PARÍS NOS PERTENECE

 

Anne Goupil (Betty Schneider), estudiante de literatura en el París de 1957, acude a una fiesta con su hermano mayor Pierre (François Maistre). Entre los invitados están Philip Kaufman (Daniel Crohem), un estadounidense expatriado que escapa del macartismo, y Gerard Lenz (Giani Esposito), un director de teatro a quien acompaña Terry (Françoise Prévost), una misteriosa mujer. En la fiesta se habla del aparente suicidio de Juan, un exiliado español que recientemente había roto con Terry. Philip advierte a Anne que los responsables de la muerte de Juan pronto harán lo mismo con Gerard. Gerard está intentando estrenar una versión de "Pericles" de Shakespeare, aunque no tiene respaldo económico. Anne participa en la obra para ayudar a Gerard y tratar de descubrir por qué murió Juan.

Debut en la dirección de Jacques Rivette, crítico de cine de la revista "Cahiers du Cinéma" y, posiblemente, el menos conocido de los realizadores de la nueva ola francesa. 

En papeles menores, la película incluye nombres icónicos de la llamada Nouvelle vague, como Jacques Demy, Claude Chabrol y Jean-Luc Godard.

El teatro o las inquietudes políticas y sociales de los jóvenes intelectuales del momento, constantes en la obra de Jacques Rivette, aparecen en esta película que pretende retratar algunos de los anhelos y propósitos de esos jóvenes en una Europa agitada por la Guerra Fría que navega entre el desencanto y el ansia por cambiar las cosas.

Rivette hace formar parte a algunos de sus personajes de una especie de grupo o sociedad secreta de la que tampoco se nos aclara mucho que, al final, en palabras de Terry, resulta ser más una idea que un grupo constituído y organizado. Todo ello ambientado en un París desaparecido hace mucho tiempo, centro de una izquierda intelectual, barrios con hoteles y pensiones de segunda y algunos de cuyos escenarios más representativos sirven como fondo a sus secuencias exteriores.

Las reflexiones existencialistas de Rivette resultan, a mi parecer, algo pretenciosas y para lo que cuenta, opino que la película se excede en su duración, quizá sea por estos detalles por lo que el film se me ha hecho largo. Ya se que hay espectadores que gustan de este tipo de películas y lo entiendo, pero a mí me ha resultado algo plomiza. Ya el realizador tuvo problemas para sacar adelante la producción y el estreno se fue retrasando y retrasando, su escaso recorrido en taquilla lastró la carrera posterior del cineasta.

KIMI

 

Durante la pandemia de COVID-19 en Seattle, Angela Childs (Zoë Kravitz), trabajadora de una empresa tecnológica que sufre agorafobia, descubre la evidencia de un crimen violento mientras revisa un flujo de datos, pero cuando intenta reportarlo a su compañía, encuentra burocracia y dificultades. Para tratar de solucionarlo deberá enfrentarse a su mayor miedo y aventurarse fuera de su apartamento, adentrándose en las calles de la ciudad, que se llenan de manifestantes después de que el ayuntamiento aprobara una ley que restringe los movimientos de la población sin hogar.

Aunque durante las épocas más álgidas de la pandemia por COVID-19 se rodaron muchas películas y programas televisivos que hubieron de extremar las medidas de precaución, lo que las imágenes retrataban era la vida, llamémosle normal, al contrario de lo que aquí sucede, en que, además de las precauciones sanitarias tomadas tras los focos, se reconoce la pandemia de forma explícita como parte de la historia: algunos personajes utilizan mascarillas y, en uno de los diálogos, Angela admite que el virus agudizó su agorafobia que había remitido antes de que la ansiedad por la COVID provocara una recaída.

La película plantea situaciones que entrelaza, pero que cada cual tiene sus connotaciones diferentes, por un lado, es un thriller, con una agresión de por medio que se sospecha ha podido acabar en asesinato; por otro, están los problemas de salud de la protagonista, acosada por sus fobias que le impiden llevar una vida normal en sociedad y, por último, está el reflejo de la pandemia que estamos sufriendo, a la que poquísimas películas de las que se han rodado y se ruedan, hacen referencia, más bien parece que tratan por todos los medios de eludir el asunto.

