JULIET, NAKED (JULIET, DESNUDA)

Tucker Crowe (Ethan Hawke), es un cantante y compositor del llamado rock alternativo, que alcanzó cierto éxito con su único álbum. Una modelo muy conocida en el ambiente cultural alternativo de Los Ángeles, con la que tuvo una fugaz historia de amor, Julie Beatty, inspiró el que fue su mayor éxito, el álbum titulado Juliet, publicado en 1993, pero también le rompió el corazón. En junio de 1993, Tucker Crowe, tocó en el Club The Pitt, de Minneapolis, ese sería su concierto final. Fue visto por última vez saliendo de los baños del Club tras la actuación, canceló todos sus conciertos futuros, y nunca ha vuelto a tocar en público.

Duncan Thomson (Chris O'Dowd), es un fanático del músico, mantiene una página web en la que participan unos doscientos hombres maduros, que se reúnen a través de la red para analizar de forma obsesiva la música de su héroe e intentar descifrar sus misterios. Duncan mantiene una relación duradera con Annie Platt (Rose Byrne), que vive en la localidad inglesa de Sandcliff, donde dirige el Museo de Historia Local.

Un día recibe un CD con demostraciones acústicas sobre "Juliet, naked", aunque Annie lo abre primero y lo escucha sola, lo que provoca el enfado de Duncan, sobre todo cuando Annie muestra su desagrado con el trabajo que contiene el CD.

Duncan escribe un artículo elogioso en la página que dirige, mientra Annie escribe una apasionada crítica contraria, recibiendo una respuesta por correo electrónico del propio Tucker Crowe en la que se muestra de acuerdo con ella.

Lo que Annie conoce de Crowe, es a través de lo que le ha ido contando Duncan, que verdaderamente vive obsesionado con él. Annie ha aceptado esta fijación de su pareja por el artista como si viniera en el mismo pack, como se acepta una discapacidad de la persona con la estamos. Sin embargo, cuando sus caminos coincidan, descubrirá que el Tucker Crowe real, no se parece al que había construído en su imaginación por intermedio de Duncan.

El guión adapta una novela de Nick Hornby, publicada en 2009. Hornby es el autor de la novela Alta fidelidad, también llevada a la gran pantalla.

Comedia romántica en la que se nos habla del sentimiento de frustración de alguno de sus personajes, por la sensación de haber dilapidado una parte de su vida sin haber conseguido ninguna de sus expectativas de juventud.

Por otra parte, quizá la más interesante, reflexiona sobre el fenómeno fandom y la forma, casi siniestra, en que la llegada de internet lo ha alimentado. Es curioso como, desde la silla de sus cuartos, sentados ante la pantalla del ordenador, los fans debaten, deconstruyen e inventan cosas sobre sus ídolos que, en más de una ocasión, se alejan de la realidad, creando un personaje puramente imaginado, hasta el punto de que saben cosas sobre su vida, su caráter y sus comportamientos que él mismo ignora, porque forman parte de una leyenda que los devotos han construído.

La película tiene sus buenos momentos, con ese fino humor que destilan las obras de Hornby, aunque en algunos instantes, el film se mantiene en pie sobre todo gracias a la magnífica interpretación de Rose Byrne, bastante bien secundada por el resto del elenco.

Una película sobre frustraciones y cómo tratar de recuperar el tiempo perdido, con un humor basado en lo cotidiano y en las cosas sencillas que, a veces, es el que mejor resultado ofrece.

LA DESTRUCCIÓN DE POMPEYA

La terrible erupción del Vesubio que el 29 de agosto del año 79 d.C., sepultó a Pompeya, Herculano y a otras poblaciones de la Campania, fue presenciada desde lejos, en la población que se elevaba en el promontorio Miseno, una de las puntas del golfo de Nápoles, por el escritor Plinio el Joven, que entonces contaba 18 años. Su tío y padre adoptivo, el naturalista Plinio el Viejo, mandaba la flota romana estacionada en Miseno, y en cuanto advirtió la catástrofe, se encaminó a las proximidades del volcán, lo que le costó la vida. Su sobrino se quedó con su madre en Miseno, población que también sufrió las consecuencias de la erupción y de los terremotos, pero se retiraron al campo en los momentos de mayor peligro. Más tarde, Plinio el Joven, en dos cartas, explicará a su amigo, el historiador Tácito, sus impresiones sobre aquel terrible acontecimiento. Ambas constituyen un precioso documento de aquella gran catátrofe, de la que también nos ofrecen un impresionante testimonio las ruinas de Pompeya y Herculano.

