ANNA KARENINA

La acción se sitúa en 1874 en la Rusia Imperial. Anna Karenina (Keira Knightley) esposa de Alexei Karenin (Jude Law), alto funcionario del gobierno viaja desde San Petersburgo a Moscú cuando su hermano, el príncipe Oblonsky (Matthew Macfadyen) pide su mediación para tratar de evitar que su esposa Dolly (Kelly Macdonald) lo abandone tras descubrir sus infidelidades.

Al mismo tiempo llega a Moscú Levin (Domhnall Gleeson), para pedir la mano de Kitty (Alicia Vikander), hermana de Dolly, aunque esta lo rechaza, pues está enamorada del Conde Alexei Vronsky (Aaron Taylor-Johnson), un apuesto soldado que acude a la estación para recoger a su madre. Allí conocerá a la que ha sido su compañera de viaje, Anna Karenina, sintiéndose ambos inmediatamente atraídos.

Tras cumplir con su cometido y conseguir la reconciliación de Dolly con su hermano, Anna accede a acudir a un baile de sociedad sabiendo que al mismo acudirá el conde, con el que accederá a bailar, bailando de hecho con ella la mazurca, baile en el que todos esperaban ver escenificado el compromiso de Vronsky con Kitty.

Anna regresa a San Petersburgo, encontrándose con que Vronsky viaja con ella haciéndose amantes de inmediato entre las críticas de la alta sociedad, llegando a quedarse embarazada de Vronsky.

Aunque Karenin trata de hacer oídos sordos a los crecientes rumores sobre su esposa y el conde, esta se delata cuando acude a ver una carrera de caballos y muestra, ante todos, sus sentimientos cuando Vronsky cae del caballo, confesándole tras ello a su marido que ama al conde y que está embarazada de él.

Karenin, que no desea un escándalo, le propone a su esposa dar su apellido al hijo que espera y que continúe viviendo con él y con su otro hijo, Seriozha (Oskar McNamara) a cambio de renunciar a su amor por Vronsky, negándose a concederle el divorcio.

Levin, por su parte, tras su desengaño amoroso vive en la granja heredada de su padre, dedicándose a trabajar duramente como un bracero más, mientras sigue soñando con Kitty, por lo que, cuando le informan de que tal vez la encuentre más dispuesta a aceptarlo, acude de nuevo a verla, encontrándola esta vez proclive a aceptar el compromiso.

Entretanto, y tras el parto, Anna enferma, estando a punto de morir, por lo que Karenin decide perdonar a Vronsky al comprobar que la ama de verdad y que sufre como él y tras ver que Anna parece arrepentida de su aventura.

Pero cuando Anna se recupera, olvida su arrepentimiento, y, aunque sin divorcio, se marcha con Vronsky y vivirá con él.

Basada en la obra del mismo título de Leon Tolstoi, considerada como uno de los hitos de la literatura universal.

Arriesgada propuesta del británico Joe Wright, pues la historia se desarrolla, en buena parte, en el interior de un teatro. Las transiciones, en vez de los típicos fundidos o los cambios de escena sin solución de continuidad, recurren al cambio de decorado, bien mediante la aparición de nuevos fondos de escenario, o del mobiliario en escena; en otras ocasiones es una puerta que se abre al exterior, o el deambular de la cámara entre bambalinas, en la zona de tramoyas, subiendo o bajando a otros pisos o trasladándose al patio de butacas o a los palcos.

Todo ello sin que resulte molesto ni excesivamente llamativo, una vez aceptado, para el espectador y sin que de la sensación, ni de lejos, de ser teatro filmado.

La obra de Tolstoi, sin embargo, pierde buena parte de su fuerza, no por esta forma de narrarla, sino porque hay partes enteras que desaparecen o quedan desvirtuadas, como la propia historia de Levin, que en la novela va alternando capítulos con la de la Anna, hasta el punto de que el propio personaje apenas aparece en escena y con ello desaparece también todo lo que Tolstoi nos cuenta de la vida en el campo y del malestar creciente de la población rural.

