¡OLVÍDATE DE MÍ!

Joel Barish (Jim Carrey) descubre que su novia Clementine Kruczynski (Kate Winslet), se sometió a un procedimiento experimental de psiquiatría en el que se eliminaron todos sus recuerdos de Joel, después de que la pareja haya intentado durante un tiempo lograr que su relación funcione fluidamente.

Frustrado por la idea de seguir enamorado de una mujer que no recuerda el tiempo que pasaron juntos, Joel, se pone en contacto con el creador del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak (Tom Wilkinson), para que, a su vez, borre a Clementine de su memoria.

Joel y Clementine se vuelven a conocer durante un viaje en el ferrocarril de Long Island y se sienten atraídos casi inmediatamente a pesar de sus personalidades opuestas: Joel es tímido y ella es muy espontánea. A pesar de no recordarlo debido al proceso de borrado a que se sometieron, ambos fueron novios durante dos años.

Durante el proceso, Joel vuelve a rememorar, como si rebobinara, sus momentos junto a Clementine, comenzando desde la desintegración de la relación. A medida que llega a los recuerdos más felices de los comienzos de su relación con Clementine, decide conservar por lo menos parte de esos recuerdos de ella y de su amor, tratando de evitar el procedimiento, llevando sus memorias idealizadas de Clementine a recuerdos que no tienen relación con ella, o intentando despertar para detener el procedimiento.

Otras tramas separadas, pero relacionadas, giran en torno a los empleados de Lacuna y se desarrollan durante el proceso de borrado de memoria de Joel. Por ejemplo, Patrick (Elijah Wood), uno de los técnicos de Lacuna (la empresa que realiza el borrado), utiliza las memorias de Joel para seducir a Clementine.

Mediante una espléndida labor de montaje, la película nos va llevando, de manera no lineal, a través de esta historia de amor y desamor, tratando de encontrar un enfoque diferente al de las típicas películas que tratan de las relaciones de pareja.

El film tiene un claro componente de ciencia ficción en lo referido al proceso de borrado de memoria que, como dice su creador, técnicamente es como una lesión cerebral, ya que interviene en una zona del cerebro donde almacenamos esos recuerdos.

Seguramente lo más interesante de la película sea la forma de tratar la relación romántica que la hace cercana y reconocible. No estamos ante una una historia con final feliz en que ambos logran superar sus diferencias; ni ante un final de ruptura en el que tiran la toalla tras constatar el fracaso de su vida en común, sino que el guión, muy bien construído y que se llevó el Oscar al Mejor Guión Original, trata de plantear otros caminos que den originalidad a un tema que, de lo contrario, caería en los tópicos y sería una de tantas películas de enamorados que acaban fracasando.

Bien interpretada, estamos ante una ingeniosa historia de amor y desamor que resulta muy entretenida y original.

LA CONJURACIÓN DE CATILINA

La famosa conjuración tramada el año 63 a.C. por Catilina ayudado por un grupo de jóvenes de la nobleza para apoderarse del mando de Roma, es conocida principalmente por las vigorosas piezas oratorias que contra él pronunció el gran orador romano Marco Tulio Cicerón, llamadas Catilianarias.

Pero la historia de esta revolución fue escrita casi veinte años más tarde (probablemente en el 47 a. C.) por Cayo Salustio Crispo. El libro nos habla de la monstruosidad del personaje de Catilina y el riesgo que ha corrido el Estado. Salustio habla de acontecimientos que ha conocido bien: tenía veinticuatro años cuando tuvieron lugar.

La narración va precedida por unas consideraciones morales en que el autor justifica su decisión de dedicarse al cultivo de la historia, en concreto la historia del pueblo romano y, dentro de esta, ha elegido en primer lugar la conjuración de Catilina.

Al entrar en materia, lo primero que le atrae es la figura del personaje, un personaje de naturaleza extraña y demoníaca, que tiene las características fundamentales de la maldad y la fuerza puestas al servicio de una desmedida ambición.

Conocido ya el protagonista y la sociedad en que se mueve, vemos cómo se genera la conjuración y cómo se desarrolla a través de un relato dramático que no pierde su interés hasta el desenlace en la batalla de Pistoya.

El autor había nacido en Amiterno (Sabina) el 87 a. C., de familia plebeya, pero su juventud transcurrió en Roma, donde recibió la educación típica de la época: retórica y filosofía. Militó en el partido democrático, uno de cuyos jefes era César, y tomó parte en las frecuentes revueltas callejeras que ensangrentaban Roma en esos años.

