NO AMARÁS

 

Tomek (Olaf Lubaszenko), un joven de diecinueve años, un solitario empleado de correos, se enamora de Magda (Grazyna Szapolowska), una artista treintañera que vive en el edificio de apartamentos frente al suyo. Espiándola a través de un teleobjetivo, Tomek desarrolla una relación unilateral e increíblemente íntima con su objeto de deseo; observa a Magda desvestirse, cocinar, hacer el amor y vivir sus minutos más mundanos. Cuando Tomek decide involucrarse más en la vida de Magda —haciéndole llamadas telefónicas, robándole el correo…—, finalmente decide conocerla en persona y confesarle su relación voyeurista. Al principio, Magda se siente repelida, pero luego atraída por la obsesión del chico con ella. Finalmente, invita a Tomek a su casa y propicia un encuentro sexual entre ambos. Contrario a sus expectativas, Tomek reacciona con horror al encontrarse con la persona real que había idealizado.

A finales de la década de los 80 del pasado siglo, Krzysztof Kieślowski realizó para la televisión una de sus obras más importantes: Decálogo, una obra basada en la estructura de los Diez Mandamientos, en la que el realizador polaco hablaba del ser humano y de sus contradicciones morales. Este film está basado en el sexto episodio de esa serie: No cometerás adulterio, aunque ambas obras difieren, con finales distintos.

Película perturbadora por momentos en la que Kieślowski ofrece un particular relato, original por su sencillez, no solo sobre el amor y el sexo, sino sobre las relaciones humanas en general, las dificultades que plantean y su repercusión emocional en las personas, logrando transmitir al espectador una sensación de historia cotidiana con momentos intimistas.

TRES COLORES: ROJO

 

Valentina (Irène Jacob), una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de un perro al que accidentalmente ha atropellado. La búsqueda de su dueño la conduce a un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. A Valentina le desagrada la conducta del hombre, pero no puede evitar ir a verlo.

Considerada por algunos la mejor película de las tres, incluso de su carrera en general, Krzysztof Kieślowski cierra su trilogía Tres Colores con una brillante reflexión sobre el destino y el azar.

La innovadora puesta en escena permite que la película y sus personajes, resulten subyugantes para el espectador, sumergiéndolo en el mundo de dichos personajes y evocando empatía con ellos y sus destinos. No solo con la pareja protagonista, sino con el aspirante a juez vecino de Valentina y su novia, en una historia paralela. La película refleja las implicaciones de tender una mano fraternal a quien la necesita.

TRES COLORES: BLANCO

 

Karol Karol (Zbigniew Zamachowski) es un inmigrante polaco que vive en Francia. Su esposa le pide el divorcio (su razón: su matrimonio nunca se consumó) y luego amenaza con acusarle de incendio provocado tras prender fuego a su propio salón de peluquería. Sin dinero, sin techo y sin dignidad en París, el desventurado peluquero conoce a su compatriota polaco Mikoaj (Janusz Gajos), cuya extraña oferta le proporciona tanto una oportunidad de regresar a Polonia, como una inesperada segunda ocasión para él mismo. De vuelta a su país, Karol reconstruye su vida a través principalmente de especular en diversos negocios, y descubre que el dinero puede devolverle el poder que siente haber perdido. Su creciente riqueza cambia su relación con Mikoaj, sus ambiciones y su comprensión de lo que quiere de Dominique (Julie Delpy), situándole en un camino profundamente personal hacia la venganza.

Probablemente la más ingeniosa y la más cruda de las tres películas que conforman la trilogía dirigida por Krzysztof Kieślowski.

Al tiempo que narra la historia de venganza de Karol, la película logra ser una divertida comedia negra sobre las desigualdades económicas entre Europa del Este y del Oeste y una sublime reflexión sobre un amor retorcido, aunque seguramente a más de uno le resulte difícil o imposible entender dónde está la igualdad (la segunda palabra del lema de la Revolución Francesa), escondida entre el entramado de ironías que propone el realizador polaco, que confía en la inteligencia del espectador para interpretar sus sugerencias.

