ANDREI RUBLEV

Andréi Rubliov (Anatoliy Solonitsyn) fue uno de los más grandes pintores rusos de la época medieval, su pintura supuso una innovación en el clásico estilo de los tradicionales iconos del arte sacro ruso.

La película narra su viaje desde el monasterio en el que trabaja a las órdenes de quien fue su maestro, Teophanes el Griego (Nikolay Sergeev), hasta la ciudad a donde ha sido llamado por las autoridades para decorar la iglesia que se acaba de construír en el monasterio de la Trinidad y San Sergio, allí pintará su más célebre obra, el famosísimo icono de "La Trinidad".

En su viaje, Andrei asistirá a una serie de acontecimientos que retratan la vida de la Rusia de la época, lo hará como una especie de personaje que está dentro de la escena, pero que, a su vez es espectador de la misma. Un viaje que se convierte en una muestra de la maduración artística del pintor y de la evolución sentimental de la persona.

La película está estructurada en episodios, son siete: ‘Bufón’, ‘Teófanes, el griego’, ‘Celebración’, ‘Día del Juicio’, ‘Atraco’, ‘Silencio’ y ‘La campana’, más otros dos a modo de prólogo y epílogo. Prácticamente todos funcionan como historias independientes, por más que los personajes se repitan en la mayoría de ellos.

Se centra en un determinado periodo histórico, la época entre el final del siglo XIV y el principio del XV, a pesar de que el realizador y coguionista, Andrei Tarkovsky, manifestó en más de una ocasión que no pretendía hacer una película histórica, ni siquiera biográfica, es innegable la calidad de la puesta en escena, pocas veces uno se siente literalmente transportado a una época pretérita como a lo largo de este film, con unos exteriores impresionantes y unos interiores muy cuidados, fotografiados con maestría por Vadim Yusov.

A pesar de todas las dificultades que tuvo, muy típicas del régimen soviético, que hicieron que la película tardara en estrenarse nada menos que cinco años, que fuera mutilada y exhibida sin permiso del autor, que deseaba ver la versión íntegra, yo creo que Tarkovsky no pretende hacer una crítica del momento contemporáneo al film, es decir, no pretende hacer una extrapolación sobre las barbaries que vemos y las penalidades que pudieran sufrir sus coetáneos, él quiere hacer una obra de arte, igual que el pintor, el escultor o el fotógrafo.

Todo en el film discurre con calma, no digo con lentitud, digo pausadamente, porque el ritmo va fluyendo, pero al autor no le importa detenerse el tiempo que haga falta para que veamos caer la lluvia, retozar los caballos, asistir a los sublimes diálogos entre Teophanes y Andrei o sumergirnos en las largas escenas de la batalla contra los tártaros.

Tarkovsky concibe el cine como expresión artística, lejos de los dictados comerciales, es otra manera de sentir el cine que quizá no se entienda bien en ciertos sectores donde el éxito de taquilla prima. Quiere disfrutar con lo que hace y si logra que el público lo haga también, pues mejor, pero creo que no se mueve por esos intereses.

Película difícil por lo que tiene de diferente, con muchas escenas sublimes y una factura técnica de elevado nivel.

No es de esos filmes hechos para cualquier paladar, hay que ir preparado, una película no es como un cuadro que miras y si no te dice nada, te das la vuelta, estamos hablando de un producto en cuya contemplación invertimos tres horas.

Creo que quien esté interesado en verla, debe hacerlo pensando que va a ver una obra de arte, hacerlo con espíritu crítico, sin dejarse llevar por opiniones de intelectuales que, en alguna ocasión, incluso pueden inventarse lo que el autor ha querido expresar; disfrutar con las escenas en las que la cámara se deja llevar filmando el discurrir del agua, los paisajes, los rostros de los personajes, la crueldad... Y después sacar cada uno sus propias conclusiones, o no sacar ninguna y saber que hemos visto algo que se sale de los parámetros habituales. Y si, a pesar de todo, no gusta, o no entendemos nada de lo que estamos viendo, pues nada, no por eso uno es menos sensible o menos inteligente que otros.

LA COPA DORADA

Americo, es un principe italiano, perteneciente a una antigua y noble casa, pero sin fortuna; Charlotte, una joven bella y culta, pero también sin dinero, ambos son amantes, aunque saben que nunca podrán cumplir el sueño de unir sus destinos por su falta de medios económicos.

A través de su amiga Fanny Assingham, Maggie, hija de Adam Verver, un millonario americano, conoce al príncipe y se enamora. Americo no deja escapar la ocasión y acepta contraer matrimonio con la rica heredera.

