SIEMPRE LLUEVE EN DOMINGO

Una mujer casada esconde a su ex amante, que acaba de escapar de la cárcel, en su casa de Londres. Está tan descontenta con su aburrido matrimonio que empieza a sentir que renace su antiguo amor por él.

A su antiguo novio, lo conoció cuando trabajaba de camarera en un pub y justo cuando iban a casarse recibe la noticia de que su flamante novio ha sido detenido y ha de cumplir una larga pena de cárcel.

La presencia del “extraño” en la casa obliga a la protagonista a disimular no solo la tensión que le genera dicha presencia, sino, también, lo que esa presencia ha removido en su interior, porque el suyo ha sido un matrimonio en el que únicamente buscaba no quedarse soltera para siempre. Su actual marido tiene un hijo y dos hijas con las que la esposa siempre anda en disputas. Una de ellas busca una salida en su vida y mantiene una relación adúltera con un don juan de poca monta, un músico de barrio que tiene una tienda de discos y a quien su mujer, con quien acaba de tener un hijo, está dispuesta a abandonar si continúa con sus flirteos.

A lo largo del inacabable día, la presencia del antiguo novio, que se instala, además, en el dormitorio del matrimonio, donde descansa y se repone del sueño y del hambre de los días de huida, descubre a la mujer la diferencia entre la no extinguida pasión y lo insulso de su matrimonio.

El guión se basa en la novela del mismo título de Arthur La Bern, escritor y guionista británico que trabajó como reportero de sucesos y corresponsal de guerra para The Daily Mirror, Evening Standard y Daily Mail.

La película tiene mucho más de lo que a primera vista pudiera parecer.

Por un lado, como simple curiosidad para los amantes del cine y su intrahistoria, es un producto atípico de los estudios Ealing.

Y es que esta película, que bebe de muchas fuentes, es difícil de calificar, pero desde luego, no es una comedia, como la mayoría de las películas del mítico estudio londinense.

Con una trama y, sobre todo, algunas secuencias que recuerdan al realismo social, pues hace un buen retrato de la sociedad de clase trabajadora de un barrio cualquiera del East End londinense y de su entorno, con una magnífica ambientación del espacio doméstico, del mercadillo dominical o de los lugares de esparcimiento. Gracias a las subtramas que proporcionan los miembros de la familia tenemos un retrato bastante completo, por momentos incluso detallado, de este mundo.

Por otra parte, la película tiene también un claro componente de cine negro que toma cuerpo y protagonismo en la parte final del film, con las espléndidas imágenes de la persecución policial que se desarrolla en un ambiente nocturno, con calles amplias y desiertas, mojadas por la lluvia que nos ha acompañado a lo largo de toda la jornada y que concluye en una terminal de trenes, entre vagones de mercancías, vías que forman un auténtico laberinto, humo y silbidos de locomotoras, imágenes muy de cine policiaco en las que el director de fotografía, Douglas Slocombe, demuestra su maestría y nos deleita con tomas que son auténtica mezcla de arte y técnica.

Una película muy interesante, entretenida de ver, en que se nos muestran las miserias y esperanzas de una familia de clase media baja, sus disputas, sus desengaños y los sueños frustrados de una mujer que vuelven a reverdecer, hasta que se estrella contra la dura realidad y descubre que quizá no ha sabido valorar la vida que llevaba, representada por su pacífico y bonachón esposo, viudo de su primer matrimonio, un hombre anodino, aburrido, que, sin embargo, ha sido liberal con sus hijas (te he dado libertad, le dice a la mayor, y quizá me equivoqué) para que salgan por su cuenta y regresen a la hora que deseen a casa, para desengañarse con la mayor al ver que está cayendo en la trampa de un don juan de pacotilla. Deja a su esposa que dirija la casa, sin meterse en las disputas con sus hijas y cuando piensa que se extralimita, más que explicaciones, le pregunta qué le sucede y lo hace en privado para no quitarle autoridad. Cuando descubre que ha tenido en casa a su antiguo amante, se conforma con sus explicaciones evasivas que no van más allá de que ella le diga que le dio pena y que su romance venía de antes de conocerle. No le pide más detalles, ni le hace reproches, se limita a quedarse junto a la cabecera de su cama de hospital en que se recupera de la agresión de su amante cuando huía de la casa.