EN UN LUGAR DE ÁFRICA

 

El libro es en parte una historia autobiográfica, ambientada antes y durante la Segunda Guerra Mundial. La familia Redlich huye de los nazis que han tomado el poder en Alemania. Obligados a abandonar su tierra natal por ser judíos, se encuentran en Kenia, entonces colonia británica. Walter Redlich, el padre de familia, era un respetado abogado y notario en Alemania, pero se ve obligado a trabajar como encargado de una granja en África Oriental. A su esposa, Jettel, le resulta difícil adaptarse al país extranjero y a la nueva cultura, y añora su vida en Alemania antes de la llegada de los nazis. Por otro lado, su hija Regina se enamora de la región y se adapta rápidamente a su nuevo hogar, vivirá la experiencia como una especie de aventura, asiste a una escuela inglesa y se adapta cada vez mejor a Kenia. La familia se entera de los crímenes nazis en Alemania por otros judíos exiliados y por los ingleses y son conscientes de las persecuciones de judíos en toda Alemania en noviembre de 1938. Se enteran de la muerte de los padres de Jettel y del padre y la hermana de Walter en un campo de concentración en el este. Tras la guerra, a Walter le ofrecen un puesto de juez en Alemania. Walter desea regresar a Alemania, pero su hija y su esposa no quieren abandonar Nairobi. 

La alemana Stefanie Zweig, que pasó por una experiencia similar a la de la protagonista de la novela y cuyas experiencias personales le sirven de inspiración, reflexiona en esta historia sobre el hogar, y la identidad, caracteres con los que, a pesar de lo que algunos crean, no nacemos, sino que nos vienen dados por una serie de circunstancia, entre otras, seguramente las más importantes, nuestras vivencias de infancia y juventud. Regina oirá hablar a sus padres y a otros refugiados de patria e identidad y no comprenderá muy bien sus añoranzas, porque para ella, su hogar, su patria, son el lugar en el que vive, en el que tiene a sus amistades, como Owuor, el sirviente nativo de la familia, todo un personaje que le enseñará las costumbres y el idioma locales. Al fin y al cabo, para ella, serán los años más importantes de su vida y allí desarrollará un amor por lo africano y sus habitantes que la acompañará para toda su vida y, aunque regrese a Alemania con sus padres, su corazón permanecerá en África, el lugar que siente como su hogar. 

Un relato tan entrañable como singular que refleja lo dura que debió ser la situación para las familias desplazadas a su pesar y, por contra parece una novela de aventuras en tono costumbrista, cuando lo vivimos desde los ojos de la joven protagonista.

TRES COLORES: AZUL

 

Tras la muerte de su marido y su hija pequeña en un accidente de automóvil, Julie (Juliette Binoche) no encuentra el valor para suicidarse y decide construir una nueva vida, anónima y totalmente independiente. Al dejar su mansión campestre para mudarse a un apartamento en París, pronto descubre que la libertad no es tan fácil de alcanzar como esperaba. Los vecinos le piden ayuda y amistad, y las dudas sobre la fidelidad de su marido avivan los celos.

Primera de las tres películas de Krzysztof Kieślowski inspiradas en el lema de la Revolución Francesa (Igualdad, libertad, fraternidad), cuyos títulos se corresponden con los colores de la bandera. El film es algo más que un estudio desgarrador sobre el duelo; es también una historia de liberación, en la que Julie intenta liberarse del pasado mientras se enfrenta a verdades sobre la vida de su difunto esposo.

Con fotografía de Slawomir Idziak y una banda sonora de tonos operísticos de Zbigniew Preisner, la película se transforma también en una experiencia sensorial en la que no hay fáciles lecciones morales, sino un examen lúcido del estado mental de una mujer. 

Binoche nos ofrece una gran interpretación y muestra un personaje sereno, fuerte, obstinado y profundamente consciente de que el corazón guarda misterios que ni nosotros, ni quienes nos rodean, llegaremos a comprender.

LA DOBLE VIDA DE VERÓNICA

 

Weronika vive en Polonia y tiene por delante una brillante carrera como cantante, pero padece una grave dolencia cardíaca. En Francia, a más de mil kilómetros, vive Véronique, otra joven idéntica que guarda muchas similitudes vitales con ella, como su gran pasión por la música. Ambas, a pesar de la distancia y de no tener aparentemente ninguna relación, son capaces de sentir que no están solas.

