LA VIDA DE OHARU, MUJER GALANTE

 

Oharu (Kinuyo Tanaka), hija de un samurai, es expulsada de la ciudad de Kioto junto a sus padres y condenada al exilio por enamorarse de un criado. Tras la ejecución de su amante, Oharu es obligada por su padre, como una especie de castigo por haber avergonzado a la familia, a convertirse en la concubina de un gran señor, al que su esposa no ha podido dar un heredero. Para mayor desdicha, después de dar a luz la arrebatan a su hijo y es expulsada de la casa.

Adaptación de la novela Kōshoku Ichidai Onna, del japonés Saikaku Ihara (seudónimo de Tōgo Hirayama), escrita en el siglo XVII. En algunos de sus libros, como es el caso, Saikaku escribió sobre las peripecias y amoríos de la clase mercantil y las prostitutas en los barrios licenciosos de las grandes ciudades de su tiempo: Osaka, Kioto y Edo.

En esta película, la protagonista es ya una mujer de cincuenta años convertida en prostituta e incapaz, por su edad, de atraer hombres. Mediante un largo flashback que ocupa prácticamente toda la película, rememora su triste vida. 

Para algunos fue la película con la que Kenji Mizoguchi captó la atención internacional, pasando a ser uno de los directores más valorados del cine japonés más allá de las fronteras del país nipón.

El film es el retrato de una mujer apaleada por la vida, una serie de abusos, contrariedades y mala fortuna, la convierte en un despojo social. Por extensión, su vida es la de tantas otras, que sin la suerte de pertenecer a una familia poderosa o de haber encontrado un marido que las trate con respeto, se ven en manos de padres, hermanos, familiares o víctimas de su condición humilde, tratadas como auténtica mercancía y arrojadas a una especie de círculo vicioso del que es muy difícil, si no imposible, escapar. Vendidas como concubinas, obligadas a prostituírse para obtener beneficio de ellas, la hipócrita sociedad que las ha empujado a tal degradación, las señala y las marca como seres indeseables precisamente por haberse convertido en lo que las han obligado a ser. 

Esta es la triste vida de Oharu narrada por el maestro japonés que con la intensidad de su relato convierte al espectador prácticamente en el único ser humano que se apiada de tan afligido personaje.

CIBERIADA

 

Estructurada como una serie de relatos cortos, una especie de cuentos que navegan entre el humor y la ciencia ficción, cuyo nexo de unión son una pareja de "constructores" (Trurl y Clapaucio), el polaco Stanislaw Lem, publicó allá por el ya lejano 1965, este libro que es una especie de fábula robótica, que se aleja del camino tradicional para adentrarse en el fértil terreno de la poesía, la ironía, el humor y una fantasía que a menudo roza el surrealismo. 

Los dos protagonistas, alejados del estereotipo, son robots humanoides con un poder inventivo y una destreza en el diseño inagotables, capaces de crear cualquier cosa que ellos o sus poderosos clientes sueñen. Trurl es impaciente y se lanza rápidamente a la acción. Clapaucio es un escéptico que acepta las propuestas con entusiasmo moderado; esto le permite abordar los problemas emergentes con calma estoica, lo que a su vez le da la oportunidad de burlarse sanamente de los inevitables fracasos de su amigo. Ambos están empeñados en resolver los problemas del universo, pero el principal obstáculo radica en las aspiraciones desmesuradas de los gobernantes. Cada vez con mayor frecuencia, se encuentran como rehenes de sátrapas caprichosos e intolerantes. Sin embargo, a pesar del invariable fracaso final de sus acciones, ambos héroes –gracias a su extraordinaria agudeza mental, multiplicada por su conocimiento de la psicología de su déspota anfitrión– siempre logran escapar de las trampas que éstos les tienden. También son capaces de encargarse de hacer cumplir el pago de la remuneración convenida que el tirano de turno intenta escamotear. 

