BUFFALO '66

 

Billy Brown (Vincent Gallo) acaba de salir de la cárcel después de cinco años, tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está comprometido con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase, Billy rapta de forma impulsiva a Layla (Christina Ricci), alumna de una academia de claqué, a la que intimida tanto que acaba garantizándole su ayuda y la obliga a representar el papel de esposa ante sus extravagantes progenitores.

Billy sale de la cárcel con la obsesión de vengarse de un jugador del equipo de fútbol americano Buffalo Bills, a quien considera el responsable de su encarcelamiento, sin embargo, su principal problema, son sus padres a los que, como queda dicho, ha engañado. Ellos son una pareja peculiar, la madre es una fanática de los Buffalo Bills y el padre, un cantante amargado por su fracaso. Ambos se mostrarán encantados con su nueva nuera.

El polémico Vicent Gallo, se convierte aquí en realizador, guionista y protagonista de la película, además de firmar la partitura original y porque no le dejaron ponerse al frente de la fotografía. Película aclamada por los entusiastas de llamado cine indie por su impactante valor estético y la forma narrativa elegida para dar vida a un guión que tiene bastante de inverosímil (¿no lo es a veces la propia realidad?). Ha sido acusada por algunos de ser excesivamente narcisista y no precisamente porque Gallo intervenga en todos esos apartados mencionados, sino por los reiterativos y largos diálogos que su personaje tiene, en algunos tramos convertidos en auténticos monólogos, que dejan en la sombra a algunos de los demás personajes, sobre todo a su compañera en la cabecera de cártel, Christina Ricci, sin que puedan sacar a sus papeles todo el interés que potencialmente ofrecen. 

La trama desarrolla la historia de un ser en busca del cariño que no ha tenido en su infancia y, aunque es cierto que en algunos momentos parece que va seguir un camino diferente a algunos films con temática parecida, al final, aunque en sus sueños el protagonista parece seguir esos caminos de cierta originalidad, la realidad le lleva a transitar por las sendas ya conocidas, bastante más convencionales.

EXÓTICA

 

Francis (Bruce Greenwood) un solitario inspector de Hacienda acude cada noche al club de striptease Exótica, en las afueras de Toronto, para ver bailar a Christina (Mia Kirshner), una sensual joven que se desnuda para el público masculino ante la mirada de su ex-novio Eric (Elias Koteas), el disc-jockey del local.

Un trauma y las obsesiones que esto produce es el argumento, a grandes rasgos, sobre el que gira la película del realizador y guionista canadiense que elige una narración no lineal para traernos sus reflexiones, con empleo del flashback que nos acerca al pasado de los personajes, cuyas vidas, aparentemente separadas, están unidas por algún acontecimiento, forman parte de una especie de puzle, cuyas piezas acabarán por formar un todo que se recompone al final del film.

Lo real y lo onírico, a veces simplemente imaginado, se dan la mano a lo largo de la narración, con imágenes que se repiten de forma recurrente y que subrayan aún más la sensación de obsesión por parte del protagonista, de unos recuerdos que forman ya parte de sí mismo. 

Un film al que algunos entendidos califican de posmoderno y que, supongo, habrá gente que, por su propio planteamiento y desarrollo, les pueda resultar incluso aburrido o que, simplemente, no comulgan con la manera de expresarse del realizador, pero que para otros resultará realmente hipnótico.

DRUGSTORE COWBOY

 

Bob Hughes (Matt Dillon) es el jefe de una banda de toxicómanos, integrada por su mujer, Diane (Kelly Lynch), y otra pareja, Rick (James Le Gros) y Nadine (Heather Graham). Viajan a lo largo y ancho del país atracando farmacias y botiquines de hospitales para cubrir su imperiosa necesidad de droga. A raíz de un trágico suceso, Bob se replantea su situación; decide rehabilitarse y comenzar una nueva vida. Las cosas, sin embargo, no le resultan sencillas.

Ambientada en EE.UU. a principio de los 70, el guión adapta la novela autobiográfica homónima de James Fogle, él mismo drogadicto y asaltante de farmacias. De hecho, Fogle estaba en prisión cuando la película fue estrenada en 1989 y cumpliría condenas posteriores hasta que falleció en 2012, mientras estaba en un complejo correcional.