La película que lanzó a la fama internacional a Krzysztof Kieslowski, en ella el realizador y guionista polaco reflexiona sobre el azar y las circunstancias, con el destino que algunos sueñan les depare la oportunidad de encontrar un alma gemela, el deseo de que haya alguien en el mundo que pueda compartir sin palabras nuestros amores y alegrías más íntimos, la máxima expresión de apoyo personal. Las dos protagonistas (interpretadas ambas por Irène Jacob), nacidas el mismo día, no se conocen, pero las dos perciben que comparten con otra persona un enigmático vínculo.

Con la ayuda de la deslumbrante fotografía de Slawomir Idziak y la evocadora banda sonora operística de Zbigniew Preisner, esta ambigua y enigmática película se convierte en toda una sinfonía de sentimientos aunque para más de uno pueda resultar sencillamente desconcertante.

YO ANDUVE CON UN ZOMBIE

 

Una joven enfermera canadiense llamada Betsy (Frances Dee) llega a una isla  antillana para cuidar a Jessica (Christine Gordon), la esposa del dueño de una plantación de azúcar, Paul Holland (James Ellison). Jessica parece sufrir una especie de parálisis mental a causa de la fiebre que los nativos que la rodean denominan "zombi". Cuando se enamora de Paul, Betsy decide curar a Jessica incluso si necesita usar una ceremonia vudú, para devolverle a Paul lo que cree que quiere. La exposición de Jessica a los nativos solo empeora la situación, ya que los supersticiosos lugareños ahora la consideran una "muerta viviente" y deben exorcizarla aún más.

El guion adapta el cuento «I Walked with a Zombie», de la escritora y periodista norteamericana Inez Wallace, publicado originalmente en la revista American Weekly Magazine, y también reinterpreta en parte la narración de la novela «Jane Eyre» de Charlotte Brontë.

Los detalles de la historia familiar van saliendo a la luz poco a poco a través de diversas fuentes: la madre de Paul, que colabora en el hospital local; su celoso hermano; y un cantante de calipso cuyas letras contienen pistas. El romance florece rápidamente entre Betsy y Paul a medida que los lugareños se inquietan cada vez más. 

La película se ha convertido, con el paso del tiempo, en un clásico de terror de serie B, en el que su realizador, Jacques Tourneur, utiliza con maestría los contrastes entre luces y sombras y el sonido, para crear ambiente de tensión, utilizando hábilmente la sugerencia, en vez de mostrar explícitamente lo que está sucediendo, para que sea el espectador quien cree sus propias imágenes a partir de lo que se insinúa.

LA MUJER PANTERA

 

Oliver (Kent Smith) conoce a Irena (Simone Simon) durante una visita al zoo. Se enamoran y acaban contrayendo matrimonio. Ella comienza a comportarse de manera extraña, pues en Serbia, su país de origen, se cree que pesa sobre la zona donde nació una antigua maldición que dice que cualquier tipo de intimidad física con el hombre que ama, transforma a la mujer en una felina depredadora, algo que queda al descubierto cuando  Irena se lo cuenta el psiquiatra al que acude por sugerencia de su esposo que, al mismo tiempo, confía sus temores a su amiga y compañera de trabajo Alice (Jane Randolph), cuya cercanía con su esposo hace que se despierten los celos de Irena complicando aún más la situación.

Dirigida por el franco-norteamericano Jacques Tourneur con un ínfimo presupuesto y prácticamente sin efectos especiales (el simulacro de nieve que se deposita en sus cabellos es muestra de la pobreza de medios), a pesar de estas limitaciones, el realizador consigue mantener en vilo al espectador a base de sutiles sombras, sugestivos efectos sonoros, composiciones imaginativas y llamativas insinuaciones psicológicas.

La película se convirtió en un éxito que llevó a rodar una secuela. Para algunos, supone una especie de redefinición del género, al conseguir dejar sus escenas más escalofriantes a la imaginación del espectador, conteniendo en sí misma muchos elementos que aún se siguen utilizando en el cine de terror.

