APARAJITO (EL INVENCIBLE)

 

Después de vivir un tiempo en Benarés, Apu (Pinaki Sengupta), de 10 años, y su madre se mudan con su tío a un pequeño pueblo bengalí. Apu ingresa en una escuela local, donde le va bien. Cuando se gradúa, tiene una beca para estudiar en una universidad de Calcuta. Así que se va. Su madre está desgarrada por su partida y por su creciente independencia. Ama mucho a su hijo y quiere que tenga éxito, pero no quiere quedarse sola.

Guion y dirección de Satyajit Ray, en esta película basada en una novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay. Es la segunda entrega de la conocida como Trilogía de Apu. 

Ray no tenía previsto hacer una secuela de Pather Panchali, pero tras el éxito internacional de la película, decidió continuar la historia de Apu. Aparajito retoma la trama donde termina la primera película, con Apu y su familia habiéndose mudado desde su pequeño pueblo a la bulliciosa ciudad sagrada de Varanasi (entonces conocida como Benarés). A medida que Apu pasa de ser un niño curioso a un adolescente intelectualmente inquieto, que finalmente estudia en Calcuta, somos testigos de su formación académica y moral, así como de la creciente complejidad de su relación con su madre.

La historia se centra en Apu (Smaran Ghosal, de adolescente), quien abandona el hogar familiar para trabajar y educarse en un mundo más moderno que aquel al que se había acostumbrado en su juventud, mientras su madre, Sarbajaya (Karuna Bannerjee), que está enferma y deprimida, permanece desesperadamente sola en su pequeño pueblo tras la muerte de su esposo y la partida de su hijo. Siguiendo el ciclo de la vida, Satyajit Ray continúa explorando los conflictos internos de adaptarse a un mundo más contemporáneo que el de nuestros padres. La fortaleza para superar los lazos familiares y obtener independencia personal, es otro tema universal: el respeto por las tradiciones y el desarrollo de uno mismo. 

Una película tierna, expresiva y a menudo conmovedora.

PATHER PANCHALI (LA CANCIÓN DEL CAMINO)

 

La historia de un niño, Apu (Subir Banerjee), y la vida en su pequeño pueblo indio. Sus padres son bastante pobres; su padre Harihar (Kanu Bannerjee), escritor y poeta, prácticamente regaló el huerto familiar para saldar las deudas de su hermano. Su hermana Durga (Uma Das Gupta) y su anciana abuela también viven con ellos. Su madre Sarbojaya (Karuna Bannerjee) es la más afectada por la situación de la familia. Se las arregla como puede, vende sus pertenencias personales para poner comida en la mesa y soporta las críticas de los vecinos, ya que Durga siempre está robando fruta para llevársela a su abuela. Las cosas empeoran cuando Harihar desaparece durante cinco meses y Durga cae gravemente enferma. Incluso después del regreso de Harihar, a la familia le quedan pocas alternativas.

Primera entrega de la conocida como Trilogía de Apu, del hindú Satyajit Ray, autor también del guion basado en una novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay.

Representación de la vida rural bengalí, que evoca de forma naturalista y poética varios años en la vida de una familia, presentándonos tanto al pequeño Apu como a las mujeres que contribuirán a su formación: su independiente hermana mayor, Durga; su agobiada madre, Sarbajaya, quien, con su marido ausente, debe mantener unida a la familia; y su amable y traviesa abuela, Indir (Chunibala Devi): personajes vívidos y multifacéticos. 

Con una fotografía espléndida, marcada por el perpetuo afán de descubrimiento de su joven protagonista, resulta un película conmovedora, alejada de los patrones de Bollywood y, como alguien señaló, hecha con amor puro y sincero.