Gus Van Sant nos acerca una historia alejada de los estereotipos que presiden este tipo de películas sobre el mundo de las drogas, aquí no hay lecciones morales, ni críticas a ese ambiente, ni siquiera la degradación en la vida de estas personas queda particularmente patente, aquí, salvo por el acoso policial, que hasta los mismos protagonistas admiten como algo lógico, incluso esperable y necesario, tampoco parece que les vaya demasiado mal. Y no es que pinte una vida de color de rosa para ellos, pero desde luego, lo que no hace es incidir en las miserias de la drogadicción. El personaje de Dillon encarna la esperanza en la redención que la historia muestra como posible, pero muy dura y complicada. 

Película que trata de ser objetiva a la hora de abordar esta delicada cuestión en la que tantas veces chocan derechos y obligaciones enfrentados dependiendo del lado desde el que lo mires.

LOS QUE VIVIMOS

 

Ayn Rand  es una de las más influyentes y reconocidas pensadoras de la filosofía del pasado siglo. Nacida en San Petersburgo en el seno de una familia judía no practicante, Rand fue testigo de todos los acontecimientos que precedieron y sucedieron a la revolución bolchevique, consiguiendo en 1925 un permiso para visitar a sus familiares en EE.UU. a donde llegó en 1926, para no regresar nunca y adquiriendo la ciudadanía estadounidense en 1931.

Durante su estancia en Hollywood, donde aceptó todo tipo de trabajos para poder sobrevivir, conoció a Cecil B. de Mille, que le ofreció trabajo y le enseñó algunos entresijos del mundo cinematográfico, llegando a aparecer, de manera reconocible, entre los extras de la película "Rey de Reyes"

We the Living es la primera novela de Ayn Rand. Publicada en 1936, la historia se desarrolla en la Rusia soviética. La inmigrante Rand se sorprendió por el fracaso de los intelectuales y políticos estadounidenses en defender los ideales estadounidenses de individualismo y libertad, y se horrorizó por la aceptación generalizada, incluso la simpatía, que saludó la expansión del comunismo, el socialismo y el fascismo en Europa. 

Es la historia de tres jóvenes cuyas vidas son sacrificadas por un estado todopoderoso. Kira Argounova, a quien por su pasado familiar, no dejan seguir sus estudios para convertirse en ingeniera, cuando ella lo que soñaba era construír edificios de acero y cristal, es consciente de la injusticia del estado colectivista y su gran causa es su propia vida, no el estado ni sus camaradas. Ella mantendrá sus propios principios y eso será lo que le de fuerzas para seguir adelante, al contrario que Leo Kovalensky, procedente de una familia de la alta burguesía, hijo de un almirante de la flota del Zar, que, consumido por la ira ante la injusticia del estado soviético, no tendrá fuerzas para mantener sus principios y nunca se dedica a una causa, como hace Kira con su vida y Andrei con el comunismo. La sola presencia de Kira le recuerda constantemente a Leo lo que podría haber sido. Solo abandonándola puede finalmente adormecer su alma y dejar de sentir dolor. 

El tercer personaje de este triángulo es Andrei Taganov que, como soldado en el Ejército Rojo, y luego como incondicional del Partido Comunista, lucha valientemente por la revolución, creyendo sinceramente que el comunismo elevará a todos a su nivel. Kira es justo el tipo de persona que Andrei cree que debería prosperar bajo el comunismo. Andrei, un idealista honesto, no puede cerrar los ojos ante la evidencia de que el comunismo no está redimiendo a la gente, sino que los está reprimiendo y aplastando sus vidas, trayendo solo sufrimiento a la mujer que ama. Se suponía que expropiar fábricas y abolir la propiedad privada liberaría a la nación. En cambio, aquellos que logran escapar de los campos de trabajo y los pelotones de fusilamiento se encuentran condenados a vivir en la miseria. Debido a que se dedicó sinceramente y por completo a una causa, Andrei pertenece a esos "vivos" a los que hace referencia el título de la novela, como pertenece a ese grupo la propia Kira, la más "viva" de los tres. Pero Taganov, después de darse cuenta de que ha sacrificado su vida y sus valores más preciados por un propósito innoble, no puede vivir con la enormidad de su error. 

