EL LEÓN DEL DESIERTO

En los albores del siglo XX, las naciones que se habían quedado atrás en el reparto de colonias auspiciado por la conferencia de Berlín de 1884, buscan su pequeña tajada entre las migajas que van quedando las grandes potencias.

Italia se fija en Libia, que había quedado fuera del reparto colonial de África y a la que ellos llamaban "Quarta Sponda" (la cuarta costa italiana), al haber sido una provincia del antiguo Imperio Romano y el 3 de octubre 1911, Libia fue objeto de una invasión militar italiana en toda regla. Casi veinte años después, harto de que el territorio estuviera sin pacificar y se siguieran produciendo enfrentamientos entre el ejército de ocupación y las tropas irregulares de beduinos, Benito Mussolini (Rod Steiger), envía al general Rodolfo Graziani (Oliver Reed) con el encargo de acabar de manera definitiva con la insurgencia nativa.

 

 

Película casi olvidada, uno de tantos casos en que un producto de calidad nada desdeñable y por razones y circunstancias que adivinamos pero en los que no voy a entrar en detalle, es enviada al baúl de los recuerdos.

 

El film revive una historia poco (o nada) tratada por la cinematografía, la peripecia italiana en Libia buscando reverdecer viejos sueños imperiales que en su inicio, al contrario de lo que ciertas crónicas interesadas han transmitido, nada tuvieron que ver con el fascismo, pues los orígenes de esta ocupación imperialista se remontan a 1911.

La película narra el enfrentamiento entre las tropas regulares de Italia y las tribus rebeldes sanussi dirigidas por el líder religioso Omar Mukhtar (Anthony Quinn). Mukhtar, maestro en una escuela coránica, fue el personaje que aglutinó a la dispersa población Libia, sin apenas conciencia nacional, ya que en su mayoría eran beduinos y habitantes de pequeñas poblaciones. Durante 20 años trajo en jaque a las tropas italianas que se vieron inmersas en una espiral de derrotas, hasta que se hizo cargo de la situación Rodolfo Grazziani que combinando el moderno armamento del que disponía y la aplicación de medios despiadados como la reclusión de parte de la población nativa en grandes campos de reclusión y el despliegue de una inmensa alambrada para cortar la llegada de suministros a los rebledes desde la frontera egipcia, consiguió capturar a Omar Mukthar, quien fue ejecutado en la horca el 16 de septiembre 1931, ante su pueblo, tras un juicio sumarísimo.

 

La película es un canto a la lucha por la libertad y una declaración contra el colonialismo. Mukthar es uno de esos líderes carismáticos a quienes la gente sigue hasta las últimas consecuencias, aún sabiendo que la batalla está perdida. Él relato está lleno de reflexiones en ese sentido y de imágenes y situaciones que las apoyan, es la lucha del débil contra el fuerte, pero también de quien está cargado de razones contra la avaricia del opresor.

Libia entonces era un territorio sin recursos, pero la Italia de Mussolini no podía permitirse el oprobio de verse derrotada por unas fuerzas infinitamente inferiores en medios y preparación, era una cuestión de prestigio y cabezonería por decirlo llanamente, ya que el conflicto resultó impopular, pues la gente del pueblo no entendía qué se las había perdido allí y los únicos interesados eran un puñado de nobles y ricos que obtuvieron concesiones territoriales en zonas fértiles del país africano.

 

Magníficas interpretaciones de Anthony Quinn (una vez más Hollywood le adjudica un papel de extranjero) y de Oliver Reed, ambos brillando a gran altura y muy bien acompañados de una pléyade de secundarios de lujo que están no menos brillantes: Irene Papas, Rod Steiger, John Gielgud, Raf Vallone, Gastone Moschin...

Logradísima fotografía del veterano Jack Hildyard, del que los entendidos destacan cómo ha sabido retratar los colores cálidos y dorados del paisaje del desierto y una banda sonora del maestro Maurice Jarre que mezcla sabiamente los pasajes épicos con otros cargados de lirismo e intercalando, de forma recurrente, variaciones sobre el conocido "Giovinezza" del cancionero fascista.

Mención aparte merece la ambientación, cuidada al detalle, sobre todo la uniformidad y el armamento pesado del ejército italiano, expresamente fabricado para el film. Este apartado cobra especial importancia en una película en la que las secuencias de batallas se suceden, siendo una de las razones de que un film de casi tres horas, se nos haga bastante entretenido, pues están muy logradas y aunque no cuentan con espectaculares efectos, sí que tienen a su favor la intervención de numerosos extras que dan gran verismo a la recosntrucción de enfrentamientos armados.

