EL ÁRBOL DE LA VIDA

La Sra. O'Brien (Jessica Chastain), recibe un telegrama en que se la informa del fallecimiento de uno de sus hijos, mientras el Sr. O'Brien (Brad Pitt) recibe idéntica noticia por teléfono. La familia se ve arrojada a un mundo de dolor al que intentan hacer frente desde el refugio de su hogar de la periferia de la ciudad.

Jack O'Brien (Sean Penn), otro de los hijos del matrimonio, se encuentra a la deriva en su vida como arquitecto. Por teléfono, le confiesa a su padre que piensa a diario en la muerte de su hermano.

En el film, recordamos como la familia O'Brian vivía en Waco (Tejas). La entonces joven pareja está cautivada por el jovencito Jack, y sus dos hermanos, ya que la familia crece rápidamente. La película se centra en la familia cuando Jack (Hunter McCracken) alcanza la adolescencia. El Sr. O'Brien intenta equilibrar su sentido paterno, con el gran amor que siente por sus hijos. Es severo y autoritario, a la vez que profundamente afectuoso y acogedor. Por el contrario, la Sra. O'Brien es cariñosa y empática, con una actitud más permisiva hacia sus hijos.

El Sr. O'Brien ansía el éxito económico y lamenta haber fracasado en su sueño de convertirse en un gran músico. Consigue patentes por varios inventos, pero ninguna parece darle beneficios. Mientras él está ausente, los chicos disfrutan de un acceso sin restricciones a su madre y Jack experimenta las primeras punzadas de rebeldía. Incitado por otros chicos de su edad, Jack comete actos de vandalismo y maltrato animal. Jack está confundido por sus experimentos con la violencia.

La película triunfó en el Festival de Cannes de 2011, con una excelente acogida de crítica y público, llevándose al final, la Palma de Oro del certamen.

Una película que levanta sentimientos extremos, no en vano, frente a quienes experimentan la sensación de haber asistido a un espectáculo único, hubo mucha gente, cuando se exhibía en cines, que abandonaba la sala incapaz de soportarla hasta el final por aburrida o ininteligible.

No resulta extraño si recordamos que el propio Sean Penn se mostró en desacuerdo con el trabajo de Terrence Malick, que, según él, desvirtuaba el guión. Algo de razón debe tener, pues si tomamos sus apariciones a lo largo del film de forma aislada, no debió entender demasiado en qué consistía su trabajo dentro del film y si acudimos a la cinta ya montada, es cierto que, posiblemente, su personaje es lo que peor encajado está dentro del conjunto y con ello no quiero decir que no tenga sentido, que lo tiene. De hecho, es el personaje central del film, no por los minutos de aparición en pantalla, pero muchos piensan que es el alter ego de Malick. Y es que resulta curioso el peso que los propios fantasmas del realizador tienen en la historia y la franqueza con que expone sus sentimientos sobre su infancia.

Más allá de la calidad y espectacularidad de las imágenes, estas tampoco han sido recibidas de forma unánime, pues hay quien ve una amalgama de fotogramas preciosos que nada aportan al relato. Sin embargo, esto es muy de Malick, esa especie de digresiones visuales que utiliza en sus películas en las que contemplamos el mecer de la hierba, el discurrir del agua, los amaneceres y los ocasos... Es Malick y así es su cine.

Otro tanto ocurre con las secuencias que quieren retratar el origen de la vida y la parábola que representan esas imágenes, que para algunos son un relato pretencioso.

Todo esto, como de costumbre, me imagino que poco habrá significado para el director Illinois, cuyas películas están dirigidas a espectadores que no vayan buscando el cine habitual y que exige de ellos cierto esfuerzo intelectual para la comprensión de su mensaje.

En cuanto a que el argumento resulte poco inteligible, pues bueno, es una opinión, una manera de verlo, yo creo que es poco convencional, pero me parece que se entiende perfectamente.

El propio Terrence Malick dijo que más que imágenes, con este film quería transmitir sentimientos. Que lo haya logrado o no, queda al gusto y la interpretación de cada cual, pero ese era su propósito y para ello, había de salir de los habituales parámetros, lo que convierte al film en un espectáculo que no es para cualquiera, sin menospreciar a nadie a quien no le guste.

