JURADO Nº 2

 

Justin Kemp (Nicholas Hoult), un hombre que podríamos considerar normal, forma parte de un jurado en un juicio por asesinato. Se encuentra luchando con un serio dilema moral que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al acusado.

Como ya han señalado muchos críticos, una reflexión sobre los puntos grises de la justicia con la excusa de la tensión que vive el protagonista, cuyo sentido de culpa le lleva a argumentar a favor del acusado sin desvelar su implicación en el hecho que se está juzgando.

Técnicamente más que correcta, como no podía ser menos, los intérpretes están bien dirigidos por Clint Eastwood, si bien, tanto algunas de sus premisas, como el último giro de guion resultan bastante ventajistas, sin que soporten una explicación razonable, lo que supone una pequeña decepción para un film cuyo argumento, a mi juicio, promete más de lo que al final ofrece. 

No obstante, me parece una buena película, que merece la pena ver.

CRY MACHO

 

Texas, 1980. Mike Milo (Clint Eastwood) es una ex estrella de rodeo y criador de caballos jubilado que lleva una vida tranquila alejada de las competiciones. Un día, su antiguo jefe y socio, Howard Polk (Dwight Yoakam), le pide un favor: traer de vuelta a su hijo Rafael (Eduardo Minett), que vive en México con su problemática madre Leta (Fernanda Urrejola). Lo que al principio parece un trabajo sencillo, desemboca en una peligrosa aventura llena de obstáculos que complican el camino para regresar a casa.

Basada en la novela del mismo título de N. Richard Nash, inicialmente escrita como guión cinematográfico, de ahí que su autor, a pesar de haber fallecido en 2.000, figure también como guionista en los títulos de crédito junto a Nick Schenk, con quien Eastwood ya ha trabajado en Gran Torino o The mule.

Hubo varios intentos de llevarla a la pantalla anteriormente, uno de ellos impulsado por Arnold Schwarzenegger, que tenía planeado regresar al cine con este film tras su etapa como gobernador de California.

Desde el respeto que me merece la figura de veteranísimo actor y director Clint Eastwood, una leyenda viva del cine, esta es una película muy menor tanto en su faceta interpretativa como en la de realizador. Se pueden sacar lectura positivas, claro que sí, los momentos de ternura, el encanto del baile a los compases de "Sabor a mi" (aunque a algunos seguro que les resulta repetitivo de algunas de sus películas) o las críticas al machismo de un tipo que fue el "macho" por excelencia en algunos de sus films. Pero estoy de acuerdo con las críticas sobre la endeblez del guión y ya no digamos sobre las interpretaciones de las que quizá se salva Natalia Traven. 

Sabido por sus seguidores es que Eastwood, sobre todo desde que, allá por el lejano 1967, creó Malpaso Productions, rueda en una o, como mucho, dos tomas y eso, para que funcione, requiere intérpretes buenos, al menos competentes, para lo cual, la labor de casting es fundamental, algo que se ve aquí no ha funcionado, al menos a mi juicio, se les nota envarados, como si compartir secuencia con un mito les quitara naturalidad o tal vez es que no dan la talla simplemente. 

Eso sí, van a disfrutar de una fotografía esplendorosa, de unos paisajes muy bien retratados y de algunas tomas que son auténticas postales impresionantes por su belleza. 

Añado a ello algo que me llamó la atención: El montaje de las primeras secuencias del film, con algunas tomas muy buenas que están magníficamente ensambladas.

RICHARD JEWELL

Cuando desarrollaba su labor como guardia de seguridad en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996, Richard Jewell (Paul Walter Hauser) descubrió una mochila con explosivos en su interior y evitó un número mayor de víctimas al ayudar a evacuar el área poco antes de que se produjera el estallido. En un principio se le presentó como un héroe cuya intervención salvó vidas, pero posteriormente Jewell pasó a ser considerado el sospechoso número uno y fue investigado como presunto culpable.

El guión se basa en el artículo periodístico ‘American Nightmare: The Ballad of Richard Jewell’ de Marie Brenner, publicado por Vanity Fair en 1997 y en el libro ‘The Suspect’, escrito por el fiscal Kent Alexander y el editor periodístico Kevin Salwen. 

Tres días después de la explosión, el periódico local de la ciudad de las Olimpiadas, The Atlanta Journal-Constitution, publicó que Richard Jewell era el principal sospechoso para el FBI. Las razones que apuntaban son que el guardia de seguridad encajaba en el perfil de terrorista solitario. En el artículo de la periodista Kathy Scruggs se incidía en la forma física de Jewell, su extraña vida social, que vivía con su madre pasada la treintena y que todo podría ser un plan para llegar a cumplir su frustrado sueño de ser policía. La periodista Kathy Scruggs (interpretada por Olivia Wilde) nunca reveló el nombre de su fuente, pero los autores del libro descubrieron que se trataba del agente del FBI, Don Johnson. En la película, se ha cambiado por el ficticio Tom Shaw (Jon Hamm).

La película ha sufrido un enorme batacazo de taquilla en EE.UU., en buena parte por el escándalo que ha montado a su alrededor la prensa norteamericana que se ha sentido atacada y lo ha tomado como algo personal. Vamos a verlo todo desde nuestra perspectiva europea alejada de estas controversias que ni nos van ni nos vienen. 

