TRUMAN

Julián (Ricardo Darín), es un actor de teatro argentino que vive y trabaja en Madrid. Le detectaron un cáncer de pulmón contra el que ha estado luchando y cuando consigue superarlo se entera de que, como dice él, el cáncer ha decidido viajar por todo su cuerpo. Ante las pocas expectativas que le ofrece la medicina, decide renunciar al tratamiento y esperar la muerte con la mayor dignidad posible.

Su amigo Tomás (Javier Cámara), llega desde Canadá, donde vive con su familia, para visitarle y despedirse de él.

Serán cuatro días intensos, vividos deprisa en los que los recuerdos se agolpan, pero en los que también habrán de resolver algunas de las cosas que preocupan a Julián, precisamente porque su vida tiene fecha de caducidad y Tomás le acompañará, a veces en silencio, cuando va a una empresa de servicios fúnebres para interesarse por sus servicios y pedir presupuesto de las diversas opciones que ofrecen; o cuando visita a los candidatos para adoptar a Truman, su viejo perro a quien no desea dejar a cargo de cualquiera, sino asegurarse de que va a ser tratado con cariño.

Del mismo modo, viajarán a Amsterdam, donde está estudiando Nico (Oriol Pla), el hijo de Julián, al que su padre desea acompañar el día de su cumpleaños.

Dirigida por el catalán Cesc Gay que es también coautor del guión, el film es sobre todo una película de diálogos, a veces gestuales, pero también con inteligentes intercambios de palabras, que descansan en los dos intérpretes principales. Ambos se llevaron el Goya merecidamente, a mi parecer, como mejor actor principal (Darín) y mejor secundario (Cámara).

Es básicamente un drama que transcurre plácidamente, sobre todo durante la primera media hora, en que se ve con placer e incluso te involucras sin darte cuenta y más que observar participas de lo narrado.

A partir de ahí es cierto que va decayendo un poco, quizá porque ya has visto por donde transcurre la historia y sabes que nada nuevo va a ocurrir, como así es, no hay estridencias, pero tampoco sorpresas y para acabar de rematar el declive del film, una escena de sexo que a mí me ha parecido un tanto forzada, aunque es cierto que se rodó sin ningún tipo de morbo.

El arma de dos filos del film es la normalidad, que puede llegar incluso a aburrir un poco, en tanto que al presentarnos unos personajes que nos suenan familiares, hace que todo sea creíble, incluso ese aire de comedia que algunos han visto, es debido a que una sonrisa (digo sonrisa, no risa, que conste), se dibuja en los labios del espectador casi durante todo el film, pero no es porque las situaciones nos resulten divertidas, sino porque son tan reales y cercanas que a veces nos resultan cómicas porque casi nos vemos a nosotros mismos en ellas y en ocasiones, ya sabemos, lo normal de esta vida que vivimos, es un poco ridículo.

Entretenida, con buenas intenciones, pero yo pienso que tampoco es una película que pase a la historia, es más, creo que si no fuera por las grandes interpretaciones de Cámara y Darín (sobre todo este último), ni siquiera hubiera tenido el éxito que ha tenido.

LA ISLA MÍNIMA

1980. En un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir, olvidado y detenido en el tiempo, dos adolescentes desaparecen durante sus fiestas. Nadie las echa de menos. Todos los jóvenes quieren irse a vivir lejos y algunos de ellos se escapan de casa para conseguirlo. Rocío (Nerea Barros), madre de las niñas, logra que el juez de la comarca, Andrade (Juan Carlos Villanueva), se interese por ellas. Desde Madrid envían a dos detectives de homicidios, Pedro (Raúl Arévalo) y Juan (Javier Gutiérrez), de perfiles y métodos muy diferentes que, por distintos motivos, no atraviesan su mejor momento en el cuerpo. Una huelga de los trabajadores del campo pone en riesgo la cosecha del arroz, principal riqueza de la región, y dificulta las tareas de investigación de los dos policías que reciben presiones para solucionar el caso cuanto antes.

