VIVA LA LIBERTAD (À NOUS LA LIBERTÉ)

 

Dos presidiarios deciden fugarse, pero cuando están a punto de alcanzar la libertad son descubiertos. Uno de ellos decide sacrificarse por el otro, que llegará a convertirse en un gran empresario gracias a una imponente y moderna fábrica de fonógrafos. Cuando el segundo logra salir de la cárcel, ambos vuelven a encontrarse.

Es conocida la anécdota de la demanda por plagio que presentó la distribuidora Tobis contra Charles Chaplin y su película "Tiempos modernos". El guionista y realizador de À Nous la Liberté, René Clair, se negó a unirse a la demanda, pues consideraba un honor que Chaplin, con el que mantuvo siempre una relación de amistad, se hubiera fijado en su película, basándose en ella.

Con un ingenio desenfadado, una tremenda innovación visual y un magistral tratamiento del sonido, À Nous la Liberté es a la vez una potente crítica a la sociedad moderna mecanizada y una delicia cómica desenfrenada.

ÁMAME ESTA NOCHE

 

Cuando el sastre parisino Maurice Courtelin (Maurice Chevalier) se entera de que uno de sus clientes aristocráticos, el vizconde Gilbert de Varèze (Charles Ruggles), es un holgazán que nunca paga la mercancía que adquiere, se dirige a intentar cobrar lo que se le debe. El aristócrata, desesperado porque su tío, el duque D'Artelines (C. Aubrey Smith), no se entere de sus deudas, sugiere que Maurice pase un tiempo en el castillo hasta que encuentre el dinero. El duque siente una simpatía inmediata por Maurice, a quien le han presentado como barón, pero no ocurre lo mismo con la princesa Jeanette (Jeanette MacDonald), quien se cruzó con él en el camino ese mismo día. Con el tiempo, Jeannette se enamora de él.

Encantador y romántico musical que marcó el camino de muchos de los que vendrían después. El guion adapta la obra Le Tailleur au château ("El sastre en el castillo") de Paul Armont y Léopold Marchand.

 

Maravilloso arranque con los sonidos cotidianos del despertar parisino transformados en una sinfonía peculiar. Rouben Mamoulian hace gala de toda su maestría ofreciéndonos toda una gama de recursos en este film que tiene casi cien años: Cámara rápida, cámara lenta, contrapicados, imágenes superpuestas, doble pantalla, transiciones admirables, por ejemplo en la presentación de los personajes que enlaza con una canción que repiten unos y otros.

El paso de los años, en buena lógica, hace que algunas cosas nos resulten un tanto añejas, pero, en general, resulta una película muy moderna y los buenos aficionados sabrán paladear tanto las innovaciones, como el valor de los diálogos, unos cargados de frases emotivas, otros, con frases de doble sentido que engrandecen la parte de comedia que predomina en algunos pasajes y, en general, el acertado ritmo y el exquisito gusto con que está realizada.

Un gran musical, si no el primero, de los primeros en integrar las canciones en el argumento, con las magnífica voces de Chevalier, McDonald y, hasta el propio Aubrey Smith que se atreve con algunas estrofas.

3 IDIOTS

 

Al contrario que otros muchos compañeros de la escuela de ingeniería, que ingresan en ella simplemente por complacer a sus padres, Rancho (Aamir Khan) siente verdadera pasión por estudiar y aprender. En la escuela de ingenieros, entablará amistad con sus dos compañeros de habitación, Raju (Sharman Joshi) y Farham (Madhavan), que acabarán por convertirse en sus dos mejores amigos. Pero al graduarse pierden el contacto y sus dos amigos deciden ir en su búsqueda.

El guion se basa en la novela “Five Point Someone”, del escritor y guionista indio Chetan Prakash Bhagat. Al tratarse de una novela que se fundamenta mucho en anécdotas sin una verdadera trama, el guion es muy diferente del libro.

Tras su estreno, se convirtió en la película de Bollywood que alcanzó mayor recaudación en taquilla.

Alegre y vitalista comedia trufada de números musicales, como no podía ser menos hablando del cine de la India, el tema principal, colocado hacia la mitad del film, divertido y pegadizo con una maravillosa coreografía. 

El asunto central de la narración gira en torno a la independencia a la hora de labrarnos nuestro futuro en la vida, sin dejarnos llevar por las influencias del entorno o la inclinación a elegir una ocupación en que prime la economía sobre la vocación, eso tan manido de: Elige esta opción que tiene muy buenas salidas. Quizá está transmitido de una manera un tanto simplona, puede que incluso infantil. 

