NIDO DE VÍBORAS

 

Un sentimiento de culpa con raíces muy profundas hace enloquecer hasta tal punto a una escritora recién casada, que tiene que ser internada en un centro psiquiátrico.

Dirigida por Anatole Litvak y protagonizada por Olivia de Havilland, el guion se basa en el libro The Snake Pit, de la norteamericana Mary Jane Ward, que lo escribió basándose en sus propias experiencias tras permanecer ingresada en un sanatorio mental.

Impactante y sumamente controvertida en su momento, la película marcó un hito en el cine de Hollywood por su representación de la enfermedad mental, su tratamiento y los métodos utilizados en los sanatorios psiquiátricos públicos, que el film retrata de manera realista.

TIGRE Y DRAGÓN

 

En la China de principios del siglo XIX, en los últimos años de la dinastía Qing, Li Mu Bai (Chow Yun-Fat), un renombrado espadachín, decide entregar su legendaria espada de cuatrocientos años de antigüedad, para marcar el final de una carrera ensangrentada. Li confía a la excelente guerrera Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) la preciosa arma para entregarla al duque; sin embargo, una audaz y ágil ladrona enmascarada consigue robarla. Mientras Shu Lien sigue su pista, se interponen en su camino amores no correspondidos, pasiones fervientes, un deseo inquebrantable de libertad y amargos cabos sueltos.

Basada en una novela de Wang Du Lu, la película comienza con la trama de venganza común en las historias wuxia que Ang Lee amaba de niño, para luego agregar un giro feminista. El famoso coreógrafo de acción Yuen Woo-Ping (Matrix) presenta peleas asombrosas en gravedad cero a través de azoteas, ríos y bambúes, mientras que Yo-Yo Ma acentúa las escenas más emotivas con dramáticos solos de violonchelo.

El realizador taiwanés sorprendió a todos con esta épica película de artes marciales, alejada de otros trabajos anteriores, que recuerda a las mejores películas de wuxia de la década de 1960, llevando el género hacia nuevas direcciones. 

Nominada a 10 Oscar, de los que se llevó cuatro, está magníficamente ambientada y resultó todo un éxito de taquilla plagado de acción.

EL REBAÑO (SÜRÜ)

 

Un pastor nómada, implicado en una antigua disputa entre clanes, decide llevar su rebaño de ovejas a Ankara para vender el más preciado recurso de su familia. Pero el camino hasta la ciudad es largo y hay que pagar sobornos a los funcionarios de poca monta, se roban ovejas o mueren en vagones atestados. Además, la esposa de uno de los miembros de la familia, se halla gravemente enferma.

Con guion de Yilmaz Güney (escrito mientras se hallaba en prisión) y dirigida por Zeki Ökten, la película explora temas como el sistema prácticamente feudal de la Turquía del momento, el papel de la mujer en la sociedad o las dificultades económicas para sobrevivir.

La película es también un documento profundamente triste e infinitamente conmovedor sobre la desaparición de una forma de sociedad precapitalista, sin esperanza de salvación a través de la transformación, que está siendo radical y sistemáticamente destruida. Un largo viaje en tren que conecta el campo con la ciudad, mediante el que Ökten, a través de observaciones precisas, recorre tanto el espacio geográfico como el social. La radical diferencia entre las aldeas pastoriles y Ankara está presente en cada aspecto de la película.

YOL (EL CAMINO)

 

Una prisión en Turquía. Cinco prisioneros reciben permiso para viajar a sus casas durante una semana. Los difíciles viajes para llegar hasta sus familias nos conducen a las regiones más alejadas de Turquía. Cada uno de ellos tiene sus propios problemas, preocupaciones y nostalgias.

Co-dirigida por Yilmaz Güney y Serif Gören, el primero de ellos, escribió el guion inspirándose en parte en su propio cautiverio. De origen kurdo, Güney paso una parte de su vida en prisión, primero en 1961, por la realización de un corto tildado como subversivo por las autoridades turcas; más tarde, acusado de albergar a estudiantes anarquistas, hasta que fue amnistiado en 1974. Ese mismo año fue arrestado de nuevo porque un sobrino suyo disparó y mató a un fiscal con el que Güney discutía (presumiblemente sobre asuntos políticos) en un restaurante. El film terminó compartiendo la Palma de Oro en Cannes con Missing, de Costa Gavras.

