viernes, 30 de noviembre de 2018

EL SOÑADOR REBELDE

John Cassidy (Rod Taylor), es un jornalero que ve a su madre (Flora Robson), a su hermana y a sus sobrinos sufrir por falta de trabajo. Su hermano Archie (Jack MacGowran) es actor y contribuye poco a la economía familiar. John colabora con la causa nacionalista irlandesa escribiendo folletos de propaganda. Cuando participa en un motín durante una huelga, conoce a Daisy Battles (Julie Christie), una mantenida que vive del dinero de su amante en la casa que le ha comprado,  y tienen una aventura. Mientras roba libros en una tienda local, comienza una relación más profunda con la tímida pero encantadora Nora (Maggie Smith), empleada de la librería. John se une al nuevo movimiento precursor de IRA y se opone a su intención de combatir a los británicos como un ejército convencional, con uniformes. Los rebeldes son derrotados, con muchos muertos y muchos otros encarcelados, y John considera que sus días como luchador terminaron.
Por fin logra publicar un libro: “Historia del ejército popular irlandés” y tiempo después, su primera obra teatral atrae la atención de William Butler Yeats (Michael Redgrave), el director del prestigioso Abbey Theatre. Yeats Lady Isabella Augusta Gregory (Edith Evans) apoyan a Cassidy por medio de una representación pública inicial. Cuando se representó su obra The Plough and the Stars (El arado y las estrellas), su obra mas conocida, se produjeron algunos alborotos y Yeats subió al escenario para reprender al público local por su intolerancia y estrechez de miras. Pero lo que pudo parecer un desastre no fue tal, porque el trabajo de Cassidy atrajo el interés por su obra en el extranjero. Cassidy le pide a Nora que se vaya con él, pero a ella le aterra salir de Dublín.


El guión se basa en el libro Mirror in my house (Espejo en mi casa), de 1956. Se trata de la autobiografía de Sean O'Casey, el nombre que adoptó John Cassidy. A juzgar por esta, era más bien un organizador, un  agitador a través de sus panfletos y crítico con el Movimiento de Independencia de Irlanda, más que el tipo algo bravucón y en busca de pelea a pesar de su sensibilidad que vemos en la película.


La película narra la vida del joven Sean O'Casey, sus amoríos, la muerte de su madre, sus relaciones y compromiso con el nacionalismo irlandés y su despegue como autor teatral.
Ford preparó el guión, eligió el reparto y las localizaciones, pero cayó enfermo tras dos semanas de rodaje que solo dieron para diez minutos de película tras el montaje.
El guión parece algo pobre, pero es sabido que los guiones de las películas de Ford cobran vigor merced a su trabajo de dirección y, en este caso, la relación entre Nora y Cassidy, esencial en la película, tiene un tono bastante monocorde. No sabemos lo que Ford hubiera sido capaz de sacar de los dos protagonistas si hubiera seguido al frente de la filmación.
Hay un detalle curioso, una de las pocas escenas que dirigió es el encuentro sexual entre Cassidy y Daisy Batles (el personaje de Julie Christie), parece ser que en la escena de Ford, se le veía el pecho desnudo a la actriz y Jack Cardiff, el realizador final del film, volvió a rodar los primeros planos para evitar que se le viera esa parte de su anatomía. Se nota muy bien, porque parece un fallo de racord, cuando en un plano se ve a Julie Christie con los tirantes de su prenda interior casi a la altura de los codos y en el siguiente, los tiene perfectamente colocados sobre los hombros.




jueves, 29 de noviembre de 2018

MOONRISE KINGDOM

New Penzance Island, 1965. Sam Shakusky (Jared Gilman), de doce años, deja una nota para Randy Ward (Edward Norton), Master de la Tropa de Exploradores Khaki 55, en la que dice que abandona voluntariamente el campamento Ivanhoe, donde está acampado el grupo, y que renuncia a los scouts. A raíz de este incidente, el Masterd Ward descubre que Sam es huérfano y está dentro del programa de cuidado y crianza, el Sr. y la Sra. Herbert Billingsley (Larry Pine y Liz Callahan), que dirigen una especie de casa de acogida para huérfanos, sus actuales padres adoptivos, cuando les comunican la noticia, manifiestan que el niño no podrá volver con ellos. Esta información no fue incluida en el archivo de Sam y el suceso pone en peligro la situación del chico dentro del sistema de servicios sociales. El Master Ward, con el Capitán Duffy Sharp (Bruce Willis) del Departamento de Policía de la Isla y todos los miembros del Khaki Scout Troop 55, van en busca del desaparecido Sam, una tarea que provoca emociones encontradas entre los miembros de la tropa, a la mayoría de los cuales no les gusta Sam y lo ven como una persona emocionalmente perturbada. En otro lugar de la isla, el matrimonio de abogados formado por ​​Walt y Laura Bishop (Bill Murray y Frances McDormand) se dan cuenta de que su hija, la mayor de cuatro hijos y única chica, Suzy Bishop (Kara Hayward) de doce años, también ha desaparecido. De una pila de correspondencia que encuentran, compuesta por cartas de amor, deducen que Suzy probablemente se escapó con Sam, a quien ni siquiera conocen. Con los conocimientos de exploración de Sam y el abundante suministro de provisiones que tienen, es posible que puedan eludir a sus rastreadores durante bastante tiempo. Pero a medida que el grupo busca a la joven pareja, lo que esperan lograr puede cambiar a medida que entiendan las situaciones individuales y combinadas de Sam y Suzy.