De las primera películas de Robert Hamer que hay que valorar además por el momento del rodaje (1947), por lo que tiene de pionera, pues asuntos como este apenas eran tratados en el cine británico.

Cuando acaba este domingo lluvioso y comienza la nueva semana, el cielo se despeja y el chubasco se retira. Una bella metáfora.

RESCATE AL AMANECER

En 1965 poca gente creía que el aún limitado conflicto en Vietnam se convertiría en una guerra a gran escala. Uno de los primero síntomas de lo que sucedería, fueron los bombardeos norteamericanos en misiones calificadas como secretas, a blancos en territorio de Laos. En una de esas misiones,  mientras bombardeaba la jungla, el avión A-1 Skyraider, del piloto de la Marina, Dieter Dengler (Christian Bale), un alemán nacionalizado estadounidense, cuyo avión despegó del portaaviones USS Ranger, estacionado en el Golfo de Tonkin, es alcanzado y se ve obligado a intentar un aterrizaje de emergencia en la jungla. Dieter sobrevive al impacto, pero es perseguido, capturado y torturado por el Pathet Lao (movimiento afín a sus vecinos vietnamitas del Vietcong), ya que se niega a denunciar a su propio gobierno, y enviado a un campo de prisioneros, donde se encuentra con otros cinco prisioneros (dos norteamericanos, y tres tailandeses), algunos de los cuales padecen trastornos mentales, debido a la tortura psicológica a que se han visto sometidos y al largo periodo de tiempo que llevan prisioneros. Junto a Duane W. Martin (Steve Zahn), comienza la planificación de una fuga ante la incredulidad de sus compañeros de cautiverio, plan al que se opone Gene DeBruin (Jeremy Davies). Además, cuando descubren que no hay más comida debido a los constantes bombardeos estadounidenses en el área, sospechan que sus guardianes intentan matarlos y es entonces cuando Dieter pone en marcha su plan, que consiste en desarmar a los guardias e internarse en la jungla coincidiendo con el comienzo de la temporada de lluvias.

Sin embargo, una indecisión inesperada divide al grupo y Dieter y Duane descubren que la jungla es su verdadera prisión, aún así tratarán de llegar al río Mekong para cruzar a Tailandia.

Se trata de la segunda aproximación del realizador alemán Werner Herzog a la figura de Dengler, al que ya retrató en su documental ‘Little Dieter Needs to Fly’ (1997).

Película que, inexplicablemente, no llegó a estrenarse en nuestro país, siendo distribuida directamente en DVD y con un retraso considerable a pesar de contar con un protagonista con tanto tirón como Christian Bale.

Pienso que las actuaciones, empezando por la del mencionado Bale, están bastante conseguidas y el film está muy bien ambientado y acompañado de una espléndida fotografía que sabe sacar buen partido de la exuberancia del paisaje selvático.

Herzog siempre ha tratado en su cine con personajes atormentados, recordemos, por ejemplo Aguirre, la cólera de dios, y aquí nos sumerge en un mundo de gente desquiciada, víctimas de un entorno natural tan bello como, en ocasiones, hostil y siempre agobiante y, además, en medio de una guerra cruel que se lleva por delante todo lo que encuentra sin distinguir entre niños, mujeres, civiles o combatientes. Personajes que bordean la locura, lo mismo los presos que sus custodios y cuya estancia en el campo de prisioneros ocupa gran parte del metraje de la película, con situaciones que pueden incluso resultar repetitivas, pero que no vienen sino a subrayar la idea que el realizador germano quiere transmitir.

Aunque no rehuye plasmar la dureza, incluso la injusticia de esta guerra, la trama no va ni sobre la guerra del Vietnam, ni sobre el accidente de avión, ni sobre el rescate, va de la voluntad de sobrevivir de un soldado y de no traicionar nunca sus principios pase lo que pase. Él tenía un sueño: volar, y su lealtad, cuando sus captores le presentan, para que lo firme, un documento en el que declara que los EE.UU. mantienen una guerra injusta, no son para el país que le ha adoptado, ni siquiera es una cuestión de patriotismo, lo que él argumenta para no firmar es que ellos le dieron las alas, es decir, le dejaron cumplir su sueño.