Por otro lado, la historia de Anna, también pierde buena parte del sentido que tiene en la novela, en la que vemos a una protagonista casada con un hombre mayor y de vida monótona, y sus amistades y la gente le rodea, también es gente mayor, como su marido. Aquí eso, no solo no se aprecia, sino que se nos muestra todo lo contrario, y pierde mucha fuerza el desgarro con el que vive la separación de su hijo, uno de los motivos importantes del texto del escritor ruso, con esa dicotomía que ha de enfrentar Anna entre vivir su propia felicidad, que para su desgracia, le llega en condiciones desfavorables y el deseo de mantener a su hijo a su lado, cuando las leyes le niegan tal posibilidad.

A la hora de la verdad, ante la pérdida de parte de la fuerza trágica de este intenso drama romántico, la película queda relegada a un impresionante espectáculo visual en el que todo parece girar en torno a la fastuosa y original puesta en escena. Nada que reprochar a decorados, vestuario, iluminación, etc., pero, por contra, algunas escenas parecen demasiado preocupadas por la composición y el efecto visual y acaba por perder atractivo y, una vez asimilada la propuesta por el espectador y desaparecido el impacto novedoso de la misma, salvo alguna escena determinada, se vuelve reiterativa en los recursos y se llega a perder el interés, al menos por quienes hayan leído la novela y sepan cómo acabará todo.

ON THE ROAD (EN LA CARRETERA)

Nada más morir su padre, Sal Paradise (Sam Riley), un neoyorkino aspirante a escritor, conoce a Dean Moriarty (Garrett Hedlund), un ex-convicto de un encanto arrollador y casado con la súper liberada y seductora Marylou (Kristen Stewart). Sal y Dean se hacen amigos al instante. Determinados a no vivir una vida encorsetada, los dos amigos lo dejan todo y comienzan un viaje por carretera junto a Marylou. Sedientos de libertad, los tres jóvenes salen rumbo al sur en busca de nuevos encuentros y de ellos mismos.

La muerte del padre, supone para Sal una fuerte sacudida y además se encuentra desanimado porque considera que su carrera como escritor, está estancada, con lo que se embarca en esta gira buscando la inspiración que le falta y que le haga salir del atolladero en que se encuentra.

Al viajar juntos por el suroeste de Estados Unidos, se esfuerzan por romper con la conformidad y buscar lo desconocido, y sus decisiones cambian el curso de sus vidas. A ello contribuirán no poco los variopintos personajes con que se van encontrando, cada uno dejará algo de sí en los jóvenes viajeros.

La película quiere ser un reflejo de una generación que quiso cambiar el mundo en la que Kerouac (Sam Riley) estuvo acompañado por Allen Ginsberg (Tom Sturridge), Neal Cassady (Garrett Hedlund) o William Burroughs (Viggo Mortensen).

El guión se basa en la novela homónima de Jack Kerouac, que nos sitúa a finales de los años 40 y comienzos de los 50 para relatarnos un periodo de la literatura estadounidense muy particular: la aparición de la Generación Beat, un movimiento que se caracteriza por el rechazo de los valores clásicos estadounidenses, típicos de la burguesía, a los que opone la reivindicación de la libertad sexual, el uso de drogas y sustancias estimulantes y el estudio de la filosofía oriental; una forma de entender la vida que dejó un poso indudable en el movimiento hippie o contracultural. De hecho, el libro fue una obra de culto a partir de los 60.

Cincuenta años tardó en llevarse a la pantalla la novela de Kerouac, cuando muchos la estaban esperando y los intentos por llevar a cabo la tarea fueron incesantes. Cuando se produce algo así, te invita a pensar que algo ocurre y que la adaptación no debe ser sencilla.