Una hermosa parábola sobre los verdaderos valores por los que se debe dejar llevar el ser humano, incluída la amistad y la camaradería, envuelta en sonrisas, con un contenido más profundo del que puede aparentar su tono de desbordante alegría.

LOS HERMANOS MARX EN EL OESTE

S. Quentin Quale (Groucho Marx), acompañado de Joe (Chico Marx) y "Rusty Panello" (Harpo Marx), a quienes ha conocido en el camino, se dirige al Oeste a hacer fortuna. Los hermanos Panello dejan en préstamo diez dólares al viejo Dan Wilson (Tully Marshall) que, en garantía, les entrega la escritura de propiedad de la Cañada del Muerto, una mina sin valor pero cuyo terreno es muy codiciado por una compañía de ferrocarril.

Con varios números musicales, alguno de ellos de cierto mérito, la película incluye algunas escenas memorables dentro de la filmografía de los famosos hermanos. Seguramente no es la mejor película de los Marx, pero tiene algunas secuencias dignas de recordar, bien es cierto que es el film que marca el inicio del fin de la fórmula que les había llevado al éxito.

El film es, en cierto modo, una parodia sobre las películas del oeste que tanto éxito alcanzaron en la época. Con algunos gags muy logrados dentro de lo que es el particular humor de los famosos cómicos, hay que señalar que Buster Keaton participó en el guion, aunque no figura en los créditos.

 

UNA NOCHE EN LA ÓPERA

 

Por mediación de un promotor, la rica viuda Mrs. Claypool (Margaret Dumont), a la que acompaña Otis B. Driftwood (Groucho Marx), contrata a un cantante de ópera para la temporada que se inicia en Nueva York. En el barco que les llevará a Norteamérica, se cuelan tres polizones: Tomasso (Harpo Marx), Fiorello (Chico Marx) y Riccardo Barone (Allan Jones), este último, un modesto cantante que aún no ha triunfado y está enamorado de la prima donna de la obra que se va a representar.

Primera de las películas que los Marx, esta vez sin Zeppo, rodaron para la Metro-Goldwyn-Mayer. Una sátira contra la altanería y la vanidad, que se acompaña, en ocasiones, con alguna coreografía bien trabajada.

Contiene algunos de los momentos más recordados en la carrera de los hermanos, como el del contrato (ya saben: La parte contratante de la primera parte...) o la famosa escena del camarote.

SOPA DE GANSO

 

El país de Freedonia se encuentra en medio de una crisis financiera y al borde de una revolución. Para conceder el préstamo que le piden, la adinerada señora Teasdale (Margaret Dumont), pone como condición que el gobierno esté presidido por Rufus T. Firefly (Groucho Marx), un tipo peculiar que se sale de cualquier estándar imaginable, la prudencia y la racionalidad no son, precisamente, sus principales virtudes. Mientras tanto, el país vecino de Sylvania está conspirando para conquistar Freedonia y envía a Pinky (Harpo Marx) y Chicolini (Chico Marx) a espiar a Firefly. La guerra parece inevitable.

Humor basado en la absoluta incoherencia de personajes y situaciones, de los que el espectador nunca sabe por donde van a salir.

Muchos diálogos que van del absurdo a lo reflexivo y tras cuyo aparente disparate, se esconde una crítica explícita al totalitarismo, la guerra o la política, con alguna parodia realmente memorable y otras que, quizá por lo reiterativo, lleguen a cansar un poco a algunos espectadores menos proclives a este tipo de humor.

LAS SEÑORITAS DE ROCHEFORT

 

Delphine y Solange Garnier son dos hermanas que viven en Rochefort. Delphine (Catherine Deneuve) es profesora de baile y Solange (Françoise Dorléac) compone y enseña piano. Maxence (Jacques Perrin), poeta y pintor, está haciendo su servicio militar, Simon Dame (Michel Piccoli) es el dueño de una tienda de música que dejó París hace un mes para regresar al lugar donde se enamoró hace 10 años y su amigo Andy Miller (Gene Kelly), que le visita tras diez años sin verse, se ha convertido en un artista de éxito recién llegado de América para una gira por Europa. Todos ellos buscan el amor sin ser conscientes de que su pareja ideal está muy cerca.

Según el realizador y guionista del film Jacques Demy, el escenario es mucho menos importante que el sentimiento de euforia de esta película que es todo un homenaje a los grandes musicales de la época dorada de Hollywood y en la que Damien Chazelle reconoce una inspiración clave para su película de 2016 La ciudad de las estrellas (La La Land).

