MALENA ES UN NOMBRE DE TANGO

Madgalena Montero Fernández de Alcántara "Malena" (Ariadna Gil) no se puede definir a sí misma sin hablar de su hermana Reina (Marta Belaustegui), esa hermana que desde que nació ya le quitó hasta el nombre y que siempre quiere todo lo que le pertenece.

Malena se siente más cercana a su tía Magda (Isabel Otero) y en cierto momento a su abuelo Pedro (Miguel Palenzuela), sobre todo desde que este le regala una esmeralda que debe de guardar porque en algún momento le puede salvar la vida.

Durante unas vacaciones en la finca familiar de Almansilla, conoce a Fernando (Carlos López) con el que descubre su sexualidad. Fernando la abandona y ella se queda desesperada, repitiendo su nombre por el puro placer de oírlo. Malena compara a todos sus hombres con el idealizado Fernando, pero a pesar de todo, seguirá adelante teniendo amantes e incluso en determinado momento pasa por el aro casándose con un chico comme il faut.

Pero sobre todas las relaciones destaca la que tiene con su hermana que la intenta dominar hasta el último momento.

La película se basa en una novela del mismo título escrita por Almudena Grandes y prescinde de algunos pasajes de la novela, de las historias paralelas que conviven con la de la protagonista y que, o no se mencionan, o quedan simplemente esbozadas sin profundizar en ellas.

En la película, el relato original queda bastante deslabazado, inexplicado y confuso.

Es una lástima, porque la novela de Almudena Grandes es bastante más profunda que lo que consigue el film que, además, cuenta con unas interpretaciones no muy allá, de las que quizá podamos salvar a Marta Belaustegui y los esfuerzos de Ariadna Gil.

De lo más llamativo, la banda sonora, con música del francés Antoine Duhamel, que incluye temas y versiones interpretados por Los Imposibles, Esclarecidos, Fórmula V, Gabinete Caligari, Los Rodríguez (que interpretan una canción de Andrés Calamaro), Doobie Brothers o Nacha Pop, que interpreta la canción de Antonio Vega "No puedo mirar".

LA REGENTA

En 1995, TVE estrena esta serie de Fernando Méndez Leite,  que adapta la novela de Leopoldo Alas "Clarín", una de las obras cumbre de la literatura española de todos los tiempos, consiguiendo trasladar a la pantalla todo el detalle y el realismo, incluso inmisericorde, que encierra la historia, con ese universo variopinto y heterogéneo de personajes, sin dejar detalle por mencionar.

El relato nos habla de Ana Ozores, la joven esposa del ex-regente. Ana es una mujer soñadora y con un espíritu inquieto, que vive en una insatisfacción permanente a la que no se atreve a plantar cara, bajo la nada inocente influencia de su confesor, don Fermín de Pas, un hombre que la anhela en secreto; y con el yugo del deseo que le provoca la figura de Álvaro Mesía, al que todos conocen por su fama de mujeriego. Las vicisitudes por las que transita Ana se ven acompañadas por la rica sociedad de la ciudad de provincias en la que vive: Vetusta (trasunto de Oviedo, como tantas veces se ha recordado) y el maremágnum de deseos, aspiraciones, rencillas, miedos, pesares y dolores de cada uno de los habitantes de esta historia consigue convertirla en una narración entretenida y modélica.

Con una estupenda ambientación y una puesta en escena de lo más logrado, la serie cuenta con un elenco de actores en el que destacan una jovencísima Aita Sánchez Gijón, acompañada de las espléndidas actuaciones de Héctor Alterio, Juan Luis Galiardo y un Carmelo Gómez que se luce en su papel de magistral catedralicio.

¡Qué decir de los secundarios!, Amparo Rivelles, Manuel Alexandre, Fiorella Faltoyano, Miguel Rellán o una Cristina Marcos en estado de gracia, son algunos de quienes encarnan a esa sociedad tan compleja, tan apasionante y, sobre todo, tan real, de la Vetusta a la que nunca nos cansaremos de evocar. Un trabajo de calidad y una estupenda adaptación de la espléndida novela de Clarín.

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

Al morir el señor Dashwood (Tom Wilkinson), deja en una precaria situación económica a la señora Dashwood (Gemma Jones) y a sus tres hijas, Elinor (Emma Thompson), Marianne (Kate Winslet) y Margaret (Emilie François), las cuales deben abandonar su casa (pues ahora pertenece al hijo primogénito del señor Dashwood, que tuvo con su primera mujer), y se mudan a Devonshire, ya que, a pesar de que, en el lecho de muerte, su padre le ruega encarecidamente que se ocupe de que a su madrastra y a sus hermanas no les falte de nada, la nuera, la ambiciosa mujer de este hijo, se encargará de que les de lo menos posible (prácticamente nada), con la excusa moral de que quizá en el futuro, les puede faltar a ellos mismos.