Pero hay una cuarta reflexión que tiene mucha importancia en el film: la tecnología que nos rodea, que ha venido para quedarse y que conlleva muchas ventajas, pero unos cuantos inconvenientes de los que, aunque seamos conscientes (que no todos y no siempre, lo somos), no sabemos muy bien hasta donde llegan y hasta qué punto suponen, de un lado, que nos relacionemos con los demás de una manera absolutamente diferente, totalmente virtual en ocasiones y que en el mundo real haya muchas personas que están solas aunque tengan la impresión de tener muchas amistades, pero que muchas veces ni conocen, ni saben quienes son y, de otro lado, hay un control de nuestras vidas por alguien que tampoco sabemos ubicar demasiado bien.

Kimi, el dispositivo electrónico, trasunto del Alexa de Amazón, del asistente de Google o de otros dispositivos y aplicaciones similares, se convierte en un personaje del film y, si bien es posible que no siempre esté grabando, siempre está escuchando, de lo contrario, la palabra de activación no se incluiría en absoluto en la grabación. La empresa Amygdala que fabrica el dispositivo, probablemente querrá mantener este hecho en secreto por cuestiones de privacidad.

La película es bastante sencilla en sus planteamientos, cuyo atractivo principal es que nos sumerge en el mundo que nos rodea, aunque el asunto central que plantea tiene algo de rebuscado e increíble, pero como señala David Rooney en su reseña para The Hollywood Reporter: No es un gran Soderbergh, pero funciona.  Y añado por mi cuenta: Y funciona bastante bien.

INDISCRETA

 

Philip Adams (Cary Grant), apuesto y elegante diplomático y rico hombre de negocios, conoce a la hermosa y famosa actriz Anna Kalman (Ingrid Bergman). Él le confiesa que está casado y que se halla en trámites de divorcio, pero tal circunstancia no impide que la pareja enamorada caiga en una aventura apasionada. Mas resulta que la actriz no es la única con talento para el juego de roles: su amante casado es en realidad un playboy soltero con aversión al matrimonio. Cuando se revela su secreto, ella decide darle a su Romeo una muestra de su propia medicina.

Norman Krasna adaptó su propia obra teatral "Kind Sir" para la pantalla grande. Dos de las mejores características de la película son la fabulosa fotografía en color del legendario director de fotografía Freddie Young ( Doctor Zhivago) y los magníficos vestidos new look de Christian Dior diseñados para Bergman.

El argumento es muy sencillo, tanto como deslumbrante es la puesta en escena llena de glamour y sofisticación, como las clásicas comedias románticas de unos poco años antes, con personajes educados, de cuidado lenguaje y modales exquisitos, con diálogos de cierta brillantez.

Tanto el vestuario de Bergman, como su apartamento, en que se desarrolla la mayor parte de la acción, nos llevan a un ambiente de clase alta y con buen gusto. Ese apartamento, cuya visión quiero imaginar lo que supondría para el público español de la época, está decorado con una mezcla de clasicismo y toque "chic", con una cocina hermosa y plagada de electrodomésticos que aquí no se veían casi ni en los anuncios y detalles que sonarían como de otro mundo, como el de la protagonista paseándose por el salón de su casa con el paquete de Kleenex en la mano para desmaquillarse. ¡Pañuelos de papel!, por estos lares pasarían unos cuantos años antes de que supiéramos siquiera que existían.

La película se sostiene por los intérpretes, hablar de Grant y Bergman es hacerlo de dos iconos del cine, además de grandes amigos en la vida real, excelentes actores y, en esta ocasión, además, están arropados por un buen elenco de secundarios.

Solo la escena del baile de la rueda, vale por todo el film, en ella se conjugan el gusto por la danza de Stanley Donen (mundo del que provenía), con la actitud cómica de Cary Grant para la que estaba especialmente dotado. Una escena brillante en su concepción y su desarrollo y muy divertida. 