Entre otras curiosidades que la hacen diferente de los musicales al uso, en los que en medio de la narración, de repente aparece súbitamente una canción, una coreografía o ambas a un tiempo, Demy, en su búsqueda de originalidad, a menudo coloca atrevidamente en la pantalla números narrativos y musicales simultáneamente, mezclándolos de diversas maneras y en diferentes proporciones. Una de las estrellas puede estar caminando por la calle, por ejemplo, pero los peatones a su alrededor de repente están bailando y ella entra y sale momentáneamente de su coreografía.

La película sigue la estela de aquellos grandes musicales de Hollywood (sobre todo de los 50), con una historia edulcorada y pastelosa, ambientada en un mundo ideal, en el que los hechos cotidianos rezuman felicidad y optimismo, sensación a la que contribuye no poco el colorido con que se adorna.

Demy demuestra que ha estudiado muy bien el cine en que se inspira, con buenas tomas y encuadres y algunos planos cenitales que realzan las coreografías.

No es una gran película, pero es un buen film y un aceptable musical.

ALTA SOCIEDAD

 

Tracy Lord (Grace Kelly) está a punto de casarse en segundas nupcias con un hombre más amable que C. K. Dexter-Haven (Bing Crosby), su primer marido. No obstante, Dex se da cuenta de que sigue locamente enamorado de su ex-esposa e intenta volver a ganarse su corazón. Mike Connor (Frank Sinatra), un reportero sensacionalista, también se enamora de Tracy mientras cubre las nupcias para la revista Spy. Tracy debe elegir entre los tres hombres mientras descubre que "seguro" puede significar "mortalmente aburrido" cuando se trata de maridos y de la vida.

Remake de la película Historias de Filadelfia, que, a su vez, adapta una obra teatral del dramaturgo norteamericano Philip Barry.

Fue la última película de Grace Kelly, antes de su retirada definitiva de la escena para convertirse en Princesa de Mónaco.

Sin duda el principal atractivo de la película está en el reparto, con nombres muy conocidos de la escena norteamericana y la presencia de Louis Armstrong y su banda. Claro que la nómina de nombres señeros no acaba ahí, ya que la música (nominada al Oscar a la mejor banda sonora original) lleva la firma de Cole Porter y el diseño de vestuario es de Helen Rose, ocho veces nominada y dos ganadora de un Oscar por sus diseños y que recibió el encargo de Grace Kelly de realizar su vestido de novia para la boda con el Príncipe Rainiero de Mónaco, poco después de acabada la película.

Aparte de que siempre es agradable oír cantar a Crosby y Sinatra, seguramente muchos (y no sin razón), si han visto la película de George Cukor, tendrán la sensación de que este era uno de esos remakes innecesarios, pues como musical, tampoco es que sea nada del otro mundo a pesar de la música de Cole Porter y de la presencia de la siempre atractiva para la cámara Grace Kelly, que tampoco tiene una interpretación destacada. 

ALREDEDOR DE LA MEDIA NOCHE

 

Dale Turner (Dexter Gordon) es un músico que poco a poco está perdiendo la batalla contra el alcoholismo, distanciado de su familia y con su carrera pendiendo de un hilo en el mundo del jazz de Nueva York en los años cincuenta. Dale recibe una oferta para tocar en París, donde, como muchos otros músicos negros estadounidenses de la época, disfruta de respeto sin tener en cuenta el color de su piel. Un dibujante parisino que está obsesionado con la música de Turner se hace amigo de él e intenta salvarle de sí mismo. Aunque para Dale el daño ya está hecho, su conmovedora relación con el hombre y su pequeña hija reaviva su espíritu y su música a medida que se acerca el final.

El personaje de Dale Turner es una combinación de los jazzistas de la vida real Bud Powell y Lester Young. La película se basa en la amistad del primero de ellos con Francis Paudras, en quien se inspira el personaje de Francis Borler, interpretado en el film por François Cluzet. El protagonista está interpretado por el saxofonista Dexter Gordon, nominado al Oscar por este trabajo. 

Toda la música está interpretada en directo.

La evocadora banda sonora de Herbie Hancock, ganadora de un Oscar, nos envuelve en esta especie de tributo que rinde Bertrand Tavernier al apogeo del bebop y a los intérpretes afroamericanos que encontraron refugio y cariño, en un ambiente mucho más liberal que el estadounidense, en aquellos clubs underground llenos de humo del París de los 50. 