A partir de esta situación se nos presenta toda la trama. La cuatro mujeres deben vivir poco menos que de la caridad de la familia. De la rama materna, claro.

La mayor de las hijas, Elinor, seria y responsable, se enamora de Edward Ferrars (Hugh Grant), el hermano de su cuñada. Y Marianne, de espíritu inquieto, se gana el amor del coronel Brandon (Alan Rickman) y de John Willoughby (Greg Wise), aunque es a éste último a quien corresponde con su amor.

Estas dos hermanas de caracteres tan opuestos, vivirán las mismas situaciones desde puntos de vista muy diferentes, sentirán sus amores con posiciones encontradas, pero por encima de todo está el amor que sienten la una por la otra, que prima sobre cualquier otra circunstancia.

El guión fue escrito por una de las protagonistas, Emma Thompson, y se basa en la novela del mismo título de la británica Jane Austen, publicada en 1911. Este guión, en el que le autora se toma algunas libertades respecto al texto original, fue premiado con un Oscar.

Envuelto en una delicada banda sonora, que lleva la firma de Patrick Doyle, el film se apoya en un sólido guión, en unas maravillosas interpretaciones, una ambientación exquisita y en una fotografía fascinante que se beneficia de los verdes paisajes de Devonshire, para componer un conjunto que se convirtió en éxito comercial desde el momento de su estreno y que contó con el reconocimiento de la crítica por su cuidado aspecto y el magnífico trabajo de Ang Lee que consigue un film de gran calidad.

La película sabe trasladar al espectador actual este texto del siglo XIX que resulta ser algo más que una historia romántica, pues Jane Austen hace un retrato de ciertas capas sociales de la Inglaterra del momento y concretamente del papel de la mujer, cuya única manera de obtener éxito social era a través de un matrimonio conveniente, al tiempo que estudia de maravilla las reacciones de sus personajes, ironizando sobre la sociedad acomodada y sus especiales modos de desenvolverse, donde la ambición y la apariencia juegan un importante papel.

Los momentos dramáticos, se ven compensados por un humor sutil que, casi siempre está protagonizado por personajes secundarios de la trama.

La película, espléndida en su conjunto, tiene algunas secuencias verdaderamente logradas, buenos diálogos y una calidad estética encomiable.

MORIRÁS EN CHAFARINAS

Los soldados Jaime (Jorge Sanz) y Cidraque (Javier Albalá) viven la rutina uniformada de un cuartel de Melilla con una sola y deseada pretensión: terminar la mili. Pero en su cuartel se suceden unas extrañas muertes que obligarán a uno de ellos a convertirse en improvisado detective. La trama incluirá a la mujer de su capitán y terminará por complicar peligrosamente su estancia en filas.

Jaime es un joven cabo de reemplazo, protagonista y narrador de la historia, y ve como lo que en principio era un tranquilo y aburrido domingo de guardia en Melilla junto a su compañero y amigo Adolfo (Tony Zenet), termina en ataque de locura de un compañero después de inyectarse heroína adulterada, que le lleva a organizar un peligroso altercado en plena calle y tras el que se lanza desde lo alto del minarete de la mezquita.

El Capitán Contreras (Óscar Ladoire) llama a su despacho a Cidraque para encargarle investigar quién ha introducido en el cuartel la heroína adulterada, algo que se propone lograr con la ayuda de nuestro protagonista, sin saber en qué se están metiendo.

El film se basa en la novela homónima de Fernando Lalana, Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil en 1991.

En un principio la película sigue a con cierta cercanía el guión marcado por la novela, pero en cierto momento, cambia y a partir de entonces empieza a distanciarse en algunos aspectos de la novela y aunque consigue mantener cierta intriga, se vuelve bastante previsible.

La película tiene un interesante guión, en el que intervino el propio autor de la novela, sin embargo pienso que no consigue transmitir todo lo que recoge el libro. Las persecuciones que presenciamos a lo largo del film, tienen algo de pedestres y las interpretaciones me han parecido de un nivel bastante bajo.

Con el paso del tiempo, se ha convertido en un testimonio de lo que era la vida cuartelera en aquellos tiempos de servicio militar obligatorio que las nuevas generaciones no han vivido, recogiendo también (aunque con poco acierto, como casi todo en el film), los momentos álgidos de las tensiones territoriales entre España y Marruecos.

Una película entretenida, sobre todo por lo que tiene de retrato de una época pasada, pero en cierto modo, decepcionante.