Al final el brasileño Walter Salles recibe el encargo de hacer la película. Francis Ford Coppola, enamorado de la novela, cuyos derechos había comprado 40 años atrás, será el productor ejecutivo.

Pero el resultado es bastante decepcionante, nada del acercamiento a las filosofías orientales; la integración racial apenas representada por unas cuantas sesiones de jazz a las que acuden los protagonistas, que parecen un grupo de drogadictos inmaduros, aunque alguna vez tengan ramalazos intelectuales, y así sucesivamente, en una adaptación sin alma y en la que quien no haya leído la novela, no alcanza a explicarse cómo ésta tiene tanta fama si es parecida al peñazo que está presenciando.

El viaje trata de ser representado por bellas imágenes, muy bien fotografiadas, observadas a través de los cristales del automóvil y siempre en movimiento, lo que llega a hartarte un poco.

Una película bastante aburrida y que te deja con la boca abierta, pero no de admiración precisamente.

SE LO LLEVARON: RECUERDOS DE UNA NIÑA DE CAMBOYA

Loung Ung (Sareum Srey Moch) es hija de un alto funcionario del gobierno camboyano, tenía cinco años cuando los Jemeres Rojos tomaron la capital de Camboya en 1975 y se vio obligada a abandonar Phnom Penh, su ciudad natal, con su familia.

Cuando los Jemeres Rojos tomaron la capital camboyana, Loung Ung y su familia fueron conminados, al igual que otros miles de personas a dirigirse hacia el campo. Para no llamar demasiado la atención, trataron de hacerse pasar por campesinos.

Tuvieron que trabajar de doce a catorce horas diarias e intentaron subsistir con escasas raciones de alimentos, pero llegó un momento en que, para sobrevivir, la familia tuvo que separarse.

Ung fue entrenada como una niña soldado en un campo de trabajo para huérfanos, mientras que sus hermanos fueron obligados a realizar trabajos de campo.

La historia se relata a través de sus propios ojos, desde que tenía 5 años, cuando los Jemeres Rojos tomaron el poder, hasta los 9 años. El largometraje muestra el indomable espíritu y devoción de Loung y su familia mientras luchan por mantenerse unidos.

Cuando el régimen de Khmer Rouge asumió el poder de Camboya en 1975, dio comienzo un reinado de cuatro años de terror y genocidio en el que murieron casi dos millones de camboyanos, muchos de ellos en los llamados Campos de la Muerte, lugares en donde miles de personas fueron asesinadas y enterradas en masa en fosas comunes por el régimen. Durante la historia podemos ver a través de la protagonista las causas ridículas por las que se ejecutaban a las personas. Estos lugares fueron convertidos en museos de la memoria años después, a fin de recordar a las personas que murieron en condiciones tan desastrosas.

El filme es la adaptación de las memorias escritas por Loung Ung, una superviviente al régimen jemer que en 2000 publicó su diario para exponer al mundo lo que había ocurrido en su país, aportando detalles de su experiencia como niña soldado en el genocidio camboyano. Sensaciones que Angelina Jolie ha tratado de plasmar desde el best-seller de la conocida activista por los derechos humanos, combinando escenas sensibles con momentos que parecen sacados de un drama bélico.

A pesar de que la película narra lo que la protagonista, al igual que miles de camboyanos, sufrió en sus carnes, no vayan a pensar que estamos ante un intento de tocar la fibra sensible del espectador, todo lo contrario, creo que se queda corta, aquellos años fueron un verdadero infierno en que murió el 25% de la población camboyana debido a la desnutrición, los trabajos forzados o los asesinatos en masa.

La película, dentro de la desgracia que retrata, tiene algo de poético en las largas escenas de silencio, en que la niña (entrañable y cautivadora la interpretación de Sareum Srey Moch) se entrega a sus reflexiones o trata de asimilar lo que está viendo. La cámara de Jolie se recrea en su rostro que nos transmite una mezcla de serenidad, belleza y fragilidad, que sin embargo logra imponerse estoicamente y sobrevivir ante las duras condiciones en que se desarrolla su día a día, un retrato de esa especie de estoicismo sobrehumano que los occidentales vemos en las gentes de oriente y que tanto nos admira.

