UN HOMBRE CON SOTANA (AMBROSIO ERANSUS)

El final de la Guerra Civil Española fue campo abonado para que desalmados de todo tipo, campasen por sus respetos, sembrando odio y muerte allí por donde pasaban.

El teniente coronel de la Guardia Civil Manuel Gómez Cantos, cuya hoja de servicios previa al llamado Alzamiento Nacional está salpicada de insubordinaciones, palizas o deudas, se aplicó a la tarea de limpiar aquel pasado a base de terror.

Denostado dentro de la propia Guardia Civil, aquel psicópata sanguinario, no había dudado a la hora de mandar a la otra vida, incluso a sus propios compañeros cuando sospechaba un atisbo de republicanismo, como hizo con un cabo, escribiente en su compañía, cuando se enteró de que había tardado quince días en pasarse desde el lado republicano al nacional.

Gómez Cantos regresó a Cáceres (donde ya había estado durante la Guerra), en marzo del cuarenta, estableciendo en el Monasterio de Guadalupe su centro de operaciones en la lucha contra el maquis que le habían encomendado. Su método fue terror y sangre. Cuando le parecía, bien en represalia a las acciones guerrilleras, o para tratar de descubrir el paradero de los insurrectos, elegía al azar a los vecinos de tal o cual población sospechosos de ser simpatizantes de la república o por el mero hecho de ser familia o amigos de quienes lo eran o habían sido y les sometía a crueles interrogatorios para, posteriormente, enviárselos a su inseparable lugarteniente, el capitán Emiliano Planchuelo Cortijo, que era quien dirigía los pelotones de fusilamiento.

En agosto del 42, una partida de guerrilleros ocuparon La Calera, una aldea de la pedanía de Alía. Los ocupantes le dieron una paliza de muerte al alcalde falangista y se llevaron dinero de ciudadanos considerados derechistas.

La respuesta de Gómez Cantos no se hizo esperar, llevó a cabo una redada entre jornaleros y agricultores de La Calera y Alía, con el pretexto de que algo debían saber y, sin trámite legal alguno, fusiló a 24 de ellos junto a las tapias del cementerio, delante de todo el pueblo a quien vigilaba un cordón de guardias civiles.

Con la sangre de los fusilados aún caliente, se encaminó a Castilblanco con una lista de 90 nombres. Los guardias dejaron aviso en casa de cada uno de ellos para que se presentaran en el cuartelillo a poner en regla sus papeles. Pero todo lo el mundo sabía lo ocurrido en Alía, así que los requeridos se quedaron en sus casas y antes de que fueran a por ellos, avisaron al párroco local.

Este cura era D. Ambrosio Eransus Iribarren, un mocetón navarro, de Yelz (aunque en algún sitio he leído que nació en Mendioroz), en el Valle de Lizoain, nacido en el seno de una familia que tenia aquella religiosidad profunda y sentida tan habitual en la Navarra rural por aquel entonces.

Eransus quería ser misionero y para ello pretendió ingresar en el Colegio de Misiones de Burgos, pero el estallido de la Guerra Civil trastocó todos sus planes y Ambrosio marchó a la Guerra como capellán de un tercio requeté. Por su valor, acabó la contienda con el grado de comandante y tras algún otro destino, acabó recalando en Castilblanco. Cuando suceden los hechos que narramos, Eransus rondaba los 33 años y aquel día en que un desalmado con tricornio amenazaba a sus feligreses, se sintió, más que nunca, pastor de su rebaño y se encaró con el teniente coronel. Cuenta el periodista y guardia civil Jesús Mendoza que años después escuchó el relato de lo ocurrido por boca de los lugareños: «Cuando lo tuvo enfrente, le dijo: "Oye, tú, si se te ocurre molestar a algún vecino, te busco y te pego un tiro. Si tú eres teniente coronel, yo soy comandante del Ejército"».

Gómez Cantos no pudo sostenerle la mirada, seguramente adivinando que bajo la sotana, aquel personaje escondía lo que tiene todo hombre con arrestos y se achantó.

Esta es la historia, que no quiero terminar sin contar cual fue el final de Gómez Cantos, bueno, el final no, porque murió en la cama cuando era un anciano, como suele ocurrir con tantos desalmados. Pero sí que acabó siendo expulsado de la Guardia Civil, tras el consejo de guerra al que sería sometido en 1945, sin llegar ni siquiera a cumplir entero el año de prisión a que fue condenado por «abuso de autoridad».

