MANDY

Mandy Garland (Mandy Miller) nació sorda y como consecuencia ha sido muda toda su vida.

Cuando son conscientes de sus limitaciones, sus padres, Harry (Terence Morgan) y Christine (Phyllis Calvert), tienen sentimientos encontrados sobre como será la vida futura de la niña, ellos creen que si tuviera un profesor de educación especial podría llegar a aprender a hablar, pero el caso es que la niña va creciendo desorientada y va teniendo cada vez más la apariencia de ser una niña tonta porque no puede aprender.

Hasta que aparece en su vida el siempre entusiasta profesor Searle (Jack Hawkins) que tiene una escuela para sordos con método de lectura de labios y la utilización de objetos mediante los cuales enseña a utilizar el habla.

Sin embargo, el proceso no estará libre de trabas, pues para ingresar en la escuela, Mandy ha de abandonar el hogar familiar que se ha convertido en una especie de prisión para ella, sometida al agobiante amor de sus padres, a una abuela sobreprotectora y a un abuelo emocionalmente distante.

La mejor opción para el futuro de la niña es trasladarse desde su casa en Londres, hasta Manchester, donde está la escuela y así lo entiende Christine, que tiene que luchar contra la opinión de Harry y sus padres, algo que aumentará la tensión en el matrimonio, hasta el punto de que la madre de Mandy se ve acusada de adulterio por la sospecha de una posible relación con Dick Searle.

A pesar de todo, el trabajo en la escuela con Mandy sigue adelante.

El guión se basa en la novela The Day is Ours, de la británica Hilda Winifred Lewis, cuyo esposo, el profesor M. Michael Lewis, trabajó como especialista en educación de sordos en la Universidad de Nottingham.

Si en algún momento la película cae en algo parecido a la sensiblería se debe a que, por el tema tratado, es casi imposible que en ciertos instantes las imágenes y las situaciones dejen de tocar la fibra sensible del espectador. Sin embargo, uno de los grandes aciertos del film es que trata de alejarse de la tentación de transitar ese terreno.

De hecho, la sordera de Mandy se transforma casi en un pretexto para abordar otros asuntos que, de hecho, ocupan la mayor parte del guión, cuales son las difíciles circunstancias emocionales que atraviesan los padres de la niña y, por otra parte, la absolutamente encomiable labor de los profesionales que se consagran en cuerpo y alma a la educación de los niños en general y de los discapacitados en particular. Ello sin que falten los dardos contra las administraciones públicas y su cortedad de miras cuando se trata de asuntos educativos y sociales o contra la mediocridad y la ambición de algunas de las personas que deben tomar decisiones relativas a estos asuntos.

Bien interpretada, llama la atención el buen desempeño de su papel de la pequeña Mandy Miller que ya había tenido una pequeña intervención en otra película de Alexander Mackendrick, El hombre del traje blanco y que viene a demostrar la buena mano que tenía este hombre en la dirección de actores y particularmente cuando se trataba de niños. Miller no era sordomuda, de hecho, Mackendrick dijo que no había seleccionado para el papel a ninguna candidata sorda, porque estas niñas, en su afán de superación y de demostrar su normalidad, en muchas ocasiones decían haber entendido lo que se les pedía, cuando en realidad se habían perdido parte de las explicaciones que se les daban.

Una película entrañable que hace sentir al espectador las dificultades que, a veces, atraviesan las familias de estos niños y que nos acerca a un personaje, Mandy, por el que inmediatamente sentimos dolor, amor, comprensión y simpatía y a una madre admirable y luchadora que junto al profesor Searle, no dudan en afrontar las maledicencias de su entorno familiar y profesional en beneficio de un ser por el que están dispuestos a sacrificarlo todo.

EL HOMBRE DEL TRAJE BLANCO

El ingenioso inventor Sidney Stratton (Alec Guinness), un graduado de Cambridge, es despedido de todas las fábricas en que trabaja, por considerar sus dueños que gasta demasiado presupuesto en investigación.

Su suerte cambia cuando empieza a trabajar como mozo de almacén en la fábrica textil de Alan Birnley (Cecil Parker). A causa de un malentendido, se introduce en su laboratorio y le permiten trabajar allí debido a sus vastos conocimientos, además cuenta con la simpatía de la hija del empresario, Daphne (Joan Greenwood), una joven que confía en Sidney y en sus experimentos mucho antes de que su padre lo termine haciendo por mero interés económico.