He de decir que en esta cita anual con los espectadores, Clint Eastwood sigue la estela de algunos de sus últimos trabajos (El francotirador, Sully o la fracasada 15:17 tren a París), en las que retrata a héroes de carne y hueso, gente común, sin capa ni superpoderes, que se ven enfrentados a problemas por las iniciativas que tomaron que, en ocasiones, les hacen pasar de héroes a villanos. Eastwood no tiene reparo alguno en criticar a cierta prensa que no mide bien las consecuencias de lo que publica y somete a quien coloca en el centro de la noticia a una exposición mediática que no puede combatir por falta de los recursos con los que sí cuentan los medios de comunicación. También pone en el punto de mira en la policía, en concreto el F.B.I. y su afán de encontrar un culpable al precio que sea, sin mirar si están arruinando la vida de un inocente. 

Todo esto lo hace el director norteamericano con la maestría habitual que demuestra desde hace tiempo, una absoluta limpieza narrativa, concreción a la hora de hacernos llegar la historia y una técnica depurada en la realización. Prácticamente en la primera secuencia tenemos descritos los perfiles del protagonista y del que después será su abogado y, con la misma certeza, nos va describiendo a los demás e introduciendo en una historia que resulta atractiva y muy entretenida. 

Hay un par de frases que se producen en el interrogatorio que el F.B.I. le hace a Jewell, que me llamaron la atención: 

Antes de comenzar, el protagonista le dice a su abogado que sus interrogadores son agentes del gobierno y este le contesta que los agentes que le van a preguntar, no son el gobierno de los EE.UU., sino tres idiotas que trabajan para él. 

La otra, es el demoledor alegato que Jewell hace en su defensa, dejando sin palabras a los policías y que da por concluído el interrogatorio: "¿Qué creen Vds. que hará a partir de ahora un vigilante de seguridad cada vez que encuentre un paquete sospechoso? ¿Ponerlo en conocimiento de la policía? ¡No!, saldrá corriendo y tratará de alejarse lo más posible, no querrá ser un nuevo Richard Jewell".

THE MULE (MULA)

Earl Stone (Clint Eastwood), un nonagenario, veterano de la guerra de Corea, tiene una pequeña granja donde cultiva y comercializa lirios, alcanzado el culmen del éxito cuando recibe la medalla de oro por una de sus variedades, en la convención anual de cultivadores. Pero a principios de este siglo, el negocio comenzó a no no ser rentable, sobre todo a consecuencia de que las ventas por internet le van quitando mercado, lo que le empuja a negociar créditos, cuyo impago le lleva a la quiebra y a perderlo casi todo, tan solo quince años después de haber obtenido aquel gran éxito..

Fue en ese momento cuando, a través de un conocido, entra en contacto con el cartel de Sinaloa y se convierte en uno de sus chóferes estrella, distribuyendo decenas de toneladas de droga a lo largo y ancho de los EE.UU. y hasta tal punto resulta rentable para los narcotraficantes, que se le asigna un controlador, una persona que le vigila, dada la importancia y el valor de los cargamentos que se le van encargando.

Stone aprovecha sus viajes con la droga a bordo de su furgoneta, para visitar amigos y viejos conocidos, al principio, solo sospecha cuál es su trabajo, aunque a partir del tercer envío, es plenamente consciente de lo que transporta en sus viajes. Pero no será únicamente el controlador de los narcotraficantes quien le vigile, la importancia de sus cargamentos, le pone en el punto de mira del agente especial de la DEA Colin Bates (Bradley Cooper), que ha viajado a Chicago con el encargo de descubrir quién está detrás del aumento de droga en la ciudad.

Cuando sus problemas de dinero comienzan a quedar atrás, el pasado de Stone regresa con más peso del que desearía, resultando incierto que  Earl tenga tiempo de corregir los errores que cometió en otros tiempos, antes de que los agentes de la ley o los encargados de hacerle cumplir sus compromisos con el cartel, caigan sobre él.

El guión se basa en un artículo de Sam Dolnick en el New York Times, sobre el caso de Leo Sharp, un veterano de la II Guerra Mundial, que luchó en la campaña de Italia, por lo que fue condecorado y que con 80 años, se convirtió en la mula (así se conoce en el argot a quienes transportan la droga de manera ilegal entre unos distribuidores y otros) más antigua y prolífica del cartel de Sinaloa.

Sharp fue detenido con un cargamento de droga en 2011, cuando contaba 87 años.

Antes de sus actividades ilegales, fue mundialmente conocido en el ambiente de la floricultura y los vecinos de Sharp en la ciudad de Michigan recuerdan cuando había autobuses llenos de clientes afuera de su puerta de entrada que esperaban para comprar sus flores exclusivas, casi todas con el nombre de su negocio, Brookwood Gardens. En el momento de su detención, se jactó de haber sido invitado una vez a la Casa Blanca, donde plantó flores en el Jardín de Rosas para el presidente George W. Bush.

El hombre de dos cara y el mundo del narcotráfico, esos son los dos ambientes en que, paralelamente, se mueve la película.

