SIN MOVIMIENTOS BRUSCOS (NO SUDDEN MOVE)

 

Detroit, año 1954. Unos delincuentes de poca monta son contratados para robar lo que creen que es un simple documento. Cuando su plan no sale como ellos esperaban, emprenden la búsqueda de quien los contrató y de averiguar cuál era el propósito final.

Los dos protagonistas (Don Cheadle y Benicio del Toro), son delincuentes de tercera, contratados, a través de un intermediario, por alguien que no conocen, para hacer un trabajo aparentemente sencillo: retener a una mujer y sus hijos, mientras el tercero de la terna, acompaña al cabeza de familia para que les entregue un documento que se guarda en la caja fuerte del dueño de la empresa en que trabaja. Las sospechas que tenían por el generoso pago que reciben por un trabajo en apariencia tan sencillo, se acentúan cuando, al frustrarse su intento, se enteran de que han puesto precio a sus cabezas. Mientras tratan de sobrevivir, comienzan a investigar por su cuenta quién está arriba de la pirámide de cuya base formaban parte.

Un film noir con enredos de por medio, giros de guión y sorpresas que no son tan sorprendentes, para una historia que nos habla de corrupción de las grandes corporaciones para quienes lo más importante (quizá lo único), es la cuenta de resultados, los beneficios empresariales, todo lo demás, incluídas las personas, está en segundo plano y solo les interesa si les reporta algún dividendo. En su camino se cruzan estos dos tipos, unos don nadie, pero que saben desenvolverse en el mundo del hampa, aunque hasta cuando creen que ellos manejan la situación, en realidad están a expensas de lo que decidan los poderosos que siempre tendrán la última palabra y serán los que decidan si viven o mueren. 

La película resulta entretenida, pero sin llegar al nivel de otros títulos, algunos míticos, en los que se nos habla de delincuentes que juegan al gato y al ratón con sus patrocinadores mientras tratan de sacar tajada en forma de dinero, jugándose en ello la vida.

LA AVENTURA

 

Un grupo de italianos ricos se embarca en un viaje en yate a una desierta isla volcánica del archipiélago de las Eolias, al nordeste de Sicilia. Cuando están a punto de abandonar la isla, descubren que Anna (Lea Massari) ha desaparecido. El novio de Anna, Sandro (Gabriele Ferzetti), y su amiga Claudia (Monica Vitti), intentan sin éxito encontrarla. Mientras buscan, Claudia y Sandro desarrollan una atracción mutua. Cuando regresan a tierra, continúan la búsqueda sin éxito. Sandro y Claudia acaban convirtiéndose en amantes y casi se olvidan de la desaparecida Anna.

En su estreno en el Festival de cine de Cannes de 1960, la película fue abucheada de forma inmisericorde por el público, hasta el punto de que tanto Antonioni, como Monica Vitti, que acudían a la sesión, salieron del teatro poco menos que huyendo. La percepción fue cambiando tras la segunda proyección de tal manera que el film fue galardonado con el Premio especial del Jurado en ese mismo Festival.

¿Qué motivos hay para tales discrepancias, para que se llegue a tales extremos de contrasentido? ¿Acaso la crítica va por un lado y el público por otro y cuando aquella influye en éste, cambian las percepciones sobre una misma obra? Pues qué duda cabe que a veces es así. Pero yo creo que en este caso hay algún otro factor. 

Cualquiera que conozca un poco el cine italiano del pasado siglo sabe de la fama de lento y enigmático del cine de Antonioni, de que sus películas no son para todos los paladares, sin embargo hay gente, aficionados incluso que, a pesar de saberlo, cuando se encuentran con él por primera vez, no están preparados para digerir su cine que es un poco, como le pasa a la ópera en la música: Puede aburrirte porque no captas la belleza por falta de actitud o de preparación. 

La película, como le ocurre en general al cine del maestro italiano, es un prodigio de construcción cinematográfica. Pero es que además se halla plagada de simbolismos que no todos somos capaces de captar y que cuando te los explican, no dejan de producirnos admiración. 

Es una especie de reflexión sobre la ociosidad de algunos ricos, lo superficial de sus existencias y el vacío del que están rodeados a pesar de tenerlo todo. Ese vacío y esa ligereza en sus vidas, nos los acerca Antonioni mediante la forma narrativa elegida: diálogos breves, los desolados paisajes sicilianos y los edificios que muestran el pasado esplendor, hoy viejos y caducos. La fugacidad de los amores que busca el protagonista, maravillosamente remarcada en la figura de los trenes, la plasticidad de los encuadres, la belleza de las composiciones y la gran interpretación de Monica Vitti, son lo más atrayente del film.

