MADRE E HIJO

 

En una vieja casa aislada, situada en un paraje campestre, un joven dispensa amorosas atenciones y cuidados a su madre gravemente enferma. En el que quizá sea su último paseo juntos, él la lleva en brazos, y ambos evocan melancólicamente el pasado.

La lentitud con que transcurre, dista de lo que solemos ver en otras películas de las llamadas de transcurrir parsimonioso. En esta se van sucediendo escenas de exquisita belleza que contrastan con un tema tan doloroso como es la muerte de una madre.

Apenas hay trama, todo gira en los cuidados amorosos de ese hijo, en las caricias de la madre, el único pago que le permiten sus escasas fuerzas y también en los misterios de la vida (y de la muerte), en el mecer de la hierba, el pasar de las nubes o el tren que se ve en la lejanía y en ese joven que lleva a su madre en brazos, en lo que algunos interpretan como una escena de la pasión cristina con los roles invertidos.

Un film muy contemplativo que se hará aburrido de forma irremediable a quien no disfrute apreciando los elementos formales y artísticos que Aleksandr Sokúrov nos ofrece. 

EL ARCA RUSA

 

Un hombre, aparentemente invisible recupera la consciencia, sin saber quién es ni dónde está. Nadie parece verlo, excepto un misterioso hombre vestido de negro. Finalmente, a través de sus conversaciones, descubre que se trata de un aristócrata francés del siglo XIX, el Marqués de Coustine (Sergey Dreyden). Ambos descubren rápidamente que se encuentran en el Palacio de Invierno de San Petersburgo. Mientras recorren el palacio y sus terrenos, interactúan con personajes de diversas épocas de la historia rusa, ya sea a través de los acontecimientos ocurridos allí o de la observación de los objetos del museo.

Aleksandr Sokúrov dirige esta película en la que intervienen 867 actores, miles de extras y tres orquestas en vivo. Una especie de homenaje al Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo. Está filmada en una fluida toma de 90 minutos con cámaras de video de alta definición (aunque es cierto que cuenta con efectos digitales), la fotografía flota y se desliza por los suntuosos pasillos del museo, examinando sus detalles arquitectónicos mientras desarrolla una trama onírica.

Una proeza cinematográfica que resulta hipnótica, de la que el realizador ruso comentó, como quitando importancia al éxito técnico y artístico que supone, que filmar en una sola toma es un logro en términos formales, pero más que eso, es una herramienta con la que se puede resolver una tarea artística específica. Es solo una herramienta.

Pero es también un recorrido por la historia de la Rusia contemporánea (desde el siglo XVIII) a base de conversaciones que al espectador occidental, en general poco versado en la historia del país, le puede resultar confusa o como narrada en clave, más teniendo en cuenta que no sigue un orden exactamente cronológico.

De cualquier modo, el despliegue formal, el espléndido vestuario, lo barroco del espectáculo y el entorno, suponen toda una experiencia visual.

ELEGIDAS

 

En pleno y lluvioso verano sueco, una niña es secuestrada de un tren abarrotado. A pesar de cientos de posibles testigos, nadie se percató del secuestro. Su madre se quedó en la estación anterior, aparentemente por casualidad. La tripulación del tren fue alertada y vigiló atentamente a la niña dormida, salvo un par de minutos por culpa de un incidente en el interior del convoy. Al llegar el tren a la Estación Central de Estocolmo, la niña había desaparecido. 

El inspector Alex Recht y su equipo especial de investigadores federales, con la ayuda de la analista investigadora Fredrika Bergman, son asignados a lo que, en un principio, parece ser un caso clásico de disputa por la custodia. Pero cuando la niña es encontrada muerta en el extremo norte de Suecia con la palabra "no deseada" escrita en la frente, el caso pronto se convierte en la peor pesadilla del equipo de investigación: la búsqueda de un asesino brillante y despiadado. 

La novela supuso el debut de la escritora sueca Kristina Ohlsson, una obra policiaca que sumerge al lector en una compleja investigación que durante largo tiempo se tambalea en la oscuridad. Ohlsson, sin embargo, no se desvía, sino que atrapa al lector desde la primera página, no solo por su lenguaje, sino también por la capacidad de adentrarse en la mente de diferentes personajes y de pintar una imagen sólida de los investigadores que se mueven entre la profesionalidad y las lógicas fricciones a la hora de adoptar diferentes diferentes líneas de investigación.

LAS CONSECUENCIAS DEL AMOR

 

Tras pasar los últimos ocho años viviendo una vida anónima en un remoto hotel suizo, sentado la mayor parte del día solo en el vestíbulo, observando a la gente con indiferencia, la vida de Titta Di Girolamo (Toni Servillo) da un giro radical cuando rompe su soledad para hablar con la atractiva camarera Sofía (Olivia Magnani).

Paolo Sorrentino consigue captar nuestra atención sobre este extraño personaje, un solitario que lleva ocho años viviendo en una habitación de un hotel de Lugano apartado del mundo, de forma más que discreta, casi anónima, sin trabajar, fumando en silencio, sentado en el vestíbulo o en el bar del hotel. Sometido a una rutina de la que no se sale ni un ápice, como si su principal ocupación fuera ver desfilar la vida ante sí, sin expresar emoción alguna, procurando permanecer distante de todo y de todos. Hasta que rompe sus propias reglas e intercambia unas palabras con la camarera y todo el pasado vuelve a entrar de forma violenta en la vida de Titta.