Con un guion escrito por Yılmaz Güney durante su encarcelamiento como prisionero político y dirigida por Şerif Gören, siguiendo instrucciones detalladas de Güney, los negativos fueron sacados del país de forma clandestina y posteriormente editados por Güney tras su exitosa fuga de prisión.

Los cinco presos que protagonizan la película, salen de una cárcel para meterse en otra, la de la sociedad turca de los 80, con tradiciones atávicas y una religión intolerante, presidida por un machismo que ríete tú de lo que aquí entendemos por tal, con las mujeres tratadas como auténticas piltrafas. Un camino que no conduce a parte alguna en una película que evoca complejidad y compasión por las personas afectadas por la dictadura militar tras el golpe de Estado turco de 1980.

Digna de admiración la valentía de las personas que participaron en el film, actores y técnicos que se jugaban su futuro y su libertad, cuando no la propia vida.

EL SIMPATIZANTE

 

Cerca del final de la guerra de Vietnam, un hombre que formó parte del ejército de Vietnam del Sur huye a los Estados Unidos y se instala en una comunidad de refugiados, donde continúa espiando en secreto e informando al Viet Cong. 

La miniserie de 7 episodios se basa en una novela del estadounidense de ascendencia vietnamita Viet Thanh Nguyen, con la que ganó el Premio Pulitzer de Ficción.

La historia tiene algo de relato de espionaje, intriga y sátira. Muy bien ambientada, sin embargo, los episodios resultan irregulares, con un comienzo prometedor, para después ir decayendo y recuperar algo el interés en el último capítulo.

Una manera diferente de contar, no tanto la guerra de Vietnam, que como tal apenas aparece, sino sus consecuencias en la población, que podría haber sacado más jugo al relato.

PRIMER PLANO

 

Hossain Sabzian, un admirador del reputado director iraní Mohsen Makhmalbaf, se hace pasar por él y entra en la casa de una familia acomodada de Teherán, prometiéndoles un papel destacado en su próxima película.

Mezcla de ficción y documental, Abbas Kiarostami, se basa en una increíble historia real. Las personas implicadas en el incidente recrean los hechos verídicos, seguidos de las imágenes del juicio real que tuvo lugar.

La película es para algunos críticos el trabajo más radical y brillante del guionista y realizador iraní, ya de por sí con fama de haber creado algunas de las obras cinematográficas más innovadoras y trascendentales del cine contemporáneo. 

Utilizando como punto de partida el extraño y sensacional suceso, Kiarostami fabrica una impactante y compleja investigación sobre el cine, la identidad, la creación artística y la existencia, con sus temas universales y fascinantes giros narrativos, en la que los protagonistas del caso se interpretan a sí mismos.

GINGER Y FRED

 

Amelia (Giulietta Masina) y Pippo (Marcello Mastroianni), dos bailarines que se hicieron famosos en su época imitando a Ginger Rogers y Fred Astaire, se reúnen años después en Roma, para intervenir en un programa televisivo de variedades. Pronto serán conscientes de que los tiempos han cambiado... para peor.

Se trata tanto de un conmovedor viaje nostálgico al pasado, como de una crítica satírica a la televisión en general y a la televisión italiana en particular, a la que presenta como un espectáculo de fenómenos sin sentido dirigido a imbéciles.

Y es que en los 80, con la llegada de las cadenas privadas (como ocurriría en España una década después), la televisión empezó a transitar por una senda de degradación, en busca de un público idiotizado y del aumento de espectadores a costa de lo que fuera, para engordar la cuota publicitaria. Fellini, más que criticar al medio, lo hace al formato, con la llegada de la llamada televisión basura.

Es difícil no dejarse conquistar por Giulietta Masina en su mejor momento. La menuda y expresiva actriz tenía un aire especial y la habilidad necesaria para romper y alegrar corazones simultáneamente. Aquí, Federico Fellini la empareja con otro gran ícono del cine italiano, Marcello Mastroianni, para ofrecernos una historia de crítica, pero también evocadora, quizá algo triste, aunque con una luz para la esperanza.