Tras arduos esfuerzos, Sidney consigue crear un tejido revolucionario, casi milagroso, que nunca se ensuciará ni desgastará. Es evidente que con el invento puede lograr una fortuna vendiendo ropa hecha de este material, pero también puede causar un tremenda crisis que llevará a la ruina del sector a corto plazo, después de todo, una vez que alguien compre uno de sus trajes, nunca tendrá que arreglarlos o comprar otro, y la industria textil sufrirá un colapso de la noche a la mañana.

No solo los empresarios se pondrán enfrente de Stratton, los trabajadores también se oponen a la fabricación del nuevo producto, ya que temen, con razón, perder sus puestos de trabajo.

En un primer momento, los magnates del sector, intentan sobornar a Sidney para que oculte su descubrimiento, sin embargo, él está decidido a poner su invento en el mercado, obligando a los peces gordos de las fábricas de ropa a recurrir a medidas más desesperadas.

El guión se basa en una obra de teatro no estrenada de Roger MacDougall, primo de Alexander Mackendrick, realizador del film.

El mismo Mackendrick señala que conservó muy poco del original, apenas la historia de un tejido que, por un lado, resulta de gran ayuda para los consumidores pero que, por otro, se convierte en una gran amenaza para ciertos sectores de la industria textil, pues la idea original que tenía era hacer una película sobre un tema que le inquietaba bastante: la responsabilidad política y social de los científicos que desarrollaron la fisión nuclear sin considerar los usos que se podrían dar a su invento. Pero ante la inquietud de los productores de Ealing Studios, que pensaban que el tema era demasiado inquietante para ser aceptado como un entretenimiento popular y taquillero, optó por hacer el guión de esta historia, en el que colaboró con el propio MacDougall y con John Dighton.

Bajo la apariencia de una divertida comedia, la película nos ofrece una despiadada crítica sobre algunos aspectos del capitalismo, empeñado en conseguir dividendos a cualquier precio, pero también de cierta clase trabajadora que se vuelve egoísta y prefiere mantener su puesto de trabajo contra viento y marea antes que pensar en el beneficio de la comunidad.

También de las imprevisibles consecuencias de ciertos avances, en este sentido, por ejemplo, es aleccionadora la frase de la patrona de Stratton, que previamente le ha permitido retrasar el pago del alquiler y cuando se lo cruza en la calle, le amonesta, pues por culpa de su invento, ya no habrá ropa que lavar y ella no podrá ganarse la vida.

Todas estas cosas siguen vigentes en la actualidad, pienso que posiblemente más que nunca, todos hemos oído hablar de la obsolescencia programada o de que determinadas líneas de investigación son vetadas o se mantienen en segundo plano por miedo a que se les acabe el negocio a quienes sacan jugosos beneficios de la venta de ciertos productos que desaparecería o pasaría a otras manos si desapareciera su comercialización.

En cuanto a la segunda parte, la responsabilidad que tienen (tenemos) otros sectores sociales que pasan por inocentes, solo hay que ver el revuelo que se produce entre los afectados cada vez que se habla de suprimir la fabricación de armas, por ejemplo. Recuerdo cuando hace poco se pusieron en pie de guerra los trabajadores de una autopista que iba a dejar de cobrar peaje. Les importaba un bledo que a cientos de profesionales y particulares que la utilizaban todos los días, les fuera a ir un poco mejor económicamente gracias a la medida, sólo pensaban en ellos. Pero estoy seguro de que tampoco las autoridades, cuando se vanagloriaron del hecho de suprimir el peaje, habían pensado en los daños colaterales.

Y es que cada cual tenemos nuestra parte, aunque siempre echemos la culpa al gran capital, no dejamos de ser una parte del engranaje y cuando nos afecta, cambiamos nuestro discurso para dar pena.

Acompañada por unas buenas actuaciones, con el singular Alec Guinness a la cabeza, la película cuenta también con la magnífica fotografía de Douglas Slocombe que nos deja algunas secuencias para el recuerdo, como las magníficas escenas de la persecución final en plena noche con el traje blanco deslumbrante en la oscuridad.

Mucho más aleccionadora en aspectos sociales y económicos de nuestro tiempo de lo que pudiera parecer a primera vista, sus reflexiones sobre estos asuntos los narra de manera muy inteligente y divertida.