Earl es un tipo ingenioso, con un sentido del humor un tanto particular, trabajador, enamorado de sus flores y que cae bien entre quienes le frecuentan. Sin embargo, tiene a su familia poco menos que desatendida, su mujer se ha separado de él y su hija no le habla desde hace doce años, cuando no se presentó en su boda a pesar de que ella (y el resto de la familia), le esperaba para que la llevara del brazo al altar.

Casi al final de su vida, se da cuenta de todo lo que ha perdido y que el cariño y la entrega que dedicó a sus cultivos, debía haberlo repartido con sus seres queridos. Ahora trata de recuperar el tiempo perdido, aunque quizá sea demasiado tarde. Como le dice su esposa desde su lecho de muerte: No hacía falta que te hicieras rico para que te hubiéramos querido.

El narcotráfico lo vemos retratado de manera inteligente y bastante veraz. Tras la apariencia del dinero fácil y de un trabajo sencillo, al fin y al cabo, se trata tan solo de conducir, se esconde la dura, cruel, peligrosa y mortal realidad.

Por un lado estás contribuyendo a la ruina económica, moral y física de muchas personas. Jóvenes y familias enteras, caerán en el pozo de la droga sin posibilidad de remisión, por más que tú, que solo la llevas de un lado a otro, no quieras ver aquello en que estás participando y, por otro, lo que parece ser una forma sencilla y limpia de ganar ingentes cantidades de dinero, te convierte en esclavo de una organización criminal sin escrúpulos, que no entiende de amistades y que pone su afán de lucro por encima de vidas y lazos de sangre o afecto.

Stone, que podría ser el prototipo del americano conservador, se encuentra ahora trabajando para una banda de latinos. ¿Puede haber mayor contrasentido?

Es una historia que se hace amena y entretenida, con toques de comedia que, sin embargo, ni banalizan, ni tratan de hacerlo, el turbio mundo en que se mete el protagonista, sino que nos revela el camino que trazan estas empresas criminales para quienes trabajan para ellos: Todo es placer, comodidades y dinero fácil, hasta que te tienen atrapado y te aprietan el dogal.

El principal inconveniente de esta película, es también su mayor virtud, se llama Clint Eastwood, que llena toda la pantalla interpretando a uno de esos personajes en que ya le hemos visto otras veces, pero que reinventa con matices diferentes, dejando a los demás como meros figurantes. Sin llegar a la altura de Gran torino, aquí crea un personaje que nos recuerda al de Walt Kowalski, aunque es bastante diferente.

Pienso que, a pesar de que no está entre las grandes creaciones de Eastwood, es de lo más interesante que ha hecho en los últimos años y demuestra que su pulso sigue conservando la maestría y firmeza que nos lleva a confiar en que, todavía, nos puede dar la obra de arte que cada año esperamos.

15:17 TREN A PARÍS

A primera hora de la tarde del 21 de agosto de 2015, el mundo quedó paralizado y en silencio, mientras era testigo de las informaciones facilitadas por los medios de comunicación, que hablaban de un atentado terrorista frustrado en el tren Thalys de alta velocidad número 9364, que se dirigía a París desde Ámsterdam; el ataque había sido evitado por tres valientes jóvenes estadounidenses que estaban de viaje por Europa. La película narra el devenir de las vidas de estos amigos, desde sus primeros problemas durante la infancia hasta que encontraron su lugar en la vida, para llegar a la serie de excepcionales acontecimientos que se concatenaron antes del ataque. A lo largo de la angustiosa prueba a la que se ven sometidos, su amistad nunca flaquea, sino que se convierte en su mejor arma y les permite salvar las vidas de los más de 500 pasajeros que iban a bordo del tren.

El heroico trío está compuesto por Anthony Sadler, el antiguo miembro de la Guardia Nacional de Oregón Alek Skarlatos y el antiguo cabo de aviación del Ejército del Aire de Estados Unidos Spencer Stone, que se interpretan a sí mismos en la película.

El film narra la historia real de estos tres hombres cuya bravura y valentía les convirtieron en héroes durante un viaje en el tren de las 15:17, con destino a París.

El primero que se enfrentó con El Khazzani, el terrorista armado, fue un francés que intentó en vano pararlo y dio la alerta al resto de los viajeros y fue cuando intervinieron estos tres jóvenes norteamericanos. El francés rechazó la Legión de Honor que le fue concedida en premio a su valor y prefirió mantener el anonimato, según parece, por temor a futuras represalias yihadistas.

El guión se basa en el libro The 15:17 to Paris: The True Story of a Terrorist, a Train, and Three American Heroes, escrito por el periodista Jeffrey E. Stern, en colaboración con los tres protagonistas de la historia Spencer Stone, Anthony Sadler y Alek Skarlatos.

En general la crítica ha tachado la película de mala, así de claro.

A estas alturas, Clint Eastwood puede hacer lo que quiera, tiene crédito de sobra para permitirse rodar lo que a él le apetezca sin pararse a pensar en otra cosa.

Supongo que en esta ocasión algo de eso ha ocurrido, aunque es cierto que no podía acometer el proyecto que tenía en la cabeza, desconozco las razones, y así como para pasar el rato, decidió embarcarse en este otro.