LOS CABALLOS DE DIOS

 

Yachine (Abdelhakim Rachid) tiene diez años y vive con su familia en Sidi Moumen, un poblado de chabolas de Casablanca. Su madre, Yemma (Fatima El-Kraimy), hace lo que puede por sacar adelante a la familia. Su padre tiene la mente enferma y de sus tres hermanos uno está en el ejército, otro vive encerrado en su mundo y el tercero, que tiene trece años y se llama Hamid (Abdelilah Rachid), es un matón de barrio y el protector de Yachine. Cuando Hamid es encarcelado, Yachine se ocupa de varios trabajillos que le ayudan a escapar del marasmo provocado por la violencia, la miseria y la drogadicción que la rodean. Cuando Hamid sale de la cárcel se ha convertido en un islamista radical y convence a Yachine y a sus amigos para que se unan a sus ‘hermanos’. El líder espiritual del grupo, el imán Abou Zoubeir (Mohammed Taleb), se encarga de dirigir el prolongado entrenamiento físico y mental de los muchachos, antes de anunciarles que han sido elegidos para convertirse en mártires.

Los hechos que narra la historia, se inspira en la novela Les Étoiles de Sidi Moumen, del marroquí Mahi Binebine que trata sobre los llamados atentados de Casablanca. 

El viernes 16 de mayo de 2003 en lo que se ha venido a denominar el «11 de septiembre marroquí», cinco explosiones casi simultáneas (una de ellas, la de consecuencias más sangrientas, en la Casa de España) producidas por 12 suicidas, golpearon la capital económica de Marruecos, Casablanca, sembrando el terror con un balance de 45 muertos y más de 100 heridos.

Con guion y dirección del francés de ascendencia marroquí Nabil Ayouch, nos muestra cómo un joven puede convertirse en mártir para algunos, en terrorista para otros, en un mundo de niños sin guía, sin educación, sin siquiera autoridad, poblado de personajes violentos e incluso, en ocasiones, vulgares. 

De buena factura técnica, la narrativa está marcada por varias metáforas. El título es bastante revelador, evocando combatientes, guerreros o personas que sirven como monturas para un destino que, en última instancia, los domina, los supera y los aplasta. El realizador dedica más tiempo a describir la miseria social, antes de llevarnos al adoctrinamiento religioso, intentando comprender (nunca justificar) a estos jóvenes terroristas suicidas en lugar de condenarlos, lo que puede crear una sensación de inquietud en el espectador. Lo hace mostrándolos como víctimas de una situación socio económica y de unos entornos familiares, propicios para que sus conciencias puedan ser manipuladas y dejando en el aire una pregunta que nunca se hace en el film, pero que se desprende de lo que vemos: Si tan convencidos están estos imanes de que al inmolarse van directos a un paraíso lleno de maravillas, ¿por qué no lo hacen ellos y buscan a unos incautos dispuestos a hacerlo, mientras ellos siguen "disfrutando" las desgracias de esta vida?

ALI ZAOUA, PRÍNCIPE DE CASABLANCA

 

Ali (Abdelhak Zhayra), Kwita (Mounïm Kbab), Omar (Mustapha Hansali) y Boubker (Hicham Moussoune) son niños de la calle. La dosis diaria de pegamento que inhalan representa su única forma de escapar de la realidad. Desde que dejaron a Dib (Saïd Taghmaoui) y su banda, han estado viviendo en el puerto de Casablanca. Viven con el miedo constante de la venganza de Dib. Ali quiere ser marinero. Cuando vivía con su madre, una prostituta, solía escuchar un cuento sobre el marinero que descubrió la isla milagrosa con dos soles. En lugar de encontrar su isla en el sueño, Ali y sus amigos se enfrentan a la banda de Dib y la cosa acabará en tragedia.

Dirigida por el francés de ascendencia marroquí Nabil Ayouch, co-autor, entre otras muchos, del guion de Calle Málaga, junto a su esposa y realizadora de esta última, Maryam Touzani.

Casi al principio de la película, vemos morir a Ali a manos de la pandilla a la que perteneció y a sus amigos dispuestos a ofrecerle un funeral que, de algún modo, pueda hacer cumplir el sueño de Ali. La dureza del relato queda suavizada por la imaginación de los amigos de Ali, cargada de ingenuidad infantil. 

La historia reflexiona sobre las míseras vidas de los niños de la calle, con un norte marcado hacia una esperanza falta de malicia y un tanto cándida, en medio de ese entorno violento en el que viven y en el que su propia existencia apenas vale nada, del que ven en su en su ideal infantil, la única forma de salir del deprimente mundo que los rodea.