Todo ello porque en abril del 45, un grupo de maquis asaltó el cuartelillo de Mesas de Ibor (Cáceres) y desarmó a los cuatro guardias que había en él. Gómez Cantos montó en cólera, llegó a Mesas convencido de que sus subordinados eran unos cobardes y ordenó que fueran fusilados sin más contemplaciones. Al parecer, los guardias, como quedó demostrado en el juicio, habían plantado cara a los asaltantes y uno de ellos resultó herido, muriendo más tarde a consecuencia de ello.

Pero lo curioso es que Gómez Cantos no fue expulsado por haber matado a cuatro compañeros abusando de su autoridad, al parece el obispo de Coria y el propio Primado, Plá y Deniel, consideraron intolerable que aquel desalmado les negara la confesión, y esta fue la verdadera causa de su expulsión.

TRANVÍA A LA MALVARROSA

La historia está ambientada en los años 50, en pleno régimen franquista, y narra el viaje que Manuel (Liberto Rabal), un joven castellonense, realiza a Valencia para comenzar sus estudios de Derecho. El muchacho quiere ser escritor pero su padre se niega y le envía a esta ciudad para hacer de él un hombre de provecho.

Manuel, a sus 17 años, vive su adolescencia sin haber dejado atrás la infancia. Sigue divirtiéndose gastando bromas a los demás aunque ahora sean más elaboradas y retorcidas, como cuando viaja con sus amigos al pueblo vecino y, haciéndose pasar uno de ellos por secretario del gobernador civil, destituyen al alcalde 'en nombre de Franco'. Su padre le ha puesto un ultimátum: ¡O cura o abogado!

Manuel, que ni quiere seguir con el negocio familiar de cítricos ni se ve como cura, se va a la capital, Valencia, para estudiar Derecho e intentar volver a ver a la chica de sus sueños, Marisa (María Rodríguez).

El joven es una persona emprendedora y curiosa a la que le encanta pasear por la ciudad. Algunos días, durante esos paseos, cree reconocer a Marisa, una de las veces a bordo de un tranvía que se dirige hacia la playa de la Malvarrosa, por lo decide tomar el tranvía y seguirla.

La férrea educación católica que su padre le ha inculcado le impide mediar palabra con la joven por lo que pierde la oportunidad de conocerla.

La película está basada en la novela homónima de Manuel Vicent, el cual se inspiró en sus propias vivencias para escribirla.

Lo cierto es que la novela de Vicent, abunda en descripciones y en relatar el entorno de la Valencia de la época (finales de los 50), pero a la hora de querer llevar eso a la pantalla han caído en una suerte de superabundancia de ambientación y además, bajo mi punto de vista, lo han hecho con poco criterio. Lo digo porque en la película vemos un montón de cosas relacionadas con el momento, desde los tranvías, hasta los carteles de publicidad, pasando por la recreación del entorno (mercado, universidad, cafeterías, las mismas calles...), lo que sin duda debió comportar un enorme esfuerzo, pero es que se cae en algo que va más allá del barroquismo, porque los elementos decorativos se introducen sin orden ni concierto, hasta crear una reiteración tal que acaba siendo agobiante y al espectador le puede dar la sensación de acartonamiento. Y es que en todo hay que tener criterio y mesura, por ejemplo, en una de las primeras escenas, se ve en el mismo plano a los gigantes saliendo a desfilar en las fiestas de la localidad donde vive el protagonista, el monumento a los caídos y, en primer término, a unos niños jugando a las canicas. Y situaciones similares se repiten una vez y otra.

La película cuenta con más colaboraciones que actores de reparto. Por supuesto los llamados colaboradores, tienen intervenciones puntuales, alguno, como el caso de Santiago Ramos, ni aparecen en pantalla, pues pone la voz en off de la narración. Por cierto, fue la última intervención en cine del gran Vicente Parra.

Por lo demás, la película se convierte en una especie de desfile costumbrista, ya digo que sin mucho criterio y haciendo hincapié en los tópicos para dejar escapar el paralelismo entre la historia personal y el momento social que se vivía en España en general y Valencia en particular, aunque también trata de reflejarlo y, por momentos, parece que lo consigue.