Con la estética que ya ha hecho característica de colores vivos y llamativos y sus elegantes movimientos de cámara, Wes Anderson nos narra esta historia de amor adolescente original y de concepción un tanto particular.
La banda sonora de Alexandre Desplat, utiliza melodías de Mozart, Hank Williams y Benjamin Britten y un homenaje a The Sound of Silence, de Paul Simon, canción escrita un años antes de la fecha en que está ambientada la película, que acompaña de manera brillante a los títulos de crédito finales, convirtiendo este film es uno de esos que hay que ver hasta que sale el último letrero, merece la pena hacerlo.


Con las películas de Anderson ocurre que hallas siempre críticas encontradas y, aunque parezca un contrasentido, puede ser que todas ellas tengan razón, porque aquí no vale solo con que la película esté bien o mal hecha, algo en lo que casi todos coinciden, en lo bien realizadas que están, sino que depende de si la manera narrativa del director (aquí también guionista junto a Roman Coppola), consigue atraparte o no.
Si su particular humor te llega, disfrutas con sus films como con ningún otro, de lo contrario, puede que, como les ocurre a muchos, tengas la sensación de que no le ves la gracia y que te están contando una historia a la que no le encuentras atractivo alguno.


Con un plantel de actores de renombre (Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton...), lo que si te garantiza la película es un envoltorio visual atractivo y cautivador, con una fotografía de Robert D. Yeoman, que es pura poesía.




miércoles, 28 de noviembre de 2018

EL GRAN COMBATE

1878. La nación cheyenne, reducida por la enfermedad y el hambre de mas de 1.000 personas a 286, desatendidas todas sus peticiones, escapa de su reserva de Oklahoma y empieza un viaje arduo y difícil de 2.900 kilómetros hacia su tierra natal, en Dakota, Una joven maestra cuáquera, Deborah Wright (Carroll Baker), los acompaña. La tropa del capitán Thomas Archer (Richard Widmark) les persigue a regañadientes, pero, cuando el comandante Braden (George O'Brien) ataca con artillería, éste resulta muerto y sus caballos se dispersan. Cuchillo Sin Filo (Gilbert Roland), nombrado jefe de guerra por su moribundo padre, jura mantenerse célibe durante el viaje y ve como Camisa Roja (Sal Mineo), hijo de su hermano mayor, Pequeño Lobo (Ricardo Montalbán), le hace la corte a su joven esposa. En el Este la prensa exagera los acontecimientos y el secretario de interior Carl Schurz (Edward G. Robinson) está contra las cuerdas. Archer alcanza a los cheyennes, pero la impetuosa carga del teniente Scott (Patrick Wayne) les hace perder la batalla. Los famélicos cheyennes mendigan comida en su trayecto y son asesinados por diversión por los vaqueros, además de encontrar las manadas de búfalos, de cuya carne depende su supervivencia, masacradas.
La tropa de Archer se refugia en su campamento de invierno, pero reanudará la persecución cuando descubre el rastro de los cheyennes. Los indios, muertos de hambre en medio de la nieve, se dividen en dos grupos. La mayoría de las mujeres y los niños se rinden, pero maltratados por el capitán Wessels (Karl Malden) y ante la orden del Departamento de Guerra de que regresen de inmediato a la reserva, vuelven a escaparse, muriendo muchos en el intento.


El guión se basa en la novela de Howard Fast La última frontera (1941), sobre la huida en 1878 de los indios cheyenne hacia su territorio natal del río Powder, en Wyoming.
Quizá su obra más conocida es Espartaco y sus novelas, de gran éxito comercial, trataban a menudo sobre los temas de la libertad y los derechos humanos, elementos de su propio y tumultuoso viaje político, que le supuso ser incluido en la lista negra del macartismo durante la década de 1950.


También se inspira el guión, como consta en los títulos de crédito, en el libro "Cheyenne autumn" (1953), de Mari Sandoz.
En una entrevista con Madsen publicada por Cahiers du cinéma en octubre de 1966, Ford señalaba que la película narra "una historia verdadera, auténtica, la realidad tal como fue", pero la realidad es que solo guarda un lejano parecido con los hechos históricos narrados por Mari Sandoz en su libro, en el que cuenta una historia mucho más horrible, con personajes muy diferentes y con la mayoría de los acontecimientos sucediendo de otra forma. En realidad, Cuchillo Sin Filo a quien mató fue a Alce Flaco (no a Camisa Roja) en un puesto comercial y no en una ceremonia tribal; Lobo Solitario era un borracho, no un guerrero noble y la chica era su hija, no su esposa. Carl Schurz, por su parte, no tuvo casi nada que ver con el asunto de los cheyennes y nunca viajó al Oeste para parlamentar con ellos.


Casi siempre al hablar de este film, se incide en las dificultades de Ford para rodarla, pues al parecer, Warner no le dejó rodar la novela de Fast, supuestamente por estar su autor en la lista negra. El caso es que Ford decidió rodarla a su manera y le salió una especie de sucedáneo.
Yo pienso que Ford contó una historia, como hacía tantas veces y que, al igual que en otros films en los que se le tacha de racista y todo eso, sin que él pretendiera tal cosa, en esta, en la que se incide en su respeto por los indios, tampoco es que el pretendiera defenderlos, simplemente, lo dicho, cuenta una historia a su manera. Lo que ocurre es que en esta ocasión apenas hay épica y quienes van a verla, como esperan ver otra de esas espectaculares películas sobre la caballería, se agarran a ciertos tópicos para defender el film.
Yo siempre la he visto como la despedida del maestro de su querido Monument Valley y como una especie de homenaje a sus personajes y sus actores. No tiene la garra de algunos de sus otros films, pero es una película correcta, con unas cuantas buenas escenas que llevan su sello y con una triste historia de perdedores, en la que se refleja, mejor que en otras, lo que de verdad fue la colonización del Oeste, un enfrentamiento entre dos tribus de humanos, en la que los más fuertes, los blancos, abusaron de los más débiles.




