LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER

Tom (Tommy Kelly), vive con su tía Polly (May Robson) junto a sus hermanos Mary (Marcia Mae Jones) y Sid (David Holt).

Es un niño travieso, al que no le gusta la escuela y cuando tiene la menor ocasión hace novillos para ir a jugar o a bañarse al Mississippi con su amigo Huck Finn (Jackie Moran), a veces les acompaña el pequeño Jim (Philip Hurlic), un esclavo de color que sirve en casa de la tía.

Debido a su carácter, Tom siempre está recibiendo regañinas de la tía Polly, en una de las ocasiones, tras haber sido castigado injustamente por una travesura cometida por su hermano, Tom se escapa de casa con Joe Harper (Mickey Rentschler) y Huck Finn para vivir durante unos días lejos de casa, en una isla del río, mientras todo el pueblo les busca, hasta que ellos aparecen cuando se está celebrando su funeral.

Una noche en que Tom y Huck han ido al cementerio para poner en práctica un viejo conjuro, presencian el asesinato del médico de la localidad que está robando un cadáver, tarea para la que se ha confabulado con un viejo borracho llamado Muff Potter (Walter Brennan) y con el indio Joe (Victor Jory). Esta situación tendrá consecuencias en el futuro, cuando Potter es acusado del asesinato del doctor por el indio, que en realidad es el verdadero asesino. Tom declara en el juicio para salvar la vida del inocente y el indio, que escapa del juzgado, supone a partir de aquel momento, una amenaza para el niño.

Adaptación de la conocida novela del mismo título escrita por Mark Twain, que retrata la vida en una pequeña población ribereña del Mississippi, en la que el gran autor rescata recuerdos de su infancia para plasmarlo con maestría en un relato cargado de humor y añoranza.

La película traslada casi punto por punto el relato a la pantalla y, aunque en líneas generales el resultado es aceptable, hay algunas cosas que no acaban de estar resueltas con acierto.

El film convierte al negro Jim de adulto en niño; Becky Thatcher (Ann Gillis) está bastante desdibujada y no digamos Huckleberry Finn cuyo protagonismo prácticamente desaparece.

A pesar de todo lo dicho, el resultado es una película divertida, muy entrañable y llena de humor y aventuras, posiblemente la mejor versión de la novela de Twain.

Un film que no exime de leer la novela a quien quiera sacar todo el jugo a las descripciones maravillosas de Mark Twain y a su peculiar sentido del humor.

Película de esas que están catalogadas para niños y jóvenes, pero de las que cualquier adulto que sepa verla con esos ojos, disfrutará enormemente.

LA VIDA ES SUEÑO

La obra se estrenó en 1635. Dividida en tres actos, en el primero se nos presenta a los personajes y la ubicación espacio temporal de los mismos; en la segunda se desata el conflicto y en la tercera, se desarrolla la resolución del mismo. Aunque en la misma predomina un tono dramático, no debemos calificarla como una tragedia.

Segismundo ha sido encerrado por su padre, Basilio, Rey de Polonia, en un lugar apartado, pues ha dado crédito a un vaticinio conforme al cual, Segismundo será un tirano feroz. Allí permanece encadenado, al cuidado del noble Clotaldo, que le instruye en el saber. No obstante, dadas las características de su triste vida, Segismundo es prácticamente una fiera y cuando su padre, para poner a prueba si hay alguna esperanza de que la profecía no se cumpla, le libra de su prisión, el joven se muestra como un animal desenjaulado.

Debido a la influencia religiosa del teatro de Calderón, plantea algunos de los problemas que surgieron contemporáneamente a él, uno de los más citados es el libre albedrío y la predestinación. El libre albedrío que es sustentado por la Iglesia y la predestinación que es sustentado por los reformistas protestantes.

