VALOR DE LEY (TRUE GRIT)

La joven Mattie Ross (Kim Darby), se entera de que su padre ha sido asesinado por Tom Chaney (Jeff Corey), un tipo de mala catadura que trabajaba como peón en la granja de la familia Ross.

Mattie viaja hasta Fort Smith para descubrir que Tom Chaney ha huido a territorio indio, donde se ha unido a un grupo de forajidos liderado por el famoso bandido Ned Pepper (Robert Duvall). Decidida a atrapar a Chaney, Mattie contrata al tuerto Reuben J. "Rooster" Cogburn (John Wayne), el marshall más rudo del oeste que no ha conocido un día de su vida en que la bebida no estuviera presente.

El joven ranger de Texas La Boeuf (Glen Campbell), también persigue a Chaney, ya que este había matado a un senador de Texas antes de asesinar al padre de Mattie, así que los tres formarán un peculiar grupo para dar con el figitivo.

La Boeuf se opone a la pretensión de Mattie de acompañarles, pero esta se aferra a Rooster y consigue ser aceptada en el grupo que, tras un encuentro con los bandidos, consigue matar a dos de ellos, en tanto Chaney logra escapar tras ser herido por Mattie, que acaba siendo capturada por Ned Pepper que la utilizará como rehén para obligar a retirarse a Rooster y La Boeuf si no quieren que acabe con Mattie, a la que ha dejado al cuidado de Chaney.

Rooster desafiará a Pepper y sus hombres en campo abierto, en un épico encuentro que tendrá consecuencias determinantes en el final de la misión.

Basado en la novela del mismo título de Charles Portis, que la había publicado un año antes.

Cuarenta años más tarde, los hermanos Coen hicieron un remake de este film.

Tras ver hace unos días la película de los Coen, no podía dejar de echarle un vistazo a esta versión de Henry Hathaway, tan cercana en el tiempo de la novela de Portis que tan solo se estrenó un año después de que se publicara el libro.

Resulta tentador comparar los dos films, en cuanto al relato, decir que se ciñe bastante a la novela que Portis escribió, al parecer, pensando en su traslado a la gran pantalla y con Wayne como protagonista en su cabeza. Muchos de los diálogos están sacados literalmente del libro y comparado con la otra película, los dos cambios más importantes, son la escena de introducción y la resolución de la película.

La versión de Hathaway resulta más luminosa en sus tonos, retratando la grandiosidad de la naturaleza que envuelve la acción en todo su esplendor y sabiendo mantener el tono de humor que ya estaba en la novela.

Es una película muy entretenida, un western con un toque diferente a otras películas de este tipo y, sin duda, la última gran película de John Wayne, a quien le fue concedido el Oscar de aquel año, más por motivos sentimentales y de reconocimiento a su carrera (no tenía ninguno), que por su trabajo aquí, pues tiene mejores actuaciones en algún otro film. Él mismo, en la ceremonia de entrega, celebrada el 9 de abril de 1970, le dijo a Richard Burton que creía que debería haber ganado el Oscar en su lugar, por su interpretación del Rey Enrique VIII en Ana de los mil días.

Mi opinión es que, en general, todos los interpretes hacen un buen papel, incluída Kim Darby, creando un personaje mezcla de madurez e inocencia y con quien Wayne no tenía buena relación fuera de cámara. Fue elegida para el papel protagonista tras rechazarlo Mia Farrow, en el que fue, según reconoció más adelante, uno de los mayores errores profesionales de su carrera.

Como curiosidad, señalar que el papel de La Boeuf le fue ofrecido a Elvis Presley, pero su manager exigía un sueldo que hubiera sido el más elevado del reparto. Como los productores no estaban por la labor, al final fue elegido Glen Campbell, un cantante de country, muy conocido entonces y que, entre otras cosas, había formado parte de los Beach Boys en la gira de 1964-65.

