PICKPOCKET (EL CARTERISTA)

 

El joven y arrogante Michel (Martin LaSalle), pasa sus días perfeccionando el arte de robar carteras en las calles, vagones del metro y estaciones de tren de París. A medida que Michel se vuelve más audaz y hábil, también crece su temor de que su suerte esté a punto de agotarse. Pero a pesar de los ruegos de su madre enferma y de la encantadora Jeanne (Marika Green) para que regrese al mundo de la gente honrada, su compulsión por robar lo consume. 

El protagonista parece que podría enfocar su vida por otros derroteros, pero se toma lo de robar carteras y relojes como un desafío, como si disfrutara con el peligro que supone ser cazado y la satisfacción que le proporciona sentirse más inteligente y hábil que los demás cuando consigue sus objetivos. No hay discursos morales, es más, en muchos momentos parece como si estuviéramos asistiendo a un documental en el que se nos muestran las habilidades de estos ladrones de guante blanco, sus métodos y los medios que emplean para tratar de sortear el acecho de la policía o las sospechas del propio atracado.

Escasez y precisión en los diálogos y gran economía de medios y naturalidad y tono neutro en las expresiones de los intérpretes, son los métodos que utiliza Robert Bresson para desarrollar este relato sencillo y fascinante, rodado de manera elegante, con una técnica depurada y en el que lo sugerido tiene tanta importancia como lo mostrado.

AL SUR DEL CIELO

 

Jimmy Ray  (Jason Sudeikis) sale en libertad condicional después de doce años en la cárcel por un atraco a un banco. Tras su liberación, se compromete a darle a Annie (Evangeline Lilly), su amor de la infancia, enferma de cáncer, el mejor año de su vida, pero por desgracia, no es tan sencillo. Schmidt (Shea Whigham), su agente de libertad condicional, es un tipo corrupto y chantajea a Jimmy para que le haga un encargo de uno de sus negocios turbios. Esa situación traerá graves consecuencias para Jimmy.

La mayoría de las críticas sobre este film inciden en su falta de credibilidad, en que su trama resulta confusa, ausencia de originalidad y personajes esterotipados.

Tampoco me voy a poner a defender una película sin tener por qué, pero algunos de los razonamientos me hacen un poco de gracia. Por ejemplo eso de que no es creíble, pues "Star Wars" o "Jurassic Park", por ejemplo, tampoco es que resulten muy creíbles. Por lo demás, pues es relativamente cierto que la narración avanza a base de giros de guión un tanto forzados y que quizá no ofrece nada nuevo, pero a mí me resultó bastante entretenida. ¡Ah! y de confusa, nada.

MARRUECOS (MOROCCO)

 

La Legión Extranjera llega a Mogador con el alcohol y las mujeres en su pensamiento. Allí llega desde París la cantante Amy Jolly (Marlene Dietrich), cuyos problemas económicos la han llevado a aceptar cantar en el café de Lo Tinto (Paul Porcasi). El legionario Tom Brown (Gary Cooper), la verá actuar esa noche enfundada en su seductor smoking. Ella se debatirá entre la atracción que siente por el guapo legionario, al igual que ella con heridas de su pasado y la proposición de matrimonio del rico pintor La Bessiere (Adolphe Menjou).

El guión adapta la novela Amy Jolly, la dama de Marrakesh, de Benno Vigny, basada a su vez en un personaje real cuya historia y la posterior relación epistolar con Marlene, daría para toda una extensa entrada. La verdadera Amy Jolly, una cabaretera que acabó en Marruecos huyendo de su tormentoso pasado en la calles parisinas, al parecer, escribió a Marlene tras el éxito de la película, explicándole que Benno Vigny le había prometido dinero, pero que nunca se lo dio y apelaba a su buen corazón para que le enviase algo a fin de poder mantener abierta la casa de huéspedes que tenía en Agadir, el último recurso para la supervivencia de una mujer ya envejecida. Marlene le debió enviar una suma importante y Amy le respondió dándole las gracias, aunque más adelante, Marlene se enteró por su amigo Charles Graves, tras una visita de este a la ciudad marroquí, que la pensión familiar era en realidad un burdel donde Amy Jolly tenía alojadas a menores que entregaba a los soldados. 

Marruecos fue la primera película estadounidense de Marlene Dietrich. Por su papel de la cantante de cabaret Amy Jolly, fue nominada a los Premios de la Academia a la Mejor Actriz en un Papel Protagónico.