Una de las críticas que se hacen del guión es que nada habla de los antecedentes de todo este desastre, los Jemeres Rojos no surgieron por generación espontánea, sino en buena medida, por culpa de la desastrosa política bélica de Richard Nixon, que sometió al país camboyano a un sinnúmero de bombardeos de los que los expertos llaman "de alfombra", que arrasaron el país y provocaron miles de víctimas civiles. Ni Inglaterra, ni Alemania, ni Japón, sufrieron semejante agresión durante la Segunda Guerra Mundial, bomba atómica incluída. Todo ello con la excusa de que en Camboya (país nominalmente neutral), tenían sus bases las guerrillas del vietcong y era necesario cortar sus líneas de suministro. Dicho esto, hay que recordar que el film es la adaptación de un libro y que en él, la autora del mismo habla de su experiencia, la de una niña que no había cumplido diez años y, como es lógico ella nada sabía de todas estas cuestiones políticas, sencillamente cuenta lo que vivió en primera persona.

La película está bien rodada, con una buena dirección de actores y con algunos planos aéreos muy llamativos, en los que se ve deambular a los personajes a vista de pájaro, en medio de la exuberante naturaleza de la selva o entre los campos de arroz, componiendo imágenes realmente bellas. Otras, igualmente bien rodadas, son impactantes por el drama que retratan, recuerdo ahora una en la que se ve parte del entrenamiento de los niños soldado, en que están horas y horas, con su fusil sobre los hombros, metidos en un río, con el agua hasta la cintura, bajo una lluvia monzónica y sin perder la formación.

Una crónica real, de uno de los episodios más vergonzosos de la historia reciente de la humanidad que quizá, para aquellos a quienes pille de nuevas, sería interesante documentar con esos antecedentes que hemos mencionado, para entender como un grupo de comunistas maoístas, formados en algunas de las más prestigiosas universidades europeas, al frente de una tropa de analfabetos (dicho en el mejor sentido del término y sin ánimo peyorativo), la mayoría de ellos adolescentes, lograron hacerse con el poder y someter al país a un régimen que les devolvió a la edad de piedra, quedando abolida la moneda, la religión y la familia. Todo pertenecía al Estado. Se fomentaba la delación y el asesinato entre familiares como muestra de obediencia, hasta conformar el experimento de ingeniería social más extremo de la Historia.

HEADHUNTERS

Roger (Aksel Hennie) es un hombre que parece que lo tiene todo: es el headhunters (cazatalentos) más exitoso de Noruega, está casado con Diana (Synnøve Macody Lund), la bella propietaria de una galería de arte, posee una magnífica casa, pero lleva un tren de vida que no puede permitirse. Para conseguir esos ingresos que precisa, se dedica a robar obras de arte.

En la galería, su mujer le presenta a Clas Greve (Nikolaj Coster-Waldau), que no sólo es el candidato perfecto para el cargo de consejero delegado de la compañía para la que Roger está en ese momento trabajando como cazatalentos, sino que además posee una pintura de gran valor. Roger ve por fin la oportunidad de lograr la independencia financiera.

Roger Brown se nos presenta como un afortunado ladrón de guante blanco con una doble vida, pero lo que no espera Brown cuando irrumpe en casa de Greve para robarle ese cuadro que le solucionará los problemas económicos el resto de su vida, es que este último también está jugando un doble juego, en el que, como irá descubriendo, Roger tiene asignado un importante papel, muy a su pesar.

A partir de este momento, comenzará una especie de cacería en que cada cual deberá hacer uso de su ingenio y dotes para la supervivencia, ya que la vida de más de uno está sobre el tapete en una partida que no admite abandonos una vez se ha ingresado en el tablero.