¿La película es mala? Yo creo que no, lo que sí puede ocurrir es que haya gente que vaya a verla pensando en que va a ver durante hora y media los avatares de estos personajes en el interior del tren tratando de reducir al terrorista y se encuentra con que es una película sobre sus vidas, incluída su infancia y que lo del tren, que da título al film, dura escasos 15 minutos.

Y encima, sus vidas no son nada del otro mundo, son chavales del montón, con sus problemas, es cierto, pero no son delincuentes juveniles, ni grandes deportistas, ni chicos que llamen la atención por nada en especial, sino jóvenes del montón.

La película no es aburrida, lo que ocurre es que habla de cosas sencillas y eso, dependiendo cómo se mire, también es un mérito, que sea capaz de hacer una película más o menos llevadera, con vidas normalitas y, eso sí, con unos quince minutos finales made in Eastwood. Que quince minutos brillantes no justifican un film de hora y media, pues no, es cierto, pero es que el resto está bien rodado, aunque, para ser sincero, hay que reconocer que no cuenta nada.

Otra de las cosas que algunos le han criticado es que escogiera a los auténticos protagonistas reales de la historia para interpretar sus propios personajes. Que si no les ha dirigido y les ha dejado a su albedrío, que si se nota que no son profesionales... Eso dicen algunos, seguramente tendrán razón, pero a mí me ha parecido que no lo hacen mal y que le dan un tono de frescura y espontaneidad al film.

En fin que a pesar de lo que digan sus fans, no creo que con el paso del tiempo esta película sea muy recordada, pero tampoco hay que sacar las patas por alto y ponerle a caer de un burro. Film sencillo, yo creo que sin demasiadas pretensiones, en el que hecha mano de eso que tanto le gusta al director/realizador norteamericano de cantar las virtudes del heroísmo americano, aunque, eso sí, no dejen de observar una escena, cuando los amigos están visitando Berlín y le dicen al guía que les muestra el lugar donde estaba el bunker del Führer, que ellos pensaban que Hitler había muerto en el Nido del Águila, su refugio de los Alpes Bávaros, acuciado por la inminente llegada de los norteamericanos y el guía les replica: Pues no, Hitler murió aquí, junto con su esposa Eva Braun y fueron los rusos quienes le tenían cercado. Sus libros de historia están equivocados y no siempre es gracias a los americanos lo que de bueno ocurre en el mundo.

Patriota, pero no patriotero.

SULLY

El jueves, 15 de enero de 2009, el vuelo 1549 de US Airways, chocó contra una bandada de gansos y sus motores fueron perdiendo potencia, sin que ninguno de los dos fuera capaz de producir suficiente empuje para mantener el vuelo. Como quiera que el avión había ido perdiendo altura, en vez de regresar al aeropuerto, el comandante del vuelo, Chesley 'Sully' Sullenberger (Tom Hanks), decide posar el avión sobre las aguas de río Hudson, con el resultado de que la totalidad de los pasajeros y personal de a bordo, resultaron ilesos.

Lo cierto es que Sullenberger es recibido como un héroe por haber salvado la vida de los 155 pasajeros con su arriesgada maniobra, sin embargo, la investigación abierta a continuación, plantea algunas dudas sobre la conveniencia o no de su decisión y si no hubiera sido menos arriesgado poner proa al aeropuerto de LaGuardia, ya que aunque el piloto mantenía que no sabría si podría llegar, los simuladores, cuyos datos manejan los investigadores, aseguran que podría haberlo hecho.

El caso es que Sullenberger se ve perseguido y acosado y las compañías aseguradoras pretenden responsabilizarle de todo lo ocurrido.

Inspirada en el libro que el propio capitán Sullenberger escribió junto a Jeffrey Zaslow, Highest Duty: My Search for What Really Matters (El deber más alto: mi búsqueda de lo que realmente importa), la película se rodó sobre un guion de Todd Komarnicki. Al lado del actor principal, se encuentra Aaron Eckhart, en el papel de Jeff Skiles, el copiloto que le acompañaba en ese vuelo. Laura Linney y Holt McCallany forman parte del reparto.

Basada en acontecimientos reales, la película narra una historia sencilla, con un momento muy llamativo, el del aterrizaje forzoso del avión sobre el Hudson y el resto, la especie de calvario a que se ve sometido el protagonista, mezclado con sus problemas personales.

Eastwood elude alargar las escenas y los efectos espectaculares y nos ofrece un producto igual de sencillo que la historia narrada, haciendo gala de su veteranía para crear expectación y cierta tensión cuando el film parece que va a decaer por algunas escenas que podrían ser incluso prescindibles.

Un acierto que la duración sea la que es, sin pretender estirar un relato que tampoco es que de para mucho más.

Yo pienso que el film lo sostiene Tom Hanks (seguramente será uno de los nominados al Oscar, al tiempo) con una brillante interpretación y muchos minutos de cámara sobre él, bien apoyado por el no menos reseñable trabajo de Aaron Eckhart.

Una película de esas que te deja elementos para pensar cuando acabas de verla, sobre todo las reflexiones sobre esa cierta injusticia de someter a examen bajo lupa, desde cómodos despachos y laboratorios, actos de personas que tuvieron que tomar decisiones bajo presión, sin contar para nada con el ineludible factor humano. "No hay precedentes", le dicen a Sully en la comisión. "Nunca los hay cuando algo sucede por primera vez", responde él.

