HIROSHIMA MON AMOUR

 

Una francesa y un japonés tienen una aventura mientras ella está en Japón rodando una película sobre la paz y el impacto de la bomba atómica en Hiroshima. El hombre, arquitecto, perdió a su familia en el bombardeo. Ella recuerda a su amante durante la guerra, un soldado alemán de 23 años que falleció posteriormente. Ambos mantienen una breve e intensa relación en la Hiroshima de posguerra.

La ópera prima de Alain Resnais, considerada como una película fundamental de la Nouvelle Vague francesa.

En principio el realizador francés pretendía rodar un documental sobre el lanzamiento de la bomba nuclear sobre Hiroshima y sus posteriores consecuencias sobre la población y la propia ciudad, hasta que decidió incluír una historia ficticia.

De hecho, la larga introducción de la película muestra imágenes durísimas de las consecuencias del bombardeo atómico sobre la ciudad nipona, para transitar hacia el romance entre los dos protagonistas que se convierte en una especie de reflexión sobre el olvido y el recuerdo, algo que vive también, en otro ámbito, la población de Hiroshima y, por extensión, la de Japón, incluso me atrevería a decir que la propia población del planeta que vive (vivimos) con la espada de Damocles del peligro nuclear sobre nuestras cabezas.

Con una innovadora estructura de flashback y un guion de la novelista Marguerite Duras nominado al Oscar, Resnais entrelaza con delicadeza el pasado y el presente, el dolor personal y la angustia pública, en esta melancólica obra narrada con un leguaje de poesía visual y estilística.

MUJERES DE LA NOCHE

 

La historia de dos hermanas, Fusako (Kinuyo Tanaka), una secretaria, viuda de guerra, y Natsuko (Sanae Takasugi), que tiene una aventura con un traficante de narcóticos y que, junto a la joven Kumiko (Tomie Tsunoda) ha caído en la prostitución.

Basada en una obra del escritor y guionista japonés Eijiro Hisaito (o Hisaita), muy conocido porque también trabajó como guionista en películas de Akira Kurosawa.

Ambientada en Osaka, tras la Guerra Mundial, Kenji Mizoguchi se inspira en el neorrealismo italiano para hacer una de las películas más emotivas y crudas de su prolífica carrera, retratando, a través de la peripecia de estas mujeres, el caos y la devastación en que el conflicto ha sumido a su país y la soledad y el desvalimiento en que se hayan las mujeres, obligadas a sobrevivir con salarios míseros o en condiciones deleznables cuando se dedican a vender su cuerpo, con la amenaza permanente de contraer enfermedades y sometidas a la degradación social y al constante abuso e incluso al enfrentamiento entre ellas mismas, compitiendo por las migajas que les permitan llegar a ver el siguiente día.

ELEGÍA DE NANIWA

 

Ayako (Isuzu Yamada) es una joven operadora telefónica, cuyo novio y compañero de trabajo observa impasible el acoso que sufre la joven por parte de su jefe Asai (Yôko Umemura). Tras enfrentarse a su padre por una deuda que podría hundir a la familia, Ayako, se ve obligada a abandonar su casa, pero no sabe a dónde ir. Llevada por la desesperación, acepta ser la amante de Asai, situación humillante que provoca el rechazo de su familia, con un padre al que la protagonista rescata de ir a prisión pagando su deuda contraída al malversar fondos de la empresa en que trabajaba y enviando dinero a su hermano Hiroshi (Shinpachirô Asaka) para pagar su matrícula universitaria, sin que él sepa que es su hermana la que pone el dinero.

Mizoguchi, en esta su primera película sonora, ya nos deja un portento técnico y artístico, con algunos maravillosos travelling en una época en que se solía dejar la cámara estática o una iluminación en diagonal que permite aprovechar la profundidad de campo pese a tratarse de una película más bien oscura.

Conocida también como "Elegía de Osaka" (Naniwa era el nombre antiguo de la ciudad), el film significó el comienzo de una nueva era de melodrama sonoro para Kenji Mizoguchi, utilizando una cinematografía fluída y una hábil forma de narrar, en este film que es un alegato en toda regla contra la hipocresía del patriarcado, el retrato de una mujer que se ve expulsada de la casa paterna y negada por los suyos tras haber perdido su trabajo y su dignidad para ayudar a un padre ingrato y a un hermano que es todo un cínico, hasta verse empujada a una vida incierta en la que intuímos solo le queda una salida. Un final amargo, como lo es la historia cruel que contemplamos.

LAS HERMANAS DE GION

 

Las hermanas Omocha (Isuzu Yamada) y Umekichi (Yôko Umemura) son dos geishas que viven en el barrio de Gion, en Kioto. Encarnan dos polos opuestos de la mujer japonesa: mientras Omocha es una chica moderna, Umekichi sigue siendo una tradicional mujer japonesa. Cuando el negocio del mercader Furusawa (Benkei Shiganoya), su protector y cliente habitual, quiebra, Umekichi se siente obligada a ayudarle cuando le pide quedarse con ella tras haber abandonado a su esposa. Sin embargo, su hermana menor, le dice que está malgastando su tiempo y dinero con un perdedor. Cree que ambas deberían buscar mecenas adinerados que las apoyen, por lo que Omocha intenta diversas estratagemas para deshacerse de Furusawa y conseguir mejores protectores.

Adaptación a la gran pantalla de la novela "El burdel" del escritor ruso Aleksandr Kuprin.