Una historia agridulce, llena de humanidad y realismo que llega a conmovernos y en la que, por cierto, podemos ver a Martin Scorsese interpretando un breve papel. La película se torna a veces intimista y está envuelta en un halo de tristeza. Prácticamente una declaración de amor de Tavernier al Jazz y un retrato de aquel peculiar mundo de los clubs en que sonaba, que el realizador francés debió conocer quizá en el ocaso de los mismos y, por supuesto, mucho jazz que suena maravillosamente.

CAMELOT

 

El caballero francés Lancelot du Lac (Franco Nero) llega a la corte del rey Arturo (Richard Harris) para integrarse en la Orden de la Mesa redonda, recién creada por el monarca inglés. Lancelot se enamora de la reina Ginebra (Vanessa Redgrave) y su amor es correspondido. Aunque Arturo no presta oídos a las insinuaciones que le hacen sus más allegados, al final no tiene más remedio que reconocer los hechos y obrar en consecuencia.

Adaptación cinematográfica del musical homónimo de Alan Jay Lerner  y Frederick Loewe (ambos participan en el film, el primero como guionista y el segundo como autor de la música junto a Alfred Newman) estrenado en Broadway en 1960 (con Julie Andrews y Richard Burton en los papeles protagonistas) y basado, a su vez, en la obra de T. H. White The Once and Future King, una colección de cinco novelas sobre el Rey Arturo, las primeras cuatro en un solo tomo y la quinta (El libro de Merlín), que se publicó tras el fallecimiento del autor.

En la película aparecen los castillos donde viven Lancelot y Arturo, en ambos casos representados por construcciones reales situadas en la provincia de Segovia: En el que habita Lancelot, es el Alcázar de la capital y el castillo de Camelot, es el castillo de Coca.

A pesar de ser básicamente un musical, la película trata de reflejar ese mundo de utopía, magia, amor y fidelidades traicionadas centrándose en ese triángulo que forman Arturo, Ginebra y Lancelot. La historia se desenvuelve en fastuosos escenarios interiores, en ocasiones abigarrados y unos exteriores bucólicos, con un imponente despliegue de elegante vestuario en el caso de la reina. Contiene escenas de cierta brillantez, aunque es cierto que tanto las canciones como la música en general, no son de las más recordadas en la historia de los grandes musicales de Hollywood y además, su duración, casi tres horas, tampoco contribuye a que sea una de esas películas que dejan huella.

NASHVILLE

 

Cinco días en la escena de la música country y gospel de Nashville, lleno de estrellas, aspirantes a estrellas y otros apegados, que son un reflejo de la propia sociedad estadounidense.

Lejos del cosmopolitismo neoyorkino, de la calidez de las costas californianas, de las empinadas calles de San Francisco o de cualquiera de esos escenarios que abundan en las películas norteamericanas, Robert Altman nos lleva en esta ocasión a la capital del estado de Tennessee, esa Norteamérica interior que decide las elecciones, un ambiente en el que habitan gentes que escuchan a cantantes de country desconocidos por estos lares, pero cuyas canciones acumulan más descargas que las de las grandes figuras del pop o del rock.

El film pretende ser un fresco de la propia sociedad americana de mediados de los setenta, en la que colean los ecos del Watergate y aún enfrascada en la guerra de Vietnam poco antes del abandono definitivo. En este ambiente asistimos a una cierta crítica política y al desfile de un mosaico de personajes que, con mayor o menor éxito, representan estereotipos de ciudadanos corrientes cuyas vidas se entrecruzan. Quizá a algunos les parezca que el film tiene un argumento débil, pero no cabe duda de que representa todo un documento de una sociedad, con ciudadanos de a pie como protagonistas situados en un determinado momento y lugar de la historia de su país.

EL ÚLTIMO SHOW

 

Desde 1974, en una radio estadounidense se emite el programa "A Prairie Home Companion", un show de variedades para toda la familia que incluye música en directo y anuncios ficticios. Un día, de repente, el presentador y sus invitados se enteran de que están haciendo el último programa.

Robert Altman reúne aquí a un equipo y un elenco extraordinarios, con varios nombres míticos de la interpretación y de la música, en la que sería, a la postre, su última película. El film es una especie de fábula cómica del programa de radio A Prairie Home Companion, conducido por Garrison Keillor desde 1974 hasta 2016, escuchado por 35 millones de oyentes a lo largo de sus años de emisión a través de 558 emisoras de Estados Unidos, además de la BBC, la RTE (Irlanda), y por servicios de cable y satélite a través de toda Europa occidental, Australia, y Nueva Zelanda. Keillor se interpreta a sí mismo y es también autor del guion de la película.