"Sully" es la historia de un hombre sencillo que se ve metido en una situación no buscada y que responde con la profesionalidad de quien lleva muchos años haciendo un trabajo que le gusta. "Sólo hice bien mi trabajo", eso es lo que piensa, lo demás, héroe para el público, villano para la compañía y las aseguradoras, es algo que le viene de fuera, que se han inventado los demás y que a él no le interesa.

AMERICAN SNIPER (EL FRANCOTIRADOR)

En el mundo hay tres tipos de personas: Las ovejas, los lobos y los perros pastores; nosotros somos los perros pastores que empleamos nuestra fuerza para defender a los débiles del ataque de los lobos.

Esta fue una de las enseñanzas que Wayne Kyle (Ben Reed), inculcó a sus hijos con motivo de una pelea en la que el mayor de ellos, Christ (Bradley Cooper), pegó a otro muchacho que estaba abusando de su superioridad con el hermano menor. Christ también aprendió a manejar armas, ya que a los ocho años, le regalaron un rifle Springfield con el que cazaba faisanes, codornices y ciervos acompañando a su padre.

Aunque junto a su hermano tenía planes para ganarse la vida participando en los rodeos, un día viendo la televisión quedó impactado por las consecuencias del ataque a una legación diplomática estadounidense en el extranjero y decidió intentar alistarse en las fuerzas navales para ayudar a su país y proteger a sus ciudadanos de la amenaza del terrorismo internacional.

Enrolado en la marina, Kyle, fue admitido en el programa de SEAL, en la especialidad de francotirador.

Durante su periodo de instrucción, conoce a Taya (Sienna Miller), de la que se enamora y con la que acabará casándose. El día de su boda, la Compañía Charlie del equipo número 3 de los SEALs, unidad a la que pertenece Kyle, recibe órdenes de partir hacia Irak, país al que EE.UU. ha declarado la guerra, concretamente a la ciudad de Ramadi.

El guión se basa en el libro de memorias del mismo título que la versión original del film y en el que Chritian Kyle explica su experiencia como tirador SEAL.

Lógicamente, algunas cosas están alteradas, quizá la más llamativa, la impactante secuencia, de la que se ha echado mano en el trailer, en la que una mujer aparece con una granada que entrega a su hijo para que este la lance contra un convoy norteamericano, mientras Kyle le tiene en el punto de mira. En el libro las cosas no se cuenta así, pues es la mujer la que va a lanzar la granada tratando de aprovechar la impunidad que le da llevar un niño en brazos. Con todo lo duro que es disparar a una mujer que lleva al niño cogido, no es lo mismo que disparar directamente al crío. Esta simple vuelta de tuerca del guión puede explicar hasta qué punto son llevadas al extremo algunas cosas en el film, cuando muchos pensarán que no hacía falta tanto, pero eso es otra cuestión.

Ya les adelanto lo que van a leer y escuchar en las críticas sobre este film, desde que es una americanada llena del más rancio patrioterismo, hasta las que, alineadas en la parte contraria, vean en el film un canto a los valores de entrega, sacrificio y compañerismo en pro de la salvación de la civilización occidental frente a la amenaza del islamismo radical y es que la película apenas admite medias tintas y, más que cómo está hecha o de qué cosas habla, la percepción que tenga de la misma el espectador está en la forma de verla y en los conceptos que uno traiga de antemano sobre aquellas actuaciones que narra.

El film se limita a contar lo que fue aquella campaña de Irak sin entrar en los motivos, lo de las armas de destrucción masiva que nunca existieron y todo aquello que recordamos porque forma parte de la historia bien reciente, así que, por tanto, tampoco se pronuncia sobre la legitimidad del ataque estadounidense, de buenas a primera nos encontramos transitando por las calles de Ramadi o de Fallujah, metidos en el pellejo de un francotirador formado en los valores de Dios, patria y familia, que no ve personas en aquellos sobre los que dispara, sino gente que va a atacar a sus compañeros de armas y que si él consigue eliminarlos antes, va a salvar la vida de unos cuantos marines. Estas son reflexiones del propio Kyle, a quien no le duele haber matado a quienes amenazaban con matar a sus compañeros, pero sí le remuerde la conciencia por las vidas de militares estadounidenses que no consiguió salvar.

Eastwood ha conseguido la maestría en la técnica cinematográfica, así que la historia está acompañada de una excelente calidad en el plano técnico, aunque quizá la narración puede hacerse un poco pesada en algunos momentos, en los que parece que el film avanza con lentitud, sobre todo cuando nos cuenta los problemas que su actividad lejos del hogar y poniendo su vida en peligro, le causa al protagonista en su relación conyugal, opino que lo mismo que nos cuenta, lo podría haber hecho con algunos minutos menos de película.

Habrá quien vea concomitancias lejanas con el western, esto de los tiroteos, aunque sea en la distancia y con armas de alta precisión, siempre nos trae esos recuerdos de los desafíos, en este caso el que protagonizan Kyle y el francotirador árabe que se inventa el guión del film y si encima están por allí Clint Eastwood y Ennio Morricone, pues eso.