CARTAS CRUZADAS

 

Ed frustra accidentalmente un robo a un banco y los periódicos locales exageran su heroísmo. Poco después, comienza a recibir cartas de póker de una fuente desconocida. En ellas hay mensajes crípticos que lo guían hacia las personas a las que ha sido enviado a ayudar. 

El As de Diamantes aparece primero en su buzón. En la carta alguien ha escrito los nombres de tres personas y sus direcciones. Cuando Ed visita a cada una de ellas, encuentra a alguien necesitado: una mujer violada cada noche por su marido; una mujer solitaria y senil; y una niña que necesita que le recuerden la alegría que siente al correr. Así comienza el viaje, a su pesar, de Ed, que se ve obligado a considerar qué necesitan los demás para vivir vidas más plenas y significativas, y, por lo tanto, a considerar cómo él puede hacer lo mismo. 

La novela es una obra profundamente moral que invita al lector a reflexionar sobre los juicios que emite acerca de los desconocidos y a contemplar los pequeños actos de bondad que pueden tener un profundo impacto en sus vidas. El australiano Markus Zusak (autor también de La ladrona de libros), parece sugerir que debemos aprender a observar las pequeñas cosas que son importantes, pues cada vez que Ed es enviado a ayudar a alguien nuevo, dedica tiempo a observar a la gente. Está aprendiendo a observar, y esto lo convierte en una mejor persona, a veces con gestos sencillos para hacerles ver que no están solos. La creciente conciencia de Ed sobre su entorno también se representa a través de su narración, que, a lo largo de la novela, aumenta en detalle y en la compleja superposición de múltiples imágenes. El libro juega también con el suspense: quién deja las cartas para Ed y por qué quiere que intervenga en tantas vidas. Hacia el final del libro, las cartas de juego alejan a Ed de las intersecciones con las vidas de personas que no conoce, acercándolo a las vidas de sus amigos y familiares, y, en última instancia, a sí mismo. 

El mensaje final es que incluso las personas más corrientes pueden ser extraordinarias y que ayudar o, sencillamente prestar un poco de atención a los demás, nos convierte en mejores personas.

EL ENIGMA DE GASPAR HAUSER

 

Alemania, principios del siglo XIX. Kaspar (Bruno S.) es un enigmático muchacho que ha pasado toda la vida encerrado y aislado en una cueva: no conoce, pues, el lenguaje ni tiene capacidad para relacionarse con los demás. Cuando, en 1828, alguien lo abandona en Nuremberg con una carta para las autoridades locales, se convierte primero en una especie de atracción de feria y después en una curiosidad científica y social.

La película de Werner Herzog está basada en la historia verdadera y misteriosa de Kaspar Hauser, un joven de unos 16 años, que apareció repentinamente en Núremberg en 1828, apenas capaz de hablar o caminar, y con una nota extraña dirigida al militar Friedrich von Wessing; más tarde explicó que había estado cautivo en algún tipo de calabozo durante toda su vida (aunque tenía recuerdos de haber vivido en palacios o edificios nobles en su tierna infancia) y que solo recientemente fue puesto en libertad por razones desconocidas. Su benefactor intenta integrarlo en la sociedad, con resultados peculiares.

Con la verosimilitud característica de Herzog, a la que contribuye la interpretación del protagonista cuya historia personal guarda algunos paralelismos con las del personaje que interpreta, el director alemán aprovecha esta historia real, que él representa de manera algo diferente a la verdadera, para elaborar una crítica a una sociedad plagada de contradicciones, mentiras e hipocresía. Todo ello con la calidad visual que acostumbran la películas del germano, en este temprano trabajo en el que ya están presentes algunos de sus temas habituales: la crítica a la cultura tal como se entiende en nuestra sociedad, la religión, la locura de la vida cotidiana, la alienación, la crueldad y el poder.

STROSZEK

 

Cuando Bruno Stroszek (Bruno S.) sale de prisión, le advierten que debe dejar de beber. Con pocas habilidades y menos expectativas, sobrevive como músico callejero. En un bar se encuentra con una antigua conocida, Eva (Eva Mattes), una prostituta a la que ofrece su casa, pues se ha quedado sin tener a dónde ir. Después de ser golpeados por el chulo de ella, deciden unirse a Scheitz (Clemens Scheitz), un excéntrico vecino de Bruno, que ha decidido emigrar a Wisconsin, en los Estados Unidos.