Basada en la novela del mismo título del noruego Jo Nesbø, un libro del que se han vendido miles de ejemplares en todo el mundo y que le ha valido a su autor, junto a la serie del detective Harry Hole, ser considerado como uno de los maestros de la novela policiaca actual.

Como curiosidad, reseñar que Nesbø, fue vocalista y guitarra del grupo noruego de pop rock Di Derre, fundado en 1992 y del que también formó parte su hermano Knut , fallecido en 2013.

El gran mérito de Morten Tyldum y de los guionistas del film, es haber sabido adaptar la excelente novela de Nesbø. En ella estaba todo lo que vemos en el film, los giros que va tomando la historia que logran traer de cabeza al espectador; la acción trepidante; el ritmo vivo que va tomando la narración a partir de determinado momento, que no deja un segundo de respiro y que logra tapar los amaños de que se vale el autor de la novela y, por ende, el realizador del film, para que transcurra por donde le conviene, de manera que cuando vemos algo que nos llama la atención por poco creíble o demasiado rebuscado, no nos da tiempo a reflexionar sobre el presumible engaño, porque ya estamos metidos de lleno en la secuencia siguiente que nos obliga a olvidar lo anterior. Es una especie de juego de prestidigitación en que el mago nos va llevando por donde quiere hacerlo y aunque las trampas, algunas veces son más que evidentes, el resultado es tan sorprendente que todo lo perdonamos en beneficio del espectáculo y más cuando observamos la habilidad con que va encajando las piezas que ha ido diseminando a lo largo del metraje, desde el mismo inicio, para, finalmente, mostrar en toda su esplendidez el puzzle que tan hábilmente ha construído.

Si a todo ello le añadimos unas buenas interpretaciones y sus dosis de humor negro, nos encontramos ante una película recomendable para pasar un rato entretenido con una historia que se puede colocar entre lo mejor del neonoir de los últimos años.

SHARPE Y LA FORTALEZA INDIA

Con una amorosa viuda francesa esperándolo en Seringapatam, y llevando una fortuna en joyas que expolió del cadáver del sultán de Tippoo, el recientemente ascendido alférez Sharpe, lucha por ser admitido como uno más entre los oficiales, algo que le resultará muy complicado, pues le miran con recelo, como a los pocos que han ascendido desde la tropa, a quienes consideran unos intrusos, pero sobre todo, unos seres inferiores.

Liderado por el desertor inglés William Dodd, el ejército Mahratta se retira a la inexpugnable fortaleza de Gawilghur, donde Dodd intenta derrotar a Wellesley y cometer una traición final que le hará gobernante de todo el sur de la India.

Asignado al servicio del capitán Torrance para ayudar con el tren de suministros, Sharpe descubre un gran alijo de suministros militares malversados. El capitán se da cuenta de que Sharpe sospecha que él y su sargento, Obadiah Hakeswill, el antiguo enemigo de Sharpe, robaron los suministros y le tiende una trampa que hará caer a Sharpe en manos de Hakeswill, quien le roba sus joyas y le entrega al hermano y socio del comerciante hindú que les compraba los suministros robados, quien desea tomar venganza en Sharpe de la muerte de su hermano, aunque tratándose del peculiar soldado inglés, no todo está perdido.

En el libro, junto a la peripecia de Sharpe que, una vez más, no sabemos cómo va a lograr salir de la trampa que le tienden sus enemigos para acabar con él, asistimos al asedio y toma de la fortaleza de Gawilghur, un lugar inexpugnable que, en palabras del historiador militar Jac Weller, «tres compañías de boy scouts razonablemente efectivas, armadas con piedras, podrían haber contenido a un número de soldados profesionales varias veces superior». Sin embargo, sir Arthur Wellesley, logró tomarla con inesperada rapidez, se supone que los defensores estaban absolutamente desmoralizados, de otro modo no se explica las relativamente escasas bajas británicas, apenas 150 hombres en un asedio que pudo haber acabado en derrota para las tropas europeas de haber mediado un poco más de entusiasmo por parte de los sitiados.

