LA LEY DEL MÁS FUERTE

 

Franz Biberkopf (Rainer Werner Fassbinder) es un joven gay de clase humilde. Tiene la suerte de que le toque medio millón de marcos a la lotería, lo que le permite frecuentar círculos más selectos. Conoce y se enamora de Eugen (Peter Chatel), hijo de un empresario que posee una imprenta al borde de la bancarrota. Eugen, que ha dejado a su amante, inicia con Franz una relación interesada: en varias ocasiones le saca dinero para la empresa paterna, le hace comprar el piso y los muebles que compartirán, e intenta incluso corregirle sus toscos modales tan alejados de la educación burguesa.

Fox ("El Zorro", apodo por el que conocen al protagonista) se siente avergonzado y cruelmente tratado por las maneras de clase alta de sus nuevos y presumidos amigos y por la familia de su amante.

El film es una mirada interesante al conflicto interclasista dentro del mundo gay alemán, pero también una crítica a la burguesía acomodada (o que vive como si lo fuera) y su desprecio a quienes consideran inferiores. El resultado es una narración crudamente realista. 

Aunque ambientada en el mundo homosexual, es perfectamente trasladable a cualquier otro entorno, independientemente de la condición sexual de los personajes, pues Fox, no deja de ser un ingenuo, una persona sin malicia, que por serlo o por estar enamorado, no percibe lo que todos los demás vemos, simple y sencillamente que le están estafando.

WALKABOUT

 

Dos niños vagan por el desierto australiano, abandonados a su suerte, tras haberse suicidado su padre. En su deambular, se encuentran con un adolescente aborigen que está en su "walkabout", un rito de paso a la edad adulta en el que ha de estar meses enteros viviendo solo de la tierra, procurándose alimento, agua y medicamentos del árido entorno circundante. Su mayor problema es no poder comunicarse verbalmente. El joven los ayuda a sobrevivir, pero no comprende su necesidad de regresar a la civilización, lo que podría suceder o no dependiendo de lo que el niño australiano termine haciendo.

El guion adapta una novela del británico James Vance Marshall (uno de los seudónimos utilizados por Donald Gordon Payne), publicada en 1959 como The Children, aunque en ediciones posteriores lo hizo con el título que también tiene el film.

La narración discurre en un continuo contraste entre la vida urbana y la que transcurre en un entorno natural. Su realizador, el británico Nicolas Roeg nos muestra imágenes en las que aparece la bulliciosa urbe, con su tráfico ordenado, los peatones cruzando por los lugares habilitados, los altos edificios con sus ladrillos perfectamente alineados, para cambiar el plano hacia el bello desorden de las rocas en las montañas, las hermosas formas que el viento dibuja en la arena del desierto o innumerables planos de la variada fauna australiana campando libre en una naturaleza en que se mezclan la belleza y lo inhóspito. Vemos también a los hombres "civilizados" masacrando animales por puro deporte, mientras el aborigen mata para comer. 

Los dos hermanos están absolutamente perdidos en este entorno, en sus colegios les enseñan a vocalizar, la tabla del cuatro y otras variadas cosas que, a la hora de la verdad de nada sirven ante los conocimientos del muchacho aborigen que sabe fabricar un ungüento para las quemaduras solares del niño; que les enseña a buscar agua debajo de tierra y cómo beberla o que se apaña de maravilla para encender fuego, cazar, pescar y cocinar lo que consigue. 

La película es una emocionante aventura que nos lleva a una reflexión sobre el tiempo y la civilización frente a la idílica inocencia de la vida en contacto con la naturaleza. Los niños vivirán algo más que un intento desesperado de supervivencia, pues el episodio se transforma en una experiencia que marcará sus vidas.