 

Quizá lo más flojo de todo sea el guión, bastante maniqueo, pues sin querer defender la actuación, en ocasiones despiadada, de los colonizadores, no es menos cierto que se presenta, de manera bastante interesada, a los rebeldes árabes como un dechado de honor y caballerosidad, cuando yo supongo que no perdonarían la vida del enemigo así como así, tal como refleja la película.

Están bien intercaladas imágenes de archivo en las que se ven tomas aéreas de los campos de reclusión, de la alambrada y de la llegada de tropas italianas a la región, pero el valor de testimonio histórico del film no para ahí, ya que aparte de glosar la figura de Mukhtar (un héroe nacional en Libia), queda patente la utilización, por primera vez, de tanques en el desierto, o el empleo de aviones ligeros para bombardear a la población civil.

No quiero dejar en el olvido al realizador del film, el sirio Moustapha Akkad, muy vinculado al mundo de Hollywood y que dedicó gran parte de su carrera a intentar explicar el Islam a occidente. En "agradecimiento", Al Qaeda le asesinó en 2005 en Amman (Jordania). Por supuesto, para el rodaje de esta película, contó con todas las facilidades del régimen libio de Muammar al-Gaddafi que financió parte del presupuesto.

Sin embargo en Italia estuvo muchos años prohibida alegando que atentaba contra la dignidad del ejército. Al parecer, a los italianos les gusta recordar a los partisanos que defendieron su país contra la ocupación nazi, pero resulta ofensivo recordar que hubo un tiempo en que también ellos fueron opresores.

 

A mi entender, salvando algunas licencias que se toma el guión y cierto tonillo de propaganda anti occidental, estamos ante una película más que interesante, rodada con esmero y con unas interpretaciones que nos dejan grandes e inolvidables momentos.

Lugares que a todos nos suenan, pues han vuelto a ser portada de los noticiarios en los últimos tiempos, regresan a nosotros y los nombres de Bengasi, Tobruk, Sirte o Trípoli vuelven a nuestros oídos. 

 

 

 

PRIMER AMOR

En el verano de 1833, Vladimiro Petrovich, vive con sus padres en Moscú, en la villa que estos tienen alquilada cerca de la Puerta Kalugski, frente al jardín Neskuchny. A la casa de al lado llega la arruinada princesa Zassekine, de cuya hija, Zinaida Alexandrovna, queda prendado.

A pesar de que desde sus 21 años, Zinaida ve a Vladimiro como un niño y de que él es consciente de esa situación, al ser admitido en el círculo de admiradores de la joven, él abriga lejanas esperanzas de conseguir su amor.

De manera exquisita y deliciosa, Turguenev relata las experiencias por las que pasa el adolescente que siente por vez primera la llamada del amor. De paso ahonda en otras cuestiones, los celos, el amor imposible, los juegos a los que Zinaida somete a sus enamorados... Como dice el protagonista de la historia: Ahora que las sombras del atardecer empiezan a envolver mi vida, ¿qué queda en mí, más lozano y más querido, que el recuerdo de aquella tormenta matutina, primaveral y fugaz?

 

 

 

ROJOS

Louise Bryant (Diane Keaton), es escritora, su ambición es conseguir un hueco en el mundo de la expresión artística, pero además ha de luchar contra los prejuicios de género tan presentes en la sociedad, aún en las avanzadas como la norteamericana, en aquellos inicios del siglo XX.

Está casada con un dentista de Portland, ciudad en la que vive, que no acaba de comprender del todo sus inquietudes artísticas, así que cuando conoce al periodista John Reed (Warren Beatty), se marcha con él y comenzarán su vida en común en el Village neoyorkino, donde se codeará con buena parte de la intelectualidad progresista del momento.

Reed está cada vez más involucrado en el movimiento socialista norteamericano, aunque acabará siendo expulsado del partido socialista y, junto a otros militantes, fundará el Partido Comunista de Estados Unidos.

John "Jack" Reed, es todo un referente de la casi desconocida izquierda norteamericana, un tipo que había conocido a algunos de los personajes relevantes de la revolución mexicana y como corresponsal del Metropolitan Magazine, acompañó a Pancho Villa en sus correrías por el norte del país.

También como periodista cubrió la Primera Guerra Mundial en Europa, llegando hasta Rusia, donde fue testigo presencial de la llegada de Lenin al poder. Todas esas impresiones de primera mano sobre la revolución bolchevique, están recogidas en su obra más famosa, Diez días que estremecieron el mundo, publicada en 1919.