La última media hora se convierte en una frenética huida por la selva en busca de una salida casi imposible, pero el espectador se ve contagiado por la fuerza y la esperanza de Dieter en conseguir su objetivo y, sobre todo en su determinación de no rendirse.

El final, muy criticado, incluso algunos dicen que estropea la película, creo que ni siquiera molesta después de lo que hemos visto, aunque es una especie de traca yankee, el entretenimiento que nos ha proporcionado el film hace que algunos, al menos yo, apenas veamos eso que otros dicen de que Herzog se ha entregado a dar coba al público americano.

Una buena película de este subgénero de fugas dentro del cine bélico que a mí me ha resultado muy entretenida.

LOS ESTRAGOS DE SHARPE

Corre el año 1809 cuando encontramos al teniente Sharpe con su pequeño grupo de hombres en una situación bastante precaria en tierras del norte de Portugal.

Sharpe es enviado al rescate de Kate Savage, de 19 años, hija de un rico bodeguero inglés ya fallecido, que vive con su madre y que ha escapado a la casa de verano de la familia justo cuando las tropas del mariscal Soult se disponen a conquistar Oporto y toda la población huye del ejército francés.

Sharpe deberá por tanto, atravesar las líneas enemigas y dirigirse hacia la retaguardia francesa, pero tiene al sargento Patrick Harper y a sus fusileros y cuenta con la ayuda de un joven portugués un tanto idealista, el teniente Jorge Vicente, al frente de un pequeño destacamento del ejército portugués. Juntos, tienen que encontrar a la chica desaparecida y librarse de los enredos del coronel Christopher, un misterioso inglés que trabaja para el ministerio de exteriores y que tiene sus propias ideas sobre cómo los franceses pueden ser expulsados ​​de Portugal. Esas ideas son tan fantásticas como peligrosas, pero los franceses están desenfrenados, Lisboa está amenazada y Christopher ve a Sharpe y sus fusileros como los únicos obstáculos para sus sutiles planes.

Cuando el avance de Soult parece imparable, un nuevo comandante del ejército británico llega a Lisboa, Sir Arthur Wellesley, y justo cuando Sharpe y sus hombres parecen condenados, Sir Arthur organiza su propio contraataque, una operación que enviará al ejército francés a las montañas del norte. Sharpe se convierte en cazador en vez de cazado y ejercerá una terrible venganza contra los hombres que han estado a punto de acabar con su vida a base de traiciones. Los estragos de Sharpe es una historia clásica del famoso personaje inventado por Bernard Corwell, un recorrido por el norte de Portugal en compañía del Sargento Patrick Harper, el Capitán Hogan y sus queridos Greenjackets, los fusileros del 95º de rifles.

De nuevo el autor británico, con su habilidad para mezclar ficción y hechos históricos, nos deleita con su prosa y con su peculiar manera de contarnos la historia que nos obliga a ir pasando las páginas del libro sin darnos apenas tregua, llevándonos del desastre del hundimiento del puente de barcas en Oporto, que supuso la muerte de cientos de personas, la mayoría civiles, como atestigua la placa, en el muelle cercano a donde el magnífico puente de hierro de Eiffel cruza hoy el Duero, que rinde cuenta de los horrores del 29 de marzo, cuando los refugiados portugueses se agolparon en el mencionado puente de barcas, hasta la respuesta de Wellington, que reconquistó la capital del norte portugués, gracias a que un barbero local, cruzó el río en un esquife y avisó a los británicos de que los franceses habían olvidado hundir tres barcazas en el lado norte del río, en las que fueron cruzando las tropas inglesas, un hecho que Cornwell hace protagonizar a Sharpe y los suyos, cambiando un poco la historia, en la que también relata la conquista del seminario, en una brillante recreación de lo que debió ser aquella ardorosa batalla.

Sharpe y los suyos, avanzarán por delante de las tropas británicas, hasta llegar a los puentes de Ponte Nova y El Saltador, en pos de rescatar a la joven británica, mientras las tropas francesas tratan de huir hacia el norte.

En definitiva, otra aventura más de Sharpe, llena de tensión, acción y sus gotas de humor, que hará las delicias no solo de los aficionados a la novela histórica.

