FLORES DE EQUINOCCIO

 

Shin Saburi (Wataru Hirayama) es un hombre de negocios al que los amigos frecuentemente piden consejo con respecto al matrimonio, así como a las relaciones familiares y románticas. Con calma y objetividad, siempre es capaz de encontrar asistencia y comprensión para estas situaciones tan particulares. Sin embargo, cuando su hija le manifiesta que quiere contraer un matrimonio por amor, sus ideas aparentemente liberales sobre el matrimonio se ven seriamente puestas a prueba y emerge el padre chapado a la antigua.

Basada en la novela Higanbana, del autor japonés Ton Satomi (seudónimo de Hideo Yamanouchi), es la primera película en color de Yasujirō Ozu. 

La productora Shochiku, encargó a Ozu que empleara el color para resaltar la belleza de la superestrella Fujiko Yamamoto, que había tomado prestada de otra productora.

Otro minucioso análisis de la vida familiar, en el que una joven moderna, desea elegir a su esposo a pesar de las objeciones de su padre. Ozu plantea el debate sobre el respeto a las creencias y valores de los mayores y las tensiones que genera la rebeldía juvenil. 

Con alguna que otra metáfora (comienza con un cartel informativo en una estación en el que se advierte de la previsión de fuertes vientos y acaba con un tren que se desliza hacia una apacible tarde de otoño, con todos reconciliados), el uso del color para resaltar el tono casi lúdico. La poesía y el humor sutil del maestro nipón, se combinan para hacer de esta historia que gira alrededor del conflicto de lo antiguo frente a lo nuevo, una obra a la vez profundamente conmovedora y mordaz.

EL OTOÑO DE LA FAMILIA KOHAYAGAWA (EL FINAL DEL VERANO)

 

La familia Kohayagawa se prepara para casar a la joven Noriko (Yôko Tsukasa), la hija pequeña, mientras que su hermana Akiko (Setsuko Hara), viuda y con un hijo, recibe una propuesta de matrimonio de un hombre con una buena posición económica. El viejo patriarca Banpei (Ganjirô Nakamura) se comporta, sin embargo, de forma curiosa: decide ir a visitar a su antigua amante, Sasaki (Chieko Naniwa), actitud que su otra hija, Fumiko (Michiyo Aratama), le reprocha. El viudo Banpei sufre un repentino ataque pero recobra la salud y su hija renuncia a juzgarle.

La principal preocupación de Banpei, propietario de una fábrica de cerveza que tiene dificultades para competir con empresas más grandes, es que sus hijas tengan un futuro económico estable, para lo cual debe casar a la menor y a la viuda, aunque esta última está bastante satisfecha con su vida actual cuidando a su hijo que está creciendo. El deseo del padre para sus hijas también puede deberse a que ha redescubierto a su antigua amante, con la que se encontró accidentalmente después de no verla durante diecinueve años. Sasaki le ha dicho que su hija de veintiún años, la malcriada Yuriko (Reiko Dan), es su hija biológica, algo en lo que él cree, aunque Sasaki realmente no lo sabe ni le importa, al igual que le ocurre a Yuriko ( Reiko Dan), ya que lo que pretenden es aprovecharse de él. Las hijas no saben que su padre haya regresado con su amante, aunque sí conocen su pasada infidelidad y sospechan que sus "reuniones de negocios", son una artimaña.

Yasujirō Ozu crea aquí un retrato de toda una familia, enriqueciendo las diversas tramas con numerosas anécdotas. La película es inusualmente rica en viñetas de personajes; al mismo tiempo, es una de las más sombrías del director. 

Producida por Tōhō Co., Ltd., la compañía ofreció al maestro japonés algunos de sus mejores talentos, como el director de fotografía de Kurosawa, Asakazu Nakai. Sea como fuere, la belleza de algunas escenas y planos es innegable, como, por otra parte, es habitual en el cine del gran realizador nipón.

OTOÑO TARDÍO (FIN DE OTOÑO)

 

Siete años después de la muerte de Miwa, compañeros de trabajo, amigos y su hermano, se reúnen junto a su viuda y su hija para la ceremonia religiosa que honra su memoria. Sus tres mejores amigos, antiguos compañeros de estudios, deciden hacerse cargo del futuro de su viuda Akiko (Setsuko Hara) y de su hija Ayako (Yôko Tsukasa). Todos creen que la mejor solución es casar a la joven, pero ésta rechaza uno tras otro a todos los candidatos que le presentan; así que deciden casar primero a la viuda.