EIGHTH GRADE

Kayla Day (Elsie Fisher) es una adolescente de 13 años que graba vídeos que colgará en su canal de You Tube, en los que se expresa con no demasiada soltura. En ellos habla a los amigos virtuales que le puedan ver de la importancia de ser uno mismo en la vida, manteniendo siempre la auténtica esencia, sin preocuparse por no ser aceptado en el entorno social y dejando a un lado objetivos tan triviales como la forzada búsqueda de ser más popular en el instituto u obtener las atenciones de la pareja más guapa. Unos consejos, desde luego, encomiables y que denotarían una gran madurez en alguien tan joven como Kayla de no ser por el hecho de que, en realidad, ella misma no se los aplica en su día a día. Todo lo contrario, la joven, tímida y callada (adjetivo que odia atribuirse), intenta por todos los medios agradar a los demás, a pesar de que le cuesta socializar por culpa de sus muchas inseguridades. Es consciente de que no es lo suficientemente interesante para mantener una conversación fluida sin caer en la repetición o la muletilla inoportuna. Tampoco es el prototipo de chica que acapara las miradas de los muchachos de su clase, que comienzan a descubrir tímidamente la sexualidad. Su cuerpo no es todo lo esbelto que venden los crueles cánones de belleza de las revistas o los vídeos musicales, tiene el rostro cubierto de acné y camina encorvando los hombros, como si la mochila que lleva a su espalda estuviese cargada de piedras. Kalya es invisible. Una presencia que se mueve por los pasillos de la escuela sin hacer ruido y pasando desapercibida para el resto del alumnado, que solo la tiene en cuenta a la hora de elegirla como la chica más callada del último curso de la escuela. De hecho, los vídeos de Kayla reciben muy pocas visitas, por lo que sirven más como forma de desahogar sus propias debilidades que como ayuda para otros jóvenes en su situación.

El guion del propio realizador, Bo Burnham, sorprende por varias razones. Por un lado, esquiva todos los lugares comunes y personajes arquetípicos que suelen poblar las comedias estudiantiles americanas para ofrecer un retrato muy real y reconocible de la generación actual. De este modo, dibuja un panorama un tanto desolador, con jóvenes que no levantan la mirada de sus teléfonos móviles, absorbidos por las bondades del ciberespacio, otorgando compulsivos "me gusta" a las publicaciones de las redes sociales y manejando aplicaciones como Instagram o Snapchat, desde las que comparten fotos con las que parecen competir por demostrar quién es más “guay”. Al mismo tiempo, el guionista se muestra absolutamente compasivo con su imperfecta heroína y, pese a que no escatima en enseñarnos los episodios más embarazosos en los que Kayla se ve envuelta (la fiesta de cumpleaños de la compañera popular que la ningunea; esa sesión de “verdad o reto” con el joven en el coche), logra que el espectador empatice en todo momento con ella, haciéndola tan cercana y humana que resulta imposible que no despierte ternura y cercanía.

Es cierto que el film recurre a la caricatura, quizá excesiva, en muchos tramos, pero no es menos cierto que, al contrario de lo que ocurre en otras muchas películas sobre adolescentes, esta transmite cercanía en sus personajes que nos resultan totalmente reconocibles trasladados a la realidad, con una espléndida Elsie Fisher en la que vemos realmente a una chica del montón, incluso poco agraciada físicamente y que realmente tiene la edad del personaje, no como en algunos films en los que vemos a veinteañeros interpretando a adolescentes y a chicas que, aunque se las quiera hacer pasar por personajes acomplejados por su aspecto, son tan agraciadas, que no les sacas ni un mal plano por más que se esfuerce el maquillador en pintarles granos en la cara o les pongan gafas.

Aunque vuelve a caricaturizarla en muchos momentos, resulta también bastante lograda la relación que nos pinta de la chica con su padre, mostrando los esfuerzos que realiza para compensar la ausencia de la figura materna y que nos ofrece una de las escenas más entrañables de la película, cuando Kayla quema sus recuerdos en el jardín trasero de la casa.

Un film que nos habla de inadaptación, pero también de una chica que se esfuerza por superarla en esa difícil etapa que es la adolescencia en la que los jóvenes se ven, en ocasiones, asfixiados por falsos referentes hasta que son capaces, con suerte, de encontrar su propio lugar en el mundo. Un relato sobre gente real que se enfrenta a desafíos reales.