Hay una curiosidad que me ha llamado la atención: En esta película de 1958, hay una escena en que ambos protagonistas comparten ascensor y Phillp le comenta a Anna que ha leído un artículo sobre el cambio del tiempo en el mundo (se refiere, claro está, al clima, al tiempo meteorológico).

EL INOCENTE

 

Mickey Haller (Matthew McConaughey), un astuto abogado de Los Ángeles, se ha especializado en defender a pandilleros y criminales de poca monta procedentes de los barrios bajos. Generalmente asume que sus clientes son culpables y lo prefiere así, al menos sabe que si pierde el caso, no se está condenando a un inocente. Cuando se le presenta la oportunidad de defender al joven Louis Roulet (Ryan Phillippe), un rico heredero de Beverly Hills, acusado del intento de asesinato de una prostituta, su carrera da un vuelco, pues esto significa percibir unos ingresos muy superiores a los habituales. Sin embargo, aunque el caso es aparentemente sencillo, todo se va complicando según avanza la investigación y aunque Roulet se mantiene firme en que es inocente de golpear brutalmente a la prostituta, Haller, con la ayuda de su investigador Frank Levin (William H. Macy), acaba revisando un caso antiguo por el que un hombre llamado Jesús Martínez (Michael Pena) está cumpliendo cadena perpetua por un asesinato sorprendentemente similar. Las respuestas de Martínez cuando se le presentan las evidencias, hacen que Haller dude de la inocencia de Roulet y ve un patrón paralelo. Se pregunta si Martínez, después de todo, no será el primero de sus clientes que realmente era inocente y al que convenció para que se declarara culpable a fin de conseguirle la cadena perpetua para librarle de la inyección letal.

El guión se basa en el superventas The Lincoln Lawyer, de Michael Connelly, conocido escritor estadounidense de novelas policiacas y declarado admirador de la obra de Raymond Chandler.

Como tantas veces ocurre con los libros trasladados a la pantalla y, aunque es cierto que, en líneas generales, la adaptación está bastante bien y mantiene el espíritu de la novela, lo cierto es que se pierden bastantes de los matices que tenemos en el original, pero bueno, ya digo, que la adaptación no está mal ni mucho menos, aunque el que quiera sacar todo el jugo del relato, deberá leer el libro. 

Una de las cosas que más me ha llamado la atención del film, es el elenco de secundarios que acompañan a Matthew McConaughey, nombres muy conocidos que sonarán de sobra a los más aficionados: Marisa Tomei, William H. Macy o John Leguizamo, entre ellos. 

El argumento tiene atractivos de sobra y los giros que va planteando el guión están bastante bien distribuídos como para mantener el interés del espectador. Tampoco es que que profundice mucho en los personajes, pero están bien retratados y resulta entretenida como para pasar un rato de lo más agradable viendo está película que no pasará a la historia (supongo), pero que no está nada mal.

1914. DE LA PAZ A LA GUERRA

 

Podríamos mencionar la rivalidad entre Alemania y Gran Bretaña y su carrera armamentística naval, o el temor y hostilidad mutuos entre Rusia y el Imperio Austrohúngaro. Sin embargo, fue en los Balcanes donde surgiría el mayor de todos los peligros: dos guerras entre sus países, una primera en 1912 y la segunda en 1913, estuvieron a punto de involucrar a la grandes potencias. La diplomacia, las amenazas en falso y la temeridad política preservaron al final la paz; pero, aunque los europeos no podían saberlo, aquello fue un ensayo general para el verano de 1914. Como dicen en el teatro: si el último ensayo sale bien, el estreno será un desastre.