Plinio, en sus misivas, relata con brevedad, pero también con gran detalle los acontecimientos. Un ejemplo de lo minucioso de los mismos es que nos habla de que su tío, aquel día, había tomado el sol, se había lavado, comido y, tras reposar un rato mientras leía, se calzó las sandalias.

Como hombre sapientísimo, Plinio el Viejo ordenó aparejar una nave libúrnica para apreciar el portento más de cerca, pero cuando, al salir de casa, recibió el mensaje de Rectina, la mujer de Tasco, un matrimonio amigo, para que les fuera a rescatar, ya que su villa estaba debajo del monte, cambió de opinión y se embarcó con cuatro trirremes, cambiando lo que iba a ser un viaje de estudio, por una expedición para auxiliar, no solo a Rectina, sino a cuantos se hallaran en peligro. Plinio el Viejo, al parecer de su sobrino, debió morir a causa de las emanaciones, lo que él llama "vapor caliginoso".

En cuanto a los detalles de la propia erupción en sí y sus consecuencias, nos habla de cómo la oscuridad, en pleno día, no era como la de las noches sin luna o nubladas, sino más bien, con una oscuridad igual a la que se produce en un sitio cerrado en el que no hay luces y que cuando fueron levantando el humo, la niebla y los vapores, el sol lucía algo sombrío, como durante un eclipse.

También refiere como, de cuando en cuando, se sacudían la ceniza que caía sobre ellos, porque de lo contrario, les habría cubierto y ahogado con su peso.

Todo ello unido al relato del terror y el miedo de la población que corría desesperada, bien en busca de la salvación, bien tratando de hallar a sus seres queridos o, sencillamente, presas del pánico.

Cuando todo se fue calmando, dice Plinio: "Ante nuestros ojos parpadeantes todo parecía distinto y cubierto de espesa ceniza, como si fuera nieve. Tras haber curado como pudimos nuestros cuerpos volvimos a Miseno y pasamos una noche angustiosa y terrible entre la esperanza y el miedo."

VIRGEN A LOS CUARENTA

Andy (Steve Carell), un tipo encantador de cuarenta años, es el típico friki que juega con videojuegos y cuida con mimo sus figuras coleccionables. No tiene amigos de verdad y la mayor parte del tiempo en que está fuera del trabajo, lo pasa solo.

A pesar de su interés por el sexo opuesto, como lo demuestran sus constantes e incontrolables erecciones matinales, sigue siendo virgen. Nunca planeó no tener relaciones sexuales, pero el tiempo ha ido pasando y cada vez ha sido más complicado y difícil tener esa primera experiencia, hasta el punto de que se ha convertido en algo que forma parte de su vida.

Cuando sus compañeros de trabajo se enteran, se burlan, excepto un pequeño grupo, compuesto por Dave (Paul Rudd), Jay (Romany Malco) y Cal (Seth Rogen), que tratarán de ayudarle, aún cuando cada uno de ellos tiene sus propios problemas de relación, lo que quizá no los convierta en las personas indicadas para aconsejarle y sus indicaciones van muy desencaminadas, pues lo que Andy busca es el verdadero amor.

Más allá de las buenas intenciones de sus compañeros, Andy quiere ser él quien de el paso definitivo, aunque no tiene experiencia, no solo práctica, sino tampoco teórica, ni ve porno, ni se masturba.

Todo cambia cuando conoce a Trish (Catherine Keener), una mujer que trabaja en frente de él y que a Andy se le revela como la mujer que realmente quiere.