LA PIEL QUE HABITO

Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el Doctor Robert Ledgard (Antonio Banderas), eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su propio laboratorio, una piel sensible a las caricias, pero una auténtica coraza contra todas las agresiones, tanto externas como internas, de las que es víctima nuestro mayor órgano. Para lograrlo ha utilizado las posibilidades que proporciona la terapia celular.

Además de años de estudio y experimentación, Robert necesitaba una cobaya humana, un cómplice y ningún escrúpulo. Los escrúpulos nunca fueron un problema, no formaban parte de su carácter. Marilia (Marisa Paredes), la mujer que se ocupó de él desde el día que nació, es su cómplice más fiel, nunca le fallará. Y respecto a la cobaya humana…...

Al cabo del año desaparecen de sus casas decenas de jóvenes de ambos sexos, en muchos casos por voluntad propia. Una de estas jóvenes, llamada Vera (Elena Anaya) acaba compartiendo, contra su voluntad, con Robert y Marilia la espléndida mansión, El Cigarral, un lugar idílico rodeado de árboles, protegido por una muralla y una alta puerta con rejas que enseguida se percibe como una especie de cárcel en medio de la naturaleza, un lugar aislado e inaccesible a las miradas exteriores.

Un día de carnaval, un hombre disfrazado de tigre se las ingenia para llegar hasta la puerta cerrada de la habitación donde vive Vera cautiva. Este hecho rompe el impasse en el que viven los tres personajes que habitan en El Cigarral. Paradójicamente a los usos del Carnaval, éste es el momento en que los personajes se despojan de sus máscaras y la tragedia final proyecta su negra sombra sin que ninguno de ellos pueda hacer nada para evitarla.

El guión se basa en la novela Mygale (Tarántula), del francés Thierry Jonquet, que se inspiró en las crónicas periodísticas que leía para escribir sus novelas.

Pedro Almodóvar trabajó en el guión durante casi una década, y lo que inicialmente iba a ser una adaptación, terminó siendo más bien, una historia inspirada en la novela.

No es esta una película sencilla, Almodóvar, el realizador español contemporáneo más reconocido internacionalmente, lejos de acomodarse en su estatus, no tiene ningún reparo en asumir nuevos riesgos. El manchego se aleja definitivamente de aquel estilo pop de colores llamativos, buscando la fuerza de la imagen por otros caminos, por ejemplo el abundante número de picados que vemos y el simbolismo de objetos y personas. Hasta su humor se vuelva más atemperado, quedando reducido aquí, prácticamente, a algunas escenas en las que aparece el personaje de Zeca (Roberto Álamo) con ese disfraz kistch de tigre.

La película es una especie de ejercicio en el que, aparte de otras consideraciones, tratadas casi de pasada, cual es el peligro de las investigaciones privadas que logran eludir los compromisos éticos en materia de investigación biológica, se ve una especie de proceso inverso de la transexualidad, en el que el personaje trata de acomodar su condición interna al nuevo aspecto físico que le han proporcionado.

EL DILUVIO

En enero de 1655, un joven soldado, Andrew Kmicic, llegó a Vodokty a conocer a su futura esposa, Alexandra Billevich. Desde el primer instante, ambos jóvenes se sintieron atraídos y se profesaron un gran amor, pero desafortunadamente la naturaleza intrépida, aventurera y tremendamente alocada de Kmicic causó la ira de la señorita Aleksandra. Kmicic trató de secuestrar a la niña, pero el valeroso y discreto caballero Michał Wołodyjowski, hace valer la superioridad de su invencible sable y le derrota en singular duelo, rescatando a la joven Olenka de manos de su secuestrador.

Mientras tanto, los suecos atacaron la República, literalmente inundaron Polonia en un hecho histórico que se conoció como el "diluvio sueco". Kmicic, de buena fe, juró lealtad al magnate lituano, el príncipe Janusz Radziwiłł, que a la hora de la verdad, resultó ser un traidor. Entonces el joven caballero tuvo que cambiar su nombre y buscar la rehabilitación de su honor a toda costa.