EL MAYOR ESCÁNDALO TEATRAL DEL SIGLO XX

El 29 de mayo de 1913 el público parisino asistió en el Théâtre des Champs-Élysées a un acontecimiento excepcional: el estreno de La consagración de la primavera, música de Igor Stravinski, coreografía de Vaslav Nijinski. El público, aglomerado bajo la marquesina art déco del teatro, aguardaba expectante la representación de la compañía de los Ballets Russes de Serge Diaghiliev que protagonizaría el propio coreógrafo y excepcional bailarín Vaslav Nijinski. Las entradas habían llegado a duplicar el precio en los días previos al estreno. Con esta pieza, Stravinski tan sólo deseaba recrear un rito pagano inspirado en danzas antiguas eslovenas, pero el argumento era cruel: una atávica tribu imaginaria sacrificaba a una joven virgen para calmar al dios de la primavera.

La violencia rítmica y disonante de la música enervó a parte del público, acostumbrado al opio estético del Romanticismo. Desde la introducción se escucharon silbidos y estalló la violencia verbal del público. Antes del segundo acto explotó una algarabía en la sala que había sido dispuesta con la propuesta escenográfica modernista del pintor Nicolás Roerich, y la función se tornó inaudible. Stravinski había sacudido el espíritu de quienes, entre abucheos, presenciaban uno de los hitos más significativos de la música contemporánea. Una parte del público protestaba furiosa, mientras otros exigían silencio al considerar que estaban ante una obra de arte revolucionaria que, por fin, cortaba las amarras podridas del Romanticismo. El escándalo degeneró en violencia física y Stravinski, descompuesto, abandonó la sala bañado en lágrimas, mientras tuvieron que sujetar a Nijinski para que no se enfrentara con los espectadores.

Si el siglo XX ha sido el de la violencia, La consagración de la primavera fue la manifestación artística más violenta perpetrada contra el mundo civilizado hasta entonces.

¿Como gente a la que se le suponía una elevada preparación cultural explotó de aquella manera? Algunos han querido ver un precedente, si bien en el mundo del arte, de lo que ocurriría en Europa tan sólo trece meses después, el magnicidio del archiduque Francisco Fernando desataría una terrible guerra que rompería los cimientos de la política y de la sociedad europea, la más avanzada y culta del momento.

JANE FONDA IN FIVE ACTS (JANE FONDA EN CINCO ACTOS)

Una mirada a la vida, el trabajo, el activismo y las controversias como actriz y como persona de Jane Fonda a través de 5 actos divididos en: su padre Henry Fonda, sus tres conocidos maridos -Roger Vadim, Tom Hayden y Ted Turner- y finamente ella misma.

La película es un documental original de la cadena HBO, que explora la trayectoria personal y profesional de la actriz. La hija del reconocido actor Henry Fonda y de Frances Ford Seymour, se dio a conocer en el mundo artístico por su interpretación sensual del personaje de Barbarella, pero la actriz norteamericana no solo ha destacado por una prolífica carrera que interrumpió (temporalmente) en 1991 y retomó en 2005 con ‘La madre del novio’ (Robert Luketic, 2005). Convertida en mito erótico de los 60, la intérprete se ha caracterizado por su acérrima defensa de las causas civiles y humanitarias. Antibelicista y feminista militante, ha participado en diversas manifestaciones contra las guerras de Irak y Vietnam..

Pero no todo son luces en la vida de la artista, fruto de 21 horas de entrevistas, Fonda habla honestamente sobre su vida y sus errores. Explora el dolor por el suicidio de su madre, la falta de disponibilidad emocional de su padre, 30 años de bulimia, y tres matrimonios con hombres públicos, pero muy diferentes a los que ella siempre trató de adaptarse. La película también incluye entrevistas con la familia y los amigos de la actriz, como Tom Hayden, Ted Turner, Robert Redford y Lily Tomlin, así como imágenes exclusivas de su vida actual, a sus 80 años.