Todo ello con un denso e inquietante trasfondo filosófico que el tono festivo y desenfadado de los relatos, no hace sino realzar. Al igual que entre nosotros, viven ingenuos que creen que una idea es suficiente para salvar a la humanidad, en los estados robot, nada de esto funciona; sería algo similar —decía el propio Lem— a lo que ocurre en nuestra realidad, porque el mal, al igual que (afortunadamente) el bien, no puede ser erradicado del mundo. Por eso siempre nos contaremos cuentos.

REBELIÓN (SAMURAI REBELLION)

 

Descontento con una de sus amantes, el daimyo (una especie de señor feudal) ordena a uno de sus samuráis que se case con ella. La familia protesta, pero cede; porque hay que obedecer las órdenes. Sin embargo, en lugar de ser una mujer problemática, como esperaba su nueva familia, Ichi (Yôko Tsukasa) demuestra ser, no solo una esposa amorosa, sino una mujer muy agradable, trabajadora y entregada a la familia. Cuando muere el primogénito del daimyo, este la exige de vuelta, ya que antes de expulsarla de su lado, le había dado un hijo que se convierte así en el nuevo heredero, pero ahora Isaburo (Toshirô Mifune), el cabeza de familia, protesta. Una cosa es el deber, y otra muy distinta seguir ciegamente los caprichos de un amo que no muestra respeto ni comprensión por quienes le sirven. Pero este desafío a las leyes del clan, tendrá consecuencias.

El guion adapta una novela del japonés Yasuhiko Takiguchi. 

Además de protagonizarla, Toshirô Mifune es también productor de la película.

Isaburo Sasahara ha pasado su vida sometido a una mujer autoritaria y caprichosa y a cumplir sus deberes como miembro de una distinguida familia, con lealtad ciega a su señor. El amor que se profesan su hijo Yogoro (Gô Katô) e Ichi, le hace abrir los ojos a otra realidad y, como él dice, se siente vivo por primera vez, así que cuando su despótico jefe decide separar a la pareja y llevarse de nuevo a Ichi a su castillo, se rebela, prefiere la muerte, como la prefieren Yogoro y su esposa, a mantener el estatus de la familia y plantarán cara al señor y a quienes les presionan para que se sometan a la voluntad del mismo. 

La película de Masaki Kobayashi es sobre todo un canto a la dignidad ante los atropellos de los poderosos, con una narración sobria y sencilla, magníficamente planificada, cuyo desarrollo va in crescendo a medida que avanza. Aunque en el último tramo se desata la violencia y asistimos a los típicos combates, no es este el principal valor del film, aunque, sobre todo a los amantes de las artes marciales, pero también a cualquier otro espectador, les recomiendo que no se pierdan el duelo entre Toshiro Mifune y Tatsuya Nakadai, artísticamente coreografiado y con un desenlace muy emotivo.

ONIBABA

 

En el Japón medieval, la madre y la esposa de un guerrero esperan su vuelta del frente. Sobreviven engañando a los soldados perdidos en los campos, a los que asesinan para luego vender sus pertenencias.

Cuando su vecino Hachi (Kei Satô) deserta de la guerra y regresa a casa, se enteran de que su hijo y esposo murió apaleado por los agricultores cuando robaba provisiones para sobrevivir. Pronto, Hachi seduce a la joven viuda, quien se escapa de su choza todas las noches para tener relaciones sexuales con él. Cuando la mujer mayor descubre la infidelidad de su nuera, le ruega a Hachi que la deje con ella, ya que no podría matar a los guerreros sin su ayuda. Sin embargo él ignora su petición y continúa viéndose con la joven. Cuando un samurái con una máscara de demonio se topa con la mujer mayor en su choza pidiéndole que lo guíe fuera del campo, ella lo atrae y él cae en el pozo donde ella arroja los cuerpos de sus víctimas. La mujer baja por el agujero para tomar sus posesiones y su máscara, y descubre que es un hombre desfigurado. Entonces ella utilizará la máscara de demonio para atormentar a su nuera y mantenerla alejada de Hachi. Sin embargo, cuando decide quitársela, se lleva una sorpresa.