Interesante película en la que Warren Beatty demuestra su buen hacer tras la cámara para trasladar a la pantalla un guión firmado por él mismo y por Trevor Griffiths, en el que mezcla, a mi parecer con sabiduría, la relación sentimental de Reed y Louise Bryant y las andanzas políticas del escritor.

Maravillosa fotografía de Vittorio Storaro que le supuso al film unos de los tres Oscar que consiguió entre las 12 nominaciones que tuvo la película y una ambientación muy cuidada que dota a la historia de gran credibilidad.

Creo que el principal activo del film son las actuaciones. Tanto Beatty como Diane Keaton, realizan un gran trabajo, sobre todo ella, en un personaje que sufre una tremenda evolución a lo largo de la película. Muy bien, asimismo, Jack Nicholson, encarnando a Eugene O'Neill, en una actuación contenida, al contrario de lo que nos tiene acostumbrado el de Nueva York y, la oscarizada Maureen Stapleton, que da vida a la activista norteamericana Emma Goldman.

Algunas de las escenas fueron rodadas en España y concretamente la emotiva escena del reencuentro entre los dos protagonistas al pie del ferrocarril, uno de los momentos culminantes del film, se rodó en la estación madrileña de Delicias.

El film demuestra la valentía de Beatty a la hora de encarar este proyecto por el asunto del que trata y muy bien contada la historia de amor de los protagonistas y la parte que podríamos llamar de historia política.

Uno de los peros, sin duda, es la excesiva duración de esta película, en la que se invirtieron 35 millones de dólares para contar la historia de un hombre que odiaba a los millonarios.

NIDO DE HIDALGOS

El protagonista, es un hidalgo ruso, Laureski, engañado por su esposa, que lleva una vida disipada y tiene un amante, se separa de ella y vuelve a su casa solariega a ocultar su desaliento y soledad en un círculo de vida provinciana, honesta y sencilla. Allí encuentra a su prima Lisa, joven, hermosa y cándida, que se prenda de él. Corre el rumor de la muerte de la esposa de Laureski y alienta en éste la esperanza de la ventura; pero la supuesta difunta se presenta a reclamar, con hipócrita mansedumbre, su puesto bajo el techo conyugal.

Lo más interesante no es el argumento, no sólo sencillo, sino incluso endeble, no deja de ser un enredo que puede parecer vulgar, pero la manera de exponerlo de Turgenev es lo que dota de altura al relato. La descripción de las costumbres provincianas, el campo, el conseguido capítulo final, la manera de hacernos partícipes del trágico dolor de la felicidad entrevista y perdida, del cielo que se entreabre y luego se cierra, convierten a esta novela en uno de los mejores trabajos del maestro ruso.

EN BUSCA DEL FUEGO

La acción nos sitúa hace 80.000 años. El hombre primitivo conoce el fuego, pero no sabe cómo crearlo, aprovecha el que encuentra producido por causas naturales y lo guarda como un tesoro, pues le permite cocinar los alimentos, calentarse para protegerse de los intensos fríos y mantener a raya a los animales que le atacan, su pérdida significa casi un desastre para el clan.

Un grupo de estos hominidos, se ve atacado por otros de otra especie diferente, que les arrebatan el fuego, mientras ellos huyen y se refugian en una zona lacustre. Deciden enviar a tres de sus jóvenes guerreros en busca del fuego perdido.

La secuencia de paisajes nos indica que los tres van viajando hacia zonas más cálidas donde se sucederán algunas aventuras que, no sólo les permitirán recuperar el fuego, sino que cambiarán la vida de su tribu.

Uno de los pocos films ambientados en la época prehistórica y, para algunos, el mejor por la seriedad documental con que están tratados los asuntos que nos traslada y por el nivel cinematográfico del mismo.

Quien conozca la trayectoria de Jean-Jacques Annaud, sabe lo concienzudo de su trabajo de documentación, en esta ocasión, contó con un grupo de estudiosos, paleontólogos, arqueólogos y otros especialistas que le ayudaron a configurar y corregir lo que estaba haciendo. El lenguaje que emplean los hombres fue creado específicamente para el film por Anthony Burgess y los movimientos y gestos por Desmond Morris, autor de obras de divulgación tan conocidas como El mono desnudo.