Bajo el nombre de Babinicz, defendió valientemente  Jasna Góra y su santuario de Częstochowa, e incluso llevó a cabo una hazaña heroica explotando un gran cañón enemigo en la batalla, en una acción temeraria que le valió ser apresado por el enemigo, salvándose de la muerte en el último instante merced a una desesperada treta de sus más leales vasallos. Luego acompañó al rey Juan Casimiro, regresó al país y defendió al rey con dedicación. Al final, logró recuperar su buen nombre y restablecer su honor. Kmicic vuelve a encontrarse con Olenka Billevich, quien después de la rehabilitación oficial del caballero en la iglesia de Upicie, se convirtió en su feliz esposa.

Diluvio es la segunda de las novelas de Henryk Sienkiewicz que componen la llamada Trilogía Polaca, y la más extensa de las tres. En ella, junto a la historia ficticia de Andrew y Olenka, aparecen personajes reales y se relatan hechos históricos que se corresponden con el ataque sueco a la Mancominidad Polaco-Lituana en 1655. El número superior de las tropas enemigas impidió a los polacos una defensa eficaz. Además, la ofensiva común de ambos estados confederados, falló, y la traición fue generalizada. Los nobles se rindieron en Ujście, el 24 de julio de 1655, donde los veteranos del general Arvid Wittenberg desbarataron a los mil quinientos soldados de infantería profesionales y trece mil jinetes de las levas de los nobles polaco-lituanos, y Janusz Radziwiłł firmó un acuerdo con los invasores. La situación se había vuelto dramática. Los suecos llegaron a Częstochowa y comenzaron el asedio de Jasna Góra. Este momento de la guerra polaco-sueca constituye el eje central de la novela, alcanzando momentos épicos, que Sienkiewicz describió como un punto de inflexión y realmente lo fue. A la Virgen Negra se le atribuye la milagrosa salvación del Monasterio de Jasna Góra (el Monte brillante, sería la traducción aproximada), de la invasión sueca, que cambió el curso de la guerra. Aquello no fue una victoria como tal, pero los polacos, muy inferiores en número, consiguieron que las tropas suecas levantaran el asedio, lo que supuso todo un golpe moral. Este evento condujo al Rey de Polonia Juan Casimiro II Vasa a "coronar" a Nuestra Señora de Częstochowa ("la Virgen Negra") como Reina y Protectora de Polonia en la Catedral de Leópolis el 1 de abril de 1656.

Sienkiewicz, una vez más, trata de elevar los espíritus de su nación, en momentos en que Polonia como tal había dejado de existir, mostrando la valentía y el heroísmo de los antepasados ​​que fueron capaces de sobreponerse a las adversidades y acabaron expulsando al invasor, si bien aquello supuso el fin de la época dorada de la Mancomunidad Polaco-Lituana.

LA INVENCIÓN DE HUGO

París, 1931. Hugo Cabret (Asa Butterfield) es un muchacho huérfano que vive oculto en las paredes de una estación de tren sin que nadie lo sepa, realizando el trabajo que debería hacer su tío: mantener en hora todos los relojes del lugar. Pero esta no es la única labor clandestina que el muchacho lleva a cabo, también intenta reparar un misterioso autómata que su padre encontró en el museo donde trabajaba antes de fallecer y que cree que puede contener un mensaje oculto de su progenitor.

Cuando nadie le ve, Hugo se escabulle hasta la juguetería de la estación y roba las piezas que le faltan para reparar al hombre de metal, hasta que un día el anciano vendedor le atrapa. A partir de entonces las vidas de estas dos personas, aparentemente tan distintas, se verán ligadas en un destino común con la magia de los inicios del cine como telón de fondo.

Buena parte de la vida y color que tiene la película, lo aporta la gente que depende del tránsito de personas por el vestíbulo de la estación para ganarse la vida, entre ellos la vendedora de flores, Lisette (Emily Mortimer), el vendedor de libros, Labisse (Christopher Lee), el caballero que atiende el quiosco de prensa, Monsieur Frick (Richard Griffiths), su vecina, que regenta el café, Madame Emilie (Frances de la Tour), el inspector Maximilian (Sacha Baron Cohen) y su amenazador perro...