Ambientada en el siglo XIV, un período brutal de la historia del país nipón, devastado por la guerra civil entre shogunatos rivales, los samuráis, cansados del combate, se ven atraídos hacia los campos de hierba susuki de altura superior a la de un hombre erguido, para esconderse y descansar.

El film está impregnado de emociones primarias, un erotismo oscuro, una frenética banda sonora de Hikaru Hayashi e imágenes impactantes, líricas y macabras a la vez. El pozo al que tiran los cadáveres, es una metáfora del agujero negro que se esconde tras lo que conocemos como sociedad civilizada.

Kaneto Shindô, uno de los directores más prolíficos de Japón, obtuvo su mayor éxito internacional con el estreno de Onibaba en 1964. Su representación de la violencia y la sexualidad gráfica no tenía precedentes en el momento del estreno, Shindô logró, a través de su propia productora, sortear las estrictas normas de la industria cinematográfica japonesa.

CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA

 

Durante la guerra civil que asola Japón en el siglo XVI, los aldeanos Genjurô (Masayuki Mori) y Tôbei (Eitarô Ozawa) pretenden hacer fortuna: Genjuro como alfarero y Tobei como samurai. Ambos dejan a sus esposas abandonadas para cumplir con sus ambiciosos sueños. La misteriosa Lady Wakasa (Machiko Kyô), otra víctima de la guerra, se cruzará en el camino de Genjuro.

Conforme rezan los títulos de crédito, el guion se inspira en cuentos del autor japonés Ueda Akinari, que vivió a caballo entre los siglos XVIII y XIX (concretamente dos cuentos incluídos en su libro Cuentos de lluvia y de luna). 

"Ugetsu Monogatari", de Kenji Mizoguchi, se considera su obra maestra por su profundidad temática, su maestría visual y su resonancia cultural. La estructura de la película es episódica, reflejando la tradición narrativa de los monogatari (relatos narrativos), pero el maestro japonés unifica los episodios mediante paralelismos temáticos y un retorno cíclico a la aldea, simbolizando el retorno a la humildad y a los valores familiares tras las desafortunadas aventuras de los hombres. La película combina realismo histórico con elementos sobrenaturales, explorando temas como la avaricia, las dificultades de la clase humilde, la devastación de la guerra, la opresión de la mujer y su rol en la sociedad, a la vez que ofrece una conmovedora crítica del orgullo masculino y los valores sociales en el Japón feudal.

Fantasmas y espectros se evocan en escenas imaginarias, y la fantasía y la realidad son inseparables, convirtiendo la estilísticamente soberbia película de Mizoguchi en un poderoso estudio de psicología y una intensa tragedia.

La fotografía del film, utiliza de manera soberbia los claroscuros, las sombras chinescas y el ambiente tenebroso de la niebla en algunas de sus secuencias.

Es un relato con moraleja, pero ¡qué bien se mueve Mizoguchi incluso en el melodrama!, consiguiendo no resultar empalagoso en ningún momento.

Al parecer el final que figuraba en el guion era bastante más cruel y pesimista, seguramente más cercano a la propia naturaleza humana, pero los productores pidieron al realizador que acabara con algo más complaciente y Mizoguchi estuvo de acuerdo, envolviendo las escenas crudas y tristes del desenlace con cierto aire poético y dejando un mensaje de esperanza en el destino futuro.

EL ROSTRO AJENO

 

Un hombre con el rostro desfigurado en un incendio en un laboratorio, convence a su médico para que le diseñe una máscara realista, inspirada en un completo desconocido, totalmente distinta a su propio rostro. Poco después de confeccionar la máscara, seduce con éxito a su esposa, pero se enfada al verla enamorada de su otro yo, a pesar de que ella le aclara que le había reconocido. Preocupado por su aspecto y por cómo la máscara parece influir en su identidad, empieza a cuestionárselo todo.

