas y una familia italoamericana que tiene una pizzería. Mookie (Spike Lee), un chico que trabaja de repartidor de pizzas, conoce bien a los vecinos y es testigo privilegiado no sólo de la vida cotidiana del barrio, sino también de las tensiones y del racismo de algunos de sus habitantes.

Con una llamativa y variada banda sonora que incluye desde temas gospel hasta hip hop, pasando por música sinfónica o de jazz, Spike Lee nos introduce en esta peculiar calle del neoyorkino Brooklyn que es una auténtica olla a presión siempre en trance de estallar en cualquier momento. El realizador norteamericano no tiene empacho alguno en repartir culpas y no tiene reparos para poner en solfa los defectos de algunos miembros de su propia raza.

Es el odio lo que se masca, es cierto que lo llamamos racismo, pero es odio al otro, al que no es como nosotros y al que no tratamos de entender, únicamente deseamos que se evapore de lo que consideramos nuestro espacio exclusivo. Salvo unos pocos personajes que realmente conviven y les da igual cuál sea la procedencia o el color de la piel de su vecino, el resto no paran de quejarse, de echarle la culpa al otro en plan victimista y cuando la violencia se desata, descubrimos que lo que hay detrás es frustración, incultura y unas ganas tremendas de que todo salte por los aires para ver si se produce una catarsis. Pero a la postre el odio solo engendra odio y no resuelve problemas.

CASA DE MUÑECAS

 

Representada por primera vez en 1879, esta obra de teatro provocó gran controversia al plantear la negativa de una esposa a seguir siendo para su marido la dócil mujercita sin autonomía alguna a que la sociedad la tiene acostumbrada.

La protagonista, Nora, aparenta ser feliz en su matrimonio. Sin embargo, un episodio sombrío se proyecta sobre su alegría: Años atrás se vio forzada a recurrir a falsificar la firma de su padre para obtener un préstamo con el que costear el tratamiento médico de su marido. A medida que la tensión del conflicto aumenta, la monotonía burguesa de la protagonista se convierte en un nudo corredizo que la va dejando sin aire y Nora observa impotente la imposición de todo un mundo de valores contradictorios que amenazan su ideal de felicidad.

En palabras del autor "existen dos códigos de moral, dos conciencias diferentes, una del hombre y otra de la mujer. Y a la mujer se la juzga según el código de los hombres. [...] Una mujer no puede ser auténticamente ella en la sociedad actual, una sociedad exclusivamente masculina, con leyes exclusivamente masculinas, con jueces y fiscales que la juzgan desde el punto de vista masculino."

La obra generó una enorme polémica y diversos sectores la consideraron un ataque a los fundamentos de la familia, hasta el punto de que el autor se vio obligado a cambiar su sorpresivo final para su estreno en Alemania.

Desde su estreno en Copenhague el 4 de diciembre de 1879, ha sido representada en innumerables ocasiones en todo en mundo y en los más variados idiomas. A Nora la han dado vida las que entonces estaban entre las mejores actrices del planeta, entre ellas la española Catalina Bárcena, considerada junto a Margarita Xirgu y María Guerrero, una de las tres grandes actrices españolas de la época. La interpretó en 1917, en el Teatro Eslava de Madrid, en versión de Gregorio Martínez Sierra.

No solo ha suscitado las reseñas de críticos teatrales en prensa, sino también estudios en los libros consagrados a Henrik Ibsen.

ANIMALES NOCTURNOS

 

Susan (Amy Adams) es una galerista afincada en Los Ángeles que comparte una vida llena de lujos, aunque vacía, con Hutton Morrow (Armie Hammer), su segundo marido. Un día Susan recibe el borrador de una novela escrita por su exmarido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), del que lleva años sin tener noticias. En una nota le pide que lea la novela inédita y que se ponga en contacto con él, pues se quedará unos días en la ciudad. Esa noche Susan, sola en la cama, empieza a leer, y es la historia de un matrimonio con una hija que, conduciendo por Texas una noche, son perseguidos por otro vehículo.

El film narra una historia dentro de otra historia, la que cuenta la novela que recibe la protagonista, titulada Animales nocturnos, de ahí el título de la película, que narra la peripecias de un hombre cuyas vacaciones familiares, de repente se tornan violentas y mortales. También es la historia de Susan, quien recuerda su primer matrimonio y se enfrenta a oscuras verdades sobre sí misma. 

El guion, del propio realizador, Tom Ford, adapta la novela Tony and Susan (publicada en España como Tres noches), del norteamericano Austin Wright.

Antes de nada, señalar que la historia que narra la novela escrita por el exmarido de la protagonista, logra concitar la atención del espectador. Dicho lo cual, el verdadero alma del film está en la conjugación de las dos historia que se entremezclan en la narración, ya que ambas, desde perspectivas diferentes, establecen un símil, casi siempre en forma críptica, sobre el que el espectador debe ir reflexionando y descubriendo los paralelismos, quizá el más obvio el de la venganza, pero hay otros menos evidentes y sujetos a la interpretación de cada cual. 