Visualmente muy atractiva, el realizador italiano nos regala unos cuantos planos de soberbia calidad, planificados y llevados a cabo con un altísimo nivel técnico y artístico en un intento de dar otro aire al típico relato noir que puede resultar muy sugestivo.

DEJAD PASO AL MAÑANA

 

Durante una reunión familiar, un anciano matrimonio comunica a sus hijos, ya independizados, que están arruinados y los van a desahuciar en un plazo muy breve. Los hijos deciden entonces repartirse a sus padres: uno se queda con la madre y otro con el padre, lo que supone un duro golpe para los ancianos, ya que han vivido juntos toda la vida.

El guion adapta la novela Years Are So Long (Los años son tan largos), de la norteamericana Josephine Lawrence, publicada en 1934 y ambientada en los años de la Gran Depresión, en la que se reflejan los conflictos culturales en torno al envejecimiento y la feminidad. La novela y, por ende la película, establece una reflexión sobre las políticas sociales y, más concretamente, las dirigidas a la protección de las personas mayores.

Al parecer, cuando el realizador Leo McCarey recibió el Oscar por La pícara puritana (estrenada, igual que ésta que comentamos, en 1937), dijo que le estaban dando el premio por la película equivocada y es que para él, a pesar de su fracaso en taquilla, Dejad paso al mañana, era la película de la que sentía más satisfecho. 

Uno de los aciertos del film es que deja de lado los estándares del melodrama tradicional que podría haber sido y es que los ancianos no son en absoluto angelicales, resultan, en ocasiones, entrometidos, cascarrabias y muy poco sutiles y, por contra, los hijos, tampoco es que sean unos desalmados al uso, hacen lo que pueden, al menos algunos de ellos.

Con un elenco de actores, de los llamados de carácter, incomparables, es una historia de amor conmovedora y un retrato devastador de cómo funciona la sociedad. Un film profundamente preocupado por las cuestiones de la obligación filial y la forma en que nos tratamos unos a otros como seres humanos. Muy emotiva.

LOS JUNCOS SALVAJES

 

François (Gaël Morel), un chico de dieciocho años, descubre que es gay y que está enamorado de Serge (Stephane Rideau), un compañero de clase en el internado en que ambos estudian. Éste al principio parece corresponderle, y una noche se acuestan juntos. Pero, a continuación, Serge no quiere saber nada de François y se interesa por Maïté (Élodie Bouchez), una joven militante comunista, hija de una de las profesoras.

Ambientada en 1962, con la guerra franco-argelina y los exuberantes paisajes provenzales como telón de fondo, André Téchiné nos acerca esta poderosa visión de la sexualidad adolescente y los conflictos sociales; una expresión conmovedora, emotiva y que retrata la angustia y el triunfo de la adolescencia.

Si estuviéramos ante una película sobre la adolescencia simple y llanamente, no sería más que otro film de tantos como hay sobre este asunto. Sin embargo esta mirada semiautobiográfica del realizador francés sobre su último año en el internado, posee más profundidad y realismo que otras películas similares, examinando la adolescencia desde la perspectiva de quienes se sienten marginados y mostrando que, si bien el clima político y social puede afectar el desarrollo de una persona, otros factores, como la amistad y el amor, suelen tener más importancia. 

Resulta curioso comprobar cómo el público se adueña a veces de la obra de un artista y la interpreta de una manera diferente a como el autor la concibió. Téchiné declaró en alguna ocasión que él pretendía hacer un film con el doloroso (para Francia) asunto de Argel como tema central, sin embargo, tanto crítica como público se han quedado con su sincera, realista y cercana interpretación del tema de la adolescencia y, más concretamente, del despertar de la sexualidad en un joven gay, seguramente porque es un asunto más universal y por el tratamiento que le concede el realizador galo, sin caer en el morbo, sugiriendo en lugar de mostrar y con una relativa normalidad, sin renunciar al conflicto que para el muchacho supone. 

Una hermosa película sobre un tema universal.

NETWORK, UN MUNDO IMPLACABLE

 

Howard Beale (Peter Finch), veterano presentador de un informativo nocturno, es despedido cuando baja el nivel de audiencia de su popular programa que otrora arrasaba en los ratings. Sin embargo, antes de abandonar la cadena, ante el asombro de todos, Beale anuncia que antes de irse se suicidará ante las cámaras, pegándose un tiro en directo en uno de los programas que le quedan, lo que provoca una inusitada expectación entre el público.

Despiadada sátira sobre los programas de actualidad (y algunos otros), esos en los que las medidas de audiencia mandan sobre cualquier otra consideración de calidad o de interés social. 

Aunque lo de sátira habría que ponerlo entre comillas, ya que tanto el realizador (Sidney Lumet), como el autor del guion (Paddy Chayefsky), afirmaron que la película no pretendía ser una sátira, sino un reflejo de lo que realmente estaba sucediendo.

Todos los intérpretes ofrecen actuaciones magistrales y hay una excelente selección de personajes secundarios, incluyendo al recientemente fallecido Robert Duvall, pero sobre todo, con unos inmensos Faye Dunaway y William Holden, en esta película que denuncia sin ambages el periodismo televisivo que se sirve de la basura para aumentar audiencias, estafando a los espectadores de una manera cargada de cinismo.