martes, 27 de noviembre de 2018

SEIS SOSPECHOSOS

Vicky Rai es un joven y rico empresario, y también un playboy célebre en la prensa rosa. Y ahora da una fiesta en su mansión para celebrar que la justicia le ha absuelto de un asesinato cometido hace ya siete años, cuando mató en un ataque de ira a Ruby Gill, una estudiante universitaria y camarera en el bar de moda al que Vicky había ido a festejar su veinticinco cumpleaños. El joven juerguista es, además, hijo del poderoso ministro del Interior del estado indio de Uttar Pradesh, y la policía siempre se ha mostrado deseosa de satisfacer los deseos de su padre, de modo que cuando llegó la hora del juicio, los testigos habían sido comprados o habían desaparecido misteriosamente. Pero cinco minutos antes de la media noche, y en medio de los festejos por la recién adquirida inocencia, el asesino es asesinado. Los sospechosos no son diez, como los negritos de Agatha Christie, sino seis, y todos tienen un arma y un motivo para haberlo matado. En esta ocasión la policía parece dispuesta a actuar, y de manera rápida y contundente. Pero el verdadero detective será alguien no corrompido por el poder, Arun Advani, un periodista de investigación que con sus artículos impulsará, y hasta hará cambiar, el rumbo de la investigación oficial. Y que nos conducirá por el laberinto de las novelescas vidas de los seis sospechosos, una guapísima e idolatrada estrella de Bollywood que lee a Sartre y tiene un pasado nada público; un funcionario corrupto que de vez en cuando se cree poseído por el espíritu de Gandhi y actúa en consecuencia; un gañán de la América profunda que ha viajado a la India para casarse con una mujer que conoció en internet; un inteligente ladrón especializado en teléfonos móviles; un chico de un pueblo de las islas Andaman, a quien sus mayores han enviado al continente a rescatar una piedra sagrada que le robaron a su tribu; y el padre del asesinado, el implacable y corrupto, ministro del Interior de Uttar Pradesh, que amaba a su hijo pero quiere con mucho mayor intensidad ser primer ministro...
El libro está escrito en capítulos en los que se va narrando de manera alternativa la vida de cada uno de los sospechosos y cómo han llegado hasta el momento y lugar en que comienza la novela. Las historias de cada uno de ellos, nada tienen que ver entre sí, al menos al principio, pero poco a poco van convergiendo.
La novela está muy bien estructurada para conseguir esa convergencia final de cada uno de los personajes. El tono general es humorístico, pero eso no impide que bajo esa capa que, por cierto, la hace muy divertida y amena, se nos presente la realidad de las tremendas desigualdades que existen en la India, sus contradicciones, los peligros que acechan a colectivos enteros, como las mujeres, la vida sin esperanza de los pobres, la galopante corrupción de autoridades y funcionarios de todo pelaje, policía y jueces incluídos, la falsedad de su clase política y la aparente apatía de una población entretenida con concursos, series y realitys televisivos, con una juventud más preocupada por las estrellas de Bollywood y sus líos, que por la situación política de su país, ante la que parecen resignados.
El autor, Vikas Swarup, lo es también de "Q & A", la novela que sirvió de base al guión de la oscarizada película Slumdog millionaire. Este diplomático indio, que ha trabajado en Turquía, Estados Unidos, Etiopía y el Reino Unido y reside actualmente en Pretoria (Sudáfrica), como Alto Comisario de India para los asuntos de Sudáfrica, sabe utilizar los conocimientos sobre la cultura occidental, para irlos entremezclando con los que tiene sobre su país de origen, ofreciéndonos, al final, un relato muy entretenido, ameno y divertido, no carente, como he dicho, de una crítica ácida, inteligente y mordaz sobre la actualidad del gigante asiático.



lunes, 26 de noviembre de 2018

LA TABERNA DEL IRLANDÉS

Con objeto de adueñarse por completo de la compañía de navegación Dedham, la señorita Amelia (Elizabeth Allen) debe demostrar ante un notario de Boston que su padre, el doctor William Dedham (Jack Warden), vive indecorosamente en las islas de los Mares del Sur. Amelia odia a su padre porque la abandonó siendo sólo una niña. Al llegar a Haleakaloa, la isla en la que vive su padre, Amelia se encuentra con un universo que no podía imaginar: los amigos de su padre son el gobernador francés (un peligroso Don Juan) y dos  ex-soldados, Michael Patrick "Guns" Donovan (John Wayne) y Thomas Aloysius "Boats" Gilhooley (Lee Marvin), viejos compañeros de la Marina. Retirados tras luchar en la Segunda Guerra Mundial, los dos amigos decidieron comenzar de cero en su paraíso particular: la isla de Haleakaloha, en la Polinesia francesa, donde se pegan para celebrar su mutuo cumpleaños y beben sin cesar. Amelia va enamorándose del amigo de su padre Michael Donovan, dueño de una taberna llamada "El arrecife de Donovan", quien parece ser una especie de líder en la isla . Entonces descubre el fervor que se siente por la difunta princesa Manulani y averigua que su padre y la princesa tuvieron tres hijos, sus hermanos mestizos. Amelia renuncia a su compañía de navegación y se establece en la isla con Donovan, aunque impone sus condiciones para poder contraer matrimonio con él, por ejemplo, que abandone su vida de perdulario y se desprenda del local en el que ejerce su negocio.
La llegada del amor supondrá, sin embargo, el fin de esta especie de paraíso masculino, la vida de la taberna, las relaciones promiscuas con las mujeres y las peleas sin ton ni son, que se mantienen sencillamente porque hay que respetar las tradiciones y darse mamporros es una de ellas.


El guión se basa en un argumento de Edmund Beloin adaptado por James Michener.