FELIZ NAVIDAD MR. LAWRENCE

En 1942, durante la II Guerra Mundial, el oficial británico Jack Celliers (David Bowie) llega a un campo de prisioneros de guerra en Java, hambriento y torturado, la estructura social del campo se verá afectada por su presencia y su actitud de rebeldía.

El oficial de enlace entre los prisioneros y los japoneses encargados de vigilar el campo es el coronel John Lawrence (Tom Conti), que vivió durante años en Japón y se encuentra atrapado entre los dos bandos, luchando por hacer que cada lado comprenda al otro, esforzándose en que los británicos traten de entender la manera de pensar de los japoneses, actitud que le trae la animadversión de muchos de los prisioneros y del oficial al mando, el capitán Hicksley (Jack Thompson), que le considera poco menos que un traidor. La situación se complica aún más por la atracción homoerótica que el capitán Yonoi (Ryuichi Sakamoto) siente hacia Celliers, lo que provoca un conflicto personal, que se ve reforzado por la visión que los guardias tienen de Celliers como el diablo.

Para encontrar la paz interior y restablecer el orden en el campamento, Celliers debe recibir un castigo ejemplar, ya que Yonoi pretende ocultar sus sentimientos bajo una capa de dureza, infligiendo castigos a los prisioneros occidentales a los que considera, a todos, unos cobardes por haber preferido rendirse antes que morir, una actitud que resulta incomprensible para él, firmemente imbuido de los sentimientos de disciplina honor y gloria que conforman el código samurai.

El guión se basa en la novela autobiográfica The Seed and The Sower (La Semilla y el Sembrador), del sudafricano Sir Lawrence Van Der Post, publicada en 1963 y que, a su vez reúne tres relatos.

En la adaptación se nos narran los dos primeros relatos, por cierto, muy bien conjugados, y el tercero, una historia de amor imposible entre Lawrence y una desconocida, se lo cuenta Lawrence a Cellier cuando son encerrados como castigo, acusados de haber introducido un aparato de radio camuflado como una cantimplora en los barracones de los presos.

Si Nagisa Ôshima parte de los relatos de un occidental, su película está narrada con la mirada de un oriental, tanto en su puesta en escena y en su ritmo, como en la forma de contar la historia, así como en el modo de verter su simbolismo a lo largo del film.

La película es el retrato del choque entre dos culturas diferentes que, aunque parezca una contradicción, tienen muchos puntos en común. Si aún hoy, las diferencias culturales entre oriente y occidente son evidentes, lo eran mucho más en 1983, año del estreno del film y, ni te cuento en los años cuarenta durante la II Gran Guerra.

Lawrence es un hombre atrapado entre esos dos mundos, admirador de la cultura japonesa, sus guardianes le respetan, pero solo ven en él a un prisionero y sus camaradas británicos, a un traidor que trata de acercarles a la comprensión de ese mundo tan distinto, el de sus enemigos que, en ocasiones, les tratan con brutalidad y desprecio.

Por si fuera poco, la llegada de Celliers, sus actos de rebeldía y el hecho de que el comandante del campo se vea cautivado por él, lo trastoca todo.

La película es también un canto a la amistad, pues, a pesar de todo, la convivencia entre los hombres, estrecha estos lazos y cuando la vida da un giro a veces se producen estas situaciones que todos hemos experimentado alguna vez con algún compañero de trabajo o algún amigo, que nos metía en problemas, o nos caía mal y cuando lo hemos encontrado en otro entorno, sobre todo con el paso de los años, aquello queda olvidado y solo recordamos lo que nos une y no lo que nos enfrenta.

Amistad, honor y rebeldía, pero también está el asunto de la homosexualidad que, si el cine de los últimos años ha tratado reiteradamente, en aquella época era un asunto aún poco o prácticamente nada habitual. Ya la escena de apertura tiene que ver con este asunto que cobra mayor relevancia cuando nos habla de la atracción que siente el capitán Yonoi por Cellier, que no es recíproca, aún cuando Cellier es consciente del sentimiento que despierta en el otro,  recibiendo un tratamiento sumamente delicado, incluso poético y simbólico, una más de las metáforas de las que está plagada la película que seguramente en algunos casos, no captamos los espectadores occidentales o, al menos, no interpretamos de la misma manera que los orientales.