El protagonista, Steve Carell y el realizador del film, Judd Apatow, son también los autores del guión de esta comedia.

En todo momento se nota el buen trabajo que los guionistas han hecho para tratar de alejarse de los convencionalismos de este tipo de comedias y, aunque contiene algunos de los tics típicos del género, trata de encontrar su propio camino y busca la originalidad.

Sin renunciar al lenguaje explícito, con palabras consideradas fuertes, evita lo soez y no se hace desagradable, ni cae en lo ordinario.

Magnífico trabajo del protagonista, bien secundado por un cuadro de actores que ayudan a que la comedia vaya cogiendo vuelo y no decaiga a través de diálogos que no dejan de ser ingeniosos y de algunos gags realmente divertidos.

Film que cumple sobradamente su pretensión de entretener, gracioso y con un desarrollo inteligente de la acción que hace que sea bastante agradable de ver. Una buena elección para pasar un rato divertido.

LUZ SILENCIOSA

México. Estado de Chihuahua. Comunidad de los Menonitas, una comunidad campesina de costumbres sencillas y vida austera. Johan (Cornelio Wall), casado con Esther (Miriam Toews), con la que tiene siete hijos, vive desde hace dos años una historia de pasión con Marianne (Maria Pankratz), también miembro de la comunidad.

Entre sus dos vidas, vividas con sus dos mujeres, la elección es imposible; por un lado está la mujer con la que construyó su vida y con la que ha tenido a sus hijos, por otro, aquella con quien comparte un amor de una intensidad sin precedentes y con la que se siente identificado.

Buscando un apoyo que le permita encontrar una salida a sus problemas, confiesa su situación a su amigo Zacarías (Jacobo Klassen) y a su padre, que es predicador y considera que la vida de su hijo se halla bajo la influencia del diablo. Sin embargo, los dos le apoyan, le compadecen y, en cierto sentido, le envidian.

Pero Johan, sumido en sus indecisiones, no puede detener la vida del resto del mundo, y tanto Marianne como Esther, que conoce de sobra la infidelidad de su marido, reaccionarán. Ambas son conscientes de la necesidad de una resolución y se encargarán de precipitar la historia.

Y es que, a veces, cuando uno espera y espera sin tomar determinación alguna, la vida la toma por ti.

La gran mayoría de los diálogos están en plautdietsch, un dialecto o grupo de dialectos, hablados por los menonitas que emigraron de Europa a América (Canadá, Costa Rica, Estados Unidos, México, Brasil, Perú, Bolivia, Paraguay, Chile, Honduras, Belice y Argentina). Tiene su origen en el bajo alemán y fue adoptado por las comunidades menonitas que huyeron de la persecución que sufrían en los Países Bajos y Bélgica en el siglo XVI, asentándose en los alrededores de Gdansk. ​Al terminar el siglo XVIII, el Imperio ruso invitó a alemanes y personas del reino de Prusia a colonizar un área que Rusia había adquirido en las guerras turco-rusas en 1768-1774. Numerosos menonitas fundaron colonias de la región del Mar Negro, en la actual Ucrania y fueron estos los que, en buena parte, emigraron a América en el siglo XIX. Como es lógico, a medida que se asentaban en los distintos países, fueron adoptando palabras del idioma local.

Los protagonistas son actores no profesionales, pero Carlos Reygadas, realizador y guionista del film, también empleó a menonitas en la vida real, en lugar de actores profesionales, para el resto del elenco.

La noche estrellada se rompe con el amanecer. El día se apaga y el cielo se puebla de estrellas titilantes. Dos planos secuencia de cinco minutos en que se muestran, respectivamente, el alba y el ocaso, enmarcan la película. Nos dan una pista certera del ritmo del film, pausado, incluso en momentos, lento hasta la exasperación, pero de una belleza inusitada.

Una historia que no daría para más de media hora, se llena, hasta completar las más de dos horas de proyección, de silencios, de paisajes y de algunos sonidos de una naturaleza siempre luminosa.