CRÍMENES

 

Un prólogo y once relatos componen el libro del prestigioso jurista alemán Ferdinand von Schirach que ha intervenido en más de setecientos casos desde que inició su carrera como abogado penalista en Berlín. 

Los relatos se basan en sus propias experiencias y, a pesar del título del libro, no siempre estamos hablando de crímenes, en ocasiones son simples delitos o faltas, alguno de ellos incluso no llega a superar la fase de instrucción del sumario, por ejemplo, «La espina» es principalmente un retrato psicológico de un hombre que, como vigilante de museo, tiene que lidiar con un aburrimiento extremo y la falta de estímulos, y reacciona ante ello de forma inusual. 

Las historias también profundizan en los deberes y la ética del abogado y exploran repetidamente cuestiones de culpabilidad, inocencia y el sentido y la insensatez del castigo. Este enfoque es novedoso e intrigante, lo que aumenta el atractivo de las historias que,

temáticamente, recorren un amplio panorama social: el médico respetable, la prostituta rusa, el político, el industrial, jóvenes de familias inmigrantes, fiscales y policías, delincuentes profesionales... todos aparecen en las historias de Schirach, que giran en torno al dinero, el honor, el amor, el miedo, el odio y la desesperación. La brutalidad del mundo del crimen organizado se ilustra vívidamente en «La taza de té de Tanata». 

La brevedad de los relatos, su contenido atractivo y su conexión con la vida real hacen del libro una lectura ideal para quienes no quieran embarcarse en un grueso volumen y prefieran un texto ágil, sencillo de leer y entender, pero que va un poquito más allá de la mera literatura de entretenimiento.

MISHIMA: UNA VIDA EN CUATRO CAPÍTULOS

 

Un relato entre real y ficticio, en cuatro capítulos, de la vida del célebre autor japonés Yukio Mishima (Ken Ogata). Tres de los segmentos son paralelos a los acontecimientos de la vida de Mishima con sus novelas (El templo del pabellón dorado, La casa de Kyoko y Runaway Horses o Caballos desbocados), mientras que el cuarto describe los acontecimientos reales del 25 de noviembre de 1970, «El último día», en que Mishima conmocionó al mundo, al hacerse en público el seppuku o harakiri.

Salpicada de extensos flashbacks del pasado del escritor, así como de evocaciones magníficamente estilizadas de sus obras de ficción. Con fotografía de John Bailey, la exquisita escenografía y el vestuario de Eiko Ishioka, y la influyente banda sonora de Philip Glass, el film es una especie de homenaje a su protagonista y una audaz obra de arte. 

Producida por Coppola y George Lucas, la película explora temas profundos como la masculinidad, los valores tradicionales japoneses, la tensión entre la expresión artística y la acción política, y la evolución de Mishima desde un niño superprotegido por su abuela, hasta un nacionalista culturista que fundó el grupo paramilitar Tatenokai para revitalizar el poder imperial y la cultura del bushido samurái.

Un impactante retrato visual, a modo de collage, que Paul Schrader ofrece del aclamado autor y dramaturgo japonés, explorando su agitación interna y las contradicciones de un hombre que intentó la tarea imposible de encontrar la armonía entre sí mismo, su arte y la sociedad.

JUAN NADIE

 

Un magnate del petróleo compra un periódico y despide a casi todo el personal. Una de las despedidas, la periodista Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) decide publicar una falsa e incendiaria carta que lleva la firma de Juan Nadie. En ella se anuncia el suicidio de un hombre sin trabajo. El éxito del artículo es tal que el periódico decide crear un Juan Nadie y, con este fin, contrata a un vagabundo, 'Long John' Willoughby (Gary Cooper), un ex jugador de beisbol lesionado y sin un centavo, que acaba convirtiéndose en un personaje extraordinariamente popular.

El guion adapta el relato A Reputation, del escritor y periodista estadounidense Richard Connell. 