A estos tres personajes centrales acompañan otros que representan estereotipos de la Rusia soviética del primer tercio del siglo XX: especuladores; funcionarios corruptos; militantes del partido empeñados en denunciar y depurar a quienes tienen por burgueses; gentes que provienen de familias prósperas durante el zarismo y que pretenden seguir medrando con el nuevo estado, para lo que no dudan en denunciar a sus propios familiares por contrarrevolucionarios; antiguos burgueses que viven en la miseria tras ver confiscadas sus propiedades, sin poder acceder a un trabajo y siempre con la espada de Damocles de ser acusados de antisoviéticos sencillamente por su pasado o el de sus familias... 

Rand enfrenta en su novela el valor supremo de una vida individual contra la maldad de un estado que reclama el derecho de tomar y sacrificar esa vida, sosteniendo que cada individuo tiene el derecho moral de vivir por sí mismo y buscar su propia felicidad personal. El estatalismo, por el contrario, es la idea de que el hombre no tiene derecho a existir por sí mismo, que es propiedad de la sociedad, para disponer de él como dicta el estado. Este es el poder que el estado soviético reclama sobre las vidas de Kira y Leo. Podríamos resumir la idea central del libro como la lucha del individuo contra el Estado.

A pesar de la dureza de la vida que retrata y de las angustiosas situaciones que plantea, el libro contiene algunos pasajes tremendamente poéticos, momentos de felicidad en medio del desastre que contrastan y de algún modo subrayan, lo tremendo y desesperanzado de la situación.

El final de la novela se me antoja un tanto teatral y quizá sin el nivel que ha demostrado la autora a lo largo de la narración, pero, como digo siempre, esta es una opinión muy personal que, seguramente, lectores más preparados puede que no compartan.

 Ayn Rand dijo que esta no era una novela autobiográfica, pero que que era lo más cercano a una autobiografía que jamás había escrito.

DONDE ESTÉ EL DINERO

 

Henry Manning (Paul Newman) es un veterano atracador de bancos que finge sufrir un derrame cerebral que le priva del control de su cuerpo, para que lo trasladen de la cárcel a una residencia de ancianos. La enfermera Carol (Linda Fiorentino), que es la encargada de cuidarlo, es una mujer hastiada de su trabajo y de su matrimonio, y el historial de Henry despierta su curiosidad. Incitada por su ansia de emociones fuertes, fuerza a Henry a que le revele su secreto, y éste le ayuda a descubrir en sí misma una capacidad delictiva que desconocía. A partir de ese momento, Carol tienta a Henry para que lleve a cabo un último golpe: atracar un furgón blindado que recoge el dinero del banco local y de varios establecimientos comerciales de la zona.

La película, que supuso el último papel protagonista de su larga carrera para Paul Newman., desarrolla una historia de E. Max Frye que, para situarlo un poco, fue uno de los guionistas de la aclamada serie televisiva Hermanos de sangre.

Sin pretensiones de gran película, sin embargo, sabe aunar muy bien la comedia con la tensión. En este último caso, no tanto de la preparación del atraco, como de su ejecución, que ciertamente alcanza momentos de suspense no exento de la comicidad que preside el film. 

El alma de la película son Newman y Fiorentino que salvan sus papeles con brillantez, frente a un Dermot Mulroney que parece algo despistado. El film resulta simpático y divertido sobre todo por las situaciones, que plantea bastante bien, más que por los diálogos, que salvo en dos o tres ocasiones en que dan con la chispa, tampoco son nada del otro mundo. Y es que el guión tiene la brillante idea de que el secuestro del furgón se produzca cuando inician la jornada y no al final de la recaudación del dinero, con lo cual han de ser los atracadores quienes efectúen las recogidas lo que da mucho más juego, sobre todo al aumentar la tensión por tener que salvar los imprevistos que se suceden. 