Kenji Mizoguchi indaga nuevamente en el mundo femenino del Japón de su época, justo antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, en este caso en unos ambientes que bien conocía, el de las geishas, que habían devenido ya en aquellos años en simples prostitutas. 

Una denuncia sobre la riqueza y sus manejos, la utilización de la mujer como simple mercancía y el sometimiento de estas a los deseos del varón.

POQUITA FE

 

Hay que agradecer a Pepón Montero y Juan Maidagán que se hayan olvidado un poco de las cuestiones meramente políticas, por así decirlo, para retornar a unos temas de larga tradición en la comedia española que tienen mucho que ver con el costumbrismo, realidades que reconocemos como cercanas y de las que saben sacar jugo con guiones ingeniosos llenos de humor, con gags y escenas muy divertidas que apenas dan tregua al espectador, de modo que si te despistas un poco, te puedes perder algo de lo mucho bueno que propone a quien quiera pasar un rato entretenido y con una buena dosis de risas. 

Con unos intérpretes que lo hacen muy bien, secundarios incluídos, a los que coges aprecio independientemente de sus variopintos caracteres, la primera temporada consta de doce breves capítulos, uno correspondiente a cada mes del año, centrados en la vida de los dos protagonistas, gente común y corriente, con vidas nada interesantes, aburridas se diría en lenguaje coloquial, situaciones a las que, dotadas de las correspondientes licencias, quizá alguna pequeña exageración (o no), saben sacar provecho de unos guiones muy conseguidos, apoyándose en historias paralelas que no solo no desmerecen del asunto central, sino que complementan a la perfección el tono casi surrealista de algunas de las historias. Si alguien tenida dudas sobre si la segunda temporada sería capaz de mantener el nivel, yo creo que lo logra, esta vez centrada en un asunto que ya se deja entrever en la primera temporada, cuando el vecino de la pareja protagonista anuncia que un fondo buitre se ha hecho con el edificio y pretende desahuciarles. Berta (Esperanza Pedreño) y José Ramón (Raúl Cimas) vivirán el calvario por el que atraviesan tantos ciudadanos hoy para encontrar una vivienda, sin perder el tono cómico de la serie (en esta ocasión 8 capítulos), con algunos nuevos secundarios que, ya digo, mantiene el nivel de la temporada anterior.

HISTORIA DEL ÚLTIMO CRISANTEMO

 

En el Tokio de 1885, Kikunosuke Onoue (Shôtarô Hanayagi), hijo adoptivo de un prestigioso actor de teatro kabuki, descubre desolado que es aplaudido únicamente por ser el heredero de su padre y que, en realidad, el público se mofa de sus interpretaciones, como también lo hace, a sus espaldas, el resto de la compañía. La única persona que se atreve a ser sincera con él es Otoku (Kakuko Mori), la niñera de su pequeño hermanito. Otoku es despedida y a Kikunosuke, enamorado de ella, se le prohíbe verla, por los posibles rumores que desataría su relación con una sirvienta. Kikonosuke huye de casa y animado por Otoku, intentará convertirse en un gran actor para recuperar el reconocimiento de su familia.

El guion adapta la obra de 1938 "Zangiku Monogatari", del japonés Muramatsu Shōfu. Es una pieza del llamado Teatro Shimpa o Nuevo Teatro japonés, historias melodramáticas que contrastan con el estilo Kabuki, más tradicional.

La película está construída principalmente a base de tomas largas, sin apenas primeros planos. Hay una historia de superación del protagonista, pero el relato central, lo que de verdad interesa a Kenji Mizoguchi y lo que pretende transmitir, es una crítica a los sacrificios que se le exigían a la mujer y a la opresión a que se ven sometidas estas, representadas en Otoku que decide sacrificar su propio futuro por el bien de su amado. 

Una tragedia romántica bellamente fotografiada y profundamente conmovedora.

LA MUERTE Y LA DONCELLA

 

Paulina Escobar (Sigourney Weaver) es una activista política que vive en un país sudamericano recién salido de una dictadura (aunque no se nombra en ningún momento, perfectamente identificable con Chile). Una noche lluviosa, su esposo llega a casa gracias a la amabilidad de un desconocido, el Dr. Roberto Miranda (Ben Kingsley), que le ha llevado en su coche. Ese encuentro fortuito despierta los demonios del pasado en Paulina, pues cree reconocer en la voz de Miranda, al hombre que la torturó y violó mientras permanecía con los ojos vendados. Miranda, estupefacto, niega tener conocimiento de tales hechos, pero Paulina está decidida a vengarse, mientras su esposo se debate entre las pretensiones de su mujer y el cumplimiento de la ley, y el Dr. Miranda se ve obligado a soportar el cautiverio en tanto todos buscan la incierta verdad sobre el oscuro pasado.

El film adapta la obra teatral del mismo título, del chileno Ariel Dorfman (que es coautor del guion y coproductor de la película), ganadora del prestigioso Premio Tony de teatro. 

Los exteriores se rodaron en tierras gallegas, en los acantilados de Punta Frouxeira (en Valdoviño) y en Meirás (Ferrol), donde se localiza la casa en que transcurre la mayor parte de la acción.

Este drama dirigido por Roman Polanski, es un retrato de la compleja lucha de voluntades, tanto desde una vertiente política como psicológica, entre los tres personajes protagonistas. El enfrentamiento entre ellos y los cambios de poder que se van sucediendo entre los tres plantean cuestiones de justicia y venganza, especialmente en relación con el castigo de los criminales y violadores de los derechos humanos que encontramos en cualquier dictadura.