Con una excelente caracterización de los intérpretes y un guión que no necesita para nada lenguaje oral inteligible, la película es un prodigio de narración cinematográfica, apoyándose para ello en los gestos de los actores y en los recursos visuales. Por ejemplo, en la divertida escena en la que son atacados por los dientes de sable y se refugian trepando a un árbol, la medida del tiempo nos la dan las hojas de sus ramas, que en una de las secuencias, han desaparecido por completo.

La fotografía, de Claude Agostini, sabe sacar partido de los maravillosos paisajes y además cuenta con una descriptiva banda sonora que lleva la firma de Philippe Sarde, con algunos momentos realmente emotivos.

La película nos traslada de maravilla las situaciones que relata el guión, el desamparo en el que se ven cuando el fuego se apaga; el aprendizaje a través del contacto con la tribu Ivaka, no sólo de habilidades, sino de conceptos; la manera de desenvolverse en el medio, a veces muy hostil...

Tomándose alguna que otra licencia sobre lo que los estudios científicos nos han transmitido de lo que pudo ser la vida de los primeros hombres, Annaud es capaz de transmitirnos en tan sólo hora y media una versión bastante ajustada, creíble y amena de lo que aquello fue o pudo ser. Una maravilla visual, con unos actores que realizan un gran trabajo y un guión que sabe alternar ciencia con espectáculo.

Al final, el film consigue que nos identifiquemos con nuestros cavernícolas antepasados, por más que al principio les veamos más cercanos a los simios que a nosotros, durante los noventa minutos que dura, hemos ido cobrando simpatía por aquellos casi salvajes, hemos compartido sus miedos e inseguridades y nos hemos alegrado del ingenio con el saben superar las adversidades. Somos nosotros mismos reviviendo las duras circunstancias en las que se desenvolvía el día a día de aquellos hombres y mujeres que lograron sobrevivir a la adversidad y nos legaron lo que de bueno o malo somos y tenemos.

AGUAS PRIMAVERALES

Demetrio Pavlovitch Sanín, es un joven ruso que regresa a su patria tras viajar unos meses por Europa. En 1840 se encuentra en Frankfurt y tras almorzar en la fonda El cisne blanco, sale a callejear por la ciudad, pues tiene casi todo el día por delante hasta que salga la diligencia que ha de tomar para continuar su viaje.

En su paseo, ve un cartel que anuncia a los viandantes la "Confitería de Giovanni Roselli" y entra a tomar una limonada. Tras el mostrador aparece una joven, Gemma es su nombre y Sanin queda poderosamente impresionado por su belleza. Pero ella no ha salido de la trastienda para atenderle, sino en busca de ayuda, pues su hermano Emilio está muy mal, con los labios amoratados y parece no respirar. Sanin, ayudado por Pantaleone, una especie de criado de la casa, logra reanimarle, lo que le depara el agradecimiento de la madre y la hermana del niño y la admiración de Pantaleone y del propio Emilio.

Las puertas de aquella casa se abren para él, que se queda en Frankfurt sin apenas dinero y a la espera de que un amigo le envíe nuevos fondos. En ese intervalo se produce un hecho curioso, durante un paseo por el campo en compañía de Gemma y Emilio, invitados por Karl Klüber, prometido de ella, el subteniente Dönhof, que está bebiendo en compañía de otros militares, se dirige a Gemma para ofrecerle una rosa en un gesto que es considerado ofensivo, el prometido de Gemma decide salir del lugar donde están comiendo, pero Sanin no se conforma con eso y reta al militar. Ambos se baten en duelo, pero la situación tendrá más consecuencias, pues Gemma, ante el disgusto de su madre, acaba rompiendo su compromiso.

Su nuevo amor es Sanin, que viaja a Wiesbaden con un antiguo compañero de estudios, para intentar venderle a su rica esposa las tierras que posee en Rusia, con el fin de de poder casarse con Gemma. Sin embargo algo ocurrirá cuando la potencial compradora, Maria Nicolavna Polozoff, despliegue sus encantos ante el desprevenido Sanin.

 

 

 

LA PUERTA DEL CIELO

El sheriff James Averill (Kris Kristofferson), de un condado de Wyoming, se ve inmerso en una lucha fratricida, auspiciada por el gobierno de los Estados Unidos y su mismísimo presidente, entre la Asociación de Ganaderos y los inmigrantes eslavos que huían del hambre en Europa y soñaban con establecerse en América e iniciar una nueva vida. La asociación, harta de que los inmigrantes roben ganado para alimentar a sus familias, declara la guerra al condado y elabora una lista negra con 125 personas a las que hay que ejecutar, para lo que contrata a 50 pistoleros a los que paga 5 dólares por día de trabajo y 50 por la cabeza de cada uno de los integrantes de esa lista. En esa lista se encuentra Ella Watson (Isabelle Huppert), que se debate entre el amor de James y el de Nathan Champion (Christopher Walken), pistolero a sueldo de la asociación que progresivamente toma partido por la causa local. Aunque Ella no es inmigrante, se la acusa de aceptar como pago en el burdel que regenta, ganado robado.