En flashback, los espectadores ven el conjunto de la carrera de Méliès (Ben Kingsley), que empezó en el mundo del espectáculo como mago de éxito, hasta quedar prendado del cine, dirigiendo más de cien películas. Arruinado a consecuencia de la 1ª Guerra Mundial, acaba sobreviviendo con su tienda de juguetes. El cineasta francés Georges Méliès es considerado a menudo el padre de la narrativa cinematográfica, y muchos le atribuyen el nacimiento de los géneros de fantasía, ciencia-ficción y terror.

La película, dirigida por Martin Scorsese, mantiene el espíritu de la novela hasta el punto de que los mejores diálogos y muchas de las escenas de la novela son idénticos a lo que Brian Selznick escribió (o dibujó). Para quien no conozca la obra original, está contada tanto en texto como en ilustraciones en blanco y negro a páginas completas, como si fueran los fotogramas de una película. El filme, además de la historia de Hugo, del anciano juguetero y de su intrépida nieta, Isabelle (buena interpertación de Chloë Grace Moretz), añade varias subtramas en las que se presenta al resto de comerciantes de la estación de tren y sus particulares historias de amor.

Una de las cosas que más destaca en la película es la logradísima ambientación. Los escenarios, entre trenes, pasadizos ocultos y relojes de todo tipo y complicada maquinaria, son de una belleza apabullante y meten al espectador de lleno en la vida diaria de la estación parisina.

Lo que sí que queda claro, tanto en el libro, como en la película, es el amor que sus respectivos creadores profesan al cine. La integración tanto en papel como en pantalla de algunas de las escenas más memorables del cine mudo o la explicación de algunos trucos de la época, quedan perfectamente reflejados en las dos obras.

En el apartado técnico, sobre todo en el uso de la tecnología 3D, también es una auténtica maravilla, sin embargo, la propia historia en sí, a mí no me ha acabado de convencer, creo que le falta fuerza, resulta demasiado previsible y no acaba de atrapar la atención del espectador, con lo que el resultado final resulta algo desigual, por un lado, uno tiene la impresión de haber asistido a un film de alta categoría en el aspecto visual y técnico, pero con un guión no demasiado conseguido y una narración que, en algunos momentos, puede incluso resultar tediosa.

LA REBELIÓN DE ATLAS: PARTE I

Basado en la controvertida novela de Ayn Rand, publicada en 1957, Atlas Shrugged narra la lucha de Dagny Taggart (Taylor Schilling), una heredera de una compañía de ferrocarriles, que intenta salvaguardar y mantener vivo el ferrocarril de su familia en medio de un mundo en rápida decadencia. Se enfrenta a agencias gubernamentales cada vez más corruptas, la incompetencia cobarde de su propio hermano y la pérdida sistemática de sus mejores y más competentes trabajadores. Mientras trabaja para superar cada obstáculo, comienza a detectar un patrón y sospecha que una fuerza siniestra está trabajando en su contra. En todo el país, hay una creciente sensación de impotencia, a menudo resumida en una frase que todo el mundo parece saber, al tiempo que nadie sabe quien es el personaje a quien se refiere: ¿Quién es John Galt?.

Uno a uno, los mejores y más brillantes industriales del país desaparecieron de la noche a la mañana sin dejar rastro y abandonaron sus negocios para ser devorados por intereses políticos corruptos. Pero muchos están desapareciendo justo cuando más se los necesita, lo que la lleva a darse cuenta de que alguien, algún destructor, se mantiene justo delante de ella y está trabajando en contra de ella. A medida que el mundo se hunde más en la decadencia, ella sabe que ha llegado la hora de salvar su ferrocarril, y tal vez evitar el colapso del mundo que la rodea. Sin embargo, las revelaciones que busca finalmente desafiarán sus puntos de vista, y la obligarán a decidir entre luchar en su mundo o dejar todo lo que valora.