La película trata de hacer una aproximación a la psicología de la guerra y al sentido moral del deber que mueve a quienes luchan en ella, una visión muy alejada del simplón pacifismo de quienes disfrutan de libertad para criticar a los militares gracias a que éstos se dejan su sangre y su vida en el frente por esa libertad. Además ellos no declaran las guerras, ni los armisticios, eso se hace en los despachos de los políticos, bien es cierto que casi siempre con alguna razón oculta que, de descubrirse, será cuando todo haya acabado y algunos no vivan para contarlo.

Bien interpretado por Bradley Cooper que lleva sobre sus espaldas todo el peso del film, creo que está logrado el retrato del protagonista, una persona de ideas simples (por sencillas) y claras (otra cosa es que se esté de acuerdo o no con ellas). Él se ve como un cowboy, con una fuerte religiosidad y un alto sentido patriótico. Quizá desde estos lares, estas cosas se vean de otra manera, pero para el norteamericano medio, Christ Kyle es un héroe que puso su vida en riesgo por su país.

Al final de la película, hay una especie de homenaje, con imágenes documentales, a Christ Kyle, muerto el 2 de febrero de 2013, curiosamente tiroteado por un compatriota, excombatiente también, cuando hacía prácticas en un campo de tiro; al parecer, el hombre tenía perturbadas las facultades mentales y cuyo juicio se celebra en estos días.

Kyle es tenido por el francotirador más letal de la historia militar de los Estados Unidos, con 255 enemigos eliminados, de los cuales 160 pudieron ser confirmados.

JERSEY BOYS

Vincent Piazza (Tommy DeVito), un chico nacido en Newark (Nueva Jersey), en cuyas calles ha crecido, haciendo algún trabajito para el ganster local Gyp DeCarlo (Christopher Walken), tiene un amigo que trabaja como aprendiz de peluquero, Frankie Valli (John Lloyd Young), al que introduce en el mundo de la música, a través del grupo que tiene montado y que actúa en clubes locales.

Vincent, al igual que alguno de los otros miembros del grupo, de vez en cuando tienen problemas con la policía y son de sobra conocidos en la penitenciaría. En una de esas ocasiones, en las que uno de los integrantes del grupo musical está cumpliendo condena, Vincent convence a Frankie para que definitivamente se dedique a la música y forme parte del conjunto que en aquellos momentos se llama The four lovers, al que se incorpora algo más tarde, un prometedor compositor y teclista llamado Bob Gaudio (Erich Bergen).

Juntos, ya con el nombre definitivo, The Four Seasons, emprenden la aventura profesional, para lo cual comienzan a llevar "demos" a los editores, aunque ninguno se interesa, hasta que Frankie y Bob encuentran con un viejo amigo de Frankie, el extravagante Bob Crewe (Mike Doyle), que los lleva a una fiesta y más tarde les firma de un contrato. Después de un año, sin embargo, Bob se da cuenta de que el grupo sólo hace coros para otros músicos. Crewe les dice que aún tienen que hacerse un nombre y buscar un éxito musical para despegar.

Bob escribe entonces una nueva pieza músical, "Sherry", que cantan para Crewe por teléfono. Crewe, queda encantado por la voz de Frankie y graba la canción. Pronto, las radios no puede dejar de emitir "Sherry", y The Four Seasons pas a convertirse en grupo revelación. Sus siguientes dos singles, "Big Girls Do not Cry" y "Walk Like a Man" alcanzan el Nª 1. Los chicos empiezan a disfrutar de lujosos estilos de vida.

El film traslada a la pantalla el musical del mismo título, estrenado primero en La Jolla Playhouse, California, el 5 de octubre de 2004 y que posteriormente se traslado a Broadway, el 6 de noviembre de 2005, para llenar cada noche el August Wilson Theatre, donde se convirtió en todo un fenómeno de masas.

La música del film lleva la firma del Bob Gaudio.

Clint Eastwood prefirió elegir para los papeles de su película a los actores que interpretaron la obra teatral antes que decantarse por estrellas de Hollywood y, en parte gracias a la buena dirección, junto a la solvencia demostrada por los intérpretes, acierta a conseguir unos personajes creíbles y una historia que va más allá de una sucesión de números musicales, para sumergirnos en la vida del grupo y sus integrantes fuera de las luces del escenario, sus problemas familiares, las deudas de Vincent Piazza, las relaciones con la mafia, etc.

Será, pienso yo, un film menor dentro de la filmografía de Eastwood, pero está hecho con la maestría que viene demostrando desde hace tiempo, haciéndonos disfrutar de su habilidad en el manejo de la cámara, con composiciones técnicamente irreprochables.

La historia de un grupo que marcó una época hasta la irrupción de Los Beatles que hará disfrutar a los nostálgicos de la música de los 50 y a quienes sepan apreciar la solvencia de Eastwood detrás de la cámara y con una banda sonora que transmite optimismo y buena música.

GOLPE DE EFECTO

Gus (Clint Eastwood), trabaja como ojeador de un equipo de beisbol y, mientras presencia un partido, se da cuenta de que algo no funciona bien en sus ojos. Cuando va a consultar al médico, este le dice que puede haber un glaucoma y corre peligro de perder la visión.