La película está muy bien interpretada, con dos protagonistas, el coronel Lawrence, al que da vida, en una buena actuación que sabe captar perfectamente la esencia del personaje, Tom Conti y un magnifico Takeshi Kitano, dando vida al cuadriculado y borrachín sargento japonés en una notable interpretación, seguramente el personaje que más evoluciona a lo largo del film, de odioso a cercano. Lawrence y él representan esos lazos de camaradería de los que he hablado. Además, David Bowie y Ryuichi Sakamoto, que eran, en aquel momento, dos iconos de la canción, uno en occidente y otro en Japón, a los que también acercaba su aspecto andrógino y su peculiar belleza, resaltada en el caso de este último por un maquillaje que se hace evidente en el film, sobre todo en la sombra de ojos y el resalte de los pómulos.

Ryuichi Sakamoto es también, en un caso probablemente único en el cine, autor de la música, una partitura muy conseguida y con una melodía, Forbidden colours, que acompaña la magnífica escena inicial de la caminata del sargento Takeshi y el señor Lawrence, además de volver a sonar de forma recurrente a lo largo del film, para mí, una de las mejores melodías de la historia del cine.

Para el recuerdo la escena que supone el punto de inflexión del film, el beso de Cellier a Yonoi, sugerente, perturbadora y que encierra varias interpretaciones. Escena de esas que pasan a la historia del cine.

LEBANON

Junio de 1982, primer día de la conocida como Guerra del Líbano, el día en que Israel entra en territorio libanés. Un solitario tanque y un pelotón de infantería, son enviados a reconocer un pueblo hostil que ha sido bombardeado por la fuerza aérea israelí. Lo que parece una misión sencilla se va escapando poco a poco de las manos y acaba convirtiéndose en una trampa mortal, en una pesadilla sobrecogedora.

Shmulik (Yoav Donat), el artillero, Assi (Itay Tiran) el comandante, Hertzel (Oshri Cohen), cargador, y Yigal (Michael Moshonov), el conductor, son la tripulación del tanque, el vehículo que en la operación recibe el nombre clave de "Rinoceronte".

Cuatro chicos muy jóvenes manejando una máquina de matar. Nunca se habían visto envueltos en una situación violenta antes, ahora ya no se trata de disparar contra barriles o contra blancos artificiales como durante la instrucción, ahora se trata de matar personas. No son luchadores impacientes por la batalla, la conquista o el sacrificio personal. Están atrapados en las redes absurdas e injustas de la guerra y aterrorizados por sus propios miedos. Son chicos valientes que pierden su inocencia de la forma más brutal, y que son destruidos mentalmente. Un instinto primario les llevará hasta el límite mientras luchan por sobrevivir a una situación que no pueden controlar por más tiempo, intentando desesperadamente, a su vez, no perder su humanidad entre el caos de la guerra.

El realizador, Samuel Maoz, veterano de guerra de Israel, reconstruye su propia historia en el frente del Líbano, en 1982.

Prácticamente todo el film transcurre en el interior del tanque, aunque de forma constante, nos asomamos fuera a través del visor que nos permite ver a los soldados que avanzan junto al vehículo, a los combatientes enemigos y toda la destrucción y el horror que la guerra está causando entre los civiles.

Hay quien ve un mensaje antibelicista, que yo, como tal, no hallo en ninguna parte del film, al menos de forma explícita. Lo que ocurre es que Maoz nos cuenta la guerra, así, tal cual, sin adornos, sin heroísmos y, al hacerlo de forma realista, vemos lo que ocurre en realidad. La guerra es sucia, cruel y fea, pero además de peligrosa, resulta incómoda, eso de las acciones heroicas queda muy bien, pero no es lo normal.

Allí vemos a los soldaditos del tanque rodeados de mierda (perdón por la expresión), meando en una lata, pisando una densa capa de fuel y viendo como el aceite lubricante se desliza por las paredes interiores del vehículo que se llena de humo cada vez que arranca. Mientras, ellos, están literalmente acojonados, no atinan a obedecer las órdenes, se muestran pusilánimes a la hora de disparar contra blancos dudosos, temiendo matar inocentes... Y es que si la guerra siempre ha sido cruel, la guerra moderna lleva esa crueldad a la sofisticación y en ella combaten, muchas veces, personas que no están preparadas para soportar la crueldad del momento, porque su vida civil nada tenía de dura, al contrario de lo ocurría en tiempos pretéritos.