BLOW-UP (DESEO DE UNA MAÑANA DE VERANO)

 

Thomas (David Hemmings), un fotógrafo de moda que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser algo tan turbador como inesperado, podría haber fotografiado un asesinato.

El guión, de Tonino Guerra y el propio realizador, Michelangelo Antonioni, adapta un cuento de Julio Cortázar titulado "Las babas del diablo", que forma parte del libro "Las armas secretas", publicado por primera vez en 1959. 

La película cambia algo con respecto al relato original, en el que un fotógrafo, que está tomando instantáneas en París, es testigo por casualidad de una extraña escena entre un adolescente y una mujer madura y atractiva y, a medida que va haciendo ampliaciones del negativo, descubre nuevos y perturbadores detalles que cambian la percepción de la escena.

Ya en el cuento de Cortázar hay una especie de reflexión entre lo que es real y lo que percibimos como realidad. Esa es la base de la película de Antonioni, un planteamiento que a mí, particularmente, me recuerda algo de la grandiosa obra de Proust "En busca del tiempo perdido", en que la memoria en sí misma es parcial y falible y lo que el narrador había considerado certezas sobre sí mismo y sobre los otros, cambia reiteradamente. Las controversias alrededor de la película, vienen más que de lo que pretende contar, de cómo lo cuenta, de su discurso narrativo y la forma elegida para hacerlo.

Para quienes han disfrutado de la película, la vida de este peculiar fotógrafo, sus relaciones con otras personas y con el entorno, los flirteos con el pop-art y las casi dos horas que emplea el realizador italiano en su film, son una maravilla en su conjunto. Pero también están quienes defienden lo contrario, que destroza el relato de Cortázar y que el film resulta enrevesado e insufrible.

Puntos de vista tan alejados que son difíciles de conciliar, incluso Sean Connery, a quien al parecer, se ofreció el papel protagonista, argumentó para declinar la oferta, que no podía entender de qué estaba hablando Antonioni. 

Estas controversias no dejan de tener su encanto, son recurrentes en cualquier faceta del arte, el cuadro que para ti es una obra maestra a mí no me dice nada y al contrario, porque la manifestación artística cada cual la vemos con nuestros propios ojos, de ahí su grandeza, también su miseria.

El propio Antonioni cuando hablaba de este film, decía que una película que puedes explicar con palabras, no es una película real. Al parecer siempre tuvo claro que el significado de su film, no estaba destinado a ser explicado. El fotógrafo, que no es un filósofo, quiere ver la realidad y al ir ampliando la toma de la imagen llega a distorsionar la realidad, el objeto mismo que quiere ver más de cerca, casi desaparece. Hay un momento, un instante en que captamos la realidad, o creemos haberla captado, pero ese momento pasa, ese puede ser el verdadero significado de Blow-Up. 

BOCCACCIO '70

 

Cuatro directores cuentan historias sobre el amor y las relaciones de pareja, dignas de un Decamerón de 1970. Monicelli cuenta la historia de los amantes de la clase trabajadora Renzo (Germano Gilioli) y Luciana (Marisa Solinas) que se casan pero deben ocultárselo a su empleador; además, necesitan una habitación propia. En "Le tentazioni del dottor Antonio", dirigida por Fellini, una valla publicitaria de Anita Ekberg que anuncia, provocativamente, leche, le da a un mojigato cruzado por la decencia, más de lo que puede manejar. En "Il lavoro", Visconti cuenta la historia de la esposa de un conde cuyas escapadas con prostitutas ocupan la portada de los periódicos y decide trabajar para demostrar su independencia, pero ¿para qué está capacitada?. De Sica relata una historia ambientada en Nápoles: "La riffa", en ella una sensual empleada de un puesto de tiro al blanco, se ofrece por una noche en una lotería para ayudar económicamente a los dueños de la atracción que esperan un hijo: un sacristán y un vaquero celoso forman un curioso triángulo amoroso. En cada uno de los relatos, las mujeres toman el mando, pero no siempre felizmente.

Estos cuatro grandes directores italianos hacen una adaptación cinematográfica de algunos cuentos de Boccaccio contenidos en su famosa obra El Decamerón.

Además de los realizadores, los diferentes capítulos cuentan con una buena nómina de nombres conocidos en los distintos apartados: Italo Calvino o Cesare Zavattini, en los guiones; partituras de Nino Rota o Armando Trovajoli; la producción de Carlo Ponti y los intérpretes, entre los cuales están Anita Ekberg, Peppino de Filippo, Romy Schneider, Romolo Valli, Giuliano Gemma (no acreditado, en un pequeño papel haciendo de Hércules) y, cómo no, Sophia Loren. 