'Long John', que recorre el país a bordo de trenes de carga, acepta participar en la farsa a cambio de la promesa de pagar el tratamiento de su brazo lesionado, lo que le permitiría volver a su antiguo trabajo de deportista profesional. Sus discursos se difunden entre el público y eso apenas le causa ningún reparo, hasta que empieza a ser consciente de que está siendo utilizado para conseguir unos fines que no comparte.

Con bastante menos comedia que algunas otras películas del mismo realizador y algunos momentos en que quizá los diálogos (o los monólogos) resulten un tanto largos, la película explora una idea recurrente en la obra de Frank Capra: la del ciudadano común explotado por una élite corrupta y poderosa. 

Las reflexiones del filme sobre el control de las grandes corporaciones tanto de los medios de comunicación como de la vida de la gente común, siguen estando en el centro de la crítica social del cineasta.

VIVE COMO QUIERAS

 

Alice (Jean Arthur), la hija más sensata de la familia Sycamore, se enamora y compromete con su jefe, Tony Kirby (James Stewart), hijo de los dueños de la empresa en la que trabaja. Los padres adinerados del novio se oponen, pero deciden conocer a la modesta familia de clase media de ella, sin que el padre de Tony, que tiene el monopolio del comercio de armas y necesita comprar una última casa en un área de 12 manzanas, sepa que es propiedad del abuelo de Alice, que se niega a vender. Así empieza el choque de dos mundos opuestos en formas de pensar y vivir.

El guion adapta la obra teatral You Can't Take It with You, escrita por George S. Kaufman y Moss Hart, ganadora del Premio Pulitzer de Drama en 1937.

Aparentemente la película es una comedia disparatada, pero Frank Capra no podía quedarse ahí y entre carcajada y carcajada, nos va soltando sus mensajitos, como diciendo: además de reírte, piensa en esto. Y es que los Sycamore viven instalados en su utopía, de espaldas al capitalismo y su veneración por el dinero. Seres entrañables que conservan la inocencia de la infancia, a los que, como sucede a los niños, solo preocupa ser felices, no piensan en el mañana, los problemas que vengan, ya llegarán, ni siquiera se preocupan por ellos, la riqueza que buscan es otra. 

Capra la edulcora, yo creo que para que el choque con la manera de pensar canónica quede suavizado y, además, todo está deliberadamente exagerado, llevando al extremo los tópicos entre ricos y pobres. Al final te quedas con la pregunta en la cabeza: ¿No serán los los excéntricos los más sabios y los más ricos? 

Una película que tiene tanto de conmovedora como de divertida.

EL SECRETO DE VIVIR

 

Longfellow Deeds (Gary Cooper) es un ingenuo joven de pueblo que se traslada a Nueva York para hacerse cargo de una herencia de veinte millones de dólares. Allí se enamora de la encantadora Louise 'Babe' Bennett (Jean Arthur), sin saber que es la periodista que lo ridiculiza en sus artículos.

El argumento principal de la película surgirá cuando Mr. Deeds decide invertir su fortuna en un plan de empleo que favorezca a miles de familias afectadas por la Gran Depresión. Se verá acusado de loco por el bufete de abogados que busca administrar sus bienes y es llevado a juicio. Y todo por querer actuar según sus nobles principios y no comportarse como, según ellos, debiera hacer un millonario: malgastando su dinero en viajes, diversión y mujeres.

Aunque asistimos a la típica historia de amor con malentendidos y simulaciones de por medio, Frank Capra nos ofrece en esta mezcla de sátira, comedia y romance, su particular visión de la prensa como una bandada de carroñeros que se pirra por entregar carnaza a sus lectores. Por supuesto el bufete de abogados que supuestamente se encarga de administrar los bienes de Deeds, tampoco sale bien parado, ni siquiera los intelectuales y artistas que pululan alrededor del nuevo rico, o el psiquiatra que actúa de experto en el juicio, se libran de los dardos de Capra. 

¿Que la película destila almíbar y que el personaje resulta tan ingenuo en su afán de redimir el mundo que es difícil creerse la historia? Pues es más que probable, pero es el cine de Capra que sabe transmitir esa ingenuidad y esa fe en la humanidad y si seguimos sin creernos sus argumentos, al menos, por unos momentos, nos hace sentir que todavía quedan Quijotes en el mundo.