Empezó el cursus honorum y fue cuestor y tribuno de la plebe en el 52 a. C. Entró así en el Senado, pero fue expulsado de él por los censores con el pretexto de llevar una vida inmoral, aunque más bien debe interpretarse como una venganza personal. Tomó parte a favor de César en las campañas de la guerra civil en Africa. Después del triunfo de César, este le nombró propretor en Numidia, donde tuvo ocasión de estudiar la historia y geografía del país y de amasar una gran fortuna. A la muerte de César, se retiró a gozar de sus riquezas en una finca de Tívoli, compró además una gran extensión de terreno en Roma e hizo plantar en él unos jardines, que con el tiempo llevaron su nombre (horti Sallustiani) y más tarde fueron residencia imperial. Ocupó su retiro en la composición de sus obras históricas.

Con su Conjuración de Catilina, nos ha legado una obra de gran valor literario y un documento de gran importancia para el conocimiento de los últimos años de la república romana.

NAPOLEÓN DYNAMITE

La familia Dynamite es un tanto peculiar. Los dos hermanos, Napoleón (Jon Heder) y Kip (Aaron Ruell), que tiene 32 años, viven en Preston (Idaho) con su abuela (Sandy Martin), que tiene como mascota una llama que deambula por una zona de césped vallada junto a la casa.

La abuela, que se ha ido a pasar un fin de semana con su novio a las dunas del desierto, sufre un accidente cuando saltaba las dunas con un quad y se ha roto el coxis, por lo que pide al tío Rico (Jon Gries), que pase unos días en la casa con Napoleón y Kip, ya que alberga dudas sobre si estos serán capaces de cuidar de sí mismos.

Este último es un apasionado de la tecnología y de todo lo que tiene que ver con ella, aunque últimamente no hace nada, pues pasa la mayor parte del tiempo hablando por internet con Lafawnduh (Shondrella Avery), una joven a la que ha conocido en una sala de chat y que irá a visitarlo a su casa.

El tío Rico que, en cierto modo, viene a entorpecer la rutina familiar, vive en una autocaravana pintada de color naranja y se dedica a vender a domicilio artículos de lo más variopinto.

Napoleón aún va al instituto, es un chico diferente, de los considerados raros, con dificultades para socializar con el resto de alumnos y al que las chicas apenas hacen caso, ni siquiera para reírse de él, mientras inventa constantemente fantásticas historias sobre sí mismo y asume una actitud huraña y distante.

Al instituto llega un nuevo alumno, Pedro (Efren Ramirez), un joven mexicano. Napoleón y Pedro se hacen amigos y cuando este último presenta su candidatura para presidente de la escuela, Napoleón se implica en la campaña de manera absoluta para conseguir que su amigo logre su sueño.

La película vuelve del revés los clásicos planteamientos de las películas de adolescentes. Aquí hay animadoras y matones, los pasillos tienen las clásicas taquillas, los muchachos de más éxito se dedican al deporte y hay un baile de fin de curso, pero todo ello está tratado de un modo que evita los estereotipos para acercarnos a unos personajes que nos resultan cercanos, algunos de ellos, precisamente, por lo estrambótico de sus actitudes.

Napoleón es un tipo raro, acorde con la familia en que vive, puede parecernos, en muchos momentos, un completo imbécil. Pero ¿quienes son los normales?, ¿el matón del instituto que le golpea la cabeza contra las taquillas?...

Una película que hay que ver como una especie boutade en tono humorístico sobre esas personas "diferentes" que nos rodean, con un planteamiento muy original y que solamente podrá disfrutarse si la contemplamos con esos ojos.

Se agradece que hasta las escenas de cierto romanticismo huyan de las clásicas de estas películas sobre jóvenes en que parece que no para de picarles la entrepierna.

Para quienes no la hayan visto, advertir que hay que esperar a que acaben los títulos de crédito, porque tiene propina final.