HISTORIAS DEL KRONEN

La película cuenta la vida durante un verano de un grupo de jóvenes madrileños, criados en la cultura audiovisual y fascinados por la violencia, que se mueven en un mundo cerrado dominado por las drogas, el sexo, los bares de copas y los conciertos rock…

El Kronen es el bar madrileño en el que acostumbra a reunirse un grupo de amigos. Entre ellos está Carlos (Juan Diego Botto), de familia acomodada, carente de escrúpulos y únicamente preocupado por experimentar con las drogas, el sexo y el alcohol. Desdeñoso con aquellos a quienes considera débiles y convencido de que la amistad no es más que una patraña. No tiene reparo alguno en que su madre despida a la asistenta de la casa acusándola de robar dinero, cuando el autor de la sustracción había sido él. Pero cuando su catadura moral queda totalmente expuesta, es cuando Carlos acaba provocando la muerte de Pedro (Aitor Merino), uno de los componentes del grupo, sin que eso le cause ningún remordimiento.

El resto del grupo tiene con él una curiosa relación de dependencia, pues aunque le recriminan a menudo algunas de sus actuaciones, sienten una especie de fascinación por esta forma de liderazgo que no es sino una mala influencia para ellos.

El guión se basa en una novela de José Ángel Mañas, que quedó finalista del Premio Nadal en 1994.

La película nos plantea, una vez más, la rebeldía y ansias de libertad de la juventud (o de una cierta juventud), objeto de la atención de diferentes historias del cine, desde Rebelde sin causa (Nicholas Ray, 1955). Esa rebeldía la demuestran manifestando desobediencia hacia cualquier figura de autoridad, el consumo desaforado de drogas, la promiscuidad sexual, y la afición a cometer actos de transgresión rayanos con el delito, entre otros aspectos.

Aunque el protagonista se declara individualista e incluso muestra desprecio hacia el grupo, por considerar a sus componentes inferiores, es éste (el grupo) el que le motiva a cometer sus tropelías, por ese afán exhibicionista que es el único premio que obtendrá. Al final, la vida de estos muchachos, que transcurre en la noche, mientras por el día duermen y vaguean, no tiene nada de excitante, su rutina se repite cada jornada. Como dice Extremoduro en una de sus letras: salir, beber y el rollo de siempre; un plan de vida que demuestra la desorientación en la que viven.

La banda sonora era uno de los elementos claves para reforzar ese espíritu de “rebeldía” de los protagonistas, al estar cargada de temas de algunos de los grupos clave del rock duro en nuestro país como Reincidentes, M.C.D. o Hamlet, con mucho ruido y mucha rabia. Junto a los temas punk rock también se dejaban escuchar en la película canciones algo más “suaves”, como el mítico Chup chup de los asturianos Australian Blonde, e incluso había sitio para un poco de techno machacón al estar la historia ambientada a principios de los 90, época en la que el bakalao estaba en pleno auge.

Si algo hay que reconocerle al film es que acercó a los cines a muchos jóvenes que estaban alejados del cine español del momento y cuya afición se vería reforzada al siguiente año con el estreno de "Tesis", la ópera prima de Amenábar.

MAQUIS EN EXTREMADURA (EL CASTILLO DE AZAGALA)

La resistencia interior antifranquista, una vez concluída la Guerra Civil, tuvo su expresión más combativa en el Maquis, grupos de guerrilleros, casi siempre de filiación comunista (también anarquistas) o cercanos al Partido Comunista. Gente que luchó con medios propios, aislada y prácticamente sin conexión con el exterior. La Guardia Civil fue la encargada de combatirlos y fueron considerados bandoleros, simples delincuentes comunes.

La actividad de estos grupos en ciertas zonas de España, sobre todo en el Norte, algunas comarcas pirenaicas y las montañas leonesas, en la linde con Asturias y Galicia, han sido estudiadas de manera sistemática y son conocidas, al menos por los aficionados al tema, pero hubo otras regiones donde también actuaron los maquis, que apenas han dado lugar a trabajos aislados.

Una de esas comarcas fue la Sierra de San Pedro, el último sector de la Cordillera Oretana, que se inicia en los Montes de Toledo y se extiende de Este a Oeste penetrando en Portugal a través de la Sierra de San Mamede. Es la divisoria de aguas entre las cuencas del Tajo y del Guadiana y hace casi frontera perfecta entre las provincias de Cáceres y Badajoz. Situados en los lugares más difícilmente accesibles encontramos varios castillos de gran importancia en el pasado, como el de Alburquerque, el de Mayorga, el de Piedrabuena y el de Azagala.