AURORA BOREAL

 

En el llamativo templo conocido como La Iglesia de Cristal, de Kiruna, el líder religioso Victor Strandgård es encontrado asesinado. Lo han apuñalado hasta la muerte, le han cortado las manos y le han arrancado los ojos. Parece un asesinato ritual. Y esta es, de hecho, la segunda vez que Victor Strandgård muere. La primera vez fue en un accidente de tráfico. Desde entonces, se ha ganado una gran audiencia al poder contar en un libro que se ha convertido en superventas,  esta experiencia cercana a la muerte durante la que confiesa haber visto al mismo Dios. Rebecka Martinsson, que trabaja en un bufete de Estocolmo, es llamada a Kiruna la mañana después del asesinato por su amiga de la infancia Sanne, hermana del asesinado. Rebecka vuela a Kiruna para intentar ayudar a su amiga, pero ahora hace más que eso. Intenta resolver el asesinato junto con los agentes de policía locales, el vanidoso fiscal adjunto Carl von Post y la agente de policía Anna-Maria Mella, embarazada y a punto de dar a luz. 

Sanne es acusada del asesinato cuando se encuentra el arma homicida en su apartamento. Pero la policía no logra desentrañar los posibles motivos. Las sospechas de Rebecka se dirigen a los poderosos y adinerados pastores de la congregación local que ordenaron construir la Kristalkirken. Rebecka se involucra profundamente en el caso y se ve inevitablemente confrontada con su pasado. Es temperamental y testaruda, y se expone a un peligro mortal al intentar poner en evidencia la hipocresía y la doble moral dentro del movimiento religioso. 

Una historia sobre el fanatismo religioso, la hipocresía de algunos de sus líderes y ciertos indicios de pedofilia y abusos. El dinero, que todo lo puede y todo lo mancha, será el hilo del que habrá que tirar para desenredar la madeja de esta trama que puede parecer en algunos momentos un tanto fantástica, pero hay algunos casos reales que no se distancian mucho de lo que aquí expone Åsa Larsson, la autora de la novela, originaria de Kiruna y, de hecho, la ambientación está marcada por el conocimiento que tiene de la zona. La sutil descripción del invierno polar, te lleva a sentir el frío. Su tono sencillo y preciso, sumerge al lector de inmediato en la acción de este emocionante relato.

DESPERTAR EN EL INFIERNO

 

John Grant (Gary Bond), trabaja como profesor en el remoto pueblo australiano de Tiboonda, donde habrá de permanecer para recobrar una especie de fianza de 1.000 dólares que el estado le hace depositar a cambio de ofrecerle un puesto de trabajo. Al final del trimestre, durante las vacaciones de Navidad, planea visitar a su novia en Sídney. Para coger un vuelo, toma un tren hasta un cercano pueblo minero llamado Bundanyabba, en el interior del país, con la intención de pasar la noche antes de tomar el avión. Pero su única noche se extiende a cinco y se precipita hacia su propia destrucción. 

El guion adapta la novela Wake in Fright, del periodista, documentalista televisivo y periodista australiano Kenneth Cook, publicada en 1961. En 2017 se realizó otra adaptación de la novela, en este caso para una miniserie televisiva.

Cuando la niebla inducida por el alcohol se disipa, el educado John Grant ya no está. En su lugar, hay un hombre que se odia a sí mismo en un páramo desolado, sucio, con los ojos enrojecidos, sentado en el suelo de la casa destartalada y sucia donde vive el Doctor Tydon (Donald Pleasence) y en sus manos sostiene un rifle al que le queda una bala. 

Dirigida por el canadiense Ted Kotcheff y con unas magníficas interpretaciones, la película narra el descenso a los infiernos del protagonista, un hombre supuestamente cultivado que se deja arrastrar por el alcohol y un ambiente embrutecido. Pero las decisiones que toma Grant, por más disculpas que se quieran poner, son siempre fruto de su voluntad, nadie le pone una pistola en la espalda para que beba, juegue y pierda su dinero o se vaya sumiendo en una cada vez más oscura sima que ya estaba dentro de él, pero que sale a la superficie cuando el entorno es propicio para ello. 

Con un montaje trepidante en algunos tramos, asistimos al drama de este hombre que contempla como se desmorona su mundo por una serie de decisiones equivocadas que le convierten en un ser desconocido para sí mismo.