Una mirada hasta cierto punto fascinante y singular al sueño americano que sigue a tres inadaptados sociales alemanes en su viaje a Wisconsin en busca de una vida mejor. Los momentos de extraña comicidad se entrelazan a la perfección con escenas profundamente tristes y conmovedoras.

 

Con un lenguaje que se mueve entre la ficción y el documental, estamos ante una historia que tiene algo de lírico, melancólico y agridulce, en la que Werner Herzog nos muestra, mediante metáforas, su particular visión del sueño americano, pura hipocresía que sabe presentar en público su fachada de opulencia justicia y libertad, ocultando lo que se esconde detrás. Claro que lo visión que ofrece de Berlín y, por extensión, del resto del país, tampoco resulta nada amable.

FITZCARRALDO

 

Brian Fitzgerald "Fitzcarraldo" (Klaus Kinski), un excéntrico y megalómano hombre de negocios obsesionado con la ópera, ha ido perdiendo su prestigio y su fortuna en absurdas empresas sin futuro. Su último proyecto consiste en construir un teatro de ópera en un poblado peruano a orillas del Amazonas; para conseguir el capital necesario para financiar tan magna empresa se dedica al comercio del caucho. Su extravagante plan exige sacar del río un gran barco fluvial y transportarlo hasta la cima de un monte.

El protagonista del film está inspirado en una persona real que abordó una aventura parecida a la que se narra. Una película cuyo rodaje estuvo cargado de problemas e inconvenientes, desde la actitud ególatra de Kinski, hasta los conflictos con los indígenas que actuaban como extras o las muertes y diversos accidentes graves que se produjeron durante el mismo y es que, entre otras cosas, su realizador y guionista, Werner Herzog, se negó a recurrir a los efectos especiales, no quería que el espectador notara la diferencia entre un barco de plástico y uno de 360 toneladas arrastrado por una superficie fangosa en plena selva a 40º.

Todo para recrear esta especie de homenaje a la locura o mejor a los sueños imposibles, de impactante visionado en que estamos viendo en realidad a los indígenas arrastrando el barco mediante un sistema de poleas, mientras Fitzcarraldo canta a la selva con sus viejas grabaciones de Caruso.

DUELO EN LA ALTA SIERRA

 

Steve Judd (Joel McCrea), un anciano exalguacil, ha sido contratado para escoltar un cargamento de oro desde el pueblo minero de Coarse Gold hasta un banco en Hornitos. En el pueblo, se encuentra a Gil Westrum (Randolph Scott), un antiguo agente de la ley al que contrata, junto a su joven socio Heck Longtree (Ron Starr), para que le ayuden. Lo que Steve ignora es que Gil y Heck planean robar el oro, con o sin su ayuda. En el camino se verán envueltos en la historia de una joven que huye tratando de escapar, primero de su padre y, más adelante, de su prometido y sus peligrosos y trastornados hermanos.

Con esta película, Sam Peckinpah, comienza a desarrollar un tema que resultaría recurrente en algunos de sus films, el de los hombres que han sobrevivido a su época y les resulta complicado adaptarse a los tiempos cambiantes. Steve Judd sería considerado un hombre mayor en aquella época y, sin duda, ha conocido tiempos mejores. La escena inicial lo retrata en este sentido, llega a un pueblo en fiestas, con gente apostada a ambos lados de su calle principal, creyendo erróneamente que los vítores de la multitud son para él, hasta que un automóvil casi lo atropella, recordándole bruscamente los cambios de los tiempos. En otra escena le vemos leyendo su contrato en el baño para que el banquero no vea que necesita gafas y no le de el trabajo.

Sus dos protagonistas, en cierto modo son como los dos lados del espejo, imágenes reflejadas el uno del otro, se sienten atormentados por no estar a la altura de los estándares que se han impuesto. Sin embargo, lo que los distingue de los canallas con los que invariablemente se topan es un código de honor personal que ambos intentan mantener.