El productor y guionista Albert S. Ruddy pasó años queriendo llevar la novela a la gran pantalla, hasta que los consigue en 2011, si bien de una manera un tanto atípica, ya que se decidió rodar tres películas. Es cierto que la novela de Ayn Rand, es un buen tocho de 1.300 páginas, pero yo creo que con esto se desvirtúa un tanto el producto, no ahora, pues la tercera se rodó en 2014 y pueden verse seguidas, pero en su momento esto fue un inconveniente. Mi experiencia es que si no conoces la obra de Rand, no vas a sacar consecuencias de este film, más allá de la pura narración en la que yo pienso que se puede atisbar el planteamiento de las ideas filosófico-económicas de la novelista, pero queda diluído, porque hay cosas que no quedan resueltas y hay que esperar a ver las siguientes entregas.

Exclusivamente en el aspecto cinematográfico, la película resulta interesante, atractiva y entretenida, pero con ese obstáculo de que te vas a quedar a medias de saber en qué acaba todo aquello.

LOVING VINCENT

Francia, verano de 1891. El joven Armand (Douglas Booth) recibe una carta de su padre, el cartero Joseph Roulin (Chris O'Dowd), para entregarla en mano en Paris al hermano de su difunto amigo Vincent Van Gogh (Robert Gulaczyk), muerto hace un año. Pero en París no hay rastro de Theo Van Gogh (Cezary Lukaszewicz), del que cuentan que murió poco tiempo después de que su hermano Vincent se quitara la vida.

Así comienza “Loving Vincent”, la primera película realizada al oleo de la historia del cine, recorriendo la misteriosa vida del pintor a través de las cartas que con frecuencia escribía a su hermano pequeño Theo.

Tras varios intentos fallidos por entregar la carta, Armand viaja a Auvers-sur-Oise, donde vive un supuesto compañero cercano de Vincent, el Dr. Gachet (Jerome Flynn). Al tener que esperar hasta que el médico regrese de su trabajo, Armand conoce a mucha gente de ese pueblo que no solo conocía a Vincent, sino que, al parecer, también eran modelos e inspiradores de su arte. Al hacerlo, Armand se fascina cada vez más con la personalidad y el destino de Van Gogh y mientras profundiza en ello, se da cuenta de que la problemática vida de Vincent es tanto una cuestión de interpretación como sus pinturas, y que no hay respuestas fáciles para un hombre cuyo trabajo y tragedia solo se apreciarán en el futuro.

Cada uno de los 65.000 fotogramas de la película es una pintura al óleo sobre lienzo, utilizando la misma técnica que Van Gogh, creada por un equipo de más de 100 pintores, de los que el 60% fueron mujeres.

Realmente hay 853 pinturas al óleo diferentes, ya que cada una se utilizó varias veces, pintando cuadros posteriores encima de los originales.

La película está animada con rotoscopio. Fue filmada en acción real, con actores reales, luego cada cuadro fue pintado y animado.

Alejado del patrón de las películas biográficas, el guión recurre más a los recuerdos que otros tienen de él que a exponernos de forma lineal la vida del genio holandés, como hace la, por otra parte, excelente película de Vicente Minnelli, El loco del pelo rojo (Lust for Life), protagonizada por Kirk Douglas.

La narración se mueve en dos planos y aquellos que se refieren al pasado nos ofrecen maravillosas imágenes en blanco y negro, ayudando así al espectador a distinguir ambos tiempos narrativos.

El film no deja de ser un homenaje a Van Gogh y trata de acercarnos a la compleja existencia de este hombre repudiado por su familia (excepto el cariño devoto de su hermano Theo) y que tuvo que soportar incluso la incomprensión y burlas de sus colegas durante su estancia en París.

La película tiene un valor artístico innegable por su arriesgada y original apuesta visual que tiende a ocultar el resto del trabajo, incluida la historia que nos cuenta que, a mi particular parecer, tarda en adquirir interés, pero que que acaba también atrapando al espectador cuando plantea dudas sobre si la muerte del pintor fue realmente un suicidio o hubo otras circunstancias alrededor, lo que crea un cierto suspense que hace más atractivo el último tramo de la misma.

