AL OTRO LADO

 

Nejat (Baki Davrak) se sorprende al conocer la relación que su padre viudo, Ali (Tuncel Kurtiz), mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse). Pero llega a tener cierta simpatía por la mujer cuando se entera de que envía dinero a Turquía para pagar los estudios universitarios de su hija. Ali mata accidentalmente a Yeter cuando esta le amenaza con marcharse y ello enturbia la relación entre padre e hijo. Nejat decide irse a Estambul a buscar a Ayten (Nurgül Yesilçay), la hija de Yeter, pero la chica es una activista política que, huyendo de la policía turca, se ha ido a Alemania, donde se hace amiga de la joven Lotte (Patrycia Ziolkowska) que la invita a quedarse en su casa. Cuando Ayten es arrestada y su solicitud de asilo es denegada, es deportada y encarcelada en Turquía, Lotte viaja a Turquía para intentar ayudarla.

Ambientada en Alemania y Turquía. El azar depara una serie de encuentros, relaciones e incluso muertes que ponen en contacto las frágiles vidas de seis personas que solo buscan el perdón y la reconciliación.

La coincidencia es el recurso narrativo de Fatih Akin, quien presenta por separado, pero de forma paralela, las vidas de una madre y una hija distanciadas. Su interés se centra en el tránsito entre Turquía y Alemania —y sus consecuencias para el individuo—, aunque su exploración adquiere una dimensión intergeneracional, así como un tono reflexivo y sentimental: nunca estamos lejos de la muerte. 

La película es una historia de amor y esperanza, profundamente entrañable, que arroja una luz refrescante sobre el fenómeno global del choque entre culturas y, en un plano más amplio, reflexiona sobre la colisión entre el mundo islámico y el occidental y el impacto de la globalización y el multiculturalismo, no solo en occidente, sino también en los países de origen de los inmigrantes.

CONTRA LA PARED

 

Después de haber sufrido un grave accidente al estrellar su coche contra un muro, Cahit (Birol Ünel), un turco-alemán de cuarenta años, alcohólico y toxicómano, ha sido ingresado en la planta de psiquiatría, pero no consigue acostumbrarse a dormir sin drogas ni alcohol. A Sibel (Sibel Kekilli), una guapa chica turca de 20 años que ha nacido en Hamburgo, le gusta demasiado la vida para ser una buena musulmana. También ella intentó suicidarse para huir de esa especie de cárcel que su familia, muy creyente y respetuosa de las tradiciones, había levantado a su alrededor. Una vez frustrado su suicidio, sólo ve una posibilidad para liberarse de su familia: casarse con Cahit.

Sibel desea complacer a sus padres, pero anhela demasiado su libertad y se enfrentada a las estrictas normas que desean imponerle; su hermano le ha roto la nariz por haberla visto con un chico y, por otro lado, no quiere destrozar el corazón de su madre huyendo de casa, así que solo ve la salida de casarse con este hombre, Cahit, al que promete que su matrimonio será como la convivencia de dos compañeros de piso. Su relación se irá haciendo cada vez más cercana hasta acabar enamorándose.

Con un característico humor, sobre todo al principio del film, que sirve de contrapeso al drama que impregna la narración, el alemán de ascendencia turca Fatih Akin nos ofrece una película de tintes románticos muy diferente a otras cintas que abordan el género, en una especie de círculo que va de la desesperanza al amor y a la desesperanza de nuevo. De fondo, la confusión en que viven los inmigrantes que no acaban de integrarse en su país de adopción, pero tampoco se sienten ya turcos; o la complicada situación de las mujeres amenazadas por unas costumbres familiares y un ambiente patriarcal y machista. La interesante banda sonora combina temas tradicionales turcos con otros de rock o música electrónica que el realizador conoce de cerca, pues también trabaja como DJ, bajo el nombre de "DJ-Superdjango" en clubes de su Hamburgo natal.

Una película a un tiempo íntima e intensa.

EL BUENO, EL FEO Y EL MALO

 

Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), tres pistoleros buscan un tesoro. Dos de ellos se necesitan, porque cada uno conoce una pista complementaria de la otra para localizarlo; el tercero les sigue. Se establece una disputa peligrosa para localizar el botín.

Una película mítica dentro del spaghetti western, el subgénero inventado por Sergio Leone que reinventó las películas del Oeste para llevarlo más allá de las normas del puritanismo estadounidense, ambientado sus films en paisajes áridos y con esa alternancia de primerísimos planos (a veces solo los ojos llenan la pantalla) y planos generales y el ritmo lento que imprime a la narración. En este caso con imágenes que en algunos momentos son casi surrealistas y con el particular humor de Leone, en ocasiones bastante simplón, que contribuye a suavizar un tanto el patetismo y el desgarro de la historia.

Con un argumento que algunos encuentran plagado de incongruencias, más que por otra serie de valores, que seguramente los tiene, el film ha pasado a ser paradigma de otra forma de ver el western, una visión deprimente y sombría con personajes egoístas y carentes de moral.