El polifacético escritor, guionista, fotógrafo e inventor japonés Kôbô Abe, adapta su propia novela Tanin no Kao (1964), en la que explora la identidad del individuo.

La narración principal corre en paralelo a otra en la que una mujer con el rostro desfigurado, acepta su físico tal como es sin tratar de esconderse tras una máscara como hace el protagonista. Sin embargo, en ambos casos el resultado es bastante pesimista. 

El film es una metáfora sobre la identidad en una sociedad en que ésta se diluye en la masa. Con tintes kafkianos y abstractos, como en otros films de Hiroshi Teshigahara, llama la atención la plasticidad de las escenas y la originalidad de la puesta en escena, así como su habilidad para la composición de llamativos planos, con una magnífica escena final llena de simbolismo.

LOS AÑOS NUEVOS

 

Ana (Iria del Río) cumple 30 años el día de Año Nuevo con la vida aún por resolver: vive en un piso compartido, no le gusta su trabajo, cambia a menudo de amigos... Óscar (Francesco Carril) cumple 30 años el día de Nochevieja con la vida casi resuelta: médico vocacional, amigos fieles y una relación que va y viene. Justo cuando los dos llegan a la treintena se conocen, se enamoran y comienzan una relación plagada de encuentros y desencuentros y otras vicisitudes varias que iremos siguiendo a lo largo de diez capítulos de 45 minutos. Cada uno de ellos se corresponde con una nochevieja, comenzando por la de 2015 y acabando en la de 2024. 

Rodrigo Sorogoyen (As bestas, Antidisturbios...), junto con un grupo de realizadores y guionistas, desarrolla esta historia que pretende ser un retrato de la llamada generación milennial. Es cierto que con un relato que no profundiza demasiado en las historias paralelas y se centra principalmente en la pareja protagonista, es muy difícil hacer un perfil de toda una generación, nada menos, por ello habría que señalar que esta parejita proviene de un estrato bastante concreto: La clase media. Y al decir esto me refiero a la clase media por antonomasia, ni alta, ni baja, no se corresponden con familias ricas, pero se ve que no han pasado problemas económicos, ni siquiera los derivados de una asfixiante hipoteca, pero vamos, que si viven sin apreturas es merced a sus trabajos.

En general la serie resulta entretenida, con unos capítulos más interesantes que otros, algo que resulta bastante normal, tiene muchos detalles que demuestran la pericia y el arte de sus creadores. Se podrían citar muchos momentos y situaciones realmente logrados, yo recuerdo, por ejemplo, la cena de noche vieja con los padres de ella y la madre de él o el larguísimo plano secuencia del último capítulo, pero que, como digo, tiene muchos otros momentos que no cito para no resultar exhaustivo.

Hay quien le achaca, sobre todo en los primeros capítulos, una excesiva duración de las secuencias de sexo explícito, pero esas cosas van en gustos y yo pienso que están realizadas con cierto sentido artístico, sin renunciar a la mencionada explicitud, pero sin caer en lo chabacano.

Yo no se si está del todo bien recogido el sentir vital de estos jóvenes a los que representan los actores, hay cosas que sí, por ejemplo su desenvoltura con las tecnologías digitales, la falta de pereza para viajar por otros países, el dominio (al menos a cierto nivel) del inglés que les abre puertas en sus desplazamientos. Hay otras cosas en las que quizá no todos se vean reconocidos, sobre todo las conciertes a la extracción social de los protagonistas.

Por cierto, en algunos tramos, la dicción (otra vez), deja algo que desear, no se entera uno bien de lo que dicen (al menos yo), claro que tampoco tiene demasiada importancia, porque, salvo alguna excepción, los diálogos tampoco es que sean para estar pendiente de ellos.

A destacar también la banda sonora con temas de muchos de los cantantes y grupos más representativos de la música indie española de los últimos años.

Sorogoyen es un gran narrador de historias y aquí lo demuestra una vez más.