Ese retrato de una época pasada puede resultar entretenido, sobre todo, imagino, para la gente de la ciudad levantina que reconocerá algunos parajes y algunas situaciones que se retratan en el film y puede revivir cómo eran algunos lugares, como el propio entorno de la Malvarrosa, antes de la época de la especulación urbanística.

Por cierto, en un momento del film, se habla del Crimen del cine Oriente, ocurrido en la ciudad de Valencia en esa época.

CARRETERAS SECUNDARIAS

Estamos en la España de 1974, Patty Hearst está en las noticias, la salud del dictador empieza a dar los primeros síntomas de flaqueza, la televisión en color aparece en el mercado... Felipe (Fernando Ramallo) es un adolescente que viaja junto a Antonio Lozano (Antonio Resines), su padre viudo. Sú única propiedad es el Citröen DS (el mítico "tiburón") con el que van de un lado a otro. Su estrategia para vivir se basa en recorrer la costa mediterránea visitando todos los apartamentos cercanos a las zonas de playa que en temporada baja se encuentran vacíos. Por azares del destino se verán obligados a cambiar su ruta y dirigirse hacia el interior, lo que provocará una serie de cambios en su vida a los que les costará hacer frente.

Antonio pertenece a una familia pudiente, pero no se habla con ellos desde que tiempo atrás tuvo un lío con la justicia. Ahora hace trapicheos y trata de vivir a costa de los demás, lo que sea antes que ponerse a trabajar.

Su hijo, en pleno despertar sexual, no está de acuerdo con los caminos por los que transita la vida de su padre, él respeta a las mujeres y parece más inteligente y, desde luego, mucho mejor educado que su padre, a pesar de que, en parte debido a su juventud, es un rebelde.

La película está basada en la novela homónima de Ignacio Martínez de Pisón, que también es el autor del guión, tarea por la que estuvo nominado a los Goya de aquel año.

Aunque ha poco lugar al lucimiento en este apartado, el vestuario está diseñado por Lala Huete (El laberinto del fauno, entre otras).

Es una lástima que este film no logre despegar del todo, a pesar del prometedor arranque, la película se va diluyendo y entra en una sucesión de altibajos, alternando algunos tramos interesantes, incluso buenas secuencias, con otros que están bastante poco logrados.

La novela, al igual que hace la película, narra una especie de viaje iniciático de un joven, con un padre cuya vida es bastante irregular, que se mete en negocios que fracasan una vez y otra y se dedica a dar sablazos que le van metiendo en una espiral que complica su existencia cada vez más.

Creo que la historia trata de establecer un paralelismo con la situación de la España del momento, no es gratuito que la narración se sitúe en 1974, con el dictador a punto de morir y unos nuevos tiempos que aúnan ilusión y esperanza por un lado y cierto temor por otro.

Actuaciones correctas y algunos planos aéreos en los que se luce la cámara, para un film irregular, pero interesante.

LOS JUEVES MILAGRO

Fontecilla, un pueblo que vivió tiempos de esplendor gracias a la fama de su balneario, sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadísimo turismo que apenas deja beneficios; ni siquiera el tren para ya en la estación. Don Ramón (Arturo Romea), el dueño del decrépito balneario, cuyo edificio otrora espléndido, está lleno de goteras, harto de su escasa y poco aristocrática clientela, en connivencia con el alcalde, D. Antonio (Juan Calvo); el maestro, D. Salvador (Paolo Stoppa); el médico, D. Manuel (Manuel de Juan); el farmacéutico, D. Evaristo (Félix Fernández) y don José (Pepe Isbert), un acaudalado propietario, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Cuando se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre Don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón, el problema queda resuelto.

El grupo, se pone manos a la obra y organiza la aparición del Santo, que se repetirá cada jueves en la vieja estación y, a pesar de su reticencia inicial, Don José se encarga de interpretar al santo ante Mauro (Manuel Alexandre), un vagabundo de pocas luces, que recibe las primeras instrucciones y se encarga de difundir la buena nueva entre los lugareños, corriendo por las calles y pregonando a gritos el suceso.