En definitiva, la importancia que nuestra sociedad da al dinero; la capacidad de la prensa para manipular a la opinión pública o la sempiterna crisis económica que afecta a los de siempre. Un film de hace casi cien años, pero no me negarán que los asuntos que aborda siguen siendo de plena actualidad, cosa distinta es que en la actualidad, estos temas serían tratados de otra manera bien distinta.

SOLO EN BERLÍN

 

El 8 de abril de 1943, en la ciudad de Berlín, fueron entregados al verdugo Otto Hampel y su esposa Elise, previamente condenados a muerte por el Tribunal del Pueblo. Él era ajustador en una fábrica de productos metálicos desde hace casi veinte años. Ella, hija de una familia de campesinos pobres, había trabajado antes de casarse como empleada doméstica en Berlín.

¿Qué había hecho este matrimonio de gente sencilla para ser declarados culpables de traición al estado? Hasta 1940 ambos fueron fieles súbditos del Führer, dispuestos a seguir sus directrices, incluso ostentaros cargos en el Reich. Otto, un modesto puesto en el Frente del Trabajo y Elise, uno algo más importante en la Organización de Mujeres. Declararon en los  interrogatorios a que fueron sometidos tras su detención que las abundantes injusticias presenciadas precisamente en el ejercicio de sus cargos, repugnaron a su sentido de justicia. La diferencia que se hacía entre «camaradas del Partido» y «compatriotas», los indignaba.

Sintieron entonces la necesidad de comunicar a los demás lo que ellos sabían, de causar problemas a los gobernantes. Se dedican a escribir postales y depositarlas en el antepecho de una ventana o el peldaño de una escalera en edificios de Berlín con la esperanza de que sean pasadas de mano en mano o, al menos, de que quienes las lean, tomen conciencia de lo que está ocurriendo en realidad.

Sin embargo, más de doscientas veinte de esas postales se acumulan en la sede de la Gestapo, con lo que según cálculos de las que habían podido escribir (cantidad que no recuerdan con precisión), a lo sumo no fueron entregadas a la policía entre cinco y diez postales y, aún estas, seguramente fueron leídas con miedo y premura por quien las encontró y destruidas y arrojadas al retrete.

Con estos datos, extraídos del archivo de la Gestapo, el escritor alemán Hans Fallada (seudónimo de Rudolf Wilhelm Friedrich Ditzen), construye un relato en el que mezcla realidad y ficción, con muchos personajes y situaciones de su propia cosecha, pero que muestra con realismo  la vida en la Alemania de Hitler, un pueblo de delatores educados por un seductor político, en el que los denunciantes reciben honores y promoción y en el que un padre no está seguro ante la denuncia de un hijo y no te cuento entre vecinos o compañeros de trabajo, porque se les ha hecho ver que no pueden callar, ni siquiera por consideración hacía el hermano o la hermana y han de denunciar en el acto al que piensa de otra manera.

El autor cree que a pesar de que los personajes son en buena parte (algunos en su totalidad) fruto de su fantasía y aunque algún detalle no responda del todo a hechos reales, en general, la novela refleja la verdad interna de lo narrado.

En la novela pretende, entre otras cosas, dejar constancia de que, en aquellos años oscuros existió alguna forma de resistencia interior en Alemania: Las cárceles estaban llenas y muchas personas perdieron la vida por cuestiones ideológicas o por haber provocado actos de sabotaje. De hecho, al escribir la historia del matrimonio Quangel (como llama en la novela a los Hampel), Fallada nos hace ver que la actuación de un insignificante matrimonio del norte de Berlín que acepta un buen día de 1940 luchar contra la enorme maquinaria del estado nazi, provoca algo grotesco: el elefante se siente amenazado por el ratón y despliega todos los medios de la policía política para atraparlos. La novela nos cuenta esa persecución, la investigación (bastante deficiente y plagada de errores, por cierto) y el calvario posterior de los protagonistas en las cárceles del Reich, las torturas, el esperpento de juicio en nombre del pueblo alemán, pero en cuyas actas se estampaba el sello de alto secreto, para que ese pueblo no se enterase de qué tipo de justicia se impartía en su nombre.