Recomendable, además de por otros muchos motivos, porque, como digo, su mensaje no ha perdido un ápice de vigencia.

LA LEYENDA DE NICHOLAS NICKLEBY

El joven Nicholas (Charlie Hunnam) y su familia disfrutan de una confortable vida que se ve totalmente alterada con el fallecimiento de su padre, el Sr. Nickleby (Andrew Havill), que les deja sumidos en la miseria.

Nicholas, su hermana Kate (Romola Garai) y su madre (Stella Gonet), se ven obligados a trasladarse a Londres donde esperan contar con la ayuda de su tío Ralph (Christopher Plummer), pero las únicas intenciones de este, son separar a la familia y explotarlos.

A su sobrino Nicholas, del que piensa que no logrará nada en la vida, le envía a trabajar como tutor en una escuela en el norte de Inglaterra, dirigida por el cruel Mr. Wackford Squeers (Jim Broadbent) y su sádica esposa (Juliet Stevenson).

A la bella hermana de Nicholas, pretende utilizarla para engatusar y manipular las decisiones de sus inversores y no duda en emplearla como si fuera mercancía para sus transacciones.

Nicholas acabará huyendo de la escuela junto a su compañero Smike (Jamie Bell), un huérfano con una minusvalía física, que no tiene recuerdos de su vida anterior antes de que lo llevaran a Dotheboys Hall.

En su viaje de regreso a Londres, se cruzarán en su camino con Vincent Crummles (Nathan Lane) y su compañía de teatro, con quienes llegan a representar el Romeo y Julieta de Shakespeare.

Además trabarán amistad con el entrañable secretario de Ralph, Newman Noggs (Sir Tom Courtenay).

Entre todos tratarán de reunir de nuevo a la familia Nickleby a pesar de los manejos del tío.

El guión se basa en la novela de Charles Dickens "The Life and Adventures of Nicholas Nickleby". Aunque Dickens sitúa la acción en la década de 1830, la película se traslada veinte años después para incorporar elementos de la revolución industrial en su plan de diseño.

La película cuenta con un prestigioso elenco, con nombres tan conocidos como Anne Hathaway, Jamie Bell, Alan Cumming, Christopher Plummer o Romola Garai entre los actores, la oscarizada Rachel Portman autora de una magnífica banda sonora o la diseñadora de vestuario Ruth Myers.

Historia muy dickensiana, con su colegio de niños tratados cruelmente, su huérfano, su tío rico, avaro y malvado y unas cuantas más de esas constantes de los relatos de Dickens que, como en otras ocasiones, acaba bien, los malos reciben su castigo y los buenos alcanzan su recompensa. Quizá la principal variación es que el protagonista no parece tontorrón de lo bueno que es como en otros relatos del mismo autor. Nicholas sabe defenderse y en alguna ocasión lo demuestra.

Bien ambientada y con alguna actuación de mayor mérito que otras, asistimos a una película con mensaje moralizante y que resulta entretenida de ver en línea con la literatura típica de Dickens.

WHISKY A GO-GO

Al noroeste de Escocia, en pleno Atlántico, el encantador archipiélago de la Hébridas, con sus incontables islotes rocosos, emerge del Océano. Al oeste no hay nada más, salvo América.

Sus habitantes viven frugalmente de los productos del mar, unas pocas hierbas y yacimientos de turba. ¡Pueblo dichoso con placeres simples! La pequeña isla de Todday se encuentra aislada a cien millas de tierra firme, sin cine ni sala de baile. Pero sus habitantes saben distraerse.

Pero en 1943, un desastre se abatió sobre la isla. No fue el hambre, ni la peste, ni las bombas, ni la invasión. Sino un cataclismo mucho, mucho peor: Se habían agotado las existencias de whisky. "Agua de la vida", en gaélico, sin ella, la vida no merecía la pena ser vivida. Todo el mundo lloró, ya que se habían pasado del agua de la vida a la agonía.

Por una extraña coincidencia, el S.S. Cabinet Minister encalló a la altura de la isla de Todday, dos años después de que el S.S. Politician, que llevaba el mismo cargamento, encallara a la altura de la isla de Eriskay. Pero ahí acaba la coincidencia.