Sin embargo esto no debe ocultar el horror de lo que debió ser el asalto a aquel bastión, que Cornwell recrea con todo el colorido y el dramático realismo de la sangre, el hedor de los muertos, el humo de las descargas artilleras y el entrechocar de sables y bayonetas en unas líneas que nos hacen revivir las épicas escenas en las que el capitán Campbell, al frente de su Compañía Ligera escocesa, logró penetrar en la fortaleza tras acceder por un lugar imposible, un auténtico despeñadero que apenas podía ser transitado, para, una vez dentro, abrir las puertas de acceso a la fortaleza interior. Aquí, el novelista se toma su licencia, cambiando un poco la historia y pone a Sharpe al frente del temerario asalto.

Con este libro, se cierra el periplo de nuestro protagonista por tierras de la India, para regresar a Europa al igual que su jefe, el futuro Duque de Wellington.

ARRUGAS

Emilio, un antiguo ejecutivo bancario, es internado en una residencia de ancianos por su familia tras sufrir una nueva crisis de Alzheimer. Allí, aprende a convivir con sus nuevos compañeros -cada uno con un cuadro "clínico" y un carácter bien distintos- y los cuidadores que les atienden. Emilio se adentra en una rutina diaria de cadencia morosa con horarios prefijados -la toma de los medicamentos, la siesta, las comidas, la gimnasia, la vuelta a la cama...- y en su pulso con la enfermedad para intentar mantener la memoria y evitar ser trasladado a la última planta, la de los asistidos, cuenta con la ayuda de Miguel, su compañero de habitación, que también será el encargado de enseñarle las instalaciones y de ponerle al día de la rutina diaria de su nuevo hogar: le muestra la sala de estar, que conocen como la pecera, el salón de televisión donde solo les ponen documentales de animales, y la piscina, que, le informa, es para impresionar a los clientes - los que pagan las facturas - pero no para los internos, ya que la mayoría necesitan ayuda incluso para ducharse.

Miguel y otros compañeros de residencia, ante la cada vez más evidente posibilidad de que su amigo Emilio sea trasladado a esa fatídica última planta, tratan de evitar que los enfermeros y médicos se den cuenta de sus despistes, evitando que le hagan las pruebas que puedan llevarle arriba. Para ello trazan un disparatado plan que tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida.

La película está basada en Arrugas (Rides, en el original francés), una novela gráfica de Paco Roca, publicada originalmente en 2007 por la editorial francesa Delcourt.

El autor de la novela colaboró en el guión y en el diseño de los personajes.

Tenemos tanto miedo a la vejez, que la ocultamos.

Paco Roca, el genial historietista español, hace con su novela un ejercicio contrario, nos acerca a ese mundo por el que, si Dios nos da un poco de salud, todos habremos de pasar al final de nuestras vidas.

A la adaptación le faltan algunas cosas para ser una película redonda, yo he notado algunas transiciones bruscas en determinados momentos de la narración, pero todo se le perdona a esta historia por su calidad humana y su ternura.

El film huye de dramatismos exagerados, pero no renuncia a contar lo que todos sabemos, pero, como decía al principio, ocultamos, o simplemente no hablamos de ello. No nos cuenta nada nuevo, nada que no sepamos y, sin embargo, era necesario contarlo para poner a la vista ese mundo oculto en el que todos, unos por estar en él, otros por cercanía al tener familiares o amigos viviendo ese trance, estamos inmersos.

Me decía un profesional del cuidado a los mayores que cualquiera que trabaje en una residencia de ancianos, reconoce en aquellas imágenes el día a día de su trabajo y de aquellos para quienes trabaja. No es poco que la película haya sabido retratarlo sin caer, como he dicho, en excesos, ni en el aspecto dramático, ni en el humorístico con que salpica las escenas.