La farsa empieza a dar sus primeros resultados, convocando a numerosos fieles cada jueves y dando una nueva notoriedad al pueblo. Pero un día llega a Fontecilla un ladrón que, ocultando su verdadera personalidad, insinúa conocer la conducta e intenciones de los impostores. Este hecho, unido a una serie de inesperados acontecimientos y a las cada vez más frecuentes curaciones originadas por el falso milagro, crea un gran desconcierto entre el grupo de farsantes, que terminan por perder el control y confesar su mentira, aunque nadie les cree.
La historia fue escrita con su amigo José Luis Colina, sobre una idea de Berlanga sacada de un episodio real de un falso milagro en la provincia de Castellón.

La película presenta una sátira social divertida de España a mediados de 1950. Es una burla de la simplicidad que abunda en el fervor religioso de la gente común, crédulos y manipulados, de la omnipresencia de la religión en el mundo civil y su enorme influencia, del uso de la religión como un instrumento de poder y del oportunismo de las autoridades.

Berlanga tuvo problemas muy pronto, de donde menos esperaba, pues con la censura española ya contaba, pero resulta que la productora italiana (es una coproducción hispano-italiana), era nada menos que del Opus Dei que envió a un tipo, un tal Paolo Moffa que se colaba en los rodajes y no paraba de meterse donde no le llamaban. Total que Berlanga debió acabar hasta el gorro.

Además tuvieron que reescribir ochenta páginas de guión para que pasara la censura, un tal padre Garau fue enviado para que "colaborara" en la reescritura. Berlanga, con esa socarronería tan propia de él, quiso que figurara en los títulos de crédito como coguionista, aunque al final no lo consiguó.

Algún critico dijo de la película que estaba "poco elaborada", ¡pero si se había cambiado el 60 por ciento de la película!, decía Berlanga.

Podemos ver magníficas actuaciones como la de José Isbert, siempre brillante  o Manuel Alexandre, su personaje es corto pero enjundioso. Y como anécdota la aparición del entonces niño, Luis Varela que después fue gran actor de comedia y la actuación sobria de José Luis López Vázquez en el papel de párroco, antes de caer en el personaje histriónico que caracterizó buena parte de su carrera posterior.

También interviene el norteamericano Richard Basehart (el almirante Nelson de la inolvidable serie de TV "Viaje al fondo del mar").

La sensación de que nada es esforzado, que la interpretación fluye, a la que contribuyen en gran parte las imágenes y a los encuadres., cambia hacia la mitad del film, cuando aparece el personaje de Basehart, en que parece que todo se vuelve un tanto más artificioso. De ser un relato en que predomina una especie de picaresca, se mete en terrenos metafísicos y el film, al menos para mí, pierde mucho interés.

LA MIRADA DEL OTRO

Begoña (Laura Morante), heredera de la tradición de una familia de la alta burguesía, es una mujer moderna, inteligente e independiente, pero que se encuentra fuera de sitio, sin lograr encontrar su puesto en la vida. Por recomendación de su psiquiatra, Begoña escribe un diario al que cuenta sus experiencias diarias. Su fidelidad a ese diario la inclina irremisiblemente a una doble vida en la que los deseos y la realidad se funden y se confunden. La mujer se entretiene de amante en amante y de práctica sexual en práctica sexual. Lo intenta con un motorista solitario; con un pintor para el que hizo de modelo; con un compañero de trabajo… y, casi al final, se echa de nuevo en brazos de un adolescente con el que tuvo una relación de una noche y al que no le hizo mucho caso.

El guión se basa en una novela de Fernando González Delgado por la que obtuvo el Premio Planeta en 1995. Se ve que aquel año, el Sr. Lara no encontró a ningún escritor de renombre dispuesto a entrar en su juego a cambio del más que sustancioso premio y optó por dárselo a quien por entonces salía todos los fines de semana en televisión presentado el telediario. ¡Qué mejor campaña de imagen! La novela tiene un alto contenido erótico y al decir de lectores y crítica, tampoco es que sea nada del otro mundo.

La película fue masacrada literalmente por la crítica y es que yo pienso que Vicente Aranda no consigue trasladar al espectador las que dice que eran sus inquietudes al hacer el film, que era ni más ni menos que tratar de la sexualidad femenina desde el punto de vista de las mujeres.