En esta ocasión, los isleños tras haber pasado un largo periodo sin haber podido catar una sola gota del preciado licor, comienzan a idear toda clase de estratagemas para hacerse con todo lo que puedan del ansiado cargamento burlando a las autoridades, cuya idea de lo que debe hacerse con la carga del barco, difiere bastante de lo que piensan los lugareños.

Desafortunadamente para ellos, un capitán de la guardia territorial, para más inri inglés, se interpone entre ellos y las botellas.

Se basa en la novela Whisky Galore, de Compton Mackenzie que también participó en la elaboración del guión. El libro, a su vez, se inspira en un hecho real, el naufragio del S.S. Politician, junto a la isla de Eriskay, en las Hébridas Occidentales, ocurrido el 5 de febrero de 1941, dos días después de haber salido de Liverpool rumbo a Jamaica, con 250.000 botellas de whisky en sus bodegas.

Lo que no cuenta la película y creo que tampoco la novela, es que el barco llevaba también una cantidad considerable de dinero en efectivo, el equivalente a varios millones de libras actuales, del que no se recuperó la totalidad.

Al parecer, aún hoy o, al menos, hasta hace poco, aparecían a lo largo del año algunas botellas procedentes del naufragio en la arena de las playas cercanas. En 1987, un tal Donald MacPhee, encontró ocho de estas botellas cuando exploró el área del naufragio y las vendió en una subasta en Christie's por un total de 4.000 libras esterlinas.

Además del tema central, el del whisky y lo que su carencia supone para la gente de este pequeño pueblo, la película aborda de manera tangencial otros asuntos como las relaciones familiares (la madre dominante que controla al apocado hijo o el padre que muestra se descontento con sus jóvenes hijas por lo que él considera un uso desmedido del carmín de labios o por el hecho de que fumen); el enfrentamiento con las autoridades, a quienes solo preocupa que se recauden las tasas correspondientes por el alcohol; o las tradiciones populares.

Todo ello en tono de comedia con un humor sencillo, de ese que se ha perdido y que recuperamos con estas viejas películas que no provoca carcajadas, pero que te mantiene con la sonrisa en el rostro durante todo el film.

Personajes sencillos y cercanos que transitan por la frontera del histrionismo sin llegar a caer en él.

Una película divertida con un mensaje moralizante al final que quizá sobraba, tal vez una concesión al mercado norteamericano, aún con el recuerdo relativamente reciente de la llamada Ley Seca y que también obligó a cambiar el título original porque en él no se podía mencionar expresamente una bebida alcohólica.

Fue la primera película que dirigió Alexander MacKendrick, que luego llevaría a la pantalla títulos tan notorios como El hombre del traje blanco, El quinteto de la muerte, Mandy o La bella Maggie, entre otros y también fue el primer gran éxito de Ealing Studios en las salas norteamericanas.

EL GUARDIÁN ENTRE EL CENTENO

Desde su publicación como novela en 1951 (antes había visto la luz cuando apareció parcialmente forma de serial entre 1945 y 1946), el libro de D.J. Salinger siempre ha tenido un hueco en las listas de los más vendidos, transitando por una senda que va desde ser el libro más recomendado en escuelas de secundaria, hasta estar prohibida su lectura por niños y adolescentes en algunos lugares incluso hoy en día, por considerarlo una mala influencia y una apología del tabaquismo, el alcoholismo, el sexo y la rebeldía mal entendida.

Por otro lado, junto a los muchos críticos y lectores en general que alaban la novela, no pocos se sitúan, si no enfrente, al menos a un lado, sin acabar de entender por qué el libro levanta tanto revuelo y viéndose, en ocasiones, defraudados tras leerlo, en parte por las expectativas que su fama despierta.

A esto debe añadirse un halo de misterio y morbo en torno a esta obra, una desgraciada propaganda gratuita que se desprende de algunos acontecimientos trágicos: En la tarde del 8 de diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado por Mark David Chapman que mientras esperaba su arresto, se puso a leer una edición de bolsillo de este libro. El 31 de marzo de siguiente año, John Warnock Hinckley Jr., intentó asesinar al presidente Ronald Reagan en Washington. Hinckley declaró que estaba obsesionado con la novela de Salinger y su personaje protagonista.