El primer capítulo es una crítica de las condiciones laborales en general y de los jóvenes en particular, con algunas situaciones que parecían superadas y, por desgracia, han vuelto a tomar actualidad: Precariedad, contratos con cláusulas abusivas, dificultades para independizarse... 

El segundo capítulo, con una puesta en escena absolutamente reconocible, en la que cualquier aficionado, desde el primer fotograma y aún sin saber quien lo dirige, reconoce a Fellini y su universo, que nos acerca una crítica sobre la moral rancia de algunos intransigentes que, en realidad, esconde frustraciones y graves problemas psicológicos, verdaderos enfermos que contagian su amargura a los demás. 

Visconti reflexiona sobre la nobleza venida a menos y los matrimonios de conveniencia o de aquellos que se han dejado llevar por una cara bonita y descubren vacío y decepción tras la luminosa fachada. Una Romy Schneider absolutamente encantadora, magníficamente dirigida, que da altura a un relato que, de otro modo, se podría convertir en algo pesado, pero que deviene en una maravillosa historia, con un final a un tiempo revelador y sobrecogedor. 

Y, por fin, De Sica, que mezcla, una vez más, humor y crítica social, en una historia que se apoya en personajes de una sociedad napolitana absolutamente retrógrada y machista. Paletos incultos y una exuberante donna que sacrifica su cuerpo para ayudar económicamente a sus amigos a pesar del asco y la repulsa que ello le comporta. El capítulo tiene algo de cine realista, vemos la feria, los tratantes de ganado, las atracciones, las tabernas y, también, el atraso y las dificultades económicas de algunos.

Confieso la prevención que tenía antes de ver la película, pensando que se trataba de uno de esos films que se pusieron de moda en una época, en los que se reunía a directores de renombre y algunos actores con tirón para conseguir buenos rendimientos en taquilla. Sin embargo, sin que sea lo mejor que han hecho cada uno de los realizadores, es un film que merece la pena y que no carece en absoluto de interés.

MATRIMONIO A LA ITALIANA

 

En el Nápoles de la II Guerra Mundial, Filomena Marturano (Sophia Loren), una bella joven que está sola en el mundo, trabaja en un prostíbulo, pues no encuentra otra manera de ganarse la vida. Allí es donde conoce a Domenico Soriano (Marcello Mastroianni), más conocido como Don Mimi, un exitoso hombre de negocios que la retira de la profesión y la lleva a vivir a su casa. Ella trabaja para él, primero en la pastelería que regenta y otros negocios de su propiedad y después como doncella de su madre. En secreto, Filomena tiene tres hijos, que son criados por niñeras. Domenico comienza a planear casarse con una joven empleada, pero Filomena lo engaña para que se case con ella fingiendo que se muere. Al revelarse la verdad, Domenico anula el matrimonio y Filomena le habla de los tres niños. Ella dice que uno de ellos es de Domenico, pero sin aclarar cual.

 

El guión, de Renato Castellani, Tonino Guerra y otros colaboradores, adapta la exitosa obra teatral Filumena Marturano, del dramaturgo italiano Eduardo de Filipo.

Con el innegable aliciente de contemplar las interpretaciones de la maravillosa pareja protagonista, iconos del cine italiano, el principal atractivo del film, a mi parecer, es que sabe conjugar perfectamente el tono de comedia que preside gran parte de la narración, con el drama subyacente alrededor de esta mujer a la que la vida hace fuerte en medio de la frustración de no ver correspondidos sus anhelos de vivir sin esconderse con el hombre que ama. 

Domenico es un machista de tomo y lomo que tiene escondida a Filomena en casa y cuando sale con ella, lo hace a lugares solitarios, a pesar de que todo el mundo de su entorno, sabe de sobra que es su mantenida. Estereotipo de esos personajes con dinero y cierto poder que lo que quieren realmente es tener una esposa en casa, pero sin ningún tipo de compromiso como contrapartida. 

Es desgarradora la escena en que la mujer cuenta cómo fue su infancia, en una casa triste y mísera de la que recuerda el calor insoportable y que se sentaban a la mesa alrededor de un gran plato del que todos iban comiendo lo que había. Un panadero, cuenta, a veces se apiadaba de mí y me daba un pan caliente.

La única vez que mi padre se interesó por mí, confiesa Filomena, fue el día que cumplí 16 años y me dijo que ya era hora de que me marchara de casa. Me había convertido en una mujer y mi padre se había dado cuenta... el panadero también.

Un film divertido y crítico a partes iguales, quizá con algunas concesiones que convierten el drama en algo superficial y con una Sophia Loren en todo su esplendor físico e interpretativo, todo un torbellino de vitalidad y de garra actoral que arrasa la pantalla.