Los dos policías tratan de ir casando las piezas: Un guaperas que cambia de novia como de camisa; el terrateniente local; el misterioso guardés de una finca, del que nadie parece saber nada...

La investigación va poniendo en evidencia que en los últimos años han desaparecido varias jóvenes más y que aparte del arroz existe otra fuente de riqueza: el tráfico de drogas. Nada es lo que parece en una comunidad aislada, opaca y plegada sobre sí misma.

La acción se desarrolla en un pequeño pueblo de las marismas del Guadalquivir, donde la naturaleza construye un espectacular paisaje que se convierte en un personaje más de la película ya desde las imágenes aéreas capturadas por el fotógrafo de la Estación Biológica de Doñana, Héctor Garrido, responsable de documentar la zona, que acompañan a los títulos de créditos y recrean impresionantes paisajes de armonía fractal.

Alberto Rodríguez nos traslada a los 80 en la España profunda y mas cerrada, donde los cambios sociales e ideológicos tienen peso en cada punto. Es impresionante la atmósfera, el ambiente, un todo que se deja ver en cada plano.

Desde un principio la trama empieza con fuerza y evoluciona sin reparos a meter subtramas que no tienen mucho que ver pero que aun así sirven de complemento a la historia.

Los actores, salvo algún caso que está en la mente de todos, con interpretaciones llenas de matices, conforman unas buenas actuaciones, incluso alguno de los que aparece poco, como es el caso de Nerea Barros, que consigue llenar la pantalla con sus contadas presencias. Me alegro especialmente por Javier Gutiérrez, un trabajador de la escena que encuentra aquí un papel donde demostrar su valía, aunque en una de las escenas del final, le salga el ramalazo del Sátur de Águila Roja.

Aunque tiene sus carencias, esta película le reconcilia a uno con el cine nacional, esas magníficas cinco tomas cenitales, inspiradas en las fotografías mencionadas de Héctor Garrido, estratégicamente repartidas a lo largo del metraje, o el recurso a reducir diálogos y llenar la película de silencios para evitar el desastre de una mal guión con diálogos mal construídos y quizá peor vocalizados (es una carencia grave de las últimas hornadas de actores) y las escenas de acción que huyen del intento de imitación a los thrillers americanos, con buenos resultados, por cierto.

No hagan caso de las críticas, sobre todo de aficionados, que hacen hincapié en que hay cosas que no están explicadas. Todo queda claro en la película, lo que ocurre es que el guión y el realizador presuponen la inteligencia del espectador y no se dedican a darnos una clase para parvulitos.

LOS MINEROS ASTURIANOS EN BENAVENTE (1936)

Uno de los ardides más curiosos de la Guerra Civil española, tuvo como protagonistas a los mineros asturianos y al entonces gobernador militar de Oviedo, coronel Antonio Aranda Mata.

Al parecer, ante a sublevación de los militares en África y sus correspondientes secuelas en la Península, el dirigente socialista Indalecio Prieto, solicitó a sus correligionarios de Asturias el envío urgente de una fuerza de diez mil mineros para defender Madrid de la posible sublevación de la guarnición local, sobre todo de los cuarteles de la Montaña y Campamento. La convocatoria tuvo gran éxito entre los mineros y en pocas horas se concentraron miles de ellos en Oviedo.

Se organizaron dos columnas, una partió por carretera y otra por ferrocarril, compuesta por dos locomotoras y doce vagones. El tren salió de Oviedo sobre la una de la madrugada del 19 de julio, cargado de voluntarios hasta los topes. Contaban con doscientos fusiles y munición entregados por orden del coronel Aranda. Al mando de la columna iban el socialista Manuel Otero y el teniente de Asalto Alejandro García Menéndez. En Mieres se incorporó otro numeroso grupo, mandado por Ramón González Peña y el jefe de las milicias de las Juventudes Socialistas, Guzmán García.