VEINTICUATRO HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER

 

La desaparición de una huésped en una pequeña pensión de la Riviera Francesa causa gran revuelo. ¿Qué sucedió? ¿Un accidente? Madame Henriette se ha fugado con un joven francés, un hombre sumamente encantador al que apenas había conocido el día anterior. La total incomprensión de los demás huéspedes, escandalizados por la actuación incomprensible de una mujer de la buena sociedad, impulsa al narrador de la historia a defender con vehemencia la valiente acción de la esposa y madre, quien actuó guiada únicamente por su instinto. Se desata una acalorada discusión que solo se calma con la intervención de la señora C., una distinguida dama mayor. Lo que nadie sospecha es que también hubo un joven en su vida. Ella comienza a contar su historia al joven que salió en defensa de la fugada: veinticuatro horas en la vida de una mujer tras las cuales nada volvió a ser igual. 

Una pasión arrolladora, descrita con sensibilidad por el maestro de la novela psicológica, Stefan Zweig. Una brillante farsa de anhelo y pasión en la Riviera durante la Belle Époque y en el casino de Montecarlo. La historia de una mujer que decide un día liberarse de las cadenas que la atan: Las convenciones sociales. Stefan Zweig sigue la senda de algunas otras de sus novelas en las que plantea profundos estudios de las luchas internas de sus personajes y sus novelas son, además, un excelente retrato del mundo que le tocó vivir, al que mira con el optimismo de un espíritu humanista.

HARAKIRI

 

Un samurái sin amo y en la ruina, entra en la mansión del clan Iyi, solicitando cometer un suicidio ritual en su propiedad. Sospechando que simplemente buscar caridad, a Hanshirô (Tatsuya Nakadai) se le cuenta la espeluznante historia del último samurái que hizo la misma petición, pero Hanshiro no se deja conmover.

Digida por Masaki Kobayashi, el guion se basa en la novela Ibun rônin-ki, del japonés Yasuhiko Takiguchi.

Maestro de las composiciones de gran distancia focal, la puesta en escena de Kobayashi está cuidadosamente organizada en términos de espacio y capas. Los entendidos llaman al espectador a que se fije en el uso de líneas y sombras para dividir el encuadre en capas, cada una con su propia importancia. Igualmente impresionantes son sus secuencias de lucha, donde alterna planos generales extremos con primeros planos. 

En la película, el realizador nipón expone su crítica mordaz al código samurái (y por extensión a cualquier código de honor), su hipocresía, su irreflexión y la impotencia del individuo frente al control que el daimyo (una especie de señor feudal) ejerce sobre su propia historia, poniendo en cuestión los valores tradicionales del Japón imperial.

LOS SIETE SAMURÁIS

 

Japón, Siglo XVI. Una aldea de campesinos indefensos es repetidamente atacada y saqueada por una banda de forajidos. Aconsejados por el anciano de la aldea, algunos aldeanos acuden a la ciudad con el objetivo de contratar a un grupo de samuráis para protegerlos. A pesar de que el único salario es comida y techo, varios samuráis se van incorporando al singular grupo que finalmente se dirige a la aldea.

La película, de más de tres horas, protagonizada por los legendarios actores Toshiro Mifune y Takashi Shimura, entrelaza a la perfección filosofía y entretenimiento, delicadas emociones humanas y acción trepidante, con sutiles toques de humor, en un relato rico, evocador e inolvidable de valentía y esperanza.

La gran epopeya de Akira Kurosawa, considerado casi de forma unánime como uno de los grandes films de todos los tiempos, con escenas de acción concebidas con un ingenio pocas veces visto. Aunque es cierto que algunas interpretaciones, sobre todo en determinados momentos, pueden parecer un tanto teatrales, a cambio, los personajes están muy bien definidos y técnicamente es una maravilla, con esa distribución de cámaras para captar todos los detalles que se convertiría en sello del maestro nipón, en una narración que tampoco se apiada de los pobres y aterrados campesinos, no tan inocentes como pueda parecer y un tanto manipuladores. En cualquier caso, todo un clásico y una magnífica lección de narrativa visual.

EL AFICIONADO

 

Filip (Jerzy Stuhr) compra una cámara de cine de ocho milímetros cuando nace su primera hija. Como es la primera cámara de la ciudad, el director de la fábrica en que trabaja le encarga un reportaje sobre las celebraciones del 25 aniversario de la empresa. Sus horizontes se amplían cuando lo envían a festivales de cine regionales con sus primeras obras, pero su enfoque cinematográfico también lo lleva a conflictos domésticos y a dilemas filosóficos.

Tragicómica meditación de Krzysztof Kieslowski sobre el cine, considerada como el punto de inflexión del realizador polaco en la transición hacia la ficción desde el documental que prácticamente, hasta ese momento, es lo único que había hecho en cine.

Felizmente casado y con una situación económica estable, Filip Mosz compra la cámara para capturar los momentos en que se cumple el sueño de su vida y filmar los primeros años de la vida de su hija, pero queda fascinado por el medio, que pasa a convertirse en su pasión.

La película refleja la compleja relación de Kieslowski con la "realidad" y sus posibles representaciones. A través de la necesidad, a veces algo cómica, de Filip de capturar "la vida tal como es", Kieslowski denuncia el mito de la objetividad que hay detrás del llamado Cinéma Vérité. 

La película tiene otras vertientes, la crítica a la censura, incluso al propio régimen socialista; a los festivales o a cierta concepción intelectual de este arte.

Más que implicar que no existe una interacción con la realidad, que pueda dejarla intacta, Kieslowski sugiere que el acto de ver es en sí mismo un momento de creación.