Se ve la buena mano y la experiencia de la realizadora norteamericana Susan Lacy, que ya ha hecho este tipo de trabajos sobre las figuras de Paul Simon, Leonard Bernstein o Steven Spielberg. Es algo más que un documental, todo un repaso, somero, pero efectivo, a algunos de los acontecimientos de la segunda mitad del pasado siglo y principios de este, en que los EE.UU. estuvieron involucrados. Y es que la figura de Jane Fonda participó o estuvo presente en algunos de estos hechos, aunque quizá el más conocido fue la guerra de Vietnan, contra la que se mostró incansable luchadora, aunque no desde el comienzo, como muchos piensan, sino que fue descubriendo la irresponsabilidad de aquel conflicto que, al principio, veía como un acto patriótico por parte de su país. Tras comenzar su lucha en favor del fin de la guerra, acudió incluso a Vietnam del Norte en un viaje que tuvo tanto de valiente como de irresponsable, sin tener en cuenta los peligros potenciales a que se exponía y que le originó numerosos enemigos en su país. Pero como dice su ex-marido Ted Turner, Jane consiguió que Nixon anulase el bombardeo ya previsto de las presas vietnamitas, lo que hubiera originado inundaciones que se hubieran llevado por delante la vida de cientos de miles de personas y lo hizo poniéndose ante ellas.

La película dura más de dos horas y no voy a decir que se haga corta, pero para nada se hace larga, todo lo contrario, el documental está magníficamente planificado y muy bien hecho, de esos programas que cuando llevas cinco minutos viéndolo, eres consciente de que vas a seguir hasta el final.

Quizá se eche de menos una mayor explicación de la relación de Jane Fonda con su hija, que se ve que no es del todo satisfactoria y de la que mantiene o mantuvo con su hermano Peter, de la que apenas se habla.

Por lo demás, ya digo que es muy interesante asistir a la fascinante vida de esta mujer que habla sin tapujos de su pasado, del presente que está viviendo y lo hace sin malas palabras para nadie o casi nadie, agradeciendo a la vida las oportunidades que ha tenido y reconociendo más de un error en su existencia.

Toda una sorpresa descubrir que esta magnífica, escultural, siempre bella (belleza que aún mantiene con su edad), inteligente, talentosa mujer, se vio obstaculizada durante una buena parte de su vida por la inseguridad. Y que sabiendo lo valiente que ha sido en numerosas ocasiones, aún sigue siendo una persona vulnerable. Una mujer que acepta su pasado con todos sus errores y orgullosa de sus aciertos y que sabe reconocer la capacidad liberadora del perdón, de perdonarse a uno mismo, pedir perdón a los otros y perdonar a los demás.

THREE IDENTICAL STRANGERS (TRES IDÉNTICOS DESCONOCIDOS)

Los trillizos Robert Shafran, Eddy Galland y David Kellman, no se conocieron hasta 1980, cuando tenían 19 años, gracias a que Bobby y Eddy asistieron por casualidad al Sullivan County College con un año de diferencia. Estudiantes que conocían a Eddy, se percataron del indudable parecido físico que tenía con Bobby cuando este llegó al campus.

David se reunió con sus hermanos biológicos poco después, cuando la historia de su reencuentro se publicó en los medios, incluyendo fotografías de ambos.

Mientras Bobby, Eddy y David, durante esos primeros años se dedicaron a recorrer el circuito que suponían las entrevistas en esos medios de comunicación y a pasar juntos todo el tiempo después de tantos años separados, sus respectivos padres adoptivos, procedentes cada uno de la clase media alta, la clase media y la clase trabajadora, respectivamente, tenían muchas preguntas que formular a la agencia de adopción Louise Wise, la mayor de las dedicadas al asunto y especializada en familias judías, pues a ninguno de ellos se les había dicho cuando se les ofreció la adopción, que los tres niños eran trillizos que iban a ser separados.

La reunión que mantuvieron con los administradores de Louise Wise, proporcionó poca información a los padres y no fue hasta que comenzaron a surgir problemas entre los hermanos, cuando ellos mismos empezaron a preguntarse por las razones que llevaron a separarlos en lugar de mantenerlos juntos.

El documental narra las vicisitudes de los tres hermanos que fueron parte activa, sin ellos saberlo, en un experimento psicológico. Como dice Bobby: Nos llamaban sujetos, pero en realidad éramos víctimas.