El día antes de la boda, aparece en Londres Charlotte, que es amiga de Maggie, aunque ésta desconoce la antigua relación de su amiga con el que va a ser su marido. Charlotte convence a Americo para que la acompañe de compras, con la disculpa de que quiere regalarle algo a Maggie. En la tienda de un anticuario contemplan una copa dorada de gran belleza, pero que tiene un defecto, por lo que al final no la compran.

Con el paso del tiempo, el padre de Maggie, se enamora de Charlotte y se casa con ella, por supuesto la situación da pie a que los antiguos amantes reinicien su relación en este nuevo marco de opulencia.

Sin embargo, Maggie resultará ser una persona más despierta e inteligente de lo que los antiguos amantes sospechaban.

LA HISTORIA MAS GRANDE JAMÁS CONTADA

En el pueblecito de Belén, nace un niño al que sus padres impondrán el nombre de Jesús.

Unos magos llegan desde lejanas tierras de oriente en busca de la criatura, hasta allí les ha llevado una estrella. Antes de llegar a Belén, los magos hacen un alto en la corte del Rey Herodes (Claude Rains), quien se interesa por la profecía que anuncia que un niño nacerá en Belén y llegará a ser el más grande de todos los reyes, anuncio que interpreta al pie de la letra y pide a los magos que a su regreso le informen de lo que encuentren, no obstante, éstos harán el camino de regreso por otro lugar. Herodes, en prevención de que la profecía llegue a cumplirse, ordena la muerte de todos los menores nacidos en Belén.

La familia de Jesús escapa a Egipto a tiempo de evitar la muerte del pequeño.

 

La historia de Jesús de Nazaret (Max von Sydow) que narra el Nuevo Testamento, es de sobra conocida, al menos en el mundo occidental en el que vivimos, ese es el tema elegido por los autores del film con la pretensión de hacer la magna obra que nunca se había hecho. Se ve que pusieron empeño en ello, cuidando detalles y sin escatimar medios, pero no logran su objetivo ni de lejos, al final nos quedamos con una película que carece de fuerza narrativa por momentos y si la tiene es porque los pasajes de la vida de Jesús la tienen por sí mismos, muchas de las frases y situaciones que contienen las Sagradas Escrituras, son imperecederos y creencias aparte, nadie puede negar que el mensaje de Jesús es universal y de una fuerza arrolladora.

Plagada de nombres famosos, sin embargo la peli no engaña en ese aspecto y quizá este hecho se convierte en un handicap, muchos de ellos tienen una presencia menos que testimonial, con un John Wayne, por ejemplo, que aparece casi al fondo del plano, difuminado el rostro bajo un casco de centurión romano, con una sóla frase, aquella famosa de "En verdad este era el Hijo de Dios" y así la mayoría de ellos, de forma que se convierte en una especie de divertimento para el aficionado ir reconociendo en los actores que van apareciendo a lo largo del film, los nombres que hemos visto anunciados en el cartel.

Me pareció acertada la elección de Von Sydow para el papel de Jesús, su rostro inquietante le va bien al papel. A destacar la actuación de Charlton Heston, como Juan Bautista, personaje al que logra transmitir la fuerza suficiente para llenar la pantalla durante los primeros minutos del film.

La música de Alfred Newman, adecuada, sin ser nada del otro mundo y en los pasajes en los que se hace más sublime es porque suena el "Aleluya" de Händel.

Magníficas las imágenes de paisajes, muy bonitas y muy cuidada ambientación, con unos decorados majestuosos, sobre todo la recreación de Jerusalem y unas escenas de masas muy bien planificadas.

La película se queda en buenos deseos y una impecable factura técnica, pero es una ocasión perdida para transmitir toda la fuerza de la vida del personaje central. Los pasajes de la existencia terrena de Cristo, en algunos momentos son una concatenación de planos en los que se trata de meter tanto que aquello resulta atropellado, al igual que algunas de las frases que transcribe del Nuevo Testamento, que son hiladas de tal manera que la impresión es que se trata de que las digan como sea, pero que se digan, perdiendo buena parte de la fuerza que tienen.

Una curiosidad que no puedo sustraerme de dejar aquí, Telly Savalas, que representa el papel de Poncio Pilatos, se afeitó la cabeza para su actuación, bueno, lo que le quedaba de pelo, porque ya estaba bastante calvo, el caso es que con ese look recién adquirido, fue con el que se quedó en adelante.