Dibujos animados para adultos, con los que sonreír y, posiblemente, llorar. Una historia que trata sobre la dignidad de unos seres a los que arrinconamos por improductivos y un retrato de uno de los temas olvidados en nuestra cruel sociedad.

LA VOZ DORMIDA

Pepita (María León), una joven cordobesa de origen rural, va a Madrid en la posguerra para estar cerca de su hermana Hortensia (Inma Cuesta) que está embarazada y confinada en la prisión de Ventas.

Cuando la visita por primera vez esta le pide un favor: debe hacer llegar a su marido, guerrillero que lucha en la sierra, documentación para poder salir del país.

Pese a que Pepita no quiere implicarse en asuntos políticos acepta ayudarla, entregando la documentación a Paulino (Marc Clotet), conocido entre los guerrilleros como "Chaqueta Negra", que le pide colaboración para curar a Felipe (Daniel Holguín), el marido de su hermana que está herido.

Don Fernando (Jesús Noguero), el señorito de la casa en que trabaja Pepi, convertido en contable al no poder ejercer como médico debido a su ideología, será quien le cure, volviendo a ver gracias a ello a Paulino, por el que se sentirá atraída, el cual le pedirá que sea su novia.

Paulino es un valenciano de familia burguesa, que lucha en la sierra de Madrid. A pesar de la dificultad de su relación, se enamoran apasionadamente.

Hortensia es juzgada y condenada a muerte. La ejecución no se llevará a cabo hasta después del parto. Pepita intenta por todos los medios y en todas las instancias que condonen la ejecución. Va todos los días a la prisión con el objetivo de que le entreguen al futuro hijo de Hortensia, suplicando que no lo den en adopción o lo internen en un orfanato, incluso acuden al obispado por mediación de la esposa de Don Fernando y pedirá ayuda también al padre de este, que fue médico de Franco.

El guión de Ignacio del Moral y del realizador del film, Benito Zambrano, adapta la novela del mismo título de Dulce Chacón.

Maniquea, lacrimógena, parcial, esquemática... Son algunos de los adjetivos que podrán leer sobre este film, claro está que junto a aquellos que la consideran brillante.

Es cierto que se pueden apreciar fallos en el film, que no es una gran película, que "otra vez" nos trae el asunto de la Guerra Civil y su inmediata posguerra, que puede que los personajes estén un tanto idealizados, los buenos (los de izquierda, claro), solidarios y de claros ideales y los malos, muy malos.

Pero dicho esto, hay que añadir que la novela en que se basa, tenía tras de sí un gran trabajo de campo en el que Dulce Chacón (fallecida en 2003 a causa de un cáncer, cuando solo tenía 49 años) se entrevistó con supervivientes y familiares de ellas, que había sufrido la represión feroz de los años inmediatos al fin de la Guerra.

La originalidad del film, como lo fue la novela en su día, es que pone voz y rostro a las mujeres, las grandes olvidadas, una vez más, de la tragedia. Militantes antifascistas, pero también otras que resultaban sospechosas para el nuevo régimen por el hecho de ser madres, hermanas, esposas, amigas o conocidas de varones que habían militado o simplemente simpatizado, con el bando perdedor.

La película está rodada de manera impecable, bien ambientada y con la cámara colocada en el sitio adecuado en cada escena y estas, a su vez, incluso demasiado cuidadas, lo que en ocasiones le resta un poco de espontaneidad y le da cierto aire de composición pictórica a algunas de ellas.

Bien interpretada, aunque lo hace muy bien Inma Cuesta, yo me quedo con el gran trabajo de María León, con un personaje que enseguida nos cautiva por su ternura y su ingenuidad, pero que esconde debajo de esa apariencia, un alma grande y fuerte. Un gran debut en la gran pantalla.

Película con escenas duras, pero es que dura fue la experiencia de aquellas mujeres que vivieron la cruel represión carcelaria desde antes incluso del final de la Guerra, al menos hasta los primeros años 60.