La verdad es que entre tanta explosión de luz natural y de paisajes, de cuando en cuando hay alguna secuencia que se alarga sin que le encontremos demasiado sentido, quizá lo tenga para el realizador, pero, o no logra transmitirlo, o no lo entendemos o, sencillamente, no lo tiene. Junto a ello, otras escenas de gran plasticidad y de enorme belleza: El desayuno en familia, el baño de los niños, la habitación blanca con el cadáver...

La narración discurre sin hacer hincapié en consideraciones morales o religiosas, que las hay, pero la película no se centra en ello, ni se ve en ningún momento, que los implicados en la historia, sufran presiones del resto de la comunidad, sólo las que ellos mismos se imponen.

En cualquier caso, una película para disfrutar de su estética, de su fotografía magníficamente planificada, de los suaves movimientos de cámara y para ver en un momento en que no se tenga prisa por otros quehaceres.

THE MULE (MULA)

Earl Stone (Clint Eastwood), un nonagenario, veterano de la guerra de Corea, tiene una pequeña granja donde cultiva y comercializa lirios, alcanzado el culmen del éxito cuando recibe la medalla de oro por una de sus variedades, en la convención anual de cultivadores. Pero a principios de este siglo, el negocio comenzó a no no ser rentable, sobre todo a consecuencia de que las ventas por internet le van quitando mercado, lo que le empuja a negociar créditos, cuyo impago le lleva a la quiebra y a perderlo casi todo, tan solo quince años después de haber obtenido aquel gran éxito..

Fue en ese momento cuando, a través de un conocido, entra en contacto con el cartel de Sinaloa y se convierte en uno de sus chóferes estrella, distribuyendo decenas de toneladas de droga a lo largo y ancho de los EE.UU. y hasta tal punto resulta rentable para los narcotraficantes, que se le asigna un controlador, una persona que le vigila, dada la importancia y el valor de los cargamentos que se le van encargando.

Stone aprovecha sus viajes con la droga a bordo de su furgoneta, para visitar amigos y viejos conocidos, al principio, solo sospecha cuál es su trabajo, aunque a partir del tercer envío, es plenamente consciente de lo que transporta en sus viajes. Pero no será únicamente el controlador de los narcotraficantes quien le vigile, la importancia de sus cargamentos, le pone en el punto de mira del agente especial de la DEA Colin Bates (Bradley Cooper), que ha viajado a Chicago con el encargo de descubrir quién está detrás del aumento de droga en la ciudad.

Cuando sus problemas de dinero comienzan a quedar atrás, el pasado de Stone regresa con más peso del que desearía, resultando incierto que  Earl tenga tiempo de corregir los errores que cometió en otros tiempos, antes de que los agentes de la ley o los encargados de hacerle cumplir sus compromisos con el cartel, caigan sobre él.

El guión se basa en un artículo de Sam Dolnick en el New York Times, sobre el caso de Leo Sharp, un veterano de la II Guerra Mundial, que luchó en la campaña de Italia, por lo que fue condecorado y que con 80 años, se convirtió en la mula (así se conoce en el argot a quienes transportan la droga de manera ilegal entre unos distribuidores y otros) más antigua y prolífica del cartel de Sinaloa.

Sharp fue detenido con un cargamento de droga en 2011, cuando contaba 87 años.

Antes de sus actividades ilegales, fue mundialmente conocido en el ambiente de la floricultura y los vecinos de Sharp en la ciudad de Michigan recuerdan cuando había autobuses llenos de clientes afuera de su puerta de entrada que esperaban para comprar sus flores exclusivas, casi todas con el nombre de su negocio, Brookwood Gardens. En el momento de su detención, se jactó de haber sido invitado una vez a la Casa Blanca, donde plantó flores en el Jardín de Rosas para el presidente George W. Bush.

El hombre de dos cara y el mundo del narcotráfico, esos son los dos ambientes en que, paralelamente, se mueve la película.