A las cinco de la mañana el tren especial salió de la estación de Ujo, la última asturiana, compuesto ya por tres máquinas y dieciocho vagones, transportando a 2.500 hombres.

Habiendo recibido noticias de que Valladolid se hallaba en manos de los sublevados y que habían instalado piezas de artillería para cortar el paso del convoy, decidieron seguir su camino a Madrid por Zamora, así que en la noche del 19 de julio, el tren especial hacía su entrada en la estación de Benavente, donde a pesar de los temores, gracias a los buenos oficios del alcalde socialista Alfredo Rodríguez Enríquez y al control de los jefes de los obreros asturianos, no se produjeron mayores incidentes, aunque fue inevitable que la población estuviera alterada ante la llegada de tamaña fuerza.

El caso es que, según algunas fuentes, una operadora de la compañía telefónica que trabajaba en Benavente, fue la primera en advertir a los mineros que habían sido engañados por Aranda, que lo que en realidad pretendía era tener el campo libre y que se había sublevado en Oviedo, lo que fue confirmado por el abogado Juan Pablo García que llegó a Benavente por carretera en la madrugada del día 20, llevando la noticia fidedigna de la rebelión del coronel Aranda en Oviedo.

Esa misma mañana, el tren de los mineros asturianos, emprendió desde Benavente el camino de regreso a su tierra, pero Oviedo ya se había unido al bando rebelde.

CHULAS Y FAMOSAS

Con esta obra se cierra la trilogía que comenzó con Garras de astracán y continuó con Mujercísimas, en las que Terenci Moix novela sobre algunos comportamientos actuales centrados en un tipo de mujeres modernas.

El personaje de Miranda Boronat, también presente en Mujercísimas, sirve al autor para dar otra vuelta de tuerca sobre el esperpento de estos seres que viven pendientes de salir en el papel couché y en los programas basura de la tele: Un Autor -trasunto del propio Terenci- se apropia del diario de una mujer al no encontrar asunto y trama para una novela. Con este texto ideado como un tenso diálogo entre Miranda, una “lesbiana vocacional”, y un Autor, “un mariquita barcelonés que presume de escritor”, se cierra la trilogía sobre la farsa contemporánea.

Aristócratas, ricos y famosos concentran los dardos divertidos y envenenados del escritor. Tras los nombres imaginarios (algunas veces prácticamente explícitos) se esconden figurones reales más o menos transparentes, pero constituyen sólo la espuma de la realidad que se denuncia: una sociedad, la nuestra, convertida en puro escaparate de frivolidad.

Todo cae bajo la mirada entre juguetona, irreverente y vitriólica del escritor: valores morales, religiosos, económicos, políticos, culturales... Si la historia empieza con el entierro de un Pujol momificado termina con una epidemia de SIDA en el Vaticano por falta de preservativos. Y nadie podrá quejarse porque el propio Moix se flagela y se burla de su literatura con inteligente cinismo.

Es una novela artística, una apuesta creadora interesante -heredera del espíritu renovador del joven Moix-, pero de resultados discutibles por no llevar dichos planteamientos a su último extremo. Hay en el libro gran capacidad verbal e inmejorables dotes satíricas, pero a veces se cae en gracias cercanas al chiste, en licencias personales y en situaciones de humor fácil. Y la fuerza imaginativa se desborda hasta producir un poco de fatiga.

Una reflexión pesimista, envuelta en una historia que pretende ser hilarante, que a veces no lo es tanto, pues no siempre consigue hacer gracia, en que la majadería de un grupo social se convierte en metáfora de todo un país.

LOS SANTOS INOCENTES

El film adapta la novela del mismo título que Miguel Delibes publicó en 1981 y que vino seguida de un extraordinario éxito tras el que las reediciones se sucedieron en los meses inmediatos.

Es el retrato de las precarias condiciones de vida de una familia de campesinos extremeños, aplastada por la miseria y el yugo que imponen los señores poseedores de las tierras a las que están atados los jornaleros.