Segismundo se nos presenta como un personaje bárbaro y, a la vez, cultivado, una dualidad que está presente en otros muchos aspectos de la obra y que responde a una técnica muy utilizada en el Barroco, conocida como del claroscuro, mediante ella se contraponen aspectos opuestos de la vida.

El soliloquio de Segismundo en el último acto, sintetiza el carácter barroco en setenta y un versos los cuales están plagados de metáforas, metonimias, hipérboles, hipérbaton, preguntas retóricas, retruécanos, analogías e imágenes tanto visuales como auditivas. Todos estos recursos se utilizan para demostrar la complejidad del pensamiento de esa época y las dualidades tanto culturales como religiosas en el caso de la Reforma y la Contrarreforma. Calderón los utiliza en su obra para inculcar los dogmas contrarreformistas. Quizá su mayor valor se encuentra en el planteamiento de la libertad como un bien tan preciado para la vida del hombre, que al estar privado de ella muta a un ser implacable y tirano que pierde el control sobre su conciencia y deja que su instinto actúe en su lugar.

La vida es sueño es seguramente la obra cumbre de su autor, en el texto hay decenas de versos que todos reconocemos y que forman parte de las antologías de la poesía en castellano.

LA DAMA DE LAS CAMELIAS (CAMILLE)

Margarita Gautier (Greta Garbo) es una bellísima cortesana que vive en París desde hace unos pocos años, relacionándose con lo mejor de la sociedad parisina. Necesita el dinero que le proporcionan sus amantes para soportar el elevado nivel de vida que lleva, a pesar de lo cual siempre está cargada de deudas, debido a la alegría con la que gasta lo que ingresa.

Armand Duval (Robert Taylor), está enamorado de Margarita, pero al contrario que otros, no busca únicamente el placer sensual en su compañía, sino que desea unir su vida a la de la ella.

Margarita y Armand, pasan una temporada en el campo, donde ella intenta reponerse de la tuberculosis que padece, son días felices en los que la compañía del ser amado hace que Margarita esté dispuesta a abandonar su vida de lujo y desenfreno para irse a vivir con Armand, aunque sea en condiciones mucho más modestas.

Sin embargo, el padre de su amado, la visita y le pide que abandone a su hijo para que este pueda vivir su vida y progresar en su carrera sin la mancha que supone una relación con una mujer de su condición.

Margarita hará el supremo sacrificio por amor a Armand y para convencer a este de que no es un subterfugio para procurar su bien, le hace creer que está enamorada del Barón de Varville (Henry Daniell).

Adaptación de la famosa novela del mismo nombre de Alejandro Dumas (hijo), quizá la novela romántica por excelencia, en la que la pasión y la renuncia por el ser amado, llegan a sublimarse.

Ambientada en el lujo en el que vive una parte de la alta sociedad de la época, con un impresionante diseño de vestuario y unos decorados que resaltan ese tipo de vida.

Buenas interpretaciones, no sólo de los dos protagonistas, sino de los secundarios, algunos de ellos muy conocidos y una fotografía que saca todo el partido a la presencia de uno de los rostros más envidiados de Hollywood, como es el de Greta Garbo y de un Robert Taylor que está también guapísimo.

No sé si es la mejor interpretación de Greta Garbo, que muchas veces se enfrentaba a papeles bastante planos ya de por sí, que sólo pretendían mostrar un bello rostro, pero sí que esta era su preferida y la que recordaba con más cariño.

La película supuso un gran éxito en su momento y yo creo que conserva su interés actualmente, con su fastuosa puesta en escena y algunas secuencias realmente conseguidas. Una buena adaptación de una obra universal, uno de los puntos culminantes del drama romántico.