Es una comedia ligera que ha sido muy discutida precisamente por ser de quien es. Es cierto que uno espera del cine de Ford algo más y aquí nos encontramos con un producto lleno de gags sin demasiada gracia y con unos personajes muy desiguales, incluso de alguno de ellos podría prescindirse sin que se notara.
Tampoco voy a detenerme excesivamente en analizar una película que a mí me parece más un divertimento del propio Ford que otra cosa, solo voy a recordar una escena que parece que a la mayoría de los aficionados que comentan el film se les pasa por alto. Es aquella en que se reúne el consejo de administración de la naviera Dedham en Boston. Con esa economía de medios que le caracteriza, en cuatro imágenes, Ford hace una brillante parodia de la rancia y conservadora sociedad dominante en Boston, con el recorrido que hace la cámara por los retratos de los antepasados dueños de la Compañía, hasta llegar al primero de ellos: un pirata.


Wayne se mostró bastante descontento con algunas cosas de este film, por ejemplo se avergonzaba de tener que cortejar al personaje interpretado por Elizabeth Allen, porque podría ser perfectamente su hija y también se mostró descontento con el guión, a su juicio era mejor la primera versión que la que al final hizo Frank S. Nugent, guionista habitual de Ford, que, entre otras cosas, vaciaba de protagonismo al personaje de Lee Marvin
La taberna del irlandés es una comedia deliciosa, una historia de amigos inseparables, de tipos sencillos y duros acostumbrados a vivir en libertad y una crítica simpática de los elementos bienpensantes de la sociedad.




viernes, 23 de noviembre de 2018

EL HOMBRE QUE MATÓ A LIBERTY VALANCE

La película comienza en 1910 cuando el viejo senador estadounidense Ransom Stoddard (James Stewart) y su esposa Hallie (Vera Miles) regresan a la pequeña ciudad de Shinbone, para asistir al funeral de Tom Doniphon (John Wayne) un hombre del que, salvo tres o cuatro personas cercanas a él, nadie recuerda nada, practicamente un desconocido.
Cuando un joven reportero y el director del periódico local, presionan a Stoddard para una entrevista sobre por qué acudió al funeral de un don nadie como Doniphon, Stoddard comienza un relato que el espectador presencia a modo de flashback, en el que nos cuenta cómo, cuando llegó a la ciudad como un joven abogado recién graduado, fue asaltado por un tipo duro local, un fuera de la ley llamado Liberty Valence (Lee Marvin), pistolero empleado por el cártel de ganado local que pretende mantener a raya la ciudad, con el fin de que quienes controlan el negocio, puedan monopolizar los recursos locales para asegurar su industria de carne.
Se encuentra con Valance por primera vez cuando el proscrito y sus compañeros emboscan la diligencia en la que viaja. Stoddard trata de evitar que robe a una mujer, pero le dejan fuera de combate. Cuando Valance descubre que es un abogado, lo azota varias veces. Esa noche, Doniphon y su amigo Pompeyo (Woody Strode) llevan al inconsciente Stoddard a Shinbone para descansar y curar sus heridas. El apocado comisario, Link Appleyard (Andy Devine) se horroriza al enterarse de que quieren que capture a Valance y hace todo lo posible por inventar excusas sobre cómo la jurisdicción le impide hacer algo al respecto, que es lo que los ciudadanos esperan de él.


El guión se basa en una novela de Dorothy M. Johnson a la que Ford sabe sacar buen partido, captando la esencia de todo aquel drama basado en tres pilares: el carácter sádico de Liberty Valance; la actitud desconcertante, algo insidiosa pero finalmente acertada del personaje Ramson Stoddard; y la entrega absoluta por amor de Tom Donyphon, un amor tan fuerte que le obliga a renunciar a su amada para que esta se case con Stoddard. Estos tres pilares están expresados con brillantez por Ford, pero sobre todo destaca la contundencia con que expresa la desesperación emocional de Donyphon cuando, borracho, perdida para siempre su chica en brazos del "civilizado" Stoddard, incendia su propia casa: es la casa que había construido con sus manos para ella, es su ilusión, es su vida… y es la gran aportación de Ford al relato original.


Calificado como el western crepuscular por excelencia, incluso algunos prefieren esta película a Centauros del desierto.
El caso es que el film tiene no pocas cosas para analizar, desde el blanco y negro elegido para el rodaje, en una época en que el color ya se había impuesto, hasta las magníficas actuaciones de sus intérpretes.


La película retrata el fin de una época, el salvaje oeste va a dejar paso a una tierra en la que la ley y el orden van a dejar de ser impuestas a tiros para someterse a los tribunales y al derecho que emana de las decisiones del pueblo.
También es un retrato de la condición humana, con unos tipos muy bien definidos por Ford: La chica, que busca la seguridad en un matrimonio con un hombre cultivado; el sueño del joven abogado de conseguir erradicar la violencia para imponer la sensatez en una tierra hostil y, sobre todo, la capacidad de sacrificio de un hombre al que, como ocurre en la actualidad, se menosprecia por su violencia, pero al que se acude en busca de amparo cuando los argumentos de la razón chocan con los que imponen su ley con sangre, para después, volver a despreciarle.
Es una especie de rúbrica, con la que el maestro da por cerrada su carrera como contador del historia del oeste, una película en la que buena parte de la acción transcurre de noche y en lugares cerrados, oscura en la forma y brillante en el fondo y en el contenido.