Se acusa a la película de recurrir de forma reiterada al sentimentalismo fácil, y no es del todo incierto, como tampoco lo es que, a pesar de contar la vida en un tanque, no transmite sensación de agobio, aunque tal vez tampoco lo pretendía.

El caso es que el film, técnicamente está muy bien hecho y que nos ofrece una imagen bastante real de lo que es una guerra en la actualidad, otra cosa es si se considera que el mensaje de fondo es más o menos maniqueo, eso queda a la interpretación de cada espectador.

Un buen film bélico, con una mirada distinta de la guerra.

PINK STRING AND SEALING WAX

Brighton, 1890. Un joven, hijo de un médico puritano, intenta escapar del represivo ambiente familiar y, sobre todo, de las restricciones que le impone su riguroso padre. Busca refugio en una taberna, donde se siente inmediatamente atraído por la sordidez de los bebedores y por los encantos de la tabernera.

La película tiene lugar en la Inglaterra victoriana y gira alrededor de los Sutton, una familia de clase media dominada por el patriarcal y pedante Edward Sutton (Mervyn Johns).

Somos testigos de la actitud áspera y conservadora de Edward hacia sus hijos, Peggy (Sally Ann Howes), Victoria (Jean Ireland) y David (Gordon Jackson). Edward acusa a David de escribir poemas y cartas románticas; obliga a Victoria a dar lecciones de canto a los hijos de sus clientes, en lugar de perseguir su sueño de convertirse en cantante profesional y priva a Peggy de dinero para alimentar a sus conejillos de indias que él emplea en sus experimentos científicos ante el horror de sus hijos.

Pearl Bond (Googie Withers), es la promiscua esposa del propietario de un pub de la que se enamora el único hijo de la familia Sutton, David  y Pearl decide aprovechar la información que sobre ciertos productos farmacéuticos y químicos le ha proporcionado el joven un día en que la lleva a la farmacia para curarle un corte en una mano. Aprovechando un descuido del muchacho roba unos polvos de uno de los frascos con los que pretende librarse de su marido envenenándole.

El guión se basa en una obra teatral en tres actos, escrita por Roland Pertwee.

Esta base teatral se nota en ciertas fases de la película, no solamente en las que transcurren en interiores, ya que algunas veces adopta algunas técnicas típicamente teatrales en la narración y en las transiciones.

Esto produce un efecto contradictorio en el espectador, por un lado, es probable que pudiera haber sido mejor adaptada al medio cinematográfico, pero, por otra parte, te hace sentir nostalgia por estas películas clásicas que empleaban este tipo de narración muy raramente utilizado en el cine moderno.

El título hace referencia a la forma de empaquetar algunos de los preparados y productos farmacéuticos en aquella época, envueltos en una especie de papel de estraza y atados con una cuerda similar a la que se utiliza actualmente en las pastelerías, cuyo nudo final se sellaba con lacre: Cuerda rosa y cera de sellar.

La película retrata las diferencias de clases, con los Sutton, una familia de clase media acomodada, por un lado y los Bond, un matrimonio de clase baja, por otro. Diferencia que se refleja no solo en el aspecto económico, sino, sobre todo, en su educación, los diferentes conceptos morales y, en general, sus respectivas actitudes ante la vida. También nos habla del conflicto entre generaciones, con los hijos de la familia Sutton que no entienden las actitudes de su padre con respecto a ellos que consideran anticuadas y restrictivas. Por último hay una cuestión de moralidad, alrededor de los manejos de Pearl y del intento de chantaje que hace con Edward Sutton, que invita a la reflexión. Lo mismo que el partido que toma hacia la conducta estricta de Edward para con sus hijos que, aunque no perfecta. considera más adecuada que la que tienen los Bond. El contraste entre las historias hace que la película no pierda el ritmo y mantenga el interés del espectador.

El film, más apoyado en los diálogos que en las imágenes y bastante bien interpretado, tiene algunos destellos de humor en sus diálogos.

La película, estrenada en 1945, supuso el debut como director de cine de Robert Hamer.

LAZOS DE GUERRA

Un grupo de arqueólogos coreanos encuentra un esqueleto y lo identifican como Lee Jin-seok (Won Bin). Pero Lee Jin-seok sigue vivo y ahora es un hombre mayor. Es su hermano Jin-tae (Jang Dong-gun) quien desapareció en la Guerra de Corea.