Delibes nos presenta la novela, y así lo recoge la película, como una alegoría de la España de poseedores y desposeídos, con un fondo en el queda patente la violación de las relaciones entre el hombre y la naturaleza.

Estupendamente interpretada, los personajes de Paco el Bajo (Alfredo Landa) y Azarías (Paco Rabal), forman ya parte del imaginario colectivo del cine nacional, pero alrededor de ellos tenemos poderosos personajes, como el del Señorito Iván (Juan Diego) o Régula (Terele Pávez), una auténtica maravilla ambos, y una serie de personajes "menores", que nos dejan la impronta de unos caracteres inolvidables (Agustín González, Mari Carmen Prendes, Maribel Martín...)

La novela de Delibes es un prodigio de saber plasmar por escrito todo un universo que, al tiempo, es una despiadada (por realista) crítica de una determinada sociedad y, por extensión, de todo un país y el mérito de Mario Camus es haber sabido trasladar todo eso a la pantalla, haciéndonos vivir esa naturaleza del campo extraordinaria, bella y, por mor de la intervención humana, a veces muy cruel.

Los Santos Inocentes es reconocida de manera unánime como una de las mejores películas españolas de todos los tiempos, el mismo Delibes reconoció que Camus supo trasladar su novela a imágenes de manera exquisita y efectiva a un tiempo, y que la estructura de flashbacks, había sido todo un acierto.

Después de mucho tiempo, he vuelto a verla, supongo que no será la última vez y de nuevo he tenido la sensación de tristeza que planea sobre todo el film, porque el drama que plantea es muy triste, lo peor de la condición humana, el desprecio por el prójimo considerado como inferior, está retratado de manera magistral y precisamente por eso se nos hace más duro y conlleva que algo en nuestro interior se revuelva contra quienes oprimen sin piedad alguna. Al final será el más inocente, el que sufre el mayor de los desprecios, aunque no sea del todo consciente de ello, el que traiga un poco de justicia a ese mundo tan injusto.

CRÓNICAS MARCIANAS

En 1950, el reconocido escritor de ciencia ficción Ray Bradbury, publicó "Crónicas Marcianas", quizá junto a Farenheit 451, su libro más conocido. Este texto, en el que se recogen una serie de relatos sobra la colonización de Marte, es el que sirve de base al guión de esta serie británica de 1980, dividida en tres capítulos de hora y media que recoge alguno de esos relatos. No sé si tenía vocación de continuidad en posteriores entregas, el caso es que la serie fue un rotundo fracaso a pesar de contar con un actor como Rock Hudson, que si bien estaba en el declive de su carrera, suponía un buen reclamo para el público.

Se me ocurren varios motivos para que la serie no tuviera éxito, el primero es que los capítulos televisivos son bastante fieles a los relatos de Bradbury que adaptan, y el aficionado al género sabe que no son ciencia ficción al uso, pues aunque reflejan mundos futuros, no hay en ellos espadas láser, ni extraños aparatos, ni seres muy diferentes de los humanos, ni otros de los aditamentos típicos del género, sino que sus libros van por otro camino, son más filosóficos que otra cosa y en ellos se habla del hombre y sus problemas, por eso muchos de ellos están de plena actualidad. Eso puede que decepcione al espectador medio que espera ver peleas con los marcianos o vete a saber qué y se encuentra de buenas a primeras con unos relatos televisivos que le hablan de ecología, de que la tierra se desintegra por culpa de los humanos y la guerra nuclear, de la necesidad de renunciar al egoísmo de la especie...

Con unos decorados naturales situados en Malta y en Lanzarote y los de estudio de tipo vanguardista, pero quizá algo fríos, seguramente los largos monólogos, sobre todo del coronel John Wilder (Rock Hudson), la lentitud en el desarrollo de la acción, una cierta desidia en los intérpretes y en la dirección que hacen algunos pasajes un tanto penosos, llevaron al fracaso del proyecto, que visto hoy resulta interesante, pero algo pobre y con unos efectos especiales que, aunque no había ni de lejos los medios actuales, dejan bastante que desear. Sin embargo las situaciones que analiza y las cuestiones morales y filosóficas que plantea, siguen siendo (en algún caso, por desgracia) totalmente actuales.