Un simple vistazo al cartel, con tres mitos del cine (Dietrich, Cooper y Von Sternberg) y unos magníficos secundarios encabezados por Adolphe Menjou, sería suficiente motivo para que cualquier aficionado, aún sin conocer nada del film, dedicara hora y media de su vida a verla. La película en sí, al menos su argumento, tampoco es que sea nada del otro mundo, sin el encanto de Casablanca, por ejemplo, con un triángulo amoroso que tampoco es que esté tratado con especial dedicación, como si Von Sternberg dedicara todas sus energías a dirigir a Marlene (lo que resulta comprensible, por otra parte) y dejara a Cooper un poco huérfano. Otra cosa es el apartado técnico y artísticos, con algunos encuadres maravillosos y una escena final que se convierte en una auténtica obra de arte. 

Decir que el número de apertura de Dietrich, cuando se viste con ropas masculinas y besa a una mujer que está entre la audiencia, fue una escena provocativa para 1930, sería quedarse corto. Lleva pantalones solo en esa secuencia, pero es su figura, con ese atuendo, la que permanece en la memoria, con el look que más a menudo se asocia con la imagen de Marlene Dietrich. La imagen de una walkiria andrógina que, cien años después, aún perturba los sueños de más de uno... y de una.

SYDNEY

 

Sydney (Philip Baker Hall) es un viejo jugador, que ayuda a un hombre llamado John (John C. Reilly) que no tiene dinero para pagar el funeral de su madre, lo cual hace que forjen una amistad. Años después, John tratará de hacer lo mismo con la joven Clementine (Gwyneth Paltrow) que trabaja de camarera en los casinos de Reno, aunque un extraño suceso y la presencia de Jimmy (Samuel L. Jackson), el jefe de seguridad de uno de estos locales,  complicarán mucho las cosas.

Debut en la dirección de un largometraje de Paul Thomas Anderson, que no contó con el control absoluto sobre la película, ya que se montó sin su intervención e incluso el título (Sydney), fue cambiado por la productora por el que figura en la edición original: Hard Eight.

El film cuenta la historia de tres personajes atormentados, tres solitarios que encuentran en los otros dos un motivo de alivio. Rodada a base de planos largos, con un guión firme como fundamento y unas buenas actuaciones en las que destaca la sobriedad y el buen hacer de Philip Baker Hall.

Puede que en algunos momentos el discurrir de la narración sea un poco lento, pero eso no entorpece para que nos mantenga atentos al devenir de los personajes.

El viejo Sydney, como los otros personajes, guarda sus secretos, su turbio pasado que desea ocultar bajo la apariencia de ayudar a un desvalido, secretos que se irán desvelando al final de una película que tiene sus momentos a la altura del mejor cine negro, pero con un sello absolutamente diferente a las películas clásicas de este género.

Con un presupuesto bastante ajustado, a pesar de todo, ya podemos ver en el realizador que entonces contaba 26 años, tanto su evidente talento para la puesta en escena, como para la dirección de actores y los buenos diálogos.

COMPARTIMENTO Nº 6

 

Una joven finlandesa que deja atrás una enigmática historia de amor, toma un tren desde Moscú para ir al yacimiento arqueológico de Múrmansk. Tendrá que compartir su compartimento con un joven ruso completamente desconocido que se dirige a la misma ciudad para trabajar en una mina. Esta convivencia y unos encuentros improbables unirán poco a poco a estos dos seres completamente opuestos.

El guión adapta la novela del mismo título de la finlandesa Rosa Liksom, seudónimo de Anni Ylävaara, por la que recibió el Premio Finlandia, el más prestigiosos premio literario de su país, en 2011.

El film cambia algunas cosas, por ejemplo, en la novela, la protagonista vive con su novio ruso, un chico con problemas que quiere librarse de ir a la guerra de Afganistán, mientras en la película, no es un novio, sino una novia que tiene una casa confortable y un entorno de amigos intelectuales, con la que vive la finlandesa.

El argumento es sencillo, básicamente es un viaje, una especie de viaje iniciático, en el que la protagonista pasa de una relación romántica respetuosa, tierna y afectiva a convivir en la estrechez de un compartimento ferroviario con un tipo machista, desconsiderado, aficionado a la bebida y malhablado que, incluso, puede ser considerado peligroso. Esto va cambiando poco a poco, ni ella es tan hermética, ni él tan brusco como da a entender al principio. 

Todo esto lo vamos viendo mientras recorremos desoladas regiones de la antigua Unión Soviética, extensos territorios nevados, con industrias contaminantes y gentes que sobreviven como pueden pero que se muestran hospitalarias y dos seres, cada uno con sus sueños, con su pasado y con sus problemas que irán encontrando comprensión y cierto apoyo en el otro.