Yo no voy a entrar en los desnudos, si son más o menos gratuítos, pero en lo que se refiere al asunto del que Aranda pretendía hablar, creo que se pierde casi desde el principio, tras presentarnos a esta mujer aparentemente segura de sí misma a la que el sexo deja totalmente insatisfecha, el film se va enredando y es como si perdiera el norte. A eso le unimos algunas escenas en las que la protagonista se dedica a hablarle a un aparatejo llamado "buho", una especie de webcam que sustituye a su diario en papel, que acaban siendo reiterativas y artificiosas.

Penosos diálogos, y actuaciones pobres en general, con algún nombre conocido que sirve como reclamo sin apenas intervenir en el film. Quizá se salva Laura Morante que hace lo que puede, pero su papel no da más de sí.

Film bastante prescindible.

PATRIA

"El conflicto", así se conocía en los círculos abertzales la penosa situación que vivió el País Vasco durante los largos años del plomo. Un eufemismo, otro más a los que tan aficionados somos los españoles en los últimos tiempos.

Pero qué había detrás de una simple palabra, cómo todo un pueblo pudo estar sumido durante tanto tiempo en una situación sin sentido, unos víctimas, otros verdugos, otros más cómplices por acción u omisión, pero todos implicados, porque, aunque quisieras, no te dejaban escapar sin que te vieras inmerso en aquella espiral de una forma u otra.

Fernando Aramburu nos cuenta la historia de dos familias, euskaldunes hasta la médula, gente sencilla habitantes de un pueblo cualquiera, amigos de siempre, "El Txato" y Joxian, pareja de mus en la Arrano Taberna, miembros del club cicloturista, con el que se van todos los domingos a pedalear y, por otro lado, las esposas, también amigas de siempre, Bittori y Miren, que a punto estuvieron de ingresar juntas en un convento cuando eran unas jovencitas, tardes de cafetería en sus visitas a Donostia para intercambiar confidencias sobre absolutamente todo lo que concierne a sus vidas.

Aquella intimidad entre familias se pierde cuando al Txato, que regenta una empresa de transportes le empiezan a extorsionar, primero cartas exigiendo el impuesto revolucionario, después pintadas , primero sin mayor intención que amedrentar (Txato chivato...) y luego más directas: ETA mátalo, o la que apareció con su apodo en el centro de una diana.

Joxe Mari, el mayor de los hijos de Miren y Joxian acaba en ETA y Miren se radicaliza, como la gallina que sólo ve por los ojos del polluelo que le ha salido peleón. Al Txato y a Bittori les hacen el vacío en el pueblo, están señalados y no conviene hablar con ellos para que no te señalen a ti también. Para Miren pasan a ser "esos", no vuelve a pronunciar sus nombres y les retiran el saludo y la palabra. Joxian, hombre débil y apocado, sabiendo que es por pura cobardía, pero sin hacer nada para evitarlo: "No puedo saludarte, me traería problemas. Pero aunque no te lo diga de palabra, te saludaré con el pensamiento", le dice Joxian al Txato un día en que le espera en la oscuridad para darle las explicaciones que no se atreve a darle a plena luz. Y el Txato le responde: "¿Alguna vez te han dicho que eres un cobarde?"

Y esa es la historia de ETA y del tiempo en que se adueñó de todo un país, una historia de matones y cobardes. Pero ojo, que tampoco sabemos lo que otros hubiéramos hecho en aquellas circunstancias, estamos hablando de mafiosos, de gente que quema, aísla y mata si no respetas la omertá.

Al Txato lo matan un día de lluvia y los miembros de su familia, su esposa y sus dos hijos, se convierten en víctimas, gente molesta y más a ojos de fanáticos como Miren. ¿Por qué mataron al Txato? Algo habrá hecho, ese es pensamiento de quienes justifican lo injustificable.

Por el libro de Aranguren pasan todos ellos, los que no saldrán en los libros de historia, los que vivieron en sus carnes "el conflicto". Bittori en busca de que le pidan un perdón que cree que merece, más por su marido asesinado que por ella misma y Miren convencida de que a su hijo le han metido en una cárcel, no por matar, sino porque entregó su vida al servicio de una Euskal Herria víctima de un estado opresor, prueba de ello es que lo han llevado a una cárcel alejada de los suyos. También se habla de la vergonzante actuación de la Iglesia Católica, con sus continuos mensajes de buenos y malos, amparando crímenes y a sus ejecutores; habla de aquellos que trataron de escapar del lazo que se les tendía ante la incomprensión, la burla y el acoso de quienes estaban más cercanos; del encargado de la taberna, que señala objetivos, de los hijos de maketos que acabaron siendo parte activa del terrorismo...