PEQUEÑA MISS SUNSHINE

Los Hoover son una familia muy peculiar que vive en Alburquerque (Nuevo México): El abuelo Edwin (Alan Arkin), fue expulsado de una institución para ancianos (Sunset Manor), esnifa cocaína y suelta palabrotas; el padre, Richard (Greg Kinnear) fracasa estrepitosamente dando cursos e intentando vender su método de autoayuda para alcanzar el éxito en nueve pasos; Sheryl (Toni Collette), la madre no da abasto; el tío, Frank (Steve Carell), al que su hermana Sheryl ha llevado a vivir con ellos, es homosexual, un experto en Proust y se está recuperando de un suicidio frustrado tras ser abandonado por su novio y ver como su principal competidor es reconocido como el principal conocedor de la obra del autor francés; el hijo adolescente, Dwayne (Paul Dano) lee a Nietzsche y ha hecho voto de silencio absoluto, su aspiración es llegar a piloto de aviones a reacción. Y Olive (Abigail Breslin), la hija pequeña, una niña gafotas y más bien gordita, quiere ser reina de la belleza. Cuando, gracias a un golpe de suerte, la invitan a participar en el concurso de 'Pequeña Miss Sunshine', en Redondo Beach, California, la acompaña toda la familia. Hacinados en una anticuada furgoneta Volkswagen, se dirigen hacia el Oeste en un trágicómico periplo de tres días lleno de inesperadas sorpresas, con la esperanza de ganar el concurso y de este modo, hacer realidad un sueño.

El debut de Olive será el detonante de un cambio profundo en esta familia de inadaptados.

Recuerdo el impacto que tuvo en los cines esta película cuando se estrenó en España, un film que había conseguido un gran éxito de taquilla en EE.UU. sin apenas promoción comercial que le precediese, una de esas raras ocasiones en que es el público el que aúpa a una película hasta el éxito sin necesidad de haber sido bombardeado previamente por campaña promocional alguna.

Y es que la propuesta de Jonathan Dayton y Valerie Faris, que codirigieron el film, nos acerca una historia sencilla, con unos personajes cercanos y creíbles, una familia que se enfrenta al fracaso de sus sueños haciendo de tripas corazón, primero hundiéndose en la miseria de ese fracaso, para, una vez aceptado, tratar de salir del atolladero y continuar la vida como mejor puedan. Al fin y al cabo, lo que nos sucede a todos, al menos alguna vez en la vida.

Apoyada en un bien construído guión de Michael Arndt, el film nos trae una historia que, a pesar de no ser nada del otro mundo, tiene una aire de frescura y originalidad y supone una crítica con lenguaje humorístico, pero hecha desde la reflexión, al mundo de los concursos y del éxito a cualquier precio.

Divertida, original e inteligente.

DÉJAME SALIR

Chris Washington (Daniel Kaluuya), un joven fotógrafo afroamericano de gran talento, se prepara para reunirse con los padres de su novia blanca, Rose Armitage (Allison Williams), durante un fin de semana en su casa del lago Pontaco. Chris y Rose han estado juntos durante cinco meses, y los Armitage desconocen por completo que el novio de su hija es negro.

Cuando Chris finalmente se encuentre con la madre de Rose, una psiquiatra especializada en hipnosis, y su padre, un neurocirujano, pronto se dará cuenta de que la familia está rodeada de sirvientes negros en la total privacidad de su magnífica y aislada propiedad en el bosque. Poco a poco, a medida que el ambiente amistoso y cortés da paso a una amenaza indistinguible e irreconocible, el estado de ánimo inquietante junto con el puro temor perturbará rápidamente la fachada tranquila de la familia. ¿Qué podrían estar ocultando los Armitage? ¿Y por qué hay una habitación cerrada que conduce al sótano?

Lejos de apaciguar la especie de paranoia en que ha entrado Chris, la llegada de un montón de invitados a lo que la familia denomina su fiesta anual, empeora las cosas, pues Chris empieza a percibir comportamientos que le parecen poco naturales en algunos de ellos, así como en la actitud de los sirvientes de la casa y de Jeremy (Caleb Landry Jones), el hermano de Rose.

Algunas de estas cosas que le ponen nervioso, se las va diciendo Chris por teléfono a su amigo Walter (Marcus Henderson), un agente de transportes que se encargará de cuidar al perro de Chris durante su ausencia y que acabará siendo el único que atienda las sospechas de Chris.

El guión, del propio realizador del film, Jordan Peele, obtuvo el Oscar al mejor guión original en 2017. Un guión en el que llevaba trabajando unos cuantos años y que por las connotaciones del mismo, ante la relajación del sentimiento racista en EE.UU. tras la elección de Obama como presidente, parecía como si se le hubiera pasado el momento oportuno de llevarlo a la pantalla. Sin embargo, el resurgir de la xenofobía y el racismo en algunos sectores sociales, convenció a Peele de que quizá, esta era la ocasión de sacar adelante su proyecto.