jueves, 22 de noviembre de 2018

FRANCES HA

Frances Halladay (Greta Gerwig), de veintisiete años, originaria de Sacramento, California, está tratando de triunfar en la ciudad de Nueva York como bailarina y, a pesar de que ya no es una cría, está como suplente en una compañía de danza moderna, donde también ejerce de tutora de niñas.
Aunque son heterosexuales, ella y su mejor amiga Sophie (Mickey Sumner), que fueron  juntas a la universidad en Vassar, se consideran como una pareja de lesbianas maduras, como si estuvieran casadas, solo que no mantienen relaciones sexuales entre ellas.
Frances sufre continuos tropiezos en unas u otras situaciones, tanto en su vida profesional como personal, en sus expectativas y en sus habilidades, no siempre coincidentes entre sí. En algunos aspectos se mantiene fiel a sus sueños ligeramente alterados al no tener conciencia clara de que no tiene las habilidades para cumplir con ellos.
Cuando su amiga se va a vivir con su pareja, Frances se encuentra con que no pude pagar sola el alquiler del apartamento y va cambiando de una domicilio a otro, casi siempre compartiendo piso, hasta acabar en una residencia para estudiantes, como si no se diera cuenta de que tiene que trabajar para sobrevivir en la costosa Nueva York, y que no puede confiar indefinidamente en sus padres para ese apoyo financiero que necesita. La pregunta entonces es si Frances podrá encontrar el equilibrio adecuado para continuar su vida en Nueva York, pues aunque vive con alegría y cierta ligereza, aspira a tener más de lo que tiene.


La película tiene un tono que en ciertos momentos recurre a un lenguaje vulgar, y se desarrolla en un ambiente de los llamados culturetas, y algo sofisticado.
Sin profundizar demasiado en ello, el film nos habla de esos jóvenes que no quieren darse cuenta de que los años van transcurriendo y sus sueños, no es que no hayan llegado, es que están cada día más lejos.
Madurar no siempre es fácil, requiere de renuncias. Renuncias a la protección de los padres que resuelven todos tus problemas, muchas veces renuncias a tus sueños y decides agarrar la oportunidad que se presenta para ganarte un sustento, aunque ello suponga trabajar en algo que no te realiza... Sin embargo hay personas que, por forma de ser, o por circunstancias de la vida, siguen de manera indefinida en la etapa anterior, no por vagancia, sino porque no dan el paso y los años van pasando y te los encuentras, después de tiempo sin saber nada de ellos, anclados en esa búsqueda de su lugar en el mundo.
Esa es Frances que, en cierto momento, como ocurre en la vida real, se da cuenta, con cierta perplejidad, de que las personas que componen su círculo, han ido cambiando, se han casado, tienen hijos, tienen un trabajo remunerado, mientras ella sigue en pos de algo que se nos antoja no va a conseguir.
A todo esto nos acerca el film, envuelto en un aire de comedia, a base de diálogos que quieren pasar por profundos, aunque muchas veces no lo sean y en un tono claramente vitalista al que contribuye la sensacional actuación de Greta Gerwig que, además colaboró en el guion.
Brillante fotografía en blanco y negro de Sam Levy y una no menos espléndida banda sonora de George Drakoulias, completada con varias canciones muy significativas, como “Modern Love”, de David Bowie, que suena como fondo de la que es quizá la mejor escena del film, con la protagonista haciendo cabriolas por las calles de la gran ciudad.


La película nos trae remembranzas del cine de la Nouvelle Vague o los films neoyorkinos de Woody Allen. Habrá quien vea en ella un retrato de cierta juventud de nuestra época, cuya etapa de Peter Pan cada vez se dilata más en el tiempo, esos que no quieren, no pueden o no saben madurar y a quienes criticamos precisamente por ello, por inmaduros. Sin embargo, otros verán con cierta comprensión, incluso con envidia o admiración, la forma de afrontar la vida de Frances, porque observarán un punto de inconformismo y un mucho de perseguir lo imposible cueste lo que cueste, sin duda subyugados por el carisma del personaje.




miércoles, 21 de noviembre de 2018

DOS CABALGAN JUNTOS

El cínico y corrupto comisario Guthrie McCabe (James Stewart) lleva una vida cómoda en Tascosa, recibiendo el 10% de las ganancias de todos los negocios allí establecidos, con lo que complementa su sueldo de sheriff. Su amante Belle Aragón (Annelle Hayes) posee un salón con un burdel y le ha hecho proposiciones para que se case con ella; sin embargo, Guthrie es convocado por el comandante Frazer (John McIntire) del Ejército de los EE. UU., que envía una sección de caballería al mando de su primer teniente Jim Gary (Richard Widmark) para que lo lleve a Fort Grant.
Cuando Guthrie se encuentra con el comandante Frazer, este explica que los familiares de los prisioneros de la tribu comanche están presionando al ejército para que los traiga de vuelta a casa, pero los soldados no pueden invadir las tierras indias debido a un tratado con los comanches.
El siempre interesado Guthrie exige una gran cantidad para negociar con el Jefe Quanah Parker (Henry Brandon) por la libertad de los blancos cautivos, al fin y al cabo él está en esto por dinero y le importan poco otras circunstancias morales o de justicia. Guthrie viaja con el teniente Jim Gary y entre ambos rescatan a los dos últimos cautivos: un adolescente criado por los comanches y una mujer joven, Elena de Madariaga (Linda Cristal), que ha sido la esposa de Stone Calf (Woody Strode), un líder comanche, durante cinco años.
Además se encontrarán con el problema añadido de los cautivos que se niegan a ser liberados.


El guión se basa en la novela Comanche Captives, de William Everett Cook (Will Cook), publicada en 1959.


Según Ford, se hizo cargo de esta película para hacer un favor a la Columbia de Harry Conh, pese a que detestaba la película y se limitó a intentar que el personaje de James Stewart resultará lo más humorístico posible.