En 1995, el periodista ganador del Premio Pulitzer Lawrence Wright publicó un artículo en The New Yorker arrojando luz sobre un inquietante estudio psicológico. La investigación científica ideada por el destacado psicólogo Dr. Peter Neubauer y su Child Development Center, se propuso responder a la pregunta fundamental de la naturaleza frente a la crianza. A través de la ahora extinta agencia de adopción Louise Wise, un número desconocido de gemelos y trillizos fueron ubicados en diferentes hogares y observados en secreto durante años, por investigadores que realizaban visitas domiciliarias (a los padres se les decía que eran visitas estándar, para rastrear el progreso de los niños adoptivos).

El documental va aportando, poco a poco, los datos de que se disponía en el momento del rodaje, lo hace de manera que el espectador se vea atraído por la historia a la que dota de un cierto aire de incertidumbre por conocer qué es lo que ocurrió alrededor de este extraño e inquietante suceso.

La pregunta de qué es lo que influye más en el comportamiento de una persona, si su herencia genética o la crianza y la educación que ha recibido, es la que flota constantemente. Es curioso que, al parecer y por lo que se conoce, el estudio, que permanece secreto bajo custodia de la Universidad de Yale, tampoco reveló más conclusiones que aquellas a que se hubiera llegado a través del razonamiento y la reflexión, sin necesidad de haber sometido a los niños y a las familias a esta prueba moralmente discutible.

La cinta ofrece más preguntas que respuestas y deja que seamos quienes la vemos los que saquemos nuestras propias conclusiones, sobre todo en lo referente a la calidad moral de este tipo de experimentos en que seres humanos son utilizados como cobayas y aún otra pregunta más angustiosa: ¿Estaremos siendo sometidos a otro tipo de experimentos sin saberlo?

Trabajo muy interesante, elaborado con inteligencia y que resulta entretenido y, en cierto modo, aleccionador, pero también muy inquietante.

LA VIDA DE PI

Pi Patel (Suraj Sharma) es un joven hindú cuyo padre, un hombre de ciencia y ateo, es dueño de un zoológico, mientras su madre es una mujer de fe hindú que le educa en la religión y despierta en él su curiosidad por el mundo espiritual. De hecho, en casa de la familia Patel, se generan grandes debates entre ciencia y religión, siempre en tono respetuoso, dotando a Pi de unos conocimientos que le llevan a explorar otras religiones en busca de Dios. Así, el hinduismo le ha enseñado la conexión con la naturaleza y el universo; el Islam le ha dado la noción de sumisión a la voluntad divina y, finalmente, el cristianismo le ha enseñado que el hombre está creado a imagen y semejanza de Dios y que el amor al prójimo tiene un poder movilizador y sanador. Su madre lo apoya en su búsqueda. Su padre no se opone a que busque a Dios, pero le exhorta a que elija un único camino. De cualquier modo, no oculta su preferencia porque su hijo adopte una mirada racional y científica ante la vida.

Las difíciles perspectivas de futuro obliga al padre de Pi a mudarse a Canadá junto a toda la familia y todos los animales de su zoológico, pues estos pueden ser vendidos a mejor precio en América que en la India. Esto obligará a Pi a separarse de su amada Anandi (Shravanthi Sainath), una chica a la que conoció en clases de danza hindú en las que él tocaba la percusión.

El naufragio del barco en el que viajan, supondrá un giro inesperado en la vida del joven, que vivirá seis meses en un bote a la deriva, acompañado por un tigre de bengala llamado Richard Parker, que ha ido devorando a los otros animales que sobrevivieron al naufragio.

El guión se basa en la novela del mismo nombre que el canadiense Yann Martel, publicó en 2001.

Martel nació en Salamanca (España), donde su padre cursaba un doctorado en Letras.

La película tiene gran calidad técnica y visualmente es hipnotizante para el espectador, con un buen número de secuencias que, en sí mismas, son verdaderas obras de arte para los sentidos y que le subyugan a uno más allá de la historia que narra.

Historia de la que, por otra parte, tampoco conviene hablar demasiado para que, quienes no hayan visto la película, se dejen sorprender por los minutos finales del film en el que todo el aparente puzzle sin demasiado sentido que hemos estado presenciando, de repente encaje en un desenlace original y en el que queda explicada esta especie de parábola en la que se reúnen una particular visión de las religiones y la fe en un ser supremo y la capacidad de supervivencia del hombre que, en ocasiones, cuando las decisiones a tomar para sortear obstáculos aparentemente insalvables, son traumáticas, aprende a disfrazar la realidad para autojustificarlas.