Viajamos a Seúl desde el presente hasta 1950, ciudad en la que Jin-tae Lee y su hermano estudiante de 18 años, Jin-seok Lee, forman una familia pobre pero feliz, con su madre, la prometida de Jin-tae, Young-shin Kim (Lee Eun-ju), y sus jóvenes hermanas. Jin-tae y su madre trabajan duramente y se sacrifican para enviar a Jin-seok a la universidad.

Cuando Corea del Norte invade el Sur, la familia escapa con idea de refugiarse en casa de un pariente, pero antes de emprender el largo viaje, Jin-seok se ve obligado a unirse al ejército para luchar en el frente, y Jin-tae, cuando trata de que dejen regresar a su hermano, también es reclutado forzosamente. El comandante le promete a Jin-tae que si puede ganar el premio más alto para un soldado surcoreano que es el cordón de Taeguk de la Orden del Mérito Militar, liberará a su hermano, y Jin-tae se convierte en el soldado más valiente de la compañía. Durante la batalla de Pyongyang, Jin-tae captura a un importante capitán norcoreano y finalmente recibe la medalla

Pero a medida que avanza la guerra, comienza a envenenar la mente de Jin-tae. Jin-seok ya no le reconoce y abomina de él, es entonces cuando regresa para ver a su madre enferma y se encuentra con el desorden y la venganza contra todo sospechoso de comunismo que reina en la retaguardia.

El conflicto entre las dos Coreas, que tuvo lugar en los años cincuenta y que, normalmente conocemos a través de la visión del cine de Hollywood, es retratado aquí por Kang Je-gyu de forma diferente a los estereotipos que la cinematografía estadounidense nos ha mostrado. De hecho, apenas se hace una breve mención a la llegada del ejército estadounidense a la península y prácticamente ninguna a las tropas de la ONU que tuvieron una intervención muy importante en esta guerra.

Aunque la relación, que se torna conflictiva, entre los dos hermanos es el eje de la película, todo transcurre de manera paralela a la acción bélica, con el trasfondo político que la originó y sus horribles consecuencias sobre la población civil.

Se retrata también el panorama de venganza y purgas que se vivió en la retaguardia, con fusilamientos masivos fundados en simples sospechas y queda patente el absurdo en que muchos hombres se vieron metidos sin tener demasiada idea de porqué estaban combatiendo en determinado bando. Hay una frase que resume este sinsentido, cuando un oficial superior le dice a Jin-seok que su hermano se ha pasado de bando y combate con los comunistas, y él responde: mi hermano no sabe lo que es comunismo, ni lo que es democracia.

Hacia el final de la película, cuando el ejército del norte parece derrotado, se nos habla también de la decisiva intervención china en el conflicto que sería lo que, a la postre, daría lugar a que Corea siga siendo un país dividido, al ayudar con su intervención a recuperar el terreno perdido por el régimen de Pyongyang, de manera que la frontera quedó prácticamente donde estaba antes del ataque del Corea del Norte, en el famoso Paralelo 38.

La historia, en algunos pasajes, resulta un tanto increíble, en parte porque en occidente no sabemos de la fuerza que tienen los lazos familiares en los países orientales y además hay que tener en cuenta que aquello sucedió hace setenta años, con las tradiciones mucho más presentes en la vida diaria.

Lo mejor del film son las secuencias de enfrentamiento armado, rodadas con gran realismo y que son reconocidas como de las mejores rodadas nunca en el cine bélico.

En la primera parte de la película se nos acerca a la situación de la familia Lee que, aunque no demasiado holgada económicamente, les permite vivir de su trabajo y pensar en enviar al hermano menor a la universidad. Su armoniosa vida, queda patente en la escena del arroyo, en la que toda la familia se baña y disfruta del frescor del agua en la cálida noche de Seúl, mientra se hacen bromas y ríen felices. A partir de ahí, el caos llega a la familia, como a tantas otras en sus circunstancias.

Una película que gracias a todas estas escenas, tanto las familiares como las bélicas y a un ritmo narrativo bastante bien llevado, aunque en algún momento se resienta un poco, se hace muy entretenida a pesar de sus dos horas y media de duración.