La crisis de julio de 1914 fue creada inicialmente por la imprudencia de Serbia, la sed de venganza del Imperio Autrohúngaro y el cheque en blanco que le dio Alemania a éste. Las potencias de la triple entente (Francia, Gran Bretaña y Rusia), tenían en su mano evitar la guerra o librarla en las condiciones más favorables posibles si esta llegaba. Los debates históricos posteriores se han centrado en la cuestión de la culpabilidad de Alemania, del Imperio Austrohúngaro o de Serbia. Otros culpabilizan a Francia por respaldar a Serbia, a Gran Bretaña por no reconocer la legitimidad de las demandas alemanas que aspiraba a tener un lugar en el concierto internacional y participar en el reparto colonialista mundial, incluso por no dejar claro al principio que participaría al lado de Francia y Rusia. Pero si estos asuntos han fascinado a historiadores y analistas políticos, seguramente nunca tengamos una respuesta definitiva, porque para cada argumento existe una refutación sólida. 

Margaret MacMillan recorre con detenimiento la situación de cada país, no solo europeo, sino incluso China, Japón o EE.UU., analiza cuál era la situación mundial en general y la europea en particular, tratando de que el lector tenga argumentos e información suficiente y detallada para sacar sus propias conclusiones sobre los porqués de un conflicto que acabó afectando, de forma directa o indirecta a todo el planeta, algunas de cuyas razones (si es que hay razones para la guerra), siguen acechándonos en la actualidad, por más que queramos verlo lejano, no en vano, acontecimientos sucedidos hace más de un siglo, hacen que tengamos la percepción (equivocada, pienso yo), de que están superados o que nada nos aportan a nuestros problemas actuales, cuando resulta ser todo lo contrario. Por ejemplo, cuando el gobierno Serbio que controlaba las provincias otomanas de Kosovo y una parte de Macedonia, tuvo que hacer frente a una rebelión de la cada vez más numerosa población de musulmanes albaneses, aplastó de forma brutal cualquier resistencia generando para Serbia un legado de odio y resentimiento que sigue vivo y continúa creando problemas en la actualidad entre Serbia, Albania y Grecia.

Otro ejemplo, este con consecuencias aún más recientes: Rusia siempre se sintió vulnerable por no tener defensas naturales en sus fronteras y uno de los legados que dejó esa vulnerabilidad fue tener un gobierno centralizado y autoritario, algo que se consideraba fundamental para su autodefensa y un argumento que Putin esgrime, cada vez que se le presenta la ocasión, para justificar a Stalin en la historia rusa, en el sentido de que tanto Stalin como su régimen fueron necesarios para mantener a Rusia unida frente a la amenaza enemiga. Otra consecuencia, fue la continua búsqueda de seguridad llevando sus fronteras siempre un poco más allá, teniendo absorvidas, a finales del XVIII a Finladia, los estados del Báltico y parte de Polonia.

¿Les suena actual todo esto? Pues eso, que el asunto es más actual de lo que pudiera parecer y, desde luego, con el magnífico tratamiento que le da la autora, que lo hace ameno a pesar de la cantidad de datos y reflexiones que aporta, resulta un libro de lo más recomendable para quien desee saber lo que aconteció en aquellos años en que Europa pasó de la paz a la guerra cuando nadie lo esperaba, exactamente igual que ahora, con un montón de paralelismo que nos hacen pensar, por un lado, que vivimos circunstancias no iguales, pero sí muy similares y, por otro, constatar, una vez más, que la raza humana no acaba de escarmentar y repite de forma cíclica los mismos errores.

LAS MARIPOSAS SON LIBRES

 

Don Baker (Edward Albert) ha estado sujeto durante mucho tiempo al yugo materno. Ciego de nacimiento, soporta el carácter dominante y sobreprotector de su madre hasta que se instala en un pequeño apartamento. Allí conoce a su vecina Jill (Goldie Hawn), una joven de diecinueve años, aspirante a actriz, liberada y extravagante. Hasta entonces ha vivido sólo de quimeras, pero el descubrimiento de una persona afín convierte su vida en una auténtica revelación.

Don aprenderá de Jill el tipo de cosas que su madre nunca le habría enseñado, y Jill aprende de Don de qué va realmente eso de crecer y ser libre. 