De estética muy cuidada, esta compleja película, nos habla, sobre todo, de la influencia que el arte (una pintura, una melodía o, cual es el caso, una novela), puede tener en nuestras propias vidas en un momento determinado.

ANORA

 

Ani (Mikey Madison), una joven prostituta de Brooklyn que trabaja como stripper en un club, tiene la oportunidad de protagonizar un cuento de hadas cuando conoce al hijo de un oligarca ruso e impulsivamente se casa con él. Cuando la noticia llega a Rusia, su feliz historia se ve amenazada, ya que los padres parten hacia Nueva York para intentar conseguir la anulación del matrimonio.

Dicen algunos que es divertida, pero lo cierto es que yo personalmente no le he encontrado la gracia por ningún lado. En cualquier caso, si lo hubiere, es un humor muy particular.

También hay quienes opinan que es demasiado larga. Yo pienso que, para lo que cuenta, lo es.

EL MANANTIAL DE LA DONCELLA

 

Como cada verano, una doncella debe hacer la ofrenda de las velas en el altar de la Virgen. El rey Töre (Max von Sydow) envía a su hija Karin (Birgitta Pettersson) en compañía de Ingrid (Gunnel Lindblom), una muchacha que odia a Karin en secreto. Antes de cruzar el bosque, Ingrid se detiene y abandona a la princesa, pero la muchacha prosigue su camino y se encuentra con unos pastores, aparentemente afables, que la invitan a compartir su comida.

Ambientada en la Suecia del siglo XIV, está basada en una antigua leyenda sueca. Los pastores violan y asesinan de forma brutal a Karin, tras de que Ingrid invocara una maldición. Por un extraño giro del destino, los asesinos piden comida y refugio a los padres de la joven fallecida, quienes, al descubrir la verdad sobre sus inquilinos, se vengan de forma escalofriante.

El film fue premiado con el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película extranjera.

Igmar Bergman hace de esta leyenda medieval un retrato del alma humana y sus contradicciones. Por un lado la pureza, la virtud y la ingenuidad de la princesa y, por otro, la maldad, el odio, la envidia y la venganza de quienes la rodean, ante la mirada de un Dios que no interviene para para proteger a quienes han depositado su fe en Él. 

La fotografía de Sven Nykvist adquiere absoluto protagonismo, con imágenes de gran fuerza expresiva y un dominio excelso del claroscuro, dotando del relieve adecuado a las cuidadas composiciones y a los arriesgados planos que el realizador propone. 

Una película bella y cruel al mismo tiempo, toda una obra de arte.

EL HUEVO DE LA SERPIENTE

 

En el Berlín de los años 20, Abel Rosenberg (David Carradine), un trapecista judío norteamericano y alcohólico encuentra el cadáver de su hermano en la habitación que ambos comparten. Se ha suicidado, y Abel buscará refugio en su cuñada, Manuela (Liv Ullmann), que trabaja en un cabaret desde que la pareja se divorció hace un par de años. Entre ambos surge una relación de mutua dependencia, en un mundo golpeado por la crisis, la violencia y la muerte.

La vida de Abel se complica cuando el inspector Bauer (Gert Fröbe), que llevó el caso del suicidio de su hermano, comienza a interrogarle sobre una serie de muertes misteriosas ocurridas el último mes en los alrededores de su residencia. Abel empieza a sospechar que le están tendiendo una trampa solo por el hecho de ser judío.

Para muchos, la menos reconocible de las películas de Ingmar Bergman. Cargada de simbolismo, se centra en el periodo de entreguerras, con una Alemania empobrecida, en la que sus habitantes tratan de salir adelante como pueden y con la presencia naciente del nacionalsocialismo, al que hace alusión el título de la película: "Como el huevo de la serpiente a través de cuyo envoltorio traslúcido, puedes ver al pequeño animal completamente formado", algo así dice uno de los personajes y eso era Alemania en aquel momento, aunque pocos lo reconocían, su futuro inmediato podía verse ya con toda claridad.

LO QUE ESCONDEN LAS NUBES OSCURAS

 

Una lluviosa tarde de viernes en julio de 2011 aparece muerto en su casa de Oslo Sander Mohr, el hijo de ocho años de una familia acomodada de la ciudad. Los padres, inconsolables, hablan con la psicóloga penal Inger Johanne Vik, amiga y compañera de instituto de la madre, que determina que la muerte se ha debido a un trágico accidente doméstico. Tan solo Henrik Holme, un joven agente recién graduado en la academia de policía, sospecha del padre. Sin experiencia, pero con una gran fuerza de voluntad y apoyándose en su instinto, se las arregla para convencer a Vik para que apoye su línea de investigación. A la sombra de los atentados terroristas que asolaron el país el mismo día que Sander murió y que monopolizan gran parte de los medios y del personal de los cuerpos de policía, poco a poco se irán desentrañando los secretos más sucios de la familia Mohr. La búsqueda de la verdad sobre la muerte del niño se convertirá en una confrontación brutal con los prejuicios, la vergüenza, la mentira, los fallos del sistema y la degradación humana.

Esta es la última novela de la serie Vik y Stubø (el matrimonio formado por Yngvar Stubø e Inger Johanne Vik) que acorde con el final que nos presenta la autora, la noruega Anne Holt, no va atener continuación.