La novela se publicó un año después de la muerte de Fallada y curiosamente, más de sesenta años después, en 2011, se convirtió en el título más importante en Amazon y líder de las obras más vendidas en veinte países.

KAMCHATKA

 

Los años de la dictadura militar argentina son contemplados por Harry (Matías Del Pozo), un niño de unos diez años que lo único que desea es jugar y hacer travesuras con su hermano pequeño. Sin embargo, en 1976, cuando su familia, perseguida por la dictadura, se ve obligada a esconderse en el campo, comienza para él una nueva vida que pondrá fin a su infancia.

Cierto es que la película es una crítica a una situación política determinada en un país concreto, la Argentina de la dictadura militar, claro que extensible a tantos otros lugares donde hay gente a la que le han arrebatado la voz, gente normal a la que las autoridades consideran un peligro porque piensan diferente, o quizá simplemente porque piensan. 

El film es la historia de una de las familias que se esconden fuera de Buenos Aires en 1976, a la espera de que la situación se calme. El padre es abogado, la madre profesora universitaria. Sus dos hijos tienen que huir con ellos y ver limitado su mundo, sus amistades y sus juegos, a la finca a la que se trasladan.

Pero la película de Marcelo Piñeyro no se recrea en la amargura y el dolor, sino que se transforma en un bello relato gracias a que quien nos lo cuenta es Harry y él no entiende de militares, ni de represión, ni de perseguidos. Lo que le gusta es jugar y ver series de televisión como Los invasores, leer comics, pero sobre todo, Harry quiere ser escapista, como Houdini. 

Kamchatka es la última región del mundo que le queda al padre de Harry en una partida de Risk que casi gana su hijo hacia el final de la película. Pero aunque se pasan toda la noche jugando, esta región logra resistir hasta que los dos caen rendidos por el sueño, y la partida no se concluye. Kamchatka son ellos, son miles de personas que no se rindieron ni cuando parecía que no había escapatoria. 

Una película magníficamente interpretada, con Ricardo Darín, Cecilia Roth o Héctor Alterio, entre otros, que nos habla de una familia normal y de una infancia perdida, en un tiempo y un lugar donde los bárbaros amargaron la vida de tantos.

ROMA

 

Joaquín Góñez (José Sacristán), un escritor exiliado en España desde principios de los setenta, vive aislado mientras se enfrenta a su último trabajo, un libro autobiográfico. La entrada en su vida del periodista Manuel Cueto (Juan Diego Botto) hará que afloren las emociones y los recuerdos: los amigos, los años más salvajes vividos en Buenos Aires en los años 60 y 70, su amor por Renée (Marcela Kloosterboer) y la curiosa relación con Roma (Susú Pecoraro), su madre, una mujer fuerte e inteligente, que apoyó sus ideales de juventud.

Dirigida por Adolfo Aristarain, con guion del propio realizador y de su esposa Katy Saavedra con la colaboración de Mario Camus y con una excelente fotografía de José Luis Alcaine. La película nos habla sobre la lealtad, la amistad, el amor filial y el de pareja, las convicciones religiosas, la familia, el compromiso y la falta del mismo.

El film, además de un homenaje a la madre, seguramente a su propia madre, también llamada Roma, es un recorrido por la historia reciente de Argentina, narrado con clasicismo, con emociones contenidas que aparecen en el momento preciso, adornadas por esos diálogos discursivos y cargados de intención (quizá para algunos de pedantería intelectual), que tan bien domina el maestro argentino, en una película que tiene algunos altibajos y algunos momentos no demasiado conseguidos, para rematar con un final, no digo decepcionante, pero que deja un regusto un tanto insípido, porque ya la película viene un poco en declive en su última fase.