La primera metáfora de Peckinpah es precisamente la elección de los dos protagonistas, figuras otrora de tantas películas, algunas de ellas westerns de serie B, ahora ya en el final de su carrera, reflejo de ese mundo que agoniza y que el realizador muestra alejado de la épica. Un film con cierto tono humorístico al retratar a los dos viejos (a uno de ellos le duele la espalda al cabalgar tanto rato) que representan todo lo que los nuevos tiempos se han llevado por delante.

RITOS FUNERARIOS

 

Basada en hechos históricos, el libro de la australiana Hannah Kent, es un relato ficticio que narra la historia de Agnes Magnúsdóttir, la última persona ejecutada en Islandia en 1830. Condenada a muerte por su participación en el asesinato de dos hombres, y sin prisiones en Islandia en aquel entonces, Agnes es enviada a esperar el tiempo previo a su ejecución en la granja del humilde alguacil de distrito, donde también viven su esposa, sus dos hijas y sus criados. Sabemos cómo terminará y la historia se centra en el viaje psicológico, emocional y espiritual que nos llevará a descubrir más sobre el pasado de Agnes. La narración se presenta en pasajes alternos, pasando de la tercera persona, que ofrece una visión más amplia, a la propia voz de Agnes, que revela el tormento, el miedo, la superstición, el deseo, la añoranza, los celos y la traición que la atormentaron. La vida de Agnes va aflorando a través de las conversaciones con el joven sacerdote que trata de confortarla en sus últimos días y también en las que mantiene con Margrét, la esposa del alguacil, cuando ésta ha conseguido superar las barreras que la separan de la convicta. 

Agnes es un personaje fascinante, estoica y silenciosa, como si estuviera resignada a la opinión que la gente tiene sobre ella y no estuviera dispuesta a esforzarse por cambiar sus pareceres, pero mediante una suave persuasión el joven sacerdote logra que le cuente su historia, y lo que sigue es un lento y atmosférico despliegue del pasado, revelando su verdad poco a poco. La dinámica entre Agnes y la madre de la casa también está bellamente desarrollada; una mujer pragmática, inicialmente furiosa por tener a una asesina entre ellas, pero a medida que la historia avanza y la va conociendo, empieza a verse a sí misma y a apreciar a la mujer que tiene delante, en lugar de la reputación que la precede, lo que permite a Kent explorar el dilema ético de si una buena persona es capaz de hacer algo malo. 

La autora contrasta magistralmente los vastos paisajes, inclementes, duros e impresionantes, con las viviendas claustrofóbicas y sofocantes; capturando la crudeza, la suciedad y las temperaturas gélidas de la Islandia rural a principios del siglo XIX, así como la contradictoria sensación de soledad y asfixia que se experimentaba.

PAT GARRETT Y BILLY EL NIÑO

 

William Bonney (Kris Kristofferson) era conocido por todos como "Billy el Niño". Estando encarcelado en Lincoln, esperando el juicio que le va a condenar a morir en la horca, llega a sus manos un colt con el que asesina a los guardianes y consigue huir. El sheriff Pat Garrett (James Coburn), que en otros tiempos cabalgó junto a él, será el encargado de darle caza, tarea que le encomiendan los ganaderos que desean verse libres de la banda de pistoleros en pro de su particular visión del progreso.

La película marcó el final de una serie de films que revitalizaron un género que muchos daban por agotado. Sam Peckinpah retrata un Oeste teñido de sangre y polvo, que fusiona su estilo transgresor con un fatalismo que presagia el final de una época. 

La antigua amistad entre Billy y Pat se transforma en rivalidad, y los ideales míticos de libertad se enfrentan a un nuevo orden dictado por una emergente clase dominante. Todo ello acompañado por la banda sonora compuesta por Bob Dylan.

El tema central del film es el fin de ese peculiar territorio de frontera y lo que ello conlleva. Pero esta vez, la visión de Peckinpah lo lleva más allá de las convenciones del género, más allá de la historia y la leyenda, hasta la esencia misma del mito con un lenguaje impregnado de un lirismo triste, duro y fatalista.