 

LA MUJER DE LA ARENA (SUNA NO ONNA)

 

Jumpei Nikie (Eiji Okada), un entomólogo y maestro de escuela residente en Tokio, se encuentra en un pueblo costero para recolectar insectos de arena. Como es tarde y perdió el último autobús de regreso a la ciudad, algunos aldeanos locals le sugieren que pase la noche allí, ofreciéndole encontrar un lugar donde quedarse. Ese lugar es el hogar de una joven, cuya casa está ubicada en el fondo de un pozo de arena al que solo se puede acceder por una escala de cuerda. Más tarde se entera de que el esposo y el hijo de la mujer murieron en una tormenta de arena; sus cuerpos debieron quedar enterrados cerca de la casa, pero nunca fueron encontrados. A la mañana siguiente, cuando intenta irse, descubre que la escala ha desaparecido, lo que significa que está atrapado con la joven, ya que las paredes del arenero carecen de agarre. También comprende que esta trampa era el plan de los aldeanos y la joven para que él se quedara allí permanentemente y la ayudara en la interminable tarea de extraer la arena, que de no hacerse, los tragaría vivos. Dependen de los aldeanos para que les ayuden a remover la arena, pero también para sus raciones, incluyendo el agua. Aprende que la arena es la vida de la joven, y que ella no conoce ni quiere otra vida. Por lo tanto, no tiene sentido chantajearla ni matarla, ya que está dispuesta a vivir y morir por esta vida y él seguramente morirá si ella muere. Su tarea se convierte en encontrar una manera de escapar mientras coexiste con la mujer en lo que él considera su prisión.

Doblemente nominada a los premios Oscar (director y película extranjera), Hiroshi Teshigahara se convirtió en el primer realizador japonés en ser nominado a los premios de la Academia.

La película adapta la novela Sunna no onna (1962), del japonés Kôbô Abe, autor también del guion.

Inquietante película en la que desde el primer momento sentimos una especie de desasosiego que se materializa cuando el protagonista cae en la trampa que le tienden. 

La historia es una suerte de parábola sobre la libertad y reflexiona alrededor de esa idea y ese derecho tan apreciado por el hombre, desde la privación de la misma, hasta la elección de hasta qué punto es deseada o no en determinadas circunstancias y si estamos dispuestos a sacrificarla en aras de otros objetivos. 

Además de lo hipnótico de la narración, el film tiene secuencias de gran plasticidad con una utilización realmente conseguida de los primeros y primerísimos planos que nos llevan a sentir el agobio de la situación planteada y a sentir cómo la arena se pega a la piel de los intérpretes como si fuera la nuestra.

CÓMO HACERSE MILLONARIO ANTES DE QUE MUERA LA ABUELA

 

Cuando 'M' (Putthipong Assaratanakul), un joven holgazán y quejica, descubre que su abuela sufre una enfermedad terminal, decide dejar a un lado su precaria carrera como streamer para cuidar de ella. Eso sí, con la mirada puesta en su patrimonio. Pero ganarse a la abuela no resultará sencillo, pues ella tiene su propia filosofía de vida. Y, por si fuera poco, 'M' no parece ser el único interesado en el dinero.

El joven tailandés Pat Boonnitipat (1990), más conocido por su labor como realizador de televisión, hace su debut en la pantalla grande con este film. 

La protagonista, Usha Seamkhum, debuta en el cine a sus 78 años.

Una historia muy emotiva sobre la vejez, la enfermedad y, sobre todo, una reflexión alrededor de los vínculos, a veces inesperados, que pueden unir a dos generaciones alejadas en el tiempo. 

Me ha llamado mucho la atención la fotografía, con planos de habitaciones tomados desde la estancia contigua; escenas de la vida cotidiana muy bien retratadas, al igual que el paisaje urbano con los trenes circulando entre las casas... 

Un film que invita a meditar sobre las relaciones con nuestros mayores, quizá a algunos les pueda resultar un tanto encorsetada por clichés típicos de este tipo de films, pero seguramente, otros la disfrutarán por su mezcla de ternura y realismo.