LUGARES COMUNES

 

Fernando Robles (Federico Luppi) ya ha cumplido los sesenta y es profesor de literatura en la universidad. Lleva toda la vida casado con Liliana Rovira (Mercedes Sampietro), española, hija de catalanes, ama de casa que colabora trabajando en barrios marginales de Buenos Aires. Su vida puede decirse que es feliz, sin embargo, esta tranquilidad se verá alterada por la jubilación anticipada que recibe Fernando debido a la crisis en el país. Tienen un hijo, Pedro (Carlos Santamaría), casado y con dos hijos, que tiene un buen trabajo como informático, en Madrid, tras haber renunciado a su vocación literaria. Allí vive en una urbanización de clase media acomodada. La relación con el hijo tiene aspectos traumáticos, ya que su vida simboliza todo aquello que Fernando y Liliana repudiaron siempre. Apoyados por su amigo Carlos Solla (Arturo Puig), un abogado de cierto prestigio, Fernando y Liliana toman la decisión de trasladarse a vivir a una chacra en la provincia de Córdoba (Argentina), vendiendo su apartamento, poniendo así fin a sus problemas económicos, con una pensión que no les llega para vivir e iniciando una nueva vida. En el viaje al campo se hacen ilusiones de continuar siendo felices viviendo con más austeridad, pero la experiencia resultará más amarga de lo previsto.

El guion, del propio realizador, Adolfo Aristarain y de Kathy Saavedra, adapta la novela El renacimiento de su primo Lorenzo F. Aristarain. Tanto el guion, como la actriz Mercedes Sampietro, fueron galardonados con el Goya en 2003. Ésta última, también recibió la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián.

La historia de un amor indestructible y romántico que desafía y supera las tentaciones externas y la pérdida de entusiasmo propia del paso de los años. 

Con ese tono discursivo que es cierto tienen algunas películas de Aristarain, en la que expone su manera de pensar y su compromiso con sus ideas, estamos ante un film sobre la misma vida, contada en un tono lleno de lucidez y cargada de valores sociales y de compromiso con las cualidades morales que defiende el personaje protagonista.

En el film se habla mucho, pero los diálogos son tan brillantes que no es que haya que disculpar este asunto, por el contrario, lo que hay que hacer es disfrutarlos. Y además, una historia muy tierna y emotiva.

MARTIN (HACHE)

 

Martín Echenique (Federico Luppi) es un director de cine argentino que lleva más de veinte años viviendo en Madrid. No echa de menos a su país porque no cree en las patrias y se niega a recrearse en la nostalgia. Su hijo, al que todos llaman Hache (Juan Diego Botto), tiene 19 años y vive en Buenos Aires con su madre. Ni estudia ni trabaja; callejea y toca su guitarra eléctrica. Después de cinco años sin verse, vuelven a encontrarse en Buenos Aires cuando Hache sufre una sobredosis. La exmujer de Martín propone que el chico viva con su padre. En Madrid les esperan dos personas: Alicia (Cecilia Roth), la amante de Martín, una mujer más joven que él y harta de estar con un hombre que es incapaz de asumir ningún compromiso; y Dante (Eusebio Poncela), un actor que es el mejor y casi único amigo de Martín, y cuyo mayor placer es vivir en la cuerda floja. Martín comparte su vida con gente apasionada, pero él no se permite el lujo de sentir. El que ama está expuesto al dolor, y eso le da pánico.

                             

Dirigida por Adolfo Aristarain con música de Fito Páez, se trata de un drama crudo entre cuatro personajes, que apenas dejan de hablar, con diálogos de estudiada naturalidad y en ocasiones casi filosóficos.

Martin padre es un personaje que hace sufrir a los que tiene cerca, que le aman de veras. Dante, su amigo, se lo hace ver, siendo una especie de conciencia del otro. A la vez, recibe las confidencias de Hache, a quien trata de orientar en su desconcertada juventud. Pero, a su vez, Dante es un personaje contradictorio, un epicúreo, como el se define, que busca en la vida gozar del placer al máximo, ya sea a través del sexo o de las drogas.

El trabajo de Aristarain nos ofrece una visión pesimista del ser humano, con una soledad interior y una condición moral que se ahoga en el egoísmo. Eso sí, la lealtad entre los amigos y los lazos de sangre ofrecen un leve rayo de esperanza.