Basada en la obra teatral de Leonard Gershe, la adaptación cinematográfica, del mismo autor, conserva en su puesta en escena buena parte de su origen teatral, pero la buena actuación del elenco principal supera el posible inconveniente, con una brillante interpretación de Eileen Heckart como la posesiva madre, que le valió un Oscar como mejor actriz de reparto.

Bajo el tono humorístico que preside la narración, encontramos toda una lección de vida, de aprender a convivir con los discapacitados y de la necesidad social de darles una oportunidad. Son personas, por más que necesiten mayor o menor ayuda o ciertas adaptaciones en su entorno cercano, para desarrollar las rutinas que lleva a cabo cualquier ser humano en su mismo ambiente. Necesitan independencia, en lo que permitan sus limitaciones y poder tomar sus propias decisiones en sus vidas. 

Los personajes van dando y tomando lecciones unos de otros y, por suerte para ellos, acaban siendo conscientes de lo que no están haciendo bien y lo son gracias a lo que los otros les enseñan. Entre Don y Jill, no está claro quién necesita más del otro. Don necesita a Jill, porque ésta le aporta seguridad en sí mismo, pero, al tiempo, él le aporta a ella algo de la sensatez que falta en su vida. Y la madre de Don, acaba aprendiendo que su hijo ya no tiene once años, es un hombre, ciego, sí, pero un hombre. 

Película alegre, como digo bien interpretada, en la que los diálogos, de buen nivel, tienen importancia determinante, con un mensaje muy profundo y algunos momentos realmente divertidos que compensan la dureza que esconden otras situaciones en las que la vida se presenta con toda su descarnada dureza.

CUARENTONES

 

César (Erick Elias) es un chef exitoso, dueño de un restaurante italo-mexicano junto con su gran amigo Paolo (Adal Ramones), un hombre alegre y optimista. César está felizmente casado con Amelia (Ximena Gonzalez-Rubio), con quien tiene un hijo de diez años llamado Enrique (Ricardo Zertuche). Poco antes de cumplir cuarenta años, descubre repentinamente que su esposa le ha ocultado algo importante durante mucho tiempo. Deprimido y derrotado, César siente que se le cae el mundo encima. Pero justo en el momento de crisis, César tiene que ir con Paolo a Cancún, a concursar en un certamen para los mejores pequeños restaurantes de México. El chef recupera confianza en sí mismo gracias a Naomi (Gaby Espino), una mujer irónica y fuerte, que conoce en el hotel de playa, y que le enseña a lidiar de manera equilibrada con las sorpresas desagradables que se presentan en la vida.

Película de Netflix que, al parecer, conforme he leído en algún sitio, ha tenido cierto éxito en Hispanoamérica, lo cual no me consta, tampoco lo contrario. Si no queremos meternos en profundidades, ni empezar a masacrar el film, habremos de conformarnos con decir que es una película sencillita, tirando a simplona.

Tener al bellezón de Gaby Espino luciendo palmito y paseándose en bikini por el film, aunque alegre la vista, no sirve para salvar la película que tiene un argumento ligero y, si hay algún asunto del que pudiera sacar algo más, no lo hace, quedándose en la superficie, como si no quisiera ofender a nadie y, claro, con esto, lo que a veces consigues, es que tampoco acabas de convencer a ninguno. Ni el asunto del niño que no es hijo del protagonista, sino de una relación anterior de su esposa, que se la ha ocultado después de diez años de matrimonio; ni el de los concursos estos de gastronomía, que tanto proliferan últimamente y que pudieran dar para mucho; ni el personaje de Naomi, una mujer de su tiempo, liberada, independiente, que no quiere compromisos, pero que no renuncia a darse un respiro satisfactorio por el hecho de ser mujer, son más que meras excusas para sacar alguna sonrisilla a los menos exigentes y, como digo, el guión no quiere bucear en esos asuntos y se queda en la superficie, cuando no en la misma orilla, vamos, que no se moja.