Cualquier joven vasco de la época pudo haber caído en las garras de ETA, dice Aramburu. Es cierto, porque eran gente normal, que dan el perfil que Annah Harendt expone en su "La balidad del mal". Ellos rompen, queman, insultan y matan convencidos de que lo hacen por el bien de una patria que consideran oprimida y les importa poco quién es aquel contra el que aprietan el gatillo, es un enemigo porque así se lo han dicho, pero no se han parado a analizarlo y son absolutamente inconscientes del mal que están creando, de la espiral de odio a la que contribuyen. Joxe Mari, el etarra, cuando empieza a reflexionar, es cuando comienza a darse cuenta de qué es lo que ha hecho y las consecuencias sobre las personas que han tenido sus acciones.

Un libro necesario para entender qué es lo que ocurrió (lo que aún ocurre) desde el día a día, a través de una historia de gente sencilla, normal y corriente, como dijo José Carlos Mainer en El País: "Patria" es, sobre todo, una gran y meditada novela. Pero la tradición del género lleva incluida la virtud de explicar a sus contemporáneos algo del mundo que les ha tocado vivir, o que forma parte de su herencia: amalgamar evocación y análisis. Lo hicieron los "Episodios nacionales", de Galdós, justo cuando hacía falta recordar y suturar discordias civiles, y lo hizo "Guerra y paz", de Tolstói, cuando corría riesgo de olvido el origen de la Rusia moderna. Lo mismo están logrando ahora las novelas de Fernando Aramburu.

EL CRIMEN DEL CINE ORIENTE

Barcelona a comienzos de los años 50, Salvador (Pepe Rubianes) y María (Anabel Alonso), dos seres sin suerte en la vida, se encuentran casualmente: A ella la acaban de despedir de la casa en la que servía, cuando la señora descubre que se acostaba con el marido y el hijo. Salvador es el encargado del cine Oriente, lugar que escoge María para protegerse de la lluvia. Deciden iniciar una vida en común pero sus esfuerzos resultan inútiles. El fracaso, la frustración y la mala suerte los acompañan. Él se refugia en la bebida, por sentirse un hombre fracasado. Una de tantas noches en las que llega bebido, Salvador le recrimina la obsesión de María por escribir cartas a una supuesta hija que nunca envía. Presa de la ira, María lo apuñala hasta la muerte, y comienza a descuartizarlo para que los gatos de la calle se coman sus trozos.

El guión adapta una novela del aragonés Javier Tomeo publicada en 1995 que, con algunas variaciones, respeta bastante el espíritu del libro.

Pedro Costa, el realizador y coguionista del film, mantenía que la historia de un país se puede seguir a través de las páginas de sucesos, no por lo que estos signifiquen en si mismos, sino porque el entorno en el que se suceden los actos criminales, refleja la vida del momento.

Y eso ocurre aquí, alrededor de la relación interesada de los dos protagonistas, asistimos al retrato de una parte de la sociedad española de finales de los 40, principios de los 50, por medio de las gentes que pueblan el barrio y de quienes asisten al cine Oriente.

El film se convierte también en un pequeño homenaje a la cinematografía de la época, porque vemos desfilar las películas que se proyectaban, sobre todo sus carteles, pero también algunas secuencias (La Lola se va a los puertos, Lo que el viento se llevó, La dama de las camelias, Alba de América, Pinocho, La señora Miniver, El mundo en sus manos, Una noche en la ópera, Levando anclas y muchas otras). Incluso hay una escena onírica en la que los protagonistas suplantan a Rita Hayworth y Glenn Ford en la famosa escena de la bofetada de Gilda.

Es una película de factura correcta y sólido guión, la historia de dos fracasados en una España donde el día a día era duro de sobrellevar, aunque empezaba a vislumbrarse la luz al final del tunel y con unas magníficas actuaciones de dos actores a los que estamos acostumbrados a ver en papeles secundarios, demostrando un estupendo registro dramático que no ha sido explotado en ellos a lo largo de sus respectivas carreras.

Un trabajo muy digno que merece la pena ver.