Earl es un tipo ingenioso, con un sentido del humor un tanto particular, trabajador, enamorado de sus flores y que cae bien entre quienes le frecuentan. Sin embargo, tiene a su familia poco menos que desatendida, su mujer se ha separado de él y su hija no le habla desde hace doce años, cuando no se presentó en su boda a pesar de que ella (y el resto de la familia), le esperaba para que la llevara del brazo al altar.

Casi al final de su vida, se da cuenta de todo lo que ha perdido y que el cariño y la entrega que dedicó a sus cultivos, debía haberlo repartido con sus seres queridos. Ahora trata de recuperar el tiempo perdido, aunque quizá sea demasiado tarde. Como le dice su esposa desde su lecho de muerte: No hacía falta que te hicieras rico para que te hubiéramos querido.

El narcotráfico lo vemos retratado de manera inteligente y bastante veraz. Tras la apariencia del dinero fácil y de un trabajo sencillo, al fin y al cabo, se trata tan solo de conducir, se esconde la dura, cruel, peligrosa y mortal realidad.

Por un lado estás contribuyendo a la ruina económica, moral y física de muchas personas. Jóvenes y familias enteras, caerán en el pozo de la droga sin posibilidad de remisión, por más que tú, que solo la llevas de un lado a otro, no quieras ver aquello en que estás participando y, por otro, lo que parece ser una forma sencilla y limpia de ganar ingentes cantidades de dinero, te convierte en esclavo de una organización criminal sin escrúpulos, que no entiende de amistades y que pone su afán de lucro por encima de vidas y lazos de sangre o afecto.

Stone, que podría ser el prototipo del americano conservador, se encuentra ahora trabajando para una banda de latinos. ¿Puede haber mayor contrasentido?

Es una historia que se hace amena y entretenida, con toques de comedia que, sin embargo, ni banalizan, ni tratan de hacerlo, el turbio mundo en que se mete el protagonista, sino que nos revela el camino que trazan estas empresas criminales para quienes trabajan para ellos: Todo es placer, comodidades y dinero fácil, hasta que te tienen atrapado y te aprietan el dogal.

El principal inconveniente de esta película, es también su mayor virtud, se llama Clint Eastwood, que llena toda la pantalla interpretando a uno de esos personajes en que ya le hemos visto otras veces, pero que reinventa con matices diferentes, dejando a los demás como meros figurantes. Sin llegar a la altura de Gran torino, aquí crea un personaje que nos recuerda al de Walt Kowalski, aunque es bastante diferente.

Pienso que, a pesar de que no está entre las grandes creaciones de Eastwood, es de lo más interesante que ha hecho en los últimos años y demuestra que su pulso sigue conservando la maestría y firmeza que nos lleva a confiar en que, todavía, nos puede dar la obra de arte que cada año esperamos.

I'M NOT THERE

Biocpic alrededor de la figura del legendario cantautor norteamericano Bob Dylan, en el que seis intérpretes encarnan diferentes momentos de la vida personal y profesional del cantante estadounidense que revolucionó la música popular en los años 60 y 70.

Desde entonces, su influencia sobre músicos, escritores, poetas y sobre la cultura en general ha sido permanente. El filme consta de varias historias cuyos protagonistas son de lo más heterogéneo: Woody Guthrie (Marcus Carl Franklin) es un niño negro de once años que siempre está huyendo, él se sube al tren en 1959 y se dirige a Hollywood, donde espera convertirse en una sensación como cantante. Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego que vive en la carretera y se debate entre la pasión y la culpa. Jude Quinn (Cate Blanchett), un joven de apariencia andrógina, es una estrella del rock que comienza a indignar a sus fanáticos al alejarse de sus raíces en la música popular que le hicieron famoso. Jack (Christian Bale), un ídolo folk que se convierte en evangelista, pasando a llamarse el pastor John, representa la etapa más política, cuando escribía canciones protesta y solía tener como compañera de actuaciones a Joan Baez (cuyo alter ego, Alice Fabian, interpreta aquí Julianne Moore). Y el proscrito Henry McCarty (Richard Gere) un famoso fugitivo que se hace llamar Billy the Kid.