EL SEÑOR SKEFFINGTON

 

"Trippy" (Richard Waring) y Fanny Trellis (Bette Davis), cuyos padres ya han fallecido, fueron una vez ricos, pero Trippy dilapidó la fortuna familiar. La bella Fanny puede casarse con cualquier hombre, pero su objetivo es Job Skeffington (Claude Rains), un hombre mayor que ella, hijo de inmigrantes judíos rusos. Job amasó su fortuna gracias a las finanzas. Se conocieron cuando Job va a su casa para anunciar que Trippy, que trabaja para Job en su correduría de bolsa, ha cometido un desfalco en la empresa. Fanny y Job, quien ahora conoce las dificultades económicas de los Trellis, finalmente se casan, ya que Fanny desea salvar a su hermano, aunque el paciente y bondadoso Job sabe que Fanny no le ama. El matrimonio pasará por varias etapas en las que ambos verán pasar dos guerra mundiales, varios amantes, una cruel enfermedad, persecuciones nazis, la ceguera y el pánico de ella al envejecimiento.

El guion adapta la novela del mismo título de la británica Elizabeth von Arnim, publicada en 1940.

La película pone frente a frente la actitud hedonista y frívola de la protagonista con la paciencia y el amor de su esposo que todo lo disculpa sabiendo que no puede cambiar a su esposa, a la que acepta tal como es, en la esperanza de que un día madurará y será consciente de que la belleza física no es tan importante como la interior, por otra parte, no sujeta a los avatares del paso del tiempo. 

La interpretación de Bette Davis supuso su octava nominación al Oscar. Claude Rains, también nominado al premio de la Academia, ofrece una brillante réplica, quizá algo oscurecida por la labor de su partenaire femenina.

LA EXTRAÑA PASAJERA

 

Charlotte (Bette Davis), una mujer de mediana edad que pertenece a una familia acomodada de Boston, vive reprimida y totalmente controlada por su dominante, puritana e insensible madre, Henry Vale (Gladys Cooper). Charlotte pasará un tiempo en un sanatorio y el Dr. Jaquith (Claude Rains), la convence para que se abra al mundo, comenzando por un crucero a Sudamérica. Convertida en una mujer sofisticada y segura de sí misma, a bordo conocerá a Jerry Durance (Paul Henreid), un arquitecto infelizmente casado, con el que mantiene una aventura. Seis meses después regresa a casa y, tras una discusión con su madre, éstas sufre un infarto y muere. Charlotte se sentirá culpable y regresa al sanatorio, en el que entabla amistad con una joven adolescente deprimida que no es otra que la hija de Jerry, quien se ve rechazada por su madre y que va camino de convertirse en la joven histérica e introvertida que fue Charlotte en su día.

El guion adapta la popular novela de Olive Higgins Prouty, Now, Voyager, la más conocida de las cinco novelas de la serie sobre la familia Vale. En ella profundiza en la psicología de la protagonista, que ha vivido demasiado tiempo bajo el yugo de una madre autoritaria a la que el psiquiatra Dr. Jaquith, insta a vivir su vida al máximo, tomando en serio las palabras de Walt Whitman : «Ahora, viajero, zarpa, a buscar y encontrar».

En la novela original, a la que la adaptación es bastante fiel, el crucero viaja por el Mediterráneo y no por Sudamérica.

Dirigida por el debutante Irving Rapper, la película plantea una reflexión sobre la libertad para decidir sobre tu propia vida, más allá del lógico respeto que uno debe rendir a los mayores en general y a los padres en particular y sobre la obligación de éstos para dejar que sus hijos, llegado el momento, puedan acertar o equivocarse en sus decisiones, esa es una de las esclavitudes de la paternidad. Se puede aconsejar desde el cariño, pero también desde el respeto, lo contrario es ejercer una tiranía familiar que puede desembocar en conflictos, sobre todo psicológicos, que pueden llegar a ser incluso graves. 