El guion adapta la novela del mismo título del japonés Ton Satomi, seudónimo de Hideo Yamanouchi. Dirigida por Yasujirō Ozu, que filma en su forma habitual con una cámara fija y muchos primeros planos.

Las relaciones entre una madre y su hija a quien le resulta incluso ofensivo que su madre vuelva a casarse, pero que no quiere dejarla sola y por eso se muestra renuente a contraer matrimonio ella misma. La película gira alrededor de la creciente brecha generacional que vive el Japón de posguerra, tratando de transmitir la idea de que, aunque es inevitable el cambio de mentalidad y costumbres, sería ilógico renunciar a todos y cada uno de los valores tradicionales por el mero hecho de serlo. 

Las dos formas de enfrentar la vida vienen representadas por el coro de viejos pícaros, que resulta cómico en muchas ocasiones y que se entrometen en la vida de las dos mujeres intentado resolver su futuro y, por otro lado, Yuriko Sasaki (Mariko Okada), la mejor amiga de Ayako, prototipo de la chica moderna, que intenta romper con la tradición profundamente patriarcal de una sociedad en que las mujeres demuestran ser más sabias y tener más controladas las situaciones. 

Un melodrama con momentos de comedia, muy bien realizada e interpretada, sobre el amor y los conflictos que ha de enfrentar una tranquila familia de clase media en un país que afronta profundos cambios.

JACK MAGGS

 

En abril de 1837, un hombre con un llamativo chaleco rojo, llega a Londres en la diligencia de Dover, a donde había viajado desde Calais. Se trata de Jack Maggs, un convicto condenado a destierro perpetuo en Australia que regresa de incógnito a su verde patria tras haber hecho fortuna al otro lado del mundo después de pasar mil calamidades y humillaciones. Cuando viajaba hacía su destierro encadenado y custodiado por dos guardianes, un niño le dio de comer mientras hacían un alto en una herrería, Jack ha estado protegiendo en la distancia a aquel muchacho enviándole una asignación mensual que le permite llevar una vida regalada. A ese joven es a quien busca Jack, pero él no quiere saber nada de su protector y que en los círculos que frecuenta se le sepa relacionado con un delincuente.

Al no encontrar por ningún lado a Henry Phipps, el hombre que busca desesperadamente, Maggs termina trabajando como lacayo en la casa contigua a la de su protegido que éste ha abandonado para ocultarse. Su nuevo amo es Percy Buckle, un antiguo tendero que se ha convertido en un caballero tras una herencia inesperada.

Maggs es rudo y fuerte, hipersensible y siempre dispuesto a la violencia. Cuando sufre una especie de ataque mientras sirve la cena a Percy Buckle y al autor Tobias Oates (que escribe para un par de periódicos y ha publicado alguna novela de éxito), este último ve la oportunidad perfecta para adentrarse en uno de sus intereses predilectos: la mente criminal. Él y Maggs llegan a un acuerdo y, con la excusa de curar los ataques de Maggs, Oates indaga en su pasado mediante hipnosis, buscando material para su próxima gran novela.

El australiano Peter Carey, autor de la novela, ha querido hacer una especie de homenaje a Dickens y a su tiempo, dando una vuelta a la novela "Grandes esperanzas", en la que, según dice, se ha basado para este relato y, a la manera del gran escritor británico, son los personajes los que dan fuerza a este libro. Carey se inspira de forma evidente en la literatura dickensiana para descubrirnos el Londres de la época y la infancia realmente desgraciada de algunos de estos personajes. El libro resulta una lectura entretenida por momentos, con muchas alusiones a Dickens, a sus libros y a sus personajes, algunas veces de manera algo sarcástica, con algunos giros que tampoco es que sean demasiado originales teniendo en cuenta el panorama literario en que se inspira.

LA HIERBA ERRANTE

 

Una compañía de tetro kabuki de segunda categoría, recala en un pueblo costero en el que hace doce años que no actúan. La última vez fue antes de que Sumiko (Machiko Kyô), la novia del director, Komajuro Arashi (Ganjirô Nakamura), se uniera a la compañía. Pero Kojamuro tiene tras si una historia que le une a esta ciudad, en ella tuvo, hace casi veinte años, un hijo, Kiyoshi (Hiroshi Kawaguchi), al que le han contado que su padre biológico murió cuando era niño y que Komajuro es el hermano de su madre Oyoshi (Haruko Sugimura). Komajuro ha estado enviando dinero a Oyoshi durante todos estos años, lo que permitirá al hijo de ambos ir pronto a la universidad. Komajuro quiere pasar el mayor tiempo posible con Kiyoshi y Oyoshi antes de que la compañía tenga que volver a marcharse, pero cuando Sumiko descubre lo que está pasando, Kiyoshi se convierte en un peón en la batalla entre Sumiko y Komajuro.