La película fue seleccionada para representar a Finlandia en la carrera hacia el Oscar 2022.

CORAZONES DE ACERO (FURY)

 

Abril de 1945. Con la guerra a punto de acabar, mientras los Aliados tratan de alcanzar sus últimos objetivos en territorio europeo, un sargento del ejército curtido en el combate llamado Wardaddy (Brad Pitt) comanda un tanque Sherman -el Fury- y su tripulación de cinco hombres en una misión casi suicida detrás de las líneas enemigas. Superados en número, en armamento y con un soldado novato en su pelotón, Wardaddy y sus hombres tratan de superar los abrumadores inconvenientes en su heroico intento de atacar el corazón de la Alemania nazi, enfrentados a un enemigo desesperado que da por descontada su derrota.

Por supuesto en la película vemos la guerra en los últimos coletazos del avance aliado por Europa, pero sobre todo contemplamos la particular batalla que libra un grupo de hombres que vive en una especie de microcosmos, el tanque que conducen por los campos de batalla y cuya forzosa convivencia dentro de él, les ha convertido en una especie de familia, un tanto peculiar, eso sí, pues se desarrolla en medio de peleas y diferencias entre ellos.

El film, a mi modo de ver, resulta desigual, con buenos momentos y otros bastante mediocres, en concreto gran parte de las secuencias que se desarrollan en casa de las dos alemanas, dejan bastante que desear, pero bueno, como digo siempre, eso son opiniones, habrá a quien le haya parecido otra cosa. No digamos ya las secuencias del final, con alemanes cayendo como moscas en su descerebrado ataque al tanque inmovilizado.

Muy cuidados los detalles de ambientación, pero todo con un resultado que le deja a uno un poco frío, sin llegar a sentirse sumergido en la historia, quizá por un guión que no consigue transmitir emociones y cuando lo hace, uno se revuelve un poco en el asiento porque no acaba de conseguir lo que probablemente pretende. 

Una película entretenida, pero poco más.

LILITH

 

Vincent Bruce (Warren Beatty), un veterano de guerra, regresa a Maryland, su estado natal, y comienza a trabajar como terapeuta ocupacional en un centro psiquiátrico privado para ricos. Allí conoce a Lilith Arthur (Jean Seberg), una encantadora joven esquizofrénica, cuya frágil belleza cautiva a todos los que la conocen. También Vincent se queda prendado de ella, a medida que pasa el tiempo, su relación se profundiza e intensifica y las diferencias entre ellos comienzan a desdibujarse y será capaz de mentir y de traicionar con tal de no perderla; pero sin darse cuenta llega a una situación en la que ya no es capaz de distinguir la locura de la cordura.

El guión, del también realizador del film, Robert Rossen, adapta la novela del mismo título del escritor estadounidense Jack Richard Salamanca, publicada por primera vez en 1961. 

Cuenta con un excelente elenco de secundarios que incluye a Peter Fonda, Jessica Walter, Gene Hackman (en su primer papel acreditado en una película), Olympia Dukakis y Kim Hunter.

Conforme a algunas antiguas leyendas y tradiciones judías, Lilith fue la primera mujer de Adán, anterior a Eva y, a diferencia de ésta, creada, como el mismo hombre, a partir del barro. La Lilith de la película esconde alguna referencia a esta mujer, independiente y no sometida al albur del hombre, pero es también un acercamiento al mundo de los psiquiátricos y quienes en ellos habitan, pacientes y el personal que los atiende, bien es verdad que el del film es un establecimiento que más parece un pequeño jardín del Edén, alejado de cualquier atisbo de sordidez. 

Robert Rossen nos ofrece en este su postrer trabajo, un film lleno de delicadeza, con maravillosos planos, picados, contrapicados, cuidadas composiciones llenas de evocación y simbolismo y algunas secuencias de gran belleza, con una fotografía de Eugen Schüfftan en la que cobran gran importancia los claroscuros; el agua, sus matices, reflejos y su propio discurrir; la superposición de imágenes y los cuidados encuadres. Asimismo tienen su importancia los sonidos, incluída la música que acompaña a las imágenes, con composiciones delicadas, emotivas y sugerentes. Todo en la película está perfectamente planificado en esta especie de drama psicológico que resulta muy interesante pese a que alguno de sus planteamientos ha quedado algo obsoleto por mor de los avances de la medicina. Film de cierta belleza y muy emotivo con un final tan lógico como sorprendente. Una buena película que nos acerca a ese mundo complejo y contradictorio de la mente enferma en que lo real y lo imaginado ven sus límites desdibujados.