Con un guion que contiene diálogos trabajados y algunas gotas de humor, quizá la historia, en algunos pasajes, puede parecer un tanto forzada, pero a cambio asistimos a una narración que se sale de los clichés habituales, para llevarnos a un final algo complaciente, pero nunca sensiblero o condescendiente.

MUERTE EN BRESLAU

 

Una historia de crímenes a gran escala que nos lleva a un mundo que no conocemos, no solo a la Wrocław de entreguerras, sino también al centro de una intriga cuyas raíces se remontan a un país completamente diferente y a una época completamente distinta. Y es que ni siquiera el escenario responde en el presente al título de la novela, pues Breslau era, en la época, una ciudad alemana que hoy conocemos como Wrocław, en Polonia. 

Publicada por primera vez en 1999, es la primera entrega protagonizada por Eberhard Mock, que trabaja en la sección criminal de la policía de Breslau, conocido por sus métodos poco éticos, su pasión por el ajedrez y su frecuente presencia en los burdeles más lujosos. Poseedor de un inmenso archivo secreto sobre las personalidades locales, no se detiene ante nada a la hora de resolver un caso, sobre todo si con ello obtiene favores y privilegios. 

Algo ha cambiado en esta ciudad de Silesia que antaño estaba en sus manos, el ascenso del Partido Nazi ha obligado a Mock a aceptar a su lado a un asistente de la Gestapo, la nueva policía secreta y, lo que es peor, teme que el nuevo reparto de poder, saque a la luz su pasado masónico y le haga caer en desgracia. 

El caso que se trae entre manos es el asesinato de Marietta von der Malten, la hija de un aristócrata local, un crimen inusual porque han colocado escorpiones en el vientre desgarrado de la jovencita, lo que, junto a algún otro detalle, sugiere un crimen ritual. 

En el relato no faltan retratos detallados de la Wrocław de antes de la guerra, hay libaciones homoeróticas, un descomunal turco, un espía de las SS, un hijo ilegítimo y una venganza que lleva cientos de años esperando a cumplirse. Hay persecuciones, peleas, sexo y promiscuidad sexual. La novela de Marek Krajewski nos transporta a un mundo propio, complejo, dibujado con todo detalle, en el que todo, desde el principio hasta el final, funciona como un reloj. Éste no es un mundo fácil de entender, porque no ofrece soluciones sencillas ni finales fáciles en un ambiente plagado de maldad y decadencia.

AMARGA VICTORIA

 

Judith Traherne (Bette Davis) es una joven vivaz y entusiasta, con muchos planes para gozar de la vida, pero de pronto descubre que sufre de un tumor cerebral de delicado pronóstico. Rebelde e incapaz de aceptar órdenes de nadie, la chica llega a manos del neurocirujano Frederick Steel (George Brent) quien deberá persuadirla para que acepte la delicada operación. Entre tanto, sus corazones comenzarán a sentirse cerca, demasiado cerca.

Basada en una obra teatral escrita por George Emerson Brewer Jr. y Bertram Bloch, estrenada sin demasiado éxito en 1934. El traslado de la obra a la pantalla se debió principalmente a la insistencia de Bette Davis para que Jack Warner comprara los derechos de la misma, ante el escepticismo de éste que pensaba que la historia de una mujer que se está quedando ciega, no iba a resultar atractiva para el público.

Pero claro, esa mujer, en su adaptación al cine, es Bette Davis y ahí es donde precisamente radicó buena parte del éxito del film. Su capacidad interpretativa nos lleva a la vida de esta mujer que sabe que va a morir y decide disfrutar de lo poco que le resta entregándose y, a su vez, dejándose amar, por los que de verdad la quieren, tras haber probado el camino del desenfreno y las fiestas vacuas fruto de su inicial negación. Una vez que acepta lo inevitable, buscará la paz que le propone Frederick.

Un melodrama diferente con una gran Bette Davis muy bien secundada, entre otros, como nota curiosa, por Humphrey Bogart y Ronald Reagan.