 

ROCHESTER (INGLATERRA)

Esta primavera tuve la oportunidad de darme un garbeillo, entre otros lugares, de alguno de los cuales ya he hablado en este blog, por Rochester, otra de esas ciudades donde cada piedra tiene su trocito de historia.

Como todos estos enclaves cercanos al paso de Calais, fue lugar a defender ante las ofensivas de los pueblos del continente. En realidad, ya en época romana existió una fortificación, para proteger un importante punto de cruce del río Medway y la Watling Street, una vía romana, donde construyeron un puente.

En ese mismo punto es donde se alza en la actualidad lo que resta del imponente castillo, cuya torre del homenaje del siglo XII, pasa por ser una de las mejor conservadas de todo el Reino Unido. A lo largo de la historia sufrió numerosos asedios, alguno de ellos muy famoso y tenía fama de ser inexpugnable, de hecho, si en alguno sucumbieron sus defensores fue a causa del hambre y las enfermedades, pero no a que sus muros fueran franqueados.

 

Otra de las joyas de la ciudad es su coqueta catedral de estilo normando.

El obispado de Rochester es el segundo más antiguo de Inglaterra, sólo el de Canterbury es más antiguo.

El edificio actual ha pasado por importantes restauraciones y lo que vemos en la actualidad es una copia bastante razonable de lo que debió ser el templo en el siglo XI.

 

Rochester está muy unida al recuerdo de Charles Dickens. El autor vivió en la zona una época de su infancia y regresó en los últimos años de su vida.

Algunos de los lugares que podemos ver aún en la actualidad, son reconocibles en alguna de las novelas del gran literato.

Aparte del museo que alberga muchas curiosidades relacionadas con él, una de las cosas más llamativas es el chalecito suizo que regaló a Dickens el actor francés Charles Fetcher, y que el novelista hizo levantar en la parte posterior de su casa en Gad's Hill. El lugar le sirvió de taller de escritura y refugio: allí trabajó en la redacción de El misterio de Edwin Drood, su novela póstuma. Después de su muerte, el chalet tuvo destinos variados y hasta fue una atracción turística en Londres, hasta que volvió a Rochester como parte del museo de Eastgate House.

Todos los años se celebra en la ciudad, en fechas variables, entre finales de mayo y principios de junio, el Dickens Festival. La edición de este año me la perdí por unos pocos días, pero ya la ciudad respiraba el ambiente propio, se podían ver por la calle personas disfrazadas de época, pero nada que ver con el momento álgido del festival en el que te cruzas por la calle con La Pequeña Dorrit, David Copperfield, el pícaro Fagin, el pequeño Oliver Twist o cualquiera del los personajes del universo de Dickens.

 

Si lo ya expuesto no fuera motivo más que sobrado para visitar Rochester, aún queda la posibilidad, simple y llana, de pasear por sus calles y dejarse empapar por el encanto que tienen estas ciudades del Condado de Kent ("El jardín de Inglaterra", no lo olvidemos). Calles y edificios de lo más evocadores, y sus amplios y verdes espacios de recreo y asueto, o las maravillosas vistas sobre el río Medway y, por más que la cocina inglesa no sea comparable a la de otros lugares más afamados, no se come nada mal en algunos de los pubs que salpican sus calles, si lo riega uno con una buena pinta y con el encanto del ambiente, pues está muy rico, la verdad.

 

 

 

EL SEÑOR DE LA GUERRA

La acción se desarrolla en la Edad Media, cuando un caballero llamado Chrysagon de la Cruz (Charlton Heston) llega a tomar posesión de sus nuevas propiedades en la Normandía francesa, acompañado de su hermano Draco (Guy Stockwell), de su fiel servidor Bors (Richard Boone) y de un reducido grupo de guerreros. El duque William de Ghent, le ha enviado allí para que proteja aquellos territorios y a las gentes que los habitan, de los ataques de los frisios, que al mando de su jefe Odins (Niall MacGinnis), saquean periódicamente aquellas costas.

Chrysagon y su hermano han jurado odio eterno a los frisios, que en el pasado, apresaron a su padre y sólo le devolvieron a cambio de un rescate, para reunir el cual debieron deshacerse de todas sus propiedades, ésto unido a las penalidades del cautiverio, sumieron al padre en una profunda tristeza que acabó con su vida.

Poco después de llegar a sus nuevos territorios, Chrysagon se enamora de una porqueriza del pueblo, llamada Bronwyn (Rosemary Forsyth), una joven de belleza serena que está prometida con el hijo del jefe de la aldea.