Colosal trabajo (seis años estuvieron preparándola) para este emotivo y bello homenaje a uno de los más grandes genios de la pintura de todos los tiempo, a la vez que supone una delicia visual para el espectador.

JANE EYRE

Jane Eyre (Mia Wasikowska) huye repentinamente de Thornfield Hall, una extensa y aislada propiedad en la que trabaja como institutriz de Adéle Varens (Romy Settbon Moore), una niña que se encuentra bajo la custodia del melancólico Edward Rochester (Michael Fassbender).

La imponente residencia y la no menos imponente presencia de Rochester han puesto a prueba su resistencia. No tiene a dónde ir, por lo que acepta la ayuda ofrecida por el cura St. John Rivers (Jamie Bell) y su familia. Mientras Jane Eyre se recupera en su nueva residencia, dedica el tiempo a recordar los tumultuosos sucesos que la obligaron a escapar mientras se pregunta si el pasado en verdad ha ocurrido.

Así, recuerda como a los diez años era una niña huérfana (la Jane niña es interpretada por Amelia Clarkson) y era maltratada y, después, expulsada de Gateshead, su casa de acogida, por su cruel tía, Mrs. Reed (Sally Hawkins), siendo llevada a la escuela Lowood, en donde recibirá una férrea disciplina, supuestamente encaminada a su educación y conocerá a Helen Burns (Freya Parks), una niña pobre que impresiona a Jane por su sensibilidad y carácter. Las dos se convierten en grandes amigas. Cuando Helen muere por enfermedad, la pérdida deja desolada a Jane, sin embargo, su fuerza hará que siga hacia delante y se proponga tomar sus propias decisiones en la vida.

Cuando ha completado su educación, Jane llega a Thornfield, siendo tratada con cortesía y respeto por el ama de llaves, Mrs. Fairfax (Judi Dench). Rochester despierta el interés de Jane a través de juegos de ingenio e historias, y le confiesa algunos de sus pensamientos más íntimos. Pero su mal humor preocupa a Jane, así como los extraños sucesos en la casa, especialmente en el ático. Jane intuye que esos sucesos están conectados con Rochester y no se equivoca: finalmente descubre el terrible secreto que él ha intentado ocultarle y decide huir.

Basado en la conocida novela de Charlotte Brontë, tantas veces llevada a la pantalla, en esta ocasión, por el estadounidense Cary Joji Fukunaga, que se aparta de la narración lineal para darnos a conocer el pasado de la protagonista mediante flashbaks, hasta que ambos tiempos narrativos enlazan definitivamente.

Música de Dario Marianelli y una espléndida fotografía de Adriano Goldman que capta muy bien la belleza desolada del páramo británico.

¿Hacía falta otra adaptación de la celebrada novela de Charlotte Brontë? Posiblemente la primera respuesta que se le viene a uno a la cabeza es que no, sin embargo, como todo en la vida, depende de las pretensiones y del resultado y, en esta ocasión, estamos ante lo que algunos han considerado la mejor adaptación de Jane Eyre, sobre todo porque sabe captar a la perfección el tono de romanticismo gótico de la novela y por la acertada definición de los personajes.

Se nota el sello especial que distingue los films británicos, esa elegancia y cuidado en la ambientación, con escenarios muy bien diseñados, un vestuario espléndido y sabiendo sacar el máximo partido a los exteriores que nos transportan a ese mundo de rígida moral. La historia de una mujer fuerte, que sabe sobreponerse a la dureza con que la vida le trata y sacar a relucir su carácter fuerte y su gran voluntad.

Muy bien interpretada, lo cierto es que uno puede disfrutar de toda la grandiosidad de una obra que destila un impetuoso romanticismo. La vida de esta singular institutriz nos atrapa desde las poderosas imágenes del comienzo.