Es probable que quienes califican a esta película como una de las más flojas del realizador de Maine, tengan sobradas razones para hacerlo, de hecho, creo que lo es, hay una mezcla entre comedia y drama que, en mi opinión, no está demasiado bien conseguida.
Gustos aparte, se trata de una película bastante triste. Fuera de esas escenas y diálogos en los que se quiere descargar la tensión a base de un humor en ocasiones bastante grueso (pienso en la secuencia en que el personaje de Andy Devine se lía a barrigazos con los hermanos Clegg), si te paras a pensarlo, la situación de unos y otros, es digna de lástima. Eso creo que lo retrata muy bien Ford, con el monólogo de Stewart, cuando dice a los colonos con lo que se van a encontrar: unos salvajes (bajo el punto de vista de los blancos), que habrán matado y cortado cabelleras, en el caso de los niños y unas mujeres casadas y con hijos indios, en el caso de las niñas. Sus hijos, los que ellos recuerdan de cuando fueron secuestrados, murieron hace tiempo, lo que se van a encontrar, son personas que no van a reconocer.
En la película, como no podía ser menos tratándose de Ford, hay algunas escenas brillantes, entre ellas, el diálogo entre los dos protagonistas a la orilla del río, pero a mí, siempre me llamó la atención aquella en que Marty Purcell (Shirley Jones), descubre que su hermano raptado de niño, es el comanche a quien van a colgar, cuando el muchacho oye sonar la caja de música con que se dormía de pequeño y pronuncia la única palabra que recuerda de su idioma materno: ¡Mío, mío! Una de las escenas más tristes y dramáticas de la filmografía del maestro.




martes, 20 de noviembre de 2018

LA MUERTE DE SÓCRATES

Una enfermedad impidió a Platón contarse entre los amigos y discípulos de Sócrates que asistieron a los últimos momentos de la vida del maestro en aquel día de año 399 antes de Cristo en que, de acuerdo con la condena que le había sido impuesta, bebió la cicuta.
Ello no impidió que nos ofreciera un impresionante relato sobre aquel trágico suceso, con toda seguridad basado en lo que vieron y escucharon los fieles discípulos que se hallaron presentes.
Entre otras cosas leemos la respuesta de Sócrates al encargado de comunicarle la orden de beber el brebaje, que se disculpaba con él y le rogaba tuviera en cuenta que sólo era un enviado y no quien había dictado la sentencia: "¡Qué hombre tan atento! Toda esta temporada venía a visitarme y me daba conversación a ratos; se mostraba ser de lo mejor. Y ahora, ¡cuán delicadamente llora por mí!"
Ante los ruegos de los discípulos de que esperase más tiempo para beber el veneno, pues otros no tenían ninguna prisa tras recibir el aviso y demoraban el instante fatal: "Es natural que esos que decís hagan tales cosas, pues piensan que con hacerlas consiguen algo; y es natural también que yo no las haga, pues no creo conseguir nada con beber un poco más tarde si no es hacerme digno de risa ante mí mismo con ese apegarme a la vida y andar escatimando lo que ya no es nada. Así que haced lo que mandan, y dejadme de impertinencias."
Al final, ante el llanto de los presentes, dijo: "¿Qué hacéis hombres desconcertantes? Y pensar que he despedido de aquí a las mujeres principalmente para evitar tales excesos. He oído decir que se debe morir con dignidad. Un poco pues de calma y valor."
Como dice el propio Platón: "Tal fue el fin de nuestro amigo, el hombre mejor de los de su tiempo conocido por nosotros, y además el más prudente y el más justo".



lunes, 19 de noviembre de 2018

EL SARGENTO NEGRO

Braxton Rutledge (Woody Strode) es el sargento primero del 9º de caballería, ex esclavo y que ahora sirve en las tropas del ejército. Estacionado en Fort Linton, en el Territorio de Arizona, se le acusa del asesinato de su jefe, el comandante Dabney y de la violación y el asesinato de la hija del oficial, Lucy Dabney (Toby Michaels). La historia se mueve en el tiempo, construida alrededor del testimonio en la corte marcial de Rutledge y los testigos del caso. El fiscal es el quisquilloso Capitán Shattuck (Carleton Young), enviado desde la sede del general Nelson Miles para la tarea. El abogado defensor es el teniente Tom Cantrell (Jeffrey Hunter), aparentemente inferior en sus armas de defensa al representante de la acusación, que ha servido con Rutledge, al que respeta y admira.
A medida que la historia se desarrolla, en gran parte en flashbacks, Rutledge es herido en la noche de los asesinatos y huye de Fort Linton. Posteriormente mata a varios apaches mescaleros renegados y salva a Mary Beecher (Constance Towers), que acaba de regresar del este. Rutledge es capturado por la patrulla de Cantrell, se libera de la custodia y salva a la patrulla de una emboscada, solo para ser finalmente devuelto a Fort Linton como prisionero. Su nobleza patente es tal que nunca pensamos que realmente hizo aquello de lo que se le acusa. Braxton no niega en ningún momento que mató a su superior, pero alega que lo hizo en defensa propia, ya que este, al encontrarle junto al cadáver de su hija, estaba furioso y convencido de que el sargento atacó y mató a la joven.
A medida que la historia se va revelando, queda patente que cada uno de los acontecimientos sucedidos, tiene dos caras y Cantrell habrá de convencer a la corte de la inocencia de Braxton.


El guión se basa en un relato de James Warner Bellah (coguionista del film), publicado en el "Saturday Evening Post".
Considerada por muchos como una obra menor en la filmografía de Ford, sin embargo es un film que tiene muchas facetas interesantes, comenzando por la crítica certera a los prejuicios raciales que cobra especial interés en el caso de Ford al que tantas veces se ha acusado de racista.
Se ha criticado mucho la estructura en flashbacks del film, porque algunos argumentan que está mal conseguida, pero sin embargo, otros creen que le da dinamismo.
La película logra mantener cierta intriga, no por saber si el sargento es culpable o no, pues desde el primer momento, al espectador le queda claro que no tuvo nada que ver con el asunto, sino por averiguar quién lo hizo.
Quizá lo peor es la resolución, la confesión del autor queda bastante ridícula y, a mi modo de ver, poco o nada creíble.