LA NOCHE AMERICANA

 

Comienza el rodaje de la película "Je vous presente Pamela", la historia de una inglesa que se enamora y se fuga con el padre de su marido francés. Contemplamos el comportamiento del personal (incluido el equipo técnico) en el set y también en su vida privada y las dificultades que afectan a los miembros del equipo y a la propia película.

La película que se rueda es una simple excusa, lo que Truffaut pretende es otra cosa. Podría haber optado por mostrarnos las turbiedades del mundo del celuloide que ya nos ha enseñado Hollywood en otros films, pero el realizador francés, sin ocultar las miserias, envidias, antojos y problemas en general de este entorno, retrata también la parte humana, sus sacrificios, los rodajes nocturnos o los madrugones, memorizar un guion entregado a última hora hurtando horas al sueño, las secuencias repetidas una y otra vez, el impagable y tantas veces oscuro y poco reconocido trabajo del equipo técnico, de manera que, pese a los caracteres tan distintos de los personajes, inmediatamente empatizamos con ellos, los comprendemos, incluso les cogemos cariño merced al respeto y la sensibilidad con que dibuja el realizador francés a esta troupe de personas que, como señala uno de ellos, en tanto dura el rodaje se quieren, incluso se aman, para, una vez acabada la filmación, cada cual retomar su camino por separado.

Con esta película, François Truffaut, transmite al espectador su declarado amor por el cine, con homenajes abundantes, dando a los aficionados al cine la oportunidad de ver referencias a los cineastas que admira, con el plus añadido de frases memorables, interpretaciones solventes y mucho humor ingenioso (de vez en cuando salpicado de un poco de drama), con el que el aficionado no podrá evitar sonreír.

JULES Y JIM

 

Desde que se conocieron en 1912, Jules (Oskar Werner) y Jim (Henri Serre) se hicieron amigos tan inseparables que se enamoraron de la misma mujer, Catherine (Jeanne Moreau). Cuando Jules le pide matrimonio, Catherine acepta, pero ella también sigue amando a Jim.

Adaptación de una novela semiautobiográfica de Henri-Pierre Roché, ambientada en el París de la Primera Guerra Mundial.

Mas que el típico menage a trois, yo pienso que lo que François Truffaut plantea en el film es la búsqueda del amor perfecto, porque no es que la protagonista se enamore de dos hombres (y de algunos más), es que se enamora de algunas de sus particularidades, de forma que una de las conclusiones sería que el amor perfecto no existe, ni en la pareja, ni en las relaciones con varias personas. 

Film tenido por transgresor en su momento, con el retrato de una mujer que impone su voluntad a la del varón.

LA MIRADA DE ULISES

 

Después de 35 años realizando películas en EE.UU., un cineasta regresa a su Grecia natal para asistir a la proyección de su última y controvertida película. Desde allí, emprende la búsqueda de tres rollos de película sin revelar, realizados a principios de siglo por dos hermanos, pioneros cineastas griegos (posiblemente el primer material filmado en Grecia). Mientras emprende una larga búsqueda por los Balcanes para desenterrar las legendarias imágenes, con las que espera recobrar la inocencia perdida de su propia mirada, comienza un peligroso y emotivo viaje desde Atenas hasta la Sarajevo devastada por la guerra.

A lo largo de la particular "odisea" del director a través de Albania, Rumanía y la antigua Yugoslavia, éste se encuentra varias veces con distintas mujeres, interpretadas siempre por la misma actriz (Maia Morgenstern), que se pueden identificar con las que aparecen en el relato de Homero.

Protagonizada por Harvey Keitel y dirigida por Theo Angelopoulos, la película es una pausada reflexión sobre la búsqueda  de nuestros propios orígenes en medio de guerras y tribulaciones, atravesando fronteras y aprendiendo de las gentes que van apareciendo que, al fin y al cabo, poco sabemos de nosotros y de los que nos rodea.

Película que puede resultar complicada de seguir a más de uno por la forma simbólica en que transcurre la narración, en la que Angelepoulos se inspira en el viaje de Ulises, pero no lo adapta, si no que crea su propio relato, alejado de las convenciones del cine comercial e incluso de las propias vanguardias, creando ese estilo propio característico del realizador heleno.