STROMBOLI, TIERRA DE DIOS

 

Tras la Segunda Guerra Mundial, Karin (Ingrid Bergman), una lituana internada en un campo de refugiados, conoce a Antonio (Mario Vitale), que se halla en un campo de prisioneros de guerra. Aunque no está enamorada de él, acepta su propuesta de matrimonio para poder salir de allí. Acompaña a su marido, un sencillo pescador, a la isla de Stromboli, frente a la costa de Sicilia, donde tiene su casa. Sin embargo, Karin pronto descubre que la vida en la isla es solo una pequeña mejora con respecto al campo de concentración; se siente como una extraña y no encaja con los lugareños. Su malestar se convierte en terror cuando el volcán de la isla amenaza con entrar en erupción.

Primera colaboración entre Roberto Rossellini e Ingrid Bergman, tristemente célebre en su época cuando se supo que ambos mantenían un romance, fruto del cual, ella quedó embarazada. Bergman finalmente dejó a su marido y se casó con Rossellini, pero el escándalo afectó en cierto modo a la película que se encontró con críticas demoledoras por parte de la moralista crítica y no precisamente por la película en sí.

Combinando el neorrealismo característico del director —ejemplificado aquí en una notable representación de la vida y el trabajo de los pescadores— con un melodrama profundamente emotivo, un retrato desgarrador de la crisis existencial de una mujer, ambientado en el bello e inhóspito escenario de una isla volcánica.

EUROPA '51

 

Un matrimonio estadounidense de clase alta, lleva una vida despreocupada en Roma, hasta que el suicidio de su hijo, todavía un niño, lleva a su madre a sentirse culpable por no haberle atendido con más dedicación. Para encontrarle un sentido a su vida, sigue el consejo de un amigo y comienza a trabajar con los enfermos y desamparados de la ciudad. George Girard (Alexander Knox), su insensible marido, encuentra desagradables las actividades benéficas de Irene (Ingrid Bergman) y provecha la circunstancia de que ella, tras ser acusada de facilitar la huida de un delincuente, es detenida, para conseguir internarla en un psiquiátrico.

Tras la amarga tragedia de la pérdida del hijo, la protagonista es consciente de la banalidad de su vida y pretende redimirse ayudando a los demás, dando amor a quien lo necesita, pero no por misericordia ni caridad, sino porque se siente culpable de haber sido como era.

Los desheredados la adoran, la consideran una santa, pero tanto su entorno familiar, incluyendo a su rancia y conservadora madre y a su esposo, como quienes, al menos teóricamente, han de cuidar por la rectitud de la sociedad (el juez, el sacerdote, el psiquiatra, el comisario de policía...), la consideran un peligro. La sociedad está muy bien como está, con sus ricos y sus pobres, cada uno en su puesto y lugar y quien intente quebrar ese estatus, o es un comunista o está loco y hay que apartarlo.

El mensaje político y humanista del film está claro, tanto como la gran interpretación de Bergman a quien la cámara sigue con verdadera delectación.

Solamente unas pocas de las películas surgidas de la polémica relación entre la actriz Ingrid Bergman y el director Roberto Rossellini estuvieron a la altura de su talento. Una de ellas fue esta producción italiana. 

LA CHICA ZURDA

 

Una madre que ha criado sola a sus dos hijas regresa con ellas a Taipei tras varios años viviendo en el campo para abrir un puesto en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrá que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad familiar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse durante una celebración familiar.

Filmada íntegramente con un iPhone, la película supone el debut como directora en solitario de Shih-Ching Tsou, tras codirigir «Take Out» (2004) con Sean Baker (que en ésta co-escribe el guion con la propia realizadora) y producir algunas de sus otras películas.

Una combinación de humor y melodrama que retrata las tensiones dentro de la familia y entre las distintas generaciones a la vez que critica algunas de las creencias tradicionales de las sociedades patriarcales que se oponen a todo signo de modernidad, relegando en muchas ocasiones el papel de la mujer a un segundo plano.

Dejando a un lado el melodrama facilón a que podría haber conducido la siempre entrañable presencia de la niña, la realizadora taiwanesa residente en EE.UU., aborda la historia desde una perspectiva esperanzadora, mostrando la lucha de estas mujeres por salir adelante en una sociedad que a pesar del entorno de cierta modernidad, sigue atrapada en un relativo patriarcado, un mundo nada fácil para estas mujeres que, sin embargo, demuestran su fortaleza y su afán para salir adelante con sus propios medios.

LA MUJER DEL PELO ROJO

 

A las afueras del Estambul de 1985, un maestro pocero y su joven aprendiz son contratados para encontrar agua en una llanura estéril. Mientras excavan sin suerte metro a metro, nace entre ellos un vínculo paterno-filial, una dependencia mutua que se verá alterada cuando el adolescente se enamore perdidamente de una misteriosa mujer de pelo rojo, un primer amor que marcará el resto de sus días.