Jordan Peele citó clásicos del terror como La noche de los muertos vivientes (1968), La semilla del diablo (1968) y Las mujeres de Stepford (1975) como inspiración para crear esta película.

Poco debemos hablar del argumento y posterior desarrollo de la película si no queremos estropear la grata experiencia de quienes la contemplan por primera vez y tienen la ocasión de ir descubriendo el encaje final de todas las anteriores secuencias que el film ha ido mostrando a modo de pistas y de señales que cuando estamos viendo, algunas veces o nos dicen poco, o no tienen demasiado sentido, hasta que al llegar al desenlace descubrimos que todo aquello tenía un porqué y encaja a la perfección en el mensaje final que se nos quiere dejar. En ciertos aspectos me ha recordado a El sexto sentido, en incluso en algunos pasajes, sobre todo en las escenas del final, a El resplandor.

La película encierra mucho más de lo que parece y bajo la capa de un film mezcla de suspense y terror, hay una continua metáfora sobre las nuevas formas de racismo y esclavitud, mucho más sofisticadas que el descarado sometimiento de las razas consideradas inferiores, para dar paso a una nueva esclavitud escondida tras la apariencia de aceptación al diferente al que, sin embargo, se le mantiene sojuzgado y se le sigue considerando inferior.

Una buena película, de esas que en una segunda revisión, continuas descubriendo detalles que se habían pasado por alto, apoyada en un buen trabajo de actores y en un guión muy trabajado y tremendamente cuidado en los detalles.

ACROSS THE UNIVERSE

Musical romántico ambientado en los años 60 del siglo XX, en la época de las turbulentas protestas contra la guerra de Vietnam, la exploración mental y el rock'n roll. La historia gira en torno a institutos y universidades en Massachusetts, Princeton y Ohio, y se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village en Nueva York; desde las revueltas en las calles de Detroit hasta los campos de muerte de Vietnam.

En un baile de fin de curso, Lucy Carrigan (Evan Rachel Wood) baila junto con su novio Daniel (Spencer Liff) y sus compañeros de clase. Toca una banda clásica, mientras Lucy le canta a Daniel: Dime que soy la única.

En otra parte del mundo, otra pareja en Liverpool está cantando y bailando la misma canción en un oscuro y subterráneo bar de Liverpool, una referencia al Cavern Club, donde los Beatles comenzaron su carrera. Jude (Jim Sturgess) abraza a su novia mientras canta: Déjame seguir amándote. Deambulando por una calle oscura y húmeda después de salir del bar, Jude y su novia se toman de la mano y caminan sobre los adoquines. Se detienen para besarse en el camino, mientras ella le dice a Jude que no la olvide mientras está en América. Él se ríe y la consuela, cantando Mientras estoy lejos, escribiré en casa todos los días y te enviaré todo mi cariño. Mientras Jude continúa cantando All My Loving, prepara su bolsa de viaje, besa a su madre y se dirige a los muelles para abordar un barco que le llevará a Estados Unidos, buscando a su padre en Nueva Jersey.

De vuelta en la casa de Daniel, Lucy lo está imaginando en el campamento de entrenamiento y en Vietnam. Con su nuevo uniforme, Daniel se va mientras Lucy corre detrás del auto. Luego vemos a Lucy sentada en su cama escribiendo una carta, claramente para Daniel.

El argumento del film se estructura alrededor de unas cuantas canciones de los Beatles, con lo que, como alguien ha apuntado, en algunos momentos, el hecho de que las letras de esas canciones cobren sentido dentro del guión, lastra algo el desarrollo de la acción, pero en general, han conseguido hacerlo bastante bien, más teniendo en cuenta que, según los entendidos, no es sencillo combinar todas esas canciones y que el resultado tenga coherencia.

Esta llena de referencias a los sesenta y setenta del pasado siglo y allí quedan reflejadas las protestas anti-Vietnam, las veleidades lisérgicas y los cambios que se estaban produciendo en el mundo, tanto en la política, como en la música o en la cultura en general.

La directora, Julie Taymor, experimenta con planos e imágenes que buscan lo diferente, con coreografías que se salen de los cánones y mucha psicodelia en algunos tramos del film, lo que no deja de ser una manera de llevarnos a la época en la que imperaba el zoom y los efectos visuales de este tipo en la televisión y el cine.