Algunas partes de la película se inspiran en diferentes fuentes cinematográficas. La sección "Jude" se inspiró en 8½, de Fellini (1963); la sección "Billy" se inspiró en los llamados "hippie westerns" de finales de los 60 y principios de los 70 (como las películas de Sam Peckinpah) y la sección "Robbie", se inspiró en las películas de Jean-Luc Godard, especialmente en Masculino, femenino (1966).

Una biografía sobre Dylan, construída de una manera muy particular y original, aunque produce una cierta confusión a quienes no conozcan la trayectoria del cantante o, al menos, algunas partes de ella, porque se perderán del todo y puede que no sepan de qué se les está hablando.

Está rodada en blanco y negro y en color, entremezclando imágenes en ambos formatos que se corresponden con los varios personajes que se pueden identificar con las distintas etapas de la vida de Dylan y que también se van mezclando.

A veces toma unos derroteros un tanto inexplicables y alguna de las historia resulta especialmente difícil de entender, aunque, en general, es cierto que responden a las etapas por las que atravesó el artista de Minesota y algunas de las cosas que se cuentan son literales, por ejemplo el icónico momento en que enchufó la electricidad a su guitarra ante la perplejidad y la rabia de muchos de sus fans, que lo consideraron una traición, o el momento en que le tildaron de Judas en pleno concierto en el Royal Albert Hall londinense. Pero repito que, muchas de estas cosas, no las apreciarán quienes no tengan un conocimiento previo de la biografía del cantante.

En cuanto a la actuación de Cate Blanchett, alabadísima y multipremiada, es cierto que lo hace muy bien, pero no pasa por ser un hombre, en todo momento estamos viendo a una mujer por mucho que ella se esfuerce.

Lo mejor de todo, la música, como no podía ser de otra manera y es que Todd Haynes había convencido seis u ocho años antes, al representante de Dylan para que hablase con el cantante para que les permitiera utilizar sus canciones originales y consiguió los derechos, algo que en otros films sobre el personaje no se logró.

Los fans del Bob Dylan, creo que disfrutarán con la película; a quienes no lo sean, se les puede hacer pesada y, seguramente, aburrida.

SHARPE Y EL ORO DE LOS ESPAÑOLES

1810, el ejército inglés se encuentra en Portugal al mando del duque de Wellington, mientras las tropas napoleónicas, con André Masséna al frente, se disponen a cruzar la frontera y cercar la localidad fronteriza de Almeida, el único obstáculo importante en su camino hacia Lisboa.

El proyecto de Wellington es establecer una defensas inexpugnables alrededor de la capital lisboeta que detenga a los franceses, para contraatacar más tarde. Sin embargo, desde la metrópoli no envían fondos y, sin ellos, la construcción de lo que será la línea defensiva de Torres Vedras, no se puede llevar a efecto.

Wellington sabe que los aliados españoles tienen escondida una gran cantidad de oro en territorio cercano a la frontera y encarga a Sharpe que vaya con lo que queda de sus "rifles" a desenterrar el oro con el pretexto de que los ingleses lo llevarán por mar a la Junta de Defensa de Cádiz, aunque en realidad lo quiere para emplearlo él.

Su contacto es el mayor Kearsey, un hombre de honor que cuando intuye el propósito de Sharpe, se niega a que se lleve el oro, pues este es de los españoles y quiere que se lo quede un jefe guerrillero apodado "El Católico". Un tipo inteligente, culto y buen guerrero, pero que ambiciona el oro para emplearlo en su propio medro.

Aquí hay una lucha de intereses ocultos entre dos bravos contendientes y, por supuesto, como en otras novelas de la serie, una mujer de por medio.

Novela plagada de intriga y aventura en un contexto histórico que Bernard Cornwell utiliza con habilidad para los propósitos de su novela.

Como explica el autor en el interesante epílogo de la novela, buena parte de los acontecimientos que se narran ocurrieron así, aunque Cornwell hace participar en ellos a sus personajes y los cuenta a su manera mezclando ficción y realidad.