FUNCIÓN DE NOCHE

En 1979 se estrena en Madrid la adaptación teatral de la novela de Miguel Delibes "Cinco horas con Mario". El núcleo central de la novela y también de la obra teatral, es el soliloquio de Menchu cuando está velando a su difunto marido con el que habla desgranando sus pensamientos y exponiendo las frustraciones de su vida y los reproches hacia el difunto y lo que ha supuesto su matrimonio.

Durante veinte años, la obra fue interpretada por Lola Herrera que llegó a identificarse en cierto modo con el personaje, observando que ella podía ser en alguna medida, un trasunto de la protagonista. En una de las representaciones, Lola sufre un desmayo y el productor de la obra, José Sámano y la directora Josefina Molina, además amigos de la actriz, le proponen una especie de terapia, grabar un encuentro con su ex-marido (Daniel Dicenta), del que lleva casi quince años separada y con el que tiene dos hijos y ver qué sale de aquello, con la idea de hacer una película si el material que obtengan lo permite.

De este modo, se prepara el camerino de Lola con cámaras ocultas tras varios espejos y se rueda la extensa conversación entre la pareja, en la que salen a relucir todas las frustraciones de sus años en común y ambos reflexionan sobre el motivo de su fracaso.

La película se comenzó sin guión previo, Daniel y Lola hablaban y con este material y algunas escenas que narran la presentación de la demanda de nulidad en el Obispado de Madrid; los paseos de Lola con su amiga Juana Ginzo y algunas intervenciones de los hijos (Natalia y Daniel Dicenta Herrera), se montó esta peculiar película que tiene mucho de docudrama y bebe en algunos aspectos de modelos del cinema verité.

Aunque los protagonistas echan parte de la culpa de su fracaso matrimonial a la educación recibida (la culpa siempre es de otro) y Josefina Molina aprovecha todo eso para tratar de hacer un retrato de las mujeres de la generación de postguerra, presentándolas como reprimidas y educadas para estar sometidas al marido, lo cierto es que la historia de Lola y Daniel tiene algo de intemporal, pues si bien es cierto que la educación es una parte importante del posterior desarrollo de tu vida, al final son las personas las que sostienen una relación y en el matrimonio siempre hay un componente de aventura, de no saber exactamente cómo va a salir aquello, pues todos sabemos de las dificultades de la vida en común, lo que tiene de agradable, pero también de renuncia y eso hay parejas que no logran superarlo.

He de hacer mención al exquisito trabajo fotográfico de Teo Escamilla y a la delicada música de Alejandro Massó que incluye una composición de Luis Eduardo Aute.

Ante tanta basura televisiva que nos tragamos, quizá la principal lección de este film es la manera elegante en que están presentados unos problemas individuales que trasciendes a las personas que los sufren, y la forma en que se nos hace llegar el mensaje, en un diálogo respetuoso, sin voces, escuchando al interlocutor sin interrumpirle, con un lenguaje cotidiano pero perfectamente inteligible y sin expresiones groseras. Todo ello sin tapujos y sin esconder nada por íntimo que fuere, los personajes realmente se desnudan interiormente para el espectador, pero lo hacen sin buscar el morbo, sin humillar al otro, asumiendo cada cual su parte en la culpa.

De agradecer la valentía de Daniel Dicenta para prestarse al "experimento" y la magnífica presencia de Lola Herrera.

La película tuvo cierta repercusión más allá de nuestras fronteras, donde obtuvo algunos premios y el público no español que la presenciaba, siempre se quedaba con la duda de si aquellas dos personas estaban hablando de sí mismas, o eran dos actores representando un guión.