La película, para disfrutarla, hay que verla sobre todo como un homenaje a los Beatles, a su música y a sus canciones, muchas de las cuales suenan en el film cantadas por los protagonistas, en versiones que, en algunos casos, no están nada mal.

Girl, All My Loving, I Want To Hold Your Hand, With a Little Help from My Friends, Let It Be, Dear Prudence, Because, Something, Strawberry Fields Forever, Revolution, Hey Jude, All You Need Is Love o Lucy in the Sky with Diamonds, entre otras muchas, suenan a lo largo del film.

Hay quien señala que la película, sin las canciones, no es nada; pues claro, como que es un musical y la música es el principal atractivo de un film que pretende ser algo diferente dentro del género, aunque no siempre lo haga de manera brillante, pero incluso en eso de que no es nada sin las canciones, cabe discrepar, ya digo que refleja algunas de las inquietudes de la sociedad de la época en general y de la juventud en particular (Vietnam, el pacifismo, el asesinato de Luther King, el LSD, el maoísmo...), incluso la historia de amor de los protagonistas, tiene su punto de originalidad; además los numerosos guiños al universo Beatle, no solo a sus canciones, que no todo el mundo capta, pero sí lo harán los fans del grupo, y los homenajes a otros iconos de la época, como Janis Joplin o Jimi Hendrix.

De cualquier modo, es cierto que lo más atractivo del film, es su banda sonora.

STALINGRADO

Hay muchos momentos relevantes durante la II Guerra Mundial, pero hubo tres acontecimientos que fueron decisivos para el devenir futuro de la contienda, por supuesto, uno fue el desembarco de Normandia, pero también lo fueron la batalla de Midway, que marcó un antes y un después en la guerra del Pacífico y, sin duda, la batalla de Stalingrado, sobre todo por las consecuencias que tuvo, algunas de las cuales se dejaron sentir muchos años después y es que el sacrificio que hicieron los soviéticos, fue reconocido por todos y, más allá de la victoria sobre los alemanes, lo que cortó en seco su racha de triunfos, aquella sangría del Ejército Rojo, hizo que los aliados tuvieran que tratar con algo más que respeto a Stalin, de forma que, muchas de las cosas que se le reconocieron a la URSS en el papel que debía jugar política y territorialmente al acabar la guerra, vienen de esa victoria concreta sobre las tropas alemanas.

Desde el punto de vista de la propaganda sirvió, por un lado, para demostrar que la Wehrmacht no era invencible, pero también para prestigiar el papel de Rusia en el concierto internacional.

Con absoluta maestría, Antony Beevor narra los grandes momentos de la batalla, pero también las pequeñas anécdotas que nos acercan al día a día de los combatientes anónimos y de la población civil, que tanto sufrió.

Stalingrado fue una auténtica carnicería, en la que los hombres se vieron enfrentados a las situaciones más extremas que puede soportar un ser humano. Además del enemigo, el polvo del verano y el frío intensísimo del invierno, unidos a la falta de suministros, al hambre y las enfermedades, convirtieron aquello en un escenario de lo más cruel que uno pueda imaginar.

El libro comienza con una aproximación al escenario general en el frente oriental de la Segunda Guerra Mundial, prosigue con un repaso breve a la concepción de la operación Barbarroja y su desarrollo durante la segunda mitad del año 1941 y la primera de 1942, para después sumergir al lector en el terrible entorno del Ostfront, en la decisión enfermiza de tomar Stalingrado en lugar de aislar la ciudad y en los penosos combates que se vivieron en sus calles, con descripción de las operaciones y las vivencias de los soldados que peleaban casa por casa.

El lector se encuentra perfectamente situado en los acontecimientos y la lograda ambientación, nos hace sentir el sufrimiento de quienes allí estuvieron.

También se hace referencia a las tomas de decisiones, tan controvertidas, sobre todo la de los dos jefes de estado, Hitler y Stalin, muchas veces erróneas, lo que supuso incrementar el número de bajas. Su soberbia les hizo tomarse aquello casi como algo personal, sin preocuparles demasiado el número de vidas humanas que pagaron su orgullo.

A pesar de la gran cantidad de datos que nos ofrece, el libro se lee sin dificultad, porque el autor sabe mezclar de cuando en cuando las pequeñas cosas que ha ido sacando de las cartas y notas que escribían los soldados y también de las que recibían de sus casas, lo que nos acerca al lado humano de la tragedia.

Un buen libro, que captará la atención del lector interesado por la historia y que merece la pena leer.