El libro de Yann Martel era considerado como imposible de trasladar a la pantalla, sin embargo, Ang Lee y su equipo supieron hacer una bella película, cuya historia a algunos parecerá uno de esos cuentos que se inventan las religiones para ganar adeptos, pero seguro que a más de uno emocionará y a todos cautivará con sus imágenes espectaculares.

DON'T WORRY, HE WON'T GET FAR ON FOOT (NO TE PREOCUPES, NO LLEGARÁ LEJOS A PIE)

John Callahan (Joaquin Phoenix), tenía 21 años cuando su vida cambió para siempre, víctima de un accidente automovilístico que le deja postrado en silla de ruedas, descubre el poder terapéutico del arte y se esfuerza para que sus manos maltrechas dibujen caricaturas hilarantes, a menudo polémicas, que le brindan una nueva oportunidad de vida.

Cuando se produjo el accidente, él no conducía, aunque iba ebrio como la persona que manejaba su Volkswagen. Callahan casi pierde la vida, pero lo último en que piensa es en dejar el alcohol.

A pesar de ello, y a regañadientes, ingresa en un programa de rehabilitación para alcohólicos, alentado por su novia, Annu (Rooney Mara), una terapeuta a la que conoció cuando estaba en el hospital y por un carismático patrocinador (así llaman a quien lidera el grupo de rehabilitación de alcohólicos) llamado Donnie (Jonah Hill), descubriendo el regalo que para él supone dibujar caricaturas para un periódico irreverente que le otorgan una especie de nueva vida y la oportunidad de llegar a personas de todo el país, por medio de sus viñetas en las que trata temas que para muchos son tabú: humor acerca de las personas discapacitadas, acerca de figuras históricas intocables, acerca de grupos como el KKK, demostrando que con un poco de ingenio, era posible reírnos de lo peor de la humanidad, y de nuestros momentos más difíciles.

El guión se basa en la autobiografía del propio John Callahan, que publicó poco antes de morir con el título de Will the Real John Callahan Please Stand Up?.

Las viñetas con las que busca su salvación fueron publicadas primero por un periódico universitario, después en el «Willamette Week» de Portland y más tarde en «PlayBoy» y la prestigiosa «New Yorker». Todas generaron cientos de cartas al director lamentando la crudeza, la falta de decoro o el mal gusto de aquellas historietas. Al dibujante esto no le importaba mucho: solía burlarse de sus críticos, quienes lo calificaban de irrespetuoso, y decía que la única opinión que le interesaba era la de gente como él.

Con un humor negro un tanto particular, la historia no se desarrolla de una manera lineal, sino que transcurre a través de numerosos flashback, muy bien montados, que logran darle vitalidad a la narración, en los que el protagonista nos va contando su vida: cómo era antes del accidente, lo que supuso para él quedarse cuadrapléjico, la relación con el joven que le asiste y el descubrimiento de un nuevo mundo a través del grupo de apoyo de Alcohólicos Anónimos, con el líder del grupo a la cabeza, un personaje interpretado muy bien por Jonah Hill, que le va guiando por la dura senda de la desintoxicación.

Un film que es todo un canto a la amistad, a la solidaridad entre quienes tienen problemas en la vida y a la autosuperación a través de la aceptación de las desgracias y la responsabilidad que tenemos en que hayan caído sobre nosotros y, una vez hecho eso, tratar de sacar lecciones positivas y, en lo posible, tomarnos la vida con humor y como un regalo en el que nuestra propia historia, por desgraciada que sea, siempre puede encontrar una razón de ser ayudando a otros.

Magnífico trabajo de Joaquin Phoenix, creando un personaje con el que llegamos a sentir cercanía a pesar de su peculiar forma de ser, pues se nos hace simpático, muy bien secundado por el resto del elenco que componen un cuadro que homenajea, en cierto sentido, a todas esas personas que desde su propia desgracia o, simplemente, por propia convicción, están siempre en disposición de echar una mano a quien lo necesita.

El proyecto de la película llevaba alrededor de una década rodando por estudios independientes para llevarlo al cine, incluso se habló de Robin Williams como protagonista en algún momento.

El título está sacado de una de las viñetas más famosas de Callahan que se reproduce más abajo.