El guión se basa en una obra de teatro de Leslie Stevens titulada "The Lovers" ("Los Amantes"), un título que aclararía bastante, a quienes vean el film, porqué estamos viendo lo que vemos y no una simple historia de peleas, mandobles y combates guerreros.

Heston había protagonizado la obra teatral durante su representación en Broadway.

No es un film histórico por lo que cuenta, una historia que supongo inventó el autor del texto teatral, sino por el entorno en que se vive y por cómo nos lo traslada, quizá uno de los films que mejor muestran lo que fue el periodo histórico conocido como Edad Media, una época en la que los estratos sociales estaban clara e inexorablemente diferenciados y en la que las clases humildes debían sufrir durante toda su existencia el sometimiento al poderoso, al señor feudal que gobernaba el territorio que tenía poder de decisión sobre todos los aspectos de la existencia diaria de sus vasallos, incluídas que atañen a la vida o la muerte.

A todo este fiel reflejo de aquella dura y mísera realidad, no es ajena la excelente fotografía de Russell Metty. Destacable también la buena partitura musical de Jerome Moross, con momentos épicos, pero con otros, como el de la boda y la fiesta que la rodea, muy evocadores.

La película está bien interpretada, no voy a entretenerme en hablar de Heston, con ese rostro que parece que siempre tiene la misma expresión independientemente de la escena que interprete. Quiero hacer mención de la excelente actuación de Richard Boone, en su papel de leal servidos, casi un perro fiel, entregado a la causa de su señor y a guardarle de todo peligro, una interpretación basada en miradas y silencios, enorme.

Por otro lado está una actriz casi desconocida, la canadiense Rosemary Forsyth, como la bella aldeana que cautiva el corazón del protagonista, de belleza serena, lleva a cabo una actuación contenida que va in crescendo a medida que va sintiéndose dueña de la voluntad de su señor.

En el film hay dos historias de amor, una más que evidente, hombre y mujer, aldeana y guerrero, bella y dulce ella, rudo y curtido el otro, una historia de amor apasionada sin una palabra ni un gesto de más.

Por otro lado, la relación entre el señor y su servidor, Heston y Boone, lealtad y amor del vasallo hacia su jefe.

Hay un momento en que Bors cauteriza una herida a Chrysagón mientras Bronwyn intenta sujetarle por los brazos, hasta que sus rostros quedan casi unidos: Una antológica escena de amor sin palabras que ni siquiera lo parece, en la que los tres están unidos a través de gestos y miradas, con Heston como centro del cariño que le profesan de manera distinta los otros dos personajes.

Mención aparte merecen las escenas de batallas, los sucesivos asaltos de los frisios a la torre en la que se refugian los cristianos, un verdadero desfile de ingenios de asalto de la época; las escenas están muy bien rodadas y magnificamente montadas.

La lastima del film es que el guión es bastante flojo y los diálogos, por momentos, resultan penosos.

La historia de envidia, incluso de odio entre los dos hermanos, creo que no está demasiado bien llevada.

Película un tanto desigual, con altibajos y una descripción realista de la Edad Media que muestra la brutalidad y crueldad de los códigos de comportamiento vigentes, la asfixiante opresión física y moral imperante y el alcance inhumano del poder feudal.

Y esa historia de amor muy bien tratada, con ese momento del encuentro entre ambos futuros amantes, con ella surguiendo de la aguas y Chrysagon embelesado ante la belleza que se ofrece a su contemplación.

LA BESTIA EN LA JUNGLA

¿Qué esperamos de la vida? ¿Nos creemos predestinados para ser testigos o protagonistas de algo que se sale de lo común?

James plantea preguntas, situaciones e incluso da alguna respuesta en este relato que no resulta demasiado fácil de leer, pues el simbolismo de los personajes hace que nos podamos perder un poco en su lectura.

John Marcher encuentra, tras años sin verla, a una antigua conocida, May Bartram, a la que, según ella recuerda, hizo una confidencia en el pasado que él ha olvidado. Marcher decide sincerarse con la mujer y darle a conocer algunos de sus pensamientos e inquietudes, pues el cree que algo raro y extraordinario, acaso prodigioso y terrible, le está reservado. No se trata de algo que deba hacer, o conseguir en el mundo, sino algo que debe esperar, en una paciente vigilia, hasta verlo irrumpir de pronto en su vida, quizá para aniquilarla, debe estar al acecho, como la bestia en la jungla. Ella le dice: "Vigilaré con usted" y efectivamente, desde entonces menudean sus encuentros en una ambigua relación típica de los relatos de Henry James.

¿Y si lo que él espera ya hubiera ocurrido sin que se haya dado cuenta?