El caso que nos presenta aquí, protagonizado principalmente por el policía novato y por Inger Johanne, sin apenas intervención de su marido, se adentra en el tortuoso mundo del maltrato infantil, una situación que sufren más pequeños de los que podría parecer y de la que es difícil hallar cifras exactas, probablemente porque sean enormes y que dan como resultado que, a pesar de los avances de los últimos años y de la toma de conciencia social, muy pocos de los agresores sean condenados.

Aparte de que la intriga que plantea pueda resultar más o menos atractiva para el lector, el libro puede interpretarse también como una llamada de atención a cada uno de nosotros: el maltrato infantil ocurre  porque permitimos que ocurra. Porque no nos lo podemos creer. Porque lo más sencillo es mirar para otro lado.

LOS COMULGANTES

 

Thomas Ericsson (Gunnar Björnstrand), un pastor protestante que celebra los oficios religiosos con la iglesia casi vacía, es un hombre solitario que sufre una profunda crisis espiritual y cuya vida carece de sentido. Incluso el amor que le profesa la maestra Märta Lundberg (Ingrid Thulin) se ha vuelto para él una carga insoportable. Su situación se agrava al verse incapaz de ofrecer ayuda alguna a un matrimonio que acude a él para pedirle consejo.

Muy cercano a las reflexiones unamunianas en San Manuel Bueno, martir, Bergman plantea las dudas existenciales de este sacerdote que está aguardando desesperadamente oír la voz de Dios.

El maestro sueco hace arte de la sencillez, tanto de la puesta en escena, como del propio argumento para crear uno de los dramas más profundos y certeros sobre la naturaleza humana y las dudas que provoca la fe en un Dios que no vemos. Un silencio a nuestras preguntas, cuyas respuestas están en nosotros mismos.

CARA A CARA AL DESNUDO

 

Con su esposo Eric (Sven Lindberg) en un congreso médico en Chicago y su hija de catorce años en un campamento de verano, la psiquiatra Dra. Jenny Isaksson (Liv Ullmann) ha vaciado su antigua casa mientras se construye la nueva y se ha mudado con sus abuelos a la casa donde creció. Tras asumir temporalmente el puesto de médica jefe en un hospital psiquiátrico, sustituye a una colega de vacaciones. Mantiene una aventura casual y sin sentido con un hombre, mientras cree que Tomas Jacobi (Erland Josephson), a quien conoce en una fiesta, también le hace insinuaciones sexuales. Independientemente de si su suposición sobre Tomas es correcta, ambos se hacen amigos y compañeros frecuentes. Al ver a su abuela cuidar con cariño a su abuelo enfermo, recordar su infancia con sus abuelos, pasar tiempo con Tomas y procesar un suceso relacionado con uno de sus casos más graves, Jenny, en un estado mental frágil, sufre una crisis nerviosa.

Tras la apariencia de equilibrio emocional, su austero vestuario y su enigmática sonrisa, ella que se dedica profesionalmente a tratar de sanar mentes enfermas, nuestra protagonista convive son sus angustias y sus fobias como puede, hasta que asoman de manera brutal y consiguen derribarla.

El talento de Ingmar Bergman y la sorprendente y demoledora interpretación de Liv Ullman, consiguen sumergirnos en la angustia de la psique humana haciéndonos sentir todo el dolor, la soledad y la miseria del personaje. 

Un film complicado de ver por su doloroso realismo que, sin embargo, logra atraparnos con su opresiva y agobiante historia.

LA VERGÜENZA

 

Huyendo de la guerra civil que asola su país, Jan (Max von Sydow) y Eva Rosenberg (Liv Ullmann), dos músicos, se van a vivir a una isla, completamente apartados del mundo. Llevan una vida sencilla y apacible, cuidando gallinas y conejos y cultivando su invernadero, lo que les da para autoabastecerse y vender una parte para obtener ingresos adicionales. Hasta que un día llegan unos soldados y todo cambia radicalmente. La pareja es arrestada bajo la acusación de colaborar con las fuerzas rebeldes. Aunque son puestos en libertad cuando se demuestra que la acusación se sustenta en un montaje, nada volverá a ser igual.

La situación de la pareja protagonista que, en principio, parece idílica en la granja donde habitan, acabará siendo afectada por la guerra y se verán envueltos en su propio conflicto y es que por mucho que quieras mantenerte neutral, incluso lejano, cuando la acción armada llega a tus puertas, ya puedes esconderte como quieras que la propia guerra te va a devorar y, seguramente, a cambiar, no solo tu vida, sino también como persona.

Con un escueto reparto, el film consigue imbuirnos de toda la tragedia, la fealdad, la injusticia y el miedo que provoca la guerra, sin necesidad de mostrar combates o un gran despliegue de efectos (aunque los hay también). Las guerras destapan a los héroes, pero también dejan al descubierto lo peor de la naturaleza humana y eso lo retrata el film a la perfección.

La película fue tanto el análisis de Ingmar Bergman del violento legado de la Segunda Guerra Mundial como su mordaz respuesta a la escalada del conflicto en Vietnam.