A pesar del tema que trata, el film está aderezado con muchos momentos de humor que compensan el drama y que, al tiempo, sirven, como ocurre en otras películas del realizador, para dar oportunidad de lucimiento a algunos de los secundarios que, por cierto, lo hacen muy bien.
La película tiene algunas secuencias brillantes, tal vez el momento más emotivo sea cuando los soldados negros están cantando "Capitán Búfalo", para dar fuerza y ánimo a su compañero, cuya imponente silueta se recorta contra la luz de la luna.
Puede que no sea la mejor película que haya hecho Ford, pero seguro que es una de sus películas interesantes y está muy bien hecha, vale la pena descubrirla.




viernes, 16 de noviembre de 2018

MISIÓN DE AUDACES

En plena Guerra Civil, el general Grant (Stan Jones), ordena al Coronel Marlowe (John Wayne) y al Mayor Kendall (William Holden), que se internen con tres regimientos, tras las líneas enemigas, con el fin de sabotear y destruír vías férreas y cortar, de este modo, las líneas de abastecimiento de las tropas confederadas, entre las estaciones de Newton y Vicksburg.
En su recorrido de más de 300 millas, Kendall, un cirujano del norte, y el irascible Marlowe, tendrán sus diferencias y habrán de arrastrar con ellos, durante todo el recorrido a Constance Towers (Hannah Hunter), una atractiva rubia, alineada con la causa del Sur, para que no revele sus planes a los confederados.
Un triángulo marcado por las disputas y las diferencias, marcará el devenir de la película. Por un lado, Marlowe, un hombre hecho a sí mismo que ha conseguido llegar a donde está a base de esfuerzo y arrojo. En el ejército, sin pasar por West Point, ha conseguido llegar a coronel gracias a su valor y en la vida civil, ha llegado a ingeniero de ferrocarril, sin estudiar, ascendiendo desde peón.
Henry Kendall, que sí pasó por la academia, se considera un científico que se debe a quienes precisan sus atenciones médicas, antes que militar y, por fin, Constance Towers, que hará todo lo posible por obtener información que pueda servir a los suyos.
Poco a poco, los personajes se irán transformando y las diferencias dejarán camino a la comprensión.


El guión es una adaptación libre de un relato de Harold Sinclair sobre la incursión del coronel Benjamin Grierson desde La Grange, Tennessee, hasta Baton Rouge, durante 16 días, recorriendo 965 kilómetros, durante la campaña de Vicksburg, en abril de 1863. Esta incursión facilitó que Grant tomase Vicksburg y que la Unión ganase la guerra, aunque el film no hace mención a ello.


Hay personas que, a pesar de tener reconocimiento por la obra de John Ford, tienden a considerar esta películas como una obra menor que no alcanza el esplendor artístico de los grandes títulos que componen la filmografía del director americano, pero un análisis más detallado debe servir para situar esta obra dentro de ese grupo de películas de Ford donde se puede apreciar la madurez de un estilo que se plasma en los extraordinarios detalles que acompañan la descripción de unos personajes que sobresalen por encima de los tópicos del cine del oeste, para convertirse en referentes clásicos de una época y un cine cada vez más difícil de encontrar.


Con dos actores que están al nivel que se espera de las primeras figuras, la película reflexiona sobre el cumplimiento del deber y las cuestiones morales que, en ocasiones, se contraponen a este.
Escenas realmente brillantes y planos maravillosos, aunque es cierto que quizá, en algunos tramos, parece un tanto deshilvanada, hasta llegar a uno de los finales más hermosos y misteriosos del cine de Ford.




jueves, 15 de noviembre de 2018

HER

Theodore Twombly (Joaquin Phoenix), trabaja como escritor de cartas sentimentales para otras personas, estas cartas generadas por computadora, presentan la apariencia de manuscritas. Es un hombre introvertido que está a punto de divorciarse de su amor durante muchos años, Catherine (Rooney Mara). Se aferra a su matrimonio para conseguir la vida a la que aspira. Más allá de su relación puramente platónica con una vieja amiga, una mujer casada llamada Amy (Amy Adams), Theodore está teniendo problemas para pasar a otras relaciones femeninas satisfactorias, ya sea románticamente o incluso sexualmente. Finalmente, se da cuenta de que se está enamorando de su confidente, que posiblemente se ha convertido en su mejor amiga, Samantha (a la que pone voz Scarlett Johansson), el nombre que le ha dado al sistema operativo de inteligencia artificial que alimenta todos sus dispositivos tecnológicos personales. Como Samantha está diseñada para satisfacer las necesidades de Theodore, ella también evoluciona hasta el punto de enamorarse de él. Más allá del hecho de que Samantha no tiene un cuerpo, tienen que encontrar formas de hacer que la relación sea verdaderamente satisfactoria en cada componente.
A raíz de esta situación, surgen algunas preguntas, como, por ejemplo, si la relación de Theodore con Samantha le está impidiendo tener una relación más satisfactoria con una mujer humana, o si la rápida evolución de Samantha significa que ella evolucionará aún más a su propia forma de realización personal.


Apoyada en un sólido guión, con el que consigió el Oscar al mejor guión original, la película cuenta además con una sensacional fotografía de Hoyte Van Hoytema y una estupenda actuación de Joaquin Phoenix, bien secundado por Amy Adams y la cálida y sensual voz de Scarlett Johansson.
Atención a la banda sonora de la película, no cabía esperar otra cosa de Spike Jonze, que ha dirigido viodeclips de exitosos artistas (Arcade fire, Chemical Brothers, Beastie Boys, Björk...). De entre todos los temas que la componen, "The moom song", estuvo nominada como mejor canción original.