EL GRAN TEATRO DEL MUNDO

Es un Auto Sacramental de carácter ético. Aunque todos los autos coinciden en tratar asuntos de la Eucaristía, difieren en sus argumentos. Fue escrito en 1635 y es una de las grandes joyas de la literatura de la lengua castellana. Su título es una clara alegoría de que el mundo es un teatro, en el que sus moradores son, al mismo tiempo, espectador y espectáculo. Los personajes que aparecen en escena: Rey, Hermosura, Rico, Discreción, Niño, Labrador y Pobre, surgen de la decisión del Autor (Dios). Estos personajes tendrán premio y castigo al final de su actuación (la vida), tras el juicio del Autor (Juicio Final), y tendrán que enfrentarse a las cuatro posibilidades: Infierno, Purgatorio, Gloria y Limbo.

Calderón utiliza el recurso quizá más recurrente del teatro: una representación dentro de otra; en ella coexiste la ortodoxia católica, cuyos fundamentos fueron construidos por la escolástica medieval, conjuntamente con la concepción moderna sobre el poder que lo consideraba, por sobre todo, una representación, cuyo escenario privilegiado fue la corte de las monarquías modernas.

El teatro barroco fue el medio más adecuado para mostrar cosmovisiones antagónicas, pues a diferencia de los tratados filosóficos o teológicos que demandaban exposiciones rigurosas y sistemáticas subordinadas a la ortodoxia imperante, la escena, si bien no escapó de la vigilancia de la censura, no estuvo sujeta a estas exigencias.

Aunque todo el auto ha sido escrito para el momento final de alabanza del Santísimo Sacramento, a lo largo de la obra se exponen otras cuestiones teológicas. Uno de los aciertos de El gran teatro del mundo consiste en utilizar el lenguaje propio del ámbito teatral, bien conocido por el público. Cada metáfora es fácilmente asimilada por el entendimiento: las puertas de entrada y salida corresponden a la cuna y el sepulcro; la figura del apuntador es ejecutada por la Ley escrita; el escenario no es otro que la Creación entera; el modo de representar el papel depende del libre albedrío; y el banquete final se identifica con la Eucaristía. Todas estas enseñanzas se condensan, además, en una especie de estribillo que se repite a lo largo de la obra, “Obrar bien, que Dios es Dios”. Para el espectador, la conclusión es clara: la salvación – esto es, el banquete final con el Autor – es el premio por el buen obrar, en el doble sentido de actuar en el teatro y actuar en la vida.

HISTORIA DE DOS CIUDADES (A TALE OF TWO CITIES)

El Dr. Manette (Henry B. Walthall) ha pasado 18 años recluído en La Bastilla víctima de una falsa acusación por parte del Marqués de Saint Evremonde (Basil Rathbone); liberado gracias a la ayuda de unos amigos, es recogido por estos que le mantienen escondido, hasta que su hija Lucie (Elizabeth Allan) llega a París para llevarse a su padre a Londres.

En el barco que les lleva de Calais a Dover, Lucie conoce a Charles Darnay (Donald Woods), sobrino de St. Evremonde, aunque totalmente opuesto a su tío, de hecho abandona Francia porque desea encontrar un trabajo en Inglaterra con el que ganarse la vida, ya que está en contra de la explotación de las clases bajas y no desea aprovecharse de las posesiones de la familia. Al llegar a las islas, Darnay es detenido y acusado de conspiración, en realidad todo es una maniobra orquestada desde Francia por su tío, para que su joven sobrino, cuyas ideas considera peligrosas, sea encarcelado, situación de la que se librará gracias a los buenos oficios de Sydney Carton (Ronald Colman), que trabaja para el abogado que defiende la causa de Darnay y que deja al descubierto la conspiración de que es víctima.

Con el paso del tiempo, Darnay y Lucie Manette, se casan y tienen una niña, la vida transcurre feliz para ellos, hasta que Charles decide viajar a París, donde ha estallado la revolución, con el fin de testificar a favor de su antiguo preceptor que ha sido detenido por los revolucionarios.