El libro narra apenas tres días en la vida de Holden Caulfield, un joven de dieciséis años que asiste a clase en Pencey Preparatory Academy, un internado exclusivo en Agerstown, Pennsylvania del que ha sido expulsado por su bajo rendimiento académico. Holden no podrá volver al colegio tras las vacaciones de Navidad para las que faltan unos pocos días, pero él decide irse a Nueva York, donde vive con sus padres y su hermana Phoebe, de 10 años, sin esperar más.

El propio Holden es el narrador de la historia en la que nos cuenta sus problemas y diferencias con profesores y alumnos de este colegio y otros de los que ha sido expulsado anteriormente.

Una vez en Nueva York, tenemos algunas interesantes descripciones de la vida diaria en lugares emblemáticos de la ciudad (Central Park, 5ª Avenida, etc.) y Holden sigue relatándonos, bajo su particular prisma, distintas circunstancias de esos días y de algunos momentos pasados; el recuerdo de su hermano pequeño fallecido; el de su hermano mayor, DB, que vive en Hollywood, donde es guionista; su desafortunado encuentro con una prostituta en una pensión donde pasa la noche; su salida nocturna por la ciudad en la que tiene variopintos encuentros y sus particulares reflexiones sobre personas, hechos y circunstancias que le rodean.

El libro es una especie de retrato de adolescente rebelde y un tanto desubicado que, en algunos momentos se nos hace un tanto repelente por sus actitudes y en otros no deja de despertar cierta ternura por su ingenua visión de la vida.

AL MORIR LA NOCHE

Un arquitecto que ha sido llamado para proyectar la ampliación de una casa de campo inglesa, queda un tanto perplejo porque la casa le recuerda a una que aparece en sus sueños, pero esto no es más que el inicio, pues al entrar, encuentra a un grupo de personas a las que ya conoce del mismo sueño, a pesar de no haberlas visto en su vida, entre ellos está un psiquiatra, el Dr. van Straaten (Frederick Valk) que trata de dar una explicación razonable, no solo al sueño del arquitecto, sino a cada una de las historias que relatan otros de los reunidos.

En una de ellas, un piloto de carreras, tiene un accidente y va al hospital. Mientras se recupera, sueña que ve a un conductor de coche fúnebre en un carruaje tirado por caballos que lo llama.

En el segundo relato, Sally O'Hara (Sally Ann Howes) asiste a una fiesta infantil, en la que conoce a un niño pequeño que no ha sido invitado, por haber muerto hace cien años.

En la tercera historia, según cuenta Joan Cortland (Googie Withers) al grupo, poco antes de su boda, ella compra un espejo en una tienda de antigüedades. Poco después de colgar el espejo, Peter (Ralph Michael), su futuro marido, con el que se acaba de prometer, ve cosas reflejadas en el, que no están en la habitación. Joan investiga un poco y descubre que el dueño original del espejo no era un buen tipo y que, al parecer, mató a su esposa.

En otra de las narraciones, dos amigos conocen a una mujer en su club de golf, el St. Andrews. Ambos se enamoran de ella y deciden jugarse su amor a 18 hoyos.

En el quinto relato, un ventrílocuo de cierto éxito que actúa en clubs elegantes, empieza a observar entre el miedo y la sorpresa, que su muñeco parece que está tomando sus propias decisiones.

La película está conformada por cinco relatos basados en obras de E. F. Benson, H.G. Wells, Angus MacPhail y John V. Baines, dirigidas por cuatro de los mejores realizadores que trabajaron para Ealing Studios, el brasileño Alberto Cavalcanti, y los británicos Charles Crichton, Basil Dearden y Robert Hamer.

En realidad son seis relatos, ya que uno de ellos es el que transcurre en tiempo presente y sirve de nexo a los demás. Todos ellos muy bien construídos que tocan temas relacionados con lo sobrenatural, lo psicológico o lo paranormal y que a mí, por su estructura y por lo interesantes que resultan, me ha recordado alguna serie mítica de televisión como aquella de "Alfred Hitchcock presenta...".

El relato del medio, el de los dos amigos jugadores de golf, tiene mucho de humorístico todo él, mientras los otros, si acaso, destilan alguna nota de humor negro, pero no es su característica fundamental.

El primero de ellos, en el que el corredor automovilista se salva de una muerte segura gracias a una críptica advertencia premonitoria, es el más corto, pero precisamente por esa brevedad en el metraje y lo perturbador, resulta muy atractivo, aunque el más recordado es el de la marioneta.