El viaje de este joven hacia la edad adulta se acompasa al de una Turquía que ha ido transformándose irreversiblemente y le sirve a Orhan Pamuk (Premio Nobel de Literatura en 2006) para regresar a los temas que han dominado una buena parte de su obra. En esta mezcla de fábula, relato mitológico y tragedia contemporánea, el autor vuelve a poner frente a frente las culturas de Oriente y Occidente, explorando dos de sus mitos clásicos: El Edipo rey de Sófocles y la historia de Rostam y Sohrab, inmortalizada por el poeta persa Ferdousi en la epopeya del Shahnameh o Libro de los reyes. Ambas tragedias discurren por debajo de una trama absorbente, en una novela de ideas que profundiza, entre otros temas, en la familia y la figura paterna, reafirmando a su autor como uno de los grandes escritores de nuestra época.  

La novela ofrece una nueva interpretación del tema de la relación padre-hijo. El autor crea una estructura atractiva al fusionar la vida urbana moderna con relatos clásicos. Los sucesos en el pozo conforman el eje emocional e intelectual de la novela. La obra nos recuerda que la relación de un individuo con su pasado es un proceso de cuestionamiento que dura toda la vida.

SOLARIS

 

La misión Solaris ha establecido una base en un planeta que parece albergar algún tipo de inteligencia, pero los detalles son confusos y muy secretos. Tras la misteriosa muerte de uno de los tres científicos de la base, el cosmonauta y psicólogo Kris Kelvin (Donatas Banionis) es enviado para investigar. Encuentra la estación descuidada y a los dos científicos supervivientes con una actitud fría y reservada. Cuando también se reencuentra con su esposa, fallecida hace diez años, comienza a comprender la naturaleza desconcertante de la inteligencia alienígena.

El guion adapta una novela del polaco Stanislaw Lem, uno de los escasísimos escritores de habla no inglesa considerado como un maestro en la literatura de ciencia ficción que, por cierto, no estaba nada conforme con la película de Andrei Tarkovsky.

Una creación épica de ciencia ficción brillantemente original que desafía nuestras ideas preconcebidas sobre el amor, la verdad y la humanidad misma, que invita al espectador a reflexionar y profundizar sobre la incapacidad del hombre para comprender algunos de los misterios de la vida cotidiana como el amor, el compromiso y la mutua dependencia que tenemos unos de otros, quizá la principal esencia de la civilización.

SACRIFICIO

 

Alexander (Erland Josephson), periodista, ex actor y filósofo, le cuenta a su hijo pequeño lo preocupado que está por la falta de espiritualidad de la humanidad moderna. La noche de su cumpleaños, estalla un conflicto bélico. En su desesperación, Alexander se entrega en oración a Dios, ofreciéndole todo para que la guerra no tenga lugar.

Como indica el título, la película gira en torno a la idea del sacrificio, el de un hombre que considera que hasta entonces su vida ha sido algo artificiosa y superficial y para darle algún sentido quiere ofrecer incluso su propia existencia, para salvar a su familia y a toda la humanidad. 

En parte, que uno conecte con una película de Tarkovsky depende de si se identifica con el problema espiritual con el que lucha su personaje.

Una especie de avalancha de debate filosófico, en cierto modo desconcertante, entretejida con algunas de las tomas más alabadas de la historia del cine.

STALKER

 

En un anónimo país, hay un área conocida como "La Zona", en la que se cree que se estrelló un meteorito o que aterrizaron extraterrestres. El acceso está prohibido por las autoridades, no obstante, dentro de él, en un lugar conocido como "La Habitación", hay quien asegura que se cuplen los deseos, por lo que hay personas que se aventuran a entrar en el área prohibida. Los "stalkers" se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje. Hasta allí llegan un escritor y un profesor, su guía, tiene una relación especial con la Zona.

El guion adapta la novela Picnic extraterrestre (o Pícnic junto al camino), de los hermanos Strugatski (Arkadi y Boris), los más conocidos escritores de ciencia ficción de la antigua Unión Soviética. 

El primer guion de Stalker se acercaba más a la novela y la película tuvo una historia curiosa. De hecho, ya se había rodado la mitad cuando la película expuesta se destruyó en el laboratorio de Mosfilm, la productora de cine de la Unión Soviética. En palabras del propio Andrei Tarkovsky "...debió de estar en juego algún tipo de ley del equilibrio; quizás el desastre de 'Mosfilm' no fue accidental. Fue como si el destino interviniera, en el sentido de que el accidente ocurrió precisamente en el instante en que la película podría haber perdido profundidad". Así que Tarkovsky hizo reescribir buena parte del guion a los Strugatski para alejarse algo más del relato original. No se da a luz dos veces a la misma criatura, decía.

Película considerada difícil, como buena parte del cine de su autor, aunque él insistía en que lo que se ve en pantalla es lo que es: el agua es agua y el fuego es fuego. Claro que esto es una forma de decirlo, porque lo que Tarkovsky hace, al fin y a la postre, es enviar al espectador a la Zona, sin ningún stalker, para que seamos nosotros mismos los que decidamos si queremos pedir que se cumplan nuestros deseos o, sencillamente, no deseamos entrar en la habitación, por si acaso no se cumplen.