El equipo le ha encargado que siga las evoluciones de un nuevo talento que compite en las ligas menores, para ver si merece la pena hacerse con sus servicios y, enterada de su problema de salud, su hija Mickey (Amy Adams), acude junto a su padre dispuesta a echarle una mano.

Mickey es una brillante abogada que está a punto de ser admitida como socia en un próspero bufete y su relación con Gus no es nada fácil, en buena medida por el carácter huraño del padre, un tipo difícil de tratar. A pesar de todo, Mickey no se deja llevar por el desánimo y está dispuesta a ser los ojos de Gus, incluso cuando los desplantes de éste se hacen más insoportables.

 

 

Debut en la realización de Robert Lorenz que, sin embargo, no es un recién llegado. Amigo íntimo de Clint Eastwood, es un habitual al frente de la segunda unidad en sus películas y, en buena parte, "culpable" de que el californiano decidiera volver a mostrarse como intérprete en una película tras veinte años sin hacerlo bajo la batuta de otro director que no fuera él mismo.

 

Aunque el director es otro, inmediatamente, desde las primeras secuencias, percibimos que esta peli lleva el sello Eastwood, al menos el de algunos de sus últimos films y, a medida que avanza, imposible no acordarnos de Gran Torino o Million dollar baby, por ejemplo.

Sin embargo, no piensen que van a ver otra peli deslumbrante como estas que quedan nombradas, a este film le falta bastante para llegar ahí y pienso que buena parte de sus carencias provienen del mismo guión, todo es muy lineal, demasiado simplón y totalmente previsible.

 

Las actuaciones, correctas, con el placer que supone ver en pantalla a algunos viejos y veteranos secundarios facilmente reconocibles para el aficionado.

Dos interpetaciones sobresalen sobre el resto, el padre y la hija, Gus y Mickey, Amy y Clint, que conectan muy bien y algunos de cuyos diálogos, salvan toda la película por la brillantez que llegan a alcanzar. Y es que ambos, más que hacer brillar a sus personajes, consiguen sobrevir a ellos.

 

A mi me ha recordado a algunos telefilmes de los que ponen últimamente las tardes de domingo por lo excesivamente sentimental que resulta.

El bueno de Lorenz, parece que se ha limitado a meter a Eastwood en un campo de beisbol y esperar a que todo discurra por sí solo.

Si no fuera por la presencia en el film de quien todos sabemos, no sé siquiera si se hubiera llegado a estrenar en nuestros cines y menos tratándose de beisbol, aunque es verdad que aquí lo del deporte es lo de menos, porque el film nos habla de sentimientos, de relaciones entre personas y es una pena que le falte ese algo para haber dado el salto a una peli con más empaque.

Pero bueno, tenemos otra vez el placer de disfrutar del vaquero de San Francisco haciendo el papel que hace ultimamente, pero también el que mejor se le ha dado durante toda su carrera, el solitario, gruñón, egocéntrico y, a la vez, un pedazo de pan cuando se le toca la fibra adecuada. Y es que, aunque la piel se arrugue, el talento perdura.

Entretenida, con algunas buenas escenas (la visita a su mujer en el cementerio, que me recuerda a algo ya visto en alguna peli de Eastwood, pero que es muy evocadora), muchos detalles que nos recuerdan a alguno de los útimos filmes de Clint y una escena rescatada de Harry el sucio que es todo un guiño a los incondicionales del mito Eastwood.

 

 

 

J. EDGAR

J. Edgar Hoover, es nombrado director del F.B.I. en 1924, cuando tan sólo contaba 29 años, permanecerá en el cargo hasta su apacible muerte en 1972. En todo ese tiempo, nada menos que 48 años, toda una vida, Hoover no sólo cambia la institución, sino que de hecho se le considera su fundador, pues la dota del carácter que ahora tiene, introduciendo novedosos e incluso revolucionarios cambios, sobre todo en lo relativo a la nueva ciencia forense.

Además de eso, Hoover intervino en los más famosos casos que tuvieron lugar durante tan dilatada trayectoria (el secuestro del hijo de Lindbergh, los asesinatos del presidente Kennedy o de Luther King, etc.). La información que manejaba llegó a dotarle de un poder casi absoluto sobre una serie de importantes personalidades, siendo la figura más cercana a un dictador que han tenido los EE.UU. Además el film nos acerca a algunos aspectos de su vida privada: La relación con su madre, su supuesta homosexualidad...

La película ha sido recibida con bastante frialdad por la crítica, cuando no directamente rechazada. Eastwood se enfrentaba a una tarea nada fácil, pero era su elección y lo que distingue a los grandes maestros es llegar allí donde las dificultades te lo ponen complicado. Él ya tenía experiencia con este tipo de películas (biopics creo que las llaman) biográficas, llevó a la pantalla la biografía de Charlie Parker (uno de sus ídolos) cuando rodó Bird, pero creo que aquí no llega al resultado que logró en aquella ocasión.

El guión del film se centra en algunos aspectos de la vida del personaje, en realidad su carrera fue tan dilatada que resultaba difícil abarcar todo, para ello se basa en muchos pasajes del libro "Oficial y confidencial", de Anthony Summers. En este libro y por ende en la película, se dan por hechas una serie de cosas que no están probadas por más que se tengan fundadas sospechas sobre ellas, así que hay que acogerlas con las reservas que cada cual considere oportunas.