Remake de un film mudo dirigido por el propio realizador de éste, Yasujirō Ozu, en 1934, veinticinco años antes.

El maestro japonés cuenta con sencillez una historia que es más compleja de lo que aparenta, salpicada con sutiles gotas de humor. Retrato de una sociedad que hoy sería tildada de machista, en la que cobran presencia los celos, el orgullo, el engaño y el ego masculino, con escenas magníficamente concebidas de una calidad artística y visual a la altura del gran realizador.

NARCISO NEGRO

 

Cinco monjas misioneras se embarcan en la tarea de establecer un nuevo convento situado en el palacio de Mopu, en las laderas del Himalaya, donde habrá una escuela y un dispensario. Se topan con obstáculos a cada paso: una comunidad de nativos supersticiosos y un cínico y rudo intermediario británico llamado Sr. Dean (David Farrar). A estos obstáculos se suman sus propias fragilidades emocionales, el choque cultural y pasiones mundanas que previamente creían olvidadas, con los celos y deseos latentes que conllevan. El proyecto resulta una prueba formidable para la decidida Hermana Clodagh (Deborah Kerr), la joven superiora del convento, firmemente persuadida de conseguir su objetivo mientras supera los constantes obstáculos.

El guion, de los propios realizadores del film, Michael Powell y Emeric Pressburger, adapta una novela del mismo título de la británica Rumer Godden.

Una película que para muchos resultará fascinante, con una asombrosa fotografía de Jack Cardiff (La Reina de África), que le valió un Oscar y un clímax final que recuerda algo a Vértigo de Hitchcock. 

Film sutilmente erótico, sobre la represión y el deber, a veces melodramático pero siempre conmovedor y con una ambientación realmente conseguida.

EL SALÓN DE MÚSICA

 

Huzur Biswamghar Roy (Chhabi Biswas) es un rico terrateniente que vive en un palacio con su esposa, su hijo y sus numerosos sirvientes. Su pasión es la música y gasta gran parte de su fortuna en conciertos para algunos de su distinguidos vecinos en su magnífica sala de música. Sin embargo, su riqueza está disminuyendo. Sus tierras están siendo erosionadas por el río local y paga el concierto que organiza para la fiesta de mayoría de edad de su hijo vendiendo algunas de las joyas de la familia. Cuando su vecino Mahim Ganguli (Gangapada Basu) lo invita a una fiesta en su casa, Roy decide superarlo y organiza una lujosa fiesta para el mismo día, lo que le cuesta las últimas joyas. Tras la muerte de su esposa e hijo en una tormenta, Roy se recluye en su mansión y cierra la sala de música. Ahora, muchos años después, decide dar un último concierto y gastar lo que le queda de dinero para volver a superar a Ganguli.

El guion, del propio realizador, Satyajit Ray, adapta un relato corto del escritor y letrista indio Tarasankar Bandyopadhyay, en el que refleja la decadencia humana frente a los tiempos cambiantes: la derrota de lo viejo y decadente en competencia con lo nuevo. 

Criticado por la poca presencia de la cultura india en sus películas, Ray decidió incorporar números musicales en el film, aunque totalmente diferentes del estilo cinematográfico de Bollywood tan popular entre sus compatriotas. Por ella desfilan algunos de los grandes maestros de la Raga hindú y las secuencias del final, con la bailarina, están llenas de gracia y ritmo.

El personaje principal, un zemindar (el antiguo concepto de terrateniente aristocrático), es representado como una figura trágica, víctima de su orgullo egoísta y de una creencia desmedida en su propia nobleza. Trágico pero también preciso, ya que sus exhibiciones egocéntricas y extravagantes para eclipsar a su vecino, un hombre sin linaje y hecho a sí mismo, se vuelven cada vez más evidentes. Todos sus gestos son un intento de mantener la supuesta superioridad que le fue otorgada por derecho de nacimiento. 

El maestro indio, nos muestra en su película la invasión de la modernización en la India y que el cambio a otros tiempos, resulta inevitable, evocando magistralmente la decadente opulencia del mundo de un aristócrata caído en desgracia que se aferra desesperadamente a un estilo de vida que se desvanece.

El film también se convierte en una crítica a la ostentación y nadie mejor que Ray para hacerlo, él que recibió numerosos premios a lo largo de su carrera y los guardaba debajo de la cama, pues consideraba una falta de decoro y una traición a sus principios de modestia, exhibirlos en otras estancias de su casa de Calcuta a la vista de quienes le visitaran.