Interesante adaptación de la novela del mismo título de Charles Dickens. El guión suprime prácticamente todas las tramas paralelas, para centrarse en el personaje de Sydney Carton, que en la novela no tiene el peso que aquí, pero que sirve para llegar al verdadero meollo de lo que quieren plantear, que es lo que planteaba Dickens en su obra, el paralelismo y las diferencias entre la situación en las Islas Británicas y Francia a finales del XVIII.

Si se analiza minimamente la película, su mensaje es el de la garantía que ofrece a la persona el sistema británico y los peligros que supondría un brote revolucionario como el francés, algo así exponía Dickens, partidario de reformar el sistema, pero no de destruírlo.

La historia que vemos en en film, es una canto al liderazgo de la burguesía industrial, frente a la revolución de los hambrientos. Aunque durante la primera parte de la película, vemos las vejaciones de la nobleza hacia las clases bajas, su desprecio absoluto y el régimen de vida al que estas se ven sometidas, condenadas a morir de hambre; al final se nos presenta la manera en que desemboca aquel malestar en un frenético torbellino que, de la legítima búsqueda de justicia, pasa a la venganza y de esta al odio más exacerbado por todo lo que suena a aristocracia.

Aún se aprecian muchos de los modos de hacer del cine mudo, estamos en un periodo de clara transición hacia el cine sonoro y la narración se apoya mucho en los rostros y sus expresiones deliberadamente exageradas.

La película resulta entretenida, con buenos diálogos y algunas escenas realmente brillantes, como la del asalto a La Bastilla (rodada por Val Lewton y Jacques Tourneur).

EL ALCALDE DE ZALAMEA

La comedia de Calderón es una obra maestra, que toma como modelo la comedia homónima de Lope, si bien se aparta de ella tanto que da lugar a una obra bien distinta (durante el Barroco, no era extraño que nuestros dramaturgos acometieran la reelaboración de comedias que no hacía mucho tiempo habían escrito otros poetas contemporáneos).

Calderón pone en funcionamiento un hábil juego de contrastes para mostrarnos el honor como valor que se alcanza, se pierde o se degrada.

El alcalde de Zalamea se inicia con el ejército acercándose a Zalamea. Como avanzadilla, Rebolledo con un grupo de soldados y la Chispa caminan hablando con jovialidad y alegría hasta que llegan al pueblo y se detienen para recibir órdenes. El capitán explica a los soldados por qué y durante cuánto tiempo han de quedarse en la villa. En el reparto de alojamientos, el sargento tiene reservado para el capitán la mejor casa del pueblo, la del rico labrador Pedro Crespo, que vive con sus hijos Juan e Isabel. Su intención es que el capitán corteje a la villana en los días que van a permanecer en Zalamea, pero a éste no parece interesarle. Más adelante cambiará de opinión, generando con su comportamiento la acción dramática.

Calderón continúa presentado a otros personajes de la obra (don Mendo, Pedro Crespo y su hijo Juan, entre otros), que a su vez nos van explicando aspectos que a Calderón le interesa aclarar al público, como la obligación de los villanos de albergar en sus casas a la tropa, algo de lo que los hidalgos estaban eximidos.

Después viene la parte central de la acción, en la que D. Álvaro se dedica, primero a requebrar a Isabel y, más tarde, ante la negativa de esta a dar cualquier tipo de respuesta, el rapto y la deshonra, que provocará el anhelo de venganza del padre mancillado.

La obra se convierte en un drama de honor, asunto hacia el que convergen todos los elementos de la comedia.

Quizá, los dos momentos más celebres de la obra, son aquel en el que D. Lope, el jefe de las tropas, recuerda a Pedro Crespo la obligación de sufrir las cargas de dar hospedaje a los militares y éste le responde:

Con mi hacienda,
pero con mi fama no.
Al Rey la hacienda y la vida
se ha de dar; pero el honor
es patrimonio del alma,
y el alma sólo es de Dios.