En el fondo, el realizador se decanta más por el personaje y sus fantasmas que por su obra en sí. Eastwood trata de comprender a su protagonista, algo realmente difícil de conseguir y, sin destruír el mito, tampoco renuncia a la crítica en sus actuaciones tan criticadas como criticables, no en vano fue uno de los mayores manipuladores que uno pueda echarse a la cara.

Las actuaciones están bien, pero sin duda, la sorpresa, agradable sorpresa, es la actuación de Armie Hammer, sus miradas de enamorado hacia Hoover, las escenas íntimas, estremecen.

Maravillosa ambientación y tremenda labor de montaje dada la estructura aleatoria de la película. Mucho se ha hablado del maquillaje de Di Caprio y de Hammer, yo lo único que digo, a título personal, es que el resultado, sobre todo con éste último, no me gustó.

J. Edgar tiene la calidad estética y técnica que carateriza a Eastwood, pero fuera de eso, no logra captar la atención (a veces, incluso se hace aburrida) y, al final, el asunto de la homosexualidad, acaba siendo el eje del film.

Como alguien dijo, las pelis de Eastwood se dividen (salvo un par de ellas, que son directamente malas), en obras maestras y buenas películas, esta no es una obra maestra, desde luego le falta brillantez.

MÁS ALLÁ DE LA VIDA

Tras un tiempo sin escribir nada sobre el entrañable Clint, tras la pequeña decepción de Invictus, retomo su huella con la que, hasta el momento, es su última peli estrenada.
Difícil hablar de ella en poco espacio, no porque no lo tenga (el espacio), sino porque no quiero ponerme pesado, pero da para bastante más de lo que parecer pudiera a primera vista, porque las matizaciones que sugiere son numerosas.
A veces tenemos la sensación de que de una historia trivial, o de algo que se nos ha contado mil veces, sale una gran película porque el director ha sabido encontrar un aire nuevo para trasladarnos lo que ya sabíamos o porque los actores nos apabullan, o por ambas cosas y quizá alguna otra más.
Aquí ocurre algo inverso. Creo que la idea es buena, pero el guión deja qué desear y la historia se mueve a base de altibajos, con buenos momentos y una parte final que estropea un tanto el conjunto. He de decir que a mí, a pesar de todo lo dicho y de las dos horas de metraje, no se me hizo larga.

Otro cantar es la parte puramente cinematográfica, técnica podríamos decir, aquí sí que está por momentos sublime. Siempre ha demostrado maestría Mr. Eastwood desde el otro lado de la cámara y en esta ocasión no nos defrauda, mágnificos planos con gran variedad de ellos (primeros planos, picados, composiciones...), una escena inicial en la que nos olvidamos de que aquello son efectos especiales por lo bien que ha sabido manejarlos para dar la sensación de realidad y muchos detalles, muchas escenas de esas en que se recrea sobre pequeñas cosas y lo hace tan bien que nos hace disculparle algúna que otra pequeña cosilla, pero tampoco vamos a estar mirando con lupa o criticando que la música en algún momento no esté del todo bien elegida, porque eso se nos olvida, nos pasa casi desapercibido.

Muy bien, asimismo, el trabajo de los actores, ahí también se ve la mano de Clint, del que ha sido cocinero antes que fraile y disfruta como si se viera a sí mismo interpretando, conociendo lo que cada actor siente y necesita en cada instante.

La película ha recibido acusaciones de moralista, en fin, cada uno ve las cosas como quiere verlas, está claro que toma una posición en cuanto a que hay algo más allá, pero eso, si se quiere ver de otra manera, forma parte de la parábola, es una manera de transmitirnos el mensaje que él quiere, que este mundo nuestro se está centrando en lo material y perdiendo todas las referencias espirituales.
Por lo demás, tampoco entra en valoraciones sobre qué eso que hay después, el mismo protagonista responde a la pregunta diciendo que lleva toda la vida sintiendo y viendo aquello y aún no sabe qué es. Creo que esto, esta especie de indefinición que también se le ha criticado es, por contra, un acierto.

El tema es profundo y duro, aunque no logre transmitírnoslo del todo (a veces en absoluto), la conjunción de las tres historias quedá forzadísima, al igual que el nexo que establece entre los personajes de Matt Damon y Cécile de France y que deja planteada una futura vida en común de los dos. En fin que es cierto que no acaba de redondearse el asunto y es una lástima que no diera con la fórmula para saber contarnos todo lo que quería. Incluso las constantes referencias a Dickens, parecen quedarse en una idea sin desarrollar. Ya he dicho al principio que la idea que Eastwood tenía en la cabeza era muy buena, pero se ha quedado en el camino.

Me encantó la manera entre sutil y descarada de lanzar los dardos que lanza contra eso que algunos aquí han llamado alianza de civilizaciones. Muy en la línea de Eastwood, con esa escena en la que la maestra manda a Marcus (George McLaren) que se quité la gorra y este lo hace, mientras se ve a una niña islámica con el velo cubriendo su cabeza, pero a ella nadie le dice nada. Lo deja caer y sigue a lo suyo, me ha hecho recordar a alguno de sus viejos personajes.