Quien espere una película de terror puro y duro, no encontrará lo que busca en esta, donde todo es más sutil, no hay sobresaltos, ni se recurre a truculencias de apariciones sorpresivas o de personajes terroríficos, sin embargo, pienso que los aficionados al género la encontrarán muy gratificante, por la inteligencia con que están construídos y narrados los relatos.

La historia se cierra completando una especie de círculo que el espectador se pregunta si se repetirá indefinidamente. Vuelven a aparecer personajes que han estado presentes en cada una de las historias y queda una sensación perturbadora y de incógnita en un final muy conseguido.

Como anécdota, contar que los exhibidores norteamericanos consideraron el film demasiado largo y cortaron las historias de la fiesta infantil y la del campo de golf, una de esas "gracias" que se le hacen a veces al espectador y que lo único que consiguió fue que el público no entendiese qué pintaban en ese final algunos personajes que no había visto antes por mor de los cortes.

Estupenda película, bien hecha, bien interpretada y muy entretenida.

PAINTED BOATS

Los Smith y los Stoner viven a bordo de sus botes en los que transportan mercancías a lo largo de la extensa e intrincada red de canales que recorren el territorio de Inglaterra. Algunas veces su viaje llega hasta el mar donde coinciden con los marinos mercantes, junto a los que forman ese tejido que ha contribuído al desarrollo de la industria y el comercio británico.

La barcaza de los Smith navega a la manera tradicional, arrastrada por un caballo que recorre los caminos de sirga, excepto cuando llegan a alguno de los largos túneles que pueblan los canales, en los que el camino desparece, mientras ellos deben ayudar a mover el bote a pura fuerza de sus piernas.

Los Stoner tienen motor en su gabarra y esto provoca algunas diferencias entre ellos, ya que el Sr. Smith (Bill Blewitt) está en contra de los botes motorizados, porque afirma que remueven el lodo y destrozan las orillas del canal, pero en general, las relaciones entre las familias que se mueven en este medio, son armoniosas y solidarias.

Dos jóvenes de estas familias, Mary Smith (Jenny Laird) y Ted Stoner (Robert Griffiths), mantienen una relación de noviazgo y están planeando casarse, a pesar de algunas diferencias entre ambos, pues Mary ama el suave y lento discurrir de la vida dentro del canal, mientras Ted ansía cambiar de vida y ha barajado incluso la posibilidad de alistarse en el ejército.

Cuando el padre de Mary muere, su madre y ella se hacen cargo de la barcaza y aunque la compañía a la que pertenece muestra sus reticencias sobre el hecho de que dos mujeres solas sean capaces de hacerse cargo del transporte, acaban confiándoles un cargamento.

A pesar de todo, el futuro de la vida en los canales, se torna incierto.

Producción de Ealing Studios que se mueve entre el film clásico y el documental mostrándonos la vida, ya desaparecida de esta gente que vivía a bordo de sus barcas y allí transcurría toda su existencia, no tenían otra casa y en ella se desarrollaba toda su vida diaria, allí criaban a sus hijos, trabajaban, comían, dormían y pasaban sus ratos de asueto.

También sirve de reflexión sobre el uso sostenible de los recursos naturales y el peligro que para el entorno pueden suponer los avances tecnológicos por su efecto contaminante, planteamiento que cobra mayor valor si tenemos en cuenta que estamos ante un film de hace casi ochenta años.

Es curioso observar como con una historia tan sencilla se puede hacer una película llena de encanto y que, al tiempo, es todo un testimonio de una época perdida a la vez que un homenaje a todos aquellos hombres que a lo largo del siglo XVIII, lograron domeñar la naturaleza trazando estos caminos fluviales, auténticas obras de arte de la ingeniería que tanto contribuyeron a la expansión económica antes de la llegada del ferrocarril y a aquellas otras personas que pasaron su vida, no exenta de fatigas a bordo de estos curiosos botes que ellos mismos decoraban pintando coloridos motivos florales y paisajísticos, costumbre de la que toma su nombre la película.

Es muy llamativa la escena en que atraviesan el túnel de más de dos kilómetros en la que, una vez más, Douglas Slocombe demuestra su maestría con una soberbia fotografía en medio de la oscuridad del espacio.

Película entretenida de ver y una auténtica maravilla dentro de este género que se mueve en el ambiente del documental.