Si algún film merece ser calificado de maldito, es este. Una película que supuso un auténtico fracaso comercial (recaudó apenas el diez por ciento de los 35 millones de dólares que costó), algo que supuso la desaparición de la United Artists y su absorción por la Metro y que condenó al ostracismo durante una década a su realizador, aunque para más de uno, la caída en desgracia de Michael Cimino fue debida a la animadversión que se había ganado a lo largo de su carrera y no por este film en particular.

El film nos relata uno de esos episodios oscuros que las naciones borran de sus libros de historia, en este caso, el episodio que tuvo lugar en 1890 en Wyoming, en el que los adinerados miembros de la Asociación de Criadores de Ganado organizaron, con la aquiesencia de los poderes fácticos (incluido el presidente de los Estados Unidos), una cacería humana dirigida a exterminar, literalmente, a ciento veinticinco emigrantes residentes en el condado de Johnson, a los cuales se acusaba de ladrones y anarquistas porque robaban sus reses para paliar sus hambrunas.

Estos hechos están reconstruidos indirectamente mediante la exposición de las vivencias de una serie de personajes implicados en aquellos acontecimientos por muy diferentes razones.

Por un lado, Jim Averill, marshal de Wyoming y antiguo miembro de la Asociación, que descubre la existencia de la lista negra con los nombres de las ciento veinticinco personas que han de ser ejecutadas «legalmente» y que termina luchando al lado de los ciudadanos de Johnson.

Nathan Champion, que siente escrúpulos a la hora de intervenir en esa carnicería a pesar de trabajar como matón a las órdenes de la Asociación.

Y, por último, otro miembro de la Asociación, amigo de Averill desde su época de estudiantes universitarios, Billy Irvine (John Hurt), cuya cobardía le impide oponerse a la decisión homicida de los ganaderos y busca consuelo refugiándose en la bebida.

Además hay una historia paralela que se entremezcla con el relato más o menos histórico, el triángulo amoroso entre Champion, Averill y Ella Watson, que regenta un prostíbulo y que quizá sea la parte más endeble del relato, pues a pesar del evidente atractivo de Isabelle Huppert, su personaje no acaba de encontrar un sitio definido, en ocasiones da la impresión de que las escenas en que aparece están metidas de manera forzada.

Yo pienso que Cimino le dio a su film un cierto aire intelectualoide que fue una de las razones que le hizo patinar, sobre todo en lo que al público se refiere, lo de estrellarse con la crítica es otra historia, puede que estos se la tuvieran jurada de antemano.

Y es que a pesar de que pueda parece que el film tiene un plantemiento crudo y realista, en el fondo acaba resultando de lo más estilizado. Ahí, en la alternancia entre el tono poético y la crudeza de la situación de los inmigrantes, es donde falla el film, creo que no ha dado con el modo en que estas alternancias no nos hagan perder el interés por la historia que nos narra, que al final, sin que sepas muy bien por qué hasta que lo analizas después de digerir lo que has visto, te sumerge en la sensación de que aquello resulta un tanto confuso.

Si a ello unimos que las escenas de la batalla final entre inmigrantes y ganaderos, que suponen el clímax del film, resultan largas y hasta embarulladas, pues eso, que el resultado final es, como poco, desconcertante.

Todo ello a pesar de que cuenta con una buena banda sonora y con una fotografía que, a la postre, es lo mejor del film. Vilmos Zsigmond aporta unas preciosas composiciones con predominio de los claroscuros, parece como si lograra atrapar en alguna de ellas toda la melancolía de que está cargada la narración.

Me gustaron mucho las escenas de los bailes, tanto el vals que bailan los universitarios (quizá resulte un tanto larga la secuencia), como la danza sobre patines de los inmigrantes; en ambos, Cimino se luce con el movimiento de cámara.

Y otra escena que merece la pena, está al principio del film, cuando nos presenta al personaje que interpreta Christopher Walken, su sombra se proyecta amenazadora detrás de una sábana tendida antes de disparar a quemarropa contra un emigrante, y luego su imagen alejándose de allí, con la cámara encuadrándole a través del agujero que ha abierto en esa misma sábana de un escopetazo.