CLEO DE 5 A 7

 

Florence 'Cléo' Victoire (Corinne Marchand), una joven cantante con alguna canción exitosa en su carrera, espera impaciente los resultados de un examen médico. Cuando una adivina que lee las cartas le revela que tiene cáncer y que puede morir, su inquietud aumenta. Tratando de ocupar su tiempo a la espera de los resultados, Cleo conoce a Antoine (Antoine Bourseiller), un joven soldado, a punto de partir para hacer el servicio militar en Argelia, al que confía su temor a la muerte.

Se presentan dos horas, de 17:00 a 19:00h, en el día más largo del año (el solsticio de verano) en la vida de una joven parisina.

Hace dos días, se sometió a unas pruebas por problemas abdominales para ver si era cáncer. Recibirá los resultados hoy a las 18:30h. Está segura de que será un diagnóstico de cáncer terminal, su mente está obsesionada con ese resultado y lo que realmente significa. Esta creencia afecta la forma en que aborda el día, desde sus encuentros con amigos y conocidos hasta lo que observa en los extraños que la rodean. Hay ciertas cosas que la distraen temporalmente de la espera de los resultados de la prueba, pero algo siempre la traerá de vuelta a eso como el tema de su día. No es hasta justo antes de que llegue la hora, cuando se produce un encuentro casual con un extraño llamado Antoine, un soldado francés al final de una licencia de tres semanas de la Guerra de Argelia, que, por circunstancias distintas, también está en peligro de morir. 

Agnès Varda con sus largos travelling que siguen a la protagonista por las calles de la capital francesa, captura la atmósfera del París de los años 60 con este retrato de una cantante que busca respuestas mientras espera los resultados de una biopsia. Una crónica de dos horas cruciales en la vida de una mujer, Cléo de 5 a 7 es una mezcla cinema vérité y melodrama. La película presenta una partitura de Michel Legrand ( Los Paraguas de Cherburgo ) y cameos de Legrand, Jean-Luc Godard y Anna Karina.

CÓDIGO EMPERADOR

 

Juan (Luis Tosar) trabaja para los servicios secretos; con el fin de tener acceso al chalet de una pareja implicada en el tráfico de armas, mediante una artimaña, se gana la confianza de Wendy (Alexandra Masangkay), la asistenta filipina que vive en la casa y establece con ella una relación que se irá volviendo cada vez mas compleja. En paralelo, Juan realiza otros trabajos “no oficiales” para proteger los intereses de las élites más poderosas del país, que ahora han puesto sus ojos en Ángel González (Denis Gómez), un político aparentemente anodino cuyos trapos sucios deberá buscar o “inventar”.

Algunas críticas (me refiero a críticas de aficionados), la tachan de tener un guión confuso, yo creo que más que confuso, que puede que lo sea en algún momento, es embarullado, con idas y venidas de los personajes, sobre todo del protagonista, e historias paralelas que aparecen y desaparecen, como si lo hicieran de buenas a primeras y, además, ninguna de ellas acaba por concitar realmente interés, no se si por esa discontinuidad o por que parece que están ahí metidas de cualquier manera. Es cierto que al final del film todo acaba convergiendo y se desenreda la madeja o las madejas, tratando de dejar todo claro al espectador, pero sucede cuando ya hace un buen rato que ha dejado de interesar y estás esperando a que acabe para salir de la sala y darte cuenta, cuando llegas a la calle, de que te estás empezando a olvidar de ella.

 

La película se aguanta bien y no se hace pesada, yo creo que porque estos asuntos que tratan sobre las cloacas del estado, resultan siempre atractivos, muy mal hechos tienen que estar para que no sea así y, en este caso, los involucrados en el film, si algo tienen es oficio y experiencia, incluídos la mayoría de los intérpretes. 

Sin embargo, hay muchas cosas que la alejan de lo que podría haber sido un film bastante más interesante, mejor desarrollado y mucho mejor acabado y es que yo pienso que está mal contada, al menos, que no han sabido dar con el punto narrativo para sacar todo el partido de esta historia (de estas historias) que reflexionan sobre toda es serie de tipejos (desde los que mandan, hasta el último funcionario o secuaz) que están metidos en esa cosa turbia que llaman servicios de inteligencia. Unos personajes que quieren salvarnos, dicen, salvar a la sociedad de los peligros que la amenazan, que muchas veces son los peligros que amenazan exclusivamente a los ricos y poderosos y, para ello, se llevan por delante el honor, la dignidad y, si hace falta, la vida, de cualquiera de nosotros, personas insignificantes, si tenemos la mala suerte de cruzarnos en su camino. Más da la impresión de que el peligro son ellos ¡Dios nos libre!