Agradable y divertida historia que transcurre en una lluviosa noche de sábado en St. Paul, Minnesota, donde los fans entran en el Fitzgerald Theater para ver "El último show", el espacio principal de la emisora radiofónica WLT, ignorantes de que ha sido vendido para construír un aparcamiento y que el show de esta noche va a ser el último. Asistimos a lo que se cuece entre bambalinas, las disputas, pasiones, enemistades, malos entendidos, nervios de última hora, pero también a la camaradería entre los miembros de la peculiar familia radiofónica. La película hace uso de los músicos, del equipo técnico y del escenario del auténtico show radiofónico escuchado de costa a costa en muchas emisoras de radio a lo largo de muchos años, consiguiendo sobrevivir a la época de la televisión. El resultado es una sólida narración con algún que otro giro interpretativo, particularmente los del elegante detective Guy Noir (Kevin Kline), responsable de la seguridad del teatro; además de Lily Tomlin y Meryl Streep (cantando Goodbye to My Mama), ambas efectuando un maravilloso retrato de dos hermanas que hablan simultáneamente; del personaje de Virginia Madsen, una especie de ángel, con su impoluta gabardina blanca, que se aparece a algunos de los miembros del equipo para proporcionarles consuelo; y de la versión "Frankie and Johnny" de Lindsay Lohan. La película combina el estilo cinematográfico y la inteligencia y el gusto por la improvisación de Altman, con las canciones y la narrativa de Keillor para crear un sentido homenaje al mítico programa, a la radio en general, pero también a los miles y miles de personas que disfrutaron de sus emisiones.

THE COMPANY

 

Loretta 'Ry' Ryan (Neve Campbell) es una excelente bailarina que tiene la oportunidad, gracias a la lesión de la titular, de convertirse en la primera bailarina de una prestigiosa compañía de ballet dirigida por uno de los mejores coreógrafos de América.

La polifacética actriz canadiense Neve Campbell, produce, protagoniza y, junto a Bárbara Turner (madre de la actriz Jennifer Jason Leigh), es autora del guion de este film sobre el funcionamiento interno del Joffrey Ballet de Chicago.

Al hablar de esta película, Robert Altman decía: ''Los bailarines hacen lo imposible. Y, sin embargo, todos queremos ser ellos. Son así de hermosos, así de vulnerables y así de expresivos. Son la esencia de lo que entendemos por etéreo. Sus vidas, por supuesto, contienen el mismo desorden que todos experimentamos, con las complicaciones de las familias, los amantes, las amistades y el trabajo. Quiero que 'The Company' muestre este mundo con todas sus contradicciones. Aquí hay artistas de talla mundial que, en su mayoría, están mal pagados y viven al día; a menudo en condiciones muy poco glamurosas. Cuidan inmaculadamente sus cuerpos mientras fuman innumerables cigarrillos, beben interminables tazas de café y trabajan horas agotadoras. Su realidad diaria incluye pies ensangrentados, ambiciones aporreadas y el trabajo en sí, en toda su exigente belleza. 

Lo que más me emocionó de hacer esta película fue simplemente poder entrar en esta tribu particular de artistas, soñadores y seres humanos. Diariamente, y en los términos más imposibles y dramáticos, los bailarines se enfrentan a lo que todos nos enfrentamos: los relojes biológicos y la fuerza de la gravedad que nos dice 'no'. Sin embargo, durante una parte de su vida laboral, los bailarines prevalecen literalmente sobre esas fuerzas. El hecho de que ellos (como el resto de nosotros) finalmente sean derrotados por el tiempo no disminuye ni compromete sus esfuerzos. Sólo los enriquece a ellos... y a nosotros. Tengo el privilegio de haber podido entrar en el mundo de los bailarines del 'Robert Joffrey Ballet' y de tener la oportunidad de compartirlo en esta película".

Y es que la película es básicamente un homenaje al mundo de la danza, homenaje que Altman hace suyo, regalándonos tomas bellísimas y retratando con brillantez la plasticidad de las llamativas coreografías.

Las contradicciones que se viven en este mundo, las luchas de egos, soportar las correcciones, incluso los caprichos de los coreógrafos, la búsqueda constante de una perfección que se antoja inalcanzable, la búsqueda de financiación para sacar adelante nuevos proyectos, las decepciones de quienes se quedan en el camino, en fin, lo que es la dura vida de la gente que se dedica profesionalmente al ballet, quedan reflejadas, pero sin profundizar demasiado.

A quien no le llame mucho este ambiente, quizá pueda resultarle aburrida, porque fuera de esto, apenas hay argumento, pero a quienes disfruten del ballet, les resultará absolutamente encantadora.