Este último castillo, fue refugio de maquis que operaron en Extremadura, pero antes, durante la Guerra Civil, se fueron reuniendo en él militantes de izquierda que huían de la ocupación por el Ejército de Franco de toda esta zona durante los primeros meses de la contienda. De hecho, desde Azagala se asestaron golpes importantes a los facciosos, como poner en fuga a una columna de falangistas, requetés y guardias civiles que intentaba ocupar el castillo; burlar un ataque aéreo con mercenarios portugueses que bombardearon el castillo y cuando los nacionales, pensando que sólo había cadáveres en su interior, se lo encontraron vacío, se enteraron de que sus ocupantes habían sido avisados por una vecina de Alburquerque; o volar un tren con armamento que los italianos llevaban a sus tropas. Como consecuencia de estos y otros golpes, perpetrados en parte con la ayuda de Invisibles (grupos guerrilleros creados a las órdenes del ejército republicano), la estancia en el castillo se hizo poco menos que imposible, pues hasta Queipo de Llano se había hecho eco de la situación y jurado acabar con ellos.

Aunque algunos quedaron en reducidos grupos guerrilleros repartidos por la sierra, la mayor parte de quienes estaban en Azagala, pasaron las líneas franquistas hacia territorio republicano, integrándose en el Ejército Popular y algunos formarían parte de las partidas guerrilleras del XIV cuerpo de ejército.

EL PALOMO COJO

Aquejado de una larga enfermedad, llega un niño de diez años a la casona de sus abuelos, situada en Cádiz, herencia de pasadas glorias y éxitos económicos, para pasar los tres meses de verano que se anuncia triste y aburrido. Pero habitan o visitan la casa parientes y personajes a la vez desconcertantes y fascinantes que poco a poco irán perturbando su riguroso ritual de aparente austeridad con estrafalarias y misteriosas rarezas. El niño, privilegiado observador pasivo, lo husmea todo, lo aprehende todo con una sensibilidad, cada vez más cercana a la de esos elegantes parientes, que viajan, recitan poemas y se rodean de exóticos personajes, o de las intrigantes sirvientas que cuidan de él, o incluso a la del palomo que anda cojeando por los tejados…Los inesperados acontecimientos que lo alborotarán todo servirán para revelarle no sólo la tragicómica complejidad de las relaciones adultas, sino también la auténtica extraña naturaleza que ya apunta en él.

El film adapta la novela homónima escrita en 1991 por Eduardo Mendicutti y en él, Jaime de Armiñán, reduce todo el entramado de la novela muchísimo quedándose con algunos motivos e indicios de esa perentoria toma de conciencia de la homosexualidad del protagonista que no sé si se les escapó o tuvieron reparo sobre el tema pero queda casi ininteligible en la película.

Estamos ante una historia de aprendizaje y maduración de un personaje mediante el descubrimiento del mundo familiar y adulto. La historia contada se fundamenta en unos hitos argumentales y estructurales que tienen que ver con el movimiento de los personajes y con el juego de presencias y ausencias.

En cuanto a la estructura se refiere, el cambio más radical viene dado por el final. Parece como si Jaime de Armiñán haya pretendido en todo momento ofrecer un happy end, aunque con ello haya tenido que efectuar una doble permuta. Por un lado, transforma el desenlace de la relación entre la Mary (María Barranco) y el chico, y, por otro, aporta un viaje en barco, inexistente en la novela, del chico, tío Ricardo ( Francisco Rabal) y tía Victoria (Carmen Maura).

Ante el número de personajes de la novela, Armiñán opera por reducción. Se trata de un procedimiento conveniente para el cine, pues hubiese resultado una película deslavazada de haber pretendido dar cabida a tanto secundario mencionado en la novela, pero además en cierta forma este proceso de contracción está mediatizado por la presencia de actores ilustres. La entidad de algunos personajes literarios se desdibuja en la película y el protagonismo más compartido de la novela según el relato en primera persona del chico deriva hacia la focalización en tres actores célebres: Paco Rabal, María Barranco  y Carmen Maura.

La interpretación del entonces niño y debutante en el cine, Miguel Ángel Muñoz, no está muy allá y por ahí andan otros personajes con menos intervención. pero que cumplen con su papel, como Joaquín Kremel, Valeriano Andrés o Amparo Baró, entre otros muchos.

Un film que si se mira en clave de sugerencias, a veces poco explícitas y poco o nada claras, puede resultar interesante, pero creo que para el espectador medio, puede resultar incluso aburrido en muchos momentos y al que salvan unos actores con muchas tablas, pero que, en en fondo, creo que naufraga bastante.