Aunque está situada en el futuro, es un mundo que nos resulta cercano, real, posible y reconocible desde nuestro mundo actual.
El film plantea reflexiones variadas en un tono de comedia dramática, sobre el amor, si es necesaria o no la presencia física para enamorarse y también sobre las relaciones interpersonales y la influencia en ellas de las tecnologías que han colonizado nuestras vidas hasta hacerse insustituibles.
Jonze sabe dotar de absoluta originalidad a un asunto que no es la primera vez que se trata en el cine, al tiempo que nos va envolviendo con la cálida y sugerente atmósfera que consigue crear, hasta atraparnos de lleno en la historia.
Dadas las peculiaridades del film, con un personaje indispensable del que sólo conocemos sus pensamientos y su voz, esta es una de esas películas que deben verse, a ser posible, en versión original, de lo contrario, uno puede perderse buena parte de su encanto, al que los mismos productores y el realizador, dieron máxima importancia. Pensemos solo en un detalle: Samantha Morton, fue la encargada de poner voz a Samantha, el peculiar Sistema Operativo OS1 y cuando acabó el rodaje, a Spike Jonze no acababa de convencerle, con el beneplácito de la propia Morton, reescribió el papel y llamó a Scarlett Johansson, procediendo a regrabar todos los diálogos del personaje.




miércoles, 14 de noviembre de 2018

EL ÚLTIMO HURRA

Frank Skeffington (Spencer Tracy), un hombre amado y temido a la vez, es un viejo alcalde demócrata de origen irlandés, de una población de Nueva Inglaterra, en los Estados Unidos, que aunque nunca se cita, puede tratarse perfectamente de Boston. Debe hacer frente a su última reelección, lo que supone que es la quinta vez que se presenta, ya que después piensa retirarse.
El contrincante de Frank, es un don nadie, apenas un testaferro. Detrás de él se esconden Amos Force (John Carradine), propietario del más exitoso diario de la cuidad y famoso antagonista de Skeffington, y Norman Cass (Basil Rathobne), dueño del principal banco del municipio, que también es reticente al viejo alcalde por razones económicas. Este último pretende hacer pagar al banco de Cass el coste de la edificación de unas viviendas municipales. También entra en escena un joven periodista, Adam Caulfield (Jeffrey Hunter), sobrino y amigo de Skeffington, a quien su tío invita a que siga de cerca la campaña, según él, un trozo de historia.
Cuando comienza la campaña electoral, sus amigos le aconsejan que cambie sus métodos porque, aunque su rival es un joven incompetente, el hecho de contar con apoyos tan influyentes, pone en serio peligro la reelección de Skeffington, según ponen de manifiesto los sondeos electorales. Por ejemplo, le aconsejan utilizar métodos modernos, como la televisión, que actúa de forma impactante en la población. Sin embargo, él está convencido de que los métodos tradicionales le pueden dar la victoria, como ha ocurrido siempre.


Adaptación de una novela del mismo título de Edwin O'Connor, que constituyó un gran éxito en EE.UU. en 1956 y hoy es un clásico. Su protagonista, el alcalde Frank Skeffington, ha sido durante veinte años la principal figura política de su ciudad. Se trata de un populista inteligente y hábil, usuario habitual de todas las marrullerías y golpes bajos habidos y por haber, pero a quien hasta sus enemigos aprecian el trabajo hecho en beneficio de su pueblo o, para ser más exactos, de su comunidad, los emigrantes irlandeses que hasta su ascenso fueron olvidados sin piedad por quienes se consideran una especie de nobleza local (la sociedad protestante de Nueva Inglaterra), y a los que Skeffington ha brindado autoestima y mejorado sus condiciones de vida.


Transcurridos casi sesenta años de su estreno, la película no ha perdido vigencia en absoluto y, en algunos aspectos, vaticina situaciones que el tiempo ha confirmado.
Quien se acerque al film, asistirá a los manejos que rodean el mundo de los partidos, los candidatos, los poderes económicos y sociales y sus métodos para hacerse o continuar en el poder.
Como hace otras veces, Ford no profundiza demasiado en el tema de fondo, sino que se detiene más en los personajes, en sus determinadas circunstancias, aunque es cierto que a través de ellos, podemos seguir el rastro, por extrapolación de conductas más generales.
Hay unas cuantas escenas que llaman la atención sobre el resto, además de la escena final, con los amigos de Skeffington subiendo las escaleras y sus alargadas y pronunciadas sombras reflejándose en la pared, o la del desfile triunfal del candidato opositor, cruzándose con el solitario y derrotado protagonista. Me divirtió mucho la entrevista televisiva al rival de Skeffington, digna del mejor Wilder.
No todo el mérito del film está en la dirección, no hay que olvidar el extraordinario elenco de secundarios, todos ellos maravillosos y, sobre todo, la imponente actuación de Spencer Tracy. Hay un gesto suyo, muy comentado entre aficionados y profesionales de la crítica, cuando regresa a casa tras conocer los resultados y desde el vestíbulo mira hacia arriba, donde está el retrato de su difunta esposa y encoge los hombros, como diciendo ¡qué se le va a hacer!, acompañándolo con una media sonrisa que solo él sabía hacer, que vale por toda una carrera interpretativa.
Un film divertido, pero con unas cuantas cargas de profundidad al sistema y a quienes se valen de él.
Para acabar, un pequeño diálogo entre Skeffington y su sobrino:

—¿Y dónde están los mejores?
—Desde luego, no en la política.