Ya digo que las situaciones están bien planteadas y desarrolladas, con muchas secuencias que te hacen sonreír, tanto las que tienen lugar en la residencia de ancianos, como durante el atraco. Un film menor en la carrera de Newman que seguro que algunos ni han oído nombrar jamás, pero que tiene su punto de divertimento.

CRIATURAS CELESTIALES

 

La amistad entre dos compañeras de colegio adolescentes es tan intensa y estrecha que despierta el recelo de los padres de una de ellas. Las chicas crean un mundo imaginario y lleno de fantasía en el que se refugian para vivir de espaldas al resto del mundo.

Ambientada en Nueva Zelanda a mediados del siglo XX, el guión se basa en la historia real de Juliet Hulme (interpretada por Kate Winslet) y Pauline Parker (que interpreta Melanie Lynskey), dos amigas que comparten el amor por la fantasía y la literatura y conspiran para matar a la madre de Pauline luego de que ésta intentara poner fin a la intensa y obsesiva relación de las chicas. 

El film supuso el debut en la pantalla de ambas protagonistas.

Es sabido que la realidad supera la ficción y, para quien lo dude, solamente tiene que echar un vistazo al asunto judicial que implicó a estas dos jovencitas. A pesar de ser una historia conocida, el neozelandés Peter Jackson, más conocido por haber dirigido la aclamada trilogía del "El Señor de los anillos", consigue sumergirnos en la peculiar relación de estas dos muchachas, una, Pauline, considerada la rara de la clase y otra, Juliet, hija una familia acomodada, a quien sus padres tampoco es que parezca que le hacen mucho caso (hay una escena recurrente, una ensoñanción de Juliet, en que se la ve a bordo de un barco, corriendo hacia sus padres que están de espaldas, toda una metáfora), dos niñas inteligentes, muy creativas y con una imaginación desbordante que crean su propio mundo, el reino de Borovnia, al que ellas llama el cuarto mundo, donde dan rienda suelta a su desbordante imaginario. El film logra fundir acertadamente el mundo real y la fantasía de Borovnia, que nos muestra con profusión de detalles, dos mundos que, para ellas, y así lo vemos reflejado, no están separados, sino que forman parte de un todo. En este mundo imaginario, ellas son una especie de princesas o heroínas, conviviendo con personajes ideales que las divierten, aman y protegen, encontrándose libres del mundo real en que se sienten incomprendidas. La narración es absorvente y logra sumergirnos en esta historia de final trágico sobre un asunto tremendamente delicado.

EL BANQUETE DE BODAS

 

Simon (Mitchell Lichtenstein) y Wai-Tung (Winston Chao) son dos gays que viven juntos en Manhattan. Para disipar las sospechas de los padres de Wai-Tung y, al tiempo, conseguir que dejen de abrumarle con su insistente deseo de que contraiga matrimonio, Simon sugiere que organice una boda de conveniencia con Wei-Wei (May Chin), una joven inmigrante que necesita la carta verde de inmigración para poder permanecer en los Estados Unidos. Pero cuando los padres de Wai-Tung llegan a Nueva York insisten en organizar el banquete, lo que traerá muchas complicaciones.

Conflicto generacional, diferencias socioculturas y problemas de identidad de género son los ingredientes sobre los que Ang Lee construye un relato que va desde la comedia, que preside la primera parte de la película, hasta el melodrama suave en que se va transformando poco a poco.

El realizador taiwanés podía haberse dejado llevar por los tópicos del enredo cómico o por el drama entre doloroso y lacrimógeno, o por ambos, pero decide sortearlos y dejar que la narración navegue de forma tangencial, incluso inteligente, por los bordes de la comedia y del drama. Nos reímos, claro, algunas situaciones son propicias para ello, también nos embarga la emoción en otros momentos, pero ya digo que Lee no incide especialmente en ello y logra que el sentimiento de afecto hacia los personajes nos enternezca en cierto modo, en una historia que, sin renunciar a plantear las situaciones que pueden ser incluso graciosas para nosotros, que las vemos desde fuera, pero que pueden ser dolorosas para quienes las sufren, consigue hacerlo de manera amable de modo que el film resulte divertido, entretenido y muy agradable de ver.