El otro, cuando Pedro Crespo, ya nombrado alcalde de Zalamea, se rebaja postrándose de hinojos ante el capitán que le ha ultrajado y le propone que se case con Isabel, para salvar el honor de padre e hija, su bien más preciado. D. Álvaro le desprecia y, tras un agrio diálogo, Crespo coge la vara y jura que se lo ha de pagar. Después manda prender al capitán, el cual apela a su condición militar para no someterse a la justicia civil y pide que se le trate con respeto, a lo que el alcalde responde ordenando a sus alguaciles y al escribano:

Con respeto le llevad
a las casas en efeto
del concejo, y con respeto
un par de grillos echad
y una cadena, y tened
con respeto gran cuidado
que no hable a ningún soldado.

ANNA KARENINA

Stiva (Reginald Owen), cuyo matrimonio pasa por un delicado momento, ha llamado a su hermana Ana (Greta Garbo) para que hable con su esposa y trate de suavizar la situación y obtener el perdón por la infidelidad cometida por Stiva con la institutriz de sus hijos.

En la estación de ferrocarril, Ana conoce al conde Vronsky (Fredric March), que inmediatamente queda prendado de ella.

Ana está casada con Alexei Karenin (Basil Rathbone), un aristócrata que ocupa un puesto de alto funcionario en la administración rusa, cuando Ana le pide el divorcio para irse con Vronsky, Karenin se niega rotundamente, para él las apariencias lo son todo y pone a Ana en la tesitura de seguir viviendo bajo el mismo techo con un hombre al que no ama, o dar rienda suelta a su amor y convertirse en una mujer sometida a la vergüenza pública. Además la amenaza con que nunca más volverá a ver al hijo de ambos, el pequeño Sergei (Freddie Bartholomew), con el que Ana está estrechamente unida.

Vronsky consigue que Ana rompa con su pasado y una su destino al de él. Viajarán a Venecia, pero la felicidad que da la pasión que ambos sienten, se ve empañada por la añoranza de ella, que no consigue evitar el dolor que le produce la separación de su hijo.

El guión adapta la novela del mismo nombre escrita por León Tolstoi, una de las obras cumbres de la literatura universal.

Reducir a hora y media la novela del escritor ruso, es prácticamente imposible, por la variedad de temas que aborda, la profundidad con la que trata a sus personajes y la extensión de la propia obra en sí misma, así que los guionistas optan por eliminar tramas enteras del original.

Se pierden algunas cosas en el traslado, como lo relativo al matrimonio entre Kitty (Maureen O'Sullivan) y Levin (Gyles Isham), que en el libro componen una relación que actúa de contrapeso a la de los protagonistas; en el film, tanto Maureen O'Sullivan como su esposo en la ficción, apenas tienen apariciones testimoniales. Tampoco aparece nada de lo que Tolstoi nos cuenta en torno a los avances en las herramientas y conceptos de explotación agrícolas; ni se refleja, mas que someramente, la tremenda diferencia de clases sociales en la Rusia zarista.

Pero a pesar de todo ello, creo que es una digna adaptación teniendo en cuenta los inconvenientes que menciono.

Las historias paralelas, apenas tienen peso y se centra todo en los dos protagonistas y en su tormentosa relación. De todas las críticas que destila la obra de Tolstoi únicamente se trasladan al film las relativas a la hipocresía social y, en todo caso, la desfavorable situación de la mujer respecto a los hombres, pero creo que en eso, el film sí que recoge el espíritu de la novela en lo que a Karenina y Vronsky concierne.

El film es una delicia estética, con una sensacional puesta en escena y, aún tratándose básicamente de un drama, sabe mantener un buen ritmo narrativo que acapara la atención del espectador.

Muchos primeros planos de la Garbo, muy estudiados en todos los sentidos (iluminación, perfiles...), trabajando para uno de los directores, Clarence Brown, que mejor partido supo sacar de ella.

Buena muestra de una producción con todo lujo de medios, que pervive al paso de los tiempos gracias a su excelente factura y a lo intemporal de su argumento.