EL MILAGRO DE ANNA SULLIVAN

Hellen Keller (Patty Duke), un bebé de apenas 19 meses, sufre lo que los médicos de entonces llamaban fiebre del cerebro o congestión cerebral (posiblemente escarlatina o meningitis) y aunque, contra todo pronóstico, logra sobrevivir, su madre pronto se da cuenta de que la niña no responde a estímulos exteriores, ni oye, ni ve.

A causa de su discapacidad, la pequeña crece aislada del mundo que la rodea, sumida en su propio universo interior y bajo la sobreprotección de su familia que, no estando preparada para otorgarle una educación que la ayude a superar sus limitaciones, lo centra todo en darle cuantos caprichos se le antojan, víctimas ellos mismos de la lástima que les produce.

Sin embargo, jamás renuncian a la posibilidad de solucionar el problema de Hellen y fruto de sus gestiones es la llegada al domicilio familiar de Anna Sullivan (Anne Bancroft), una joven con un duro pasado que acaba de concluír sus estudios como maestra y que se dedicará en cuerpo y alma a trabajar con Hellen, consiguiendo dotarle de la disciplina que faltaba en su vida, primer paso para conseguir que Hellen pueda comprender y comunicarse con el mundo que la rodea.

Pocos comentarios pueden hacerse a este film, salvo la ferviente recomendación de que quienes no lo hayan visto se tomen un tiempo para hacerlo, porque este sí que es de esos films que no se olvidan.

Si es cierto que la realidad supera la ficción y que, en ocasiones, hechos o circunstancias de la vida son el mejor guión para una película, lo difícil es plasmarlo después en el celuloide y no estropear la historia.

En esta ocasión, Arthur Penn, tomando como base el guión de William Gibson, que adapta su propia obra teatral, consigue uno de esos productos redondos en los que la perfección asoma por cada ángulo.

El peligro de caer en el sentimentalismo barato es evidente, sin embargo, Penn sortea con éxito esta tentación dotando al film de un realismo casi documental.

Magníficamente interpretada por todos y cada uno de los integrantes del reparto, con una Anne Bancroft en el papel de Anna, sublime y una difícil, extenuante y lograda interpretación de Patty Duke como Hellen, que les valió a ambas llevarse el Oscar a las mejores interpretaciones principal y secundaria respectivamente.

El acompañamiento musical de Laurence Rosenthal me ha resultado especialmente llamativo, muy logrado y una espléndida fotografía en blanco y negro del cubano Ernesto Caparros, de gran calidad, desde las imágenes que acompañan a los títulos de crédito, con la sobra de Hellen aproximándose a la barandilla de la escalera, hasta los efectos visuales que distorsionan la imagen volviéndola borrosa para mostrarnos los recuerdos de Anna Sullivan y su triste y duro pasado en el orfelinato en el que se criaron su hermano y ella.

Película brillante y, además, entretenida, de esas que te atrapan y con algunas secuencias que merecen figurar entre las mejores del cine, como la del comedor, en la que Anna se encierra con Hellen para tratar de enseñarle a comportarse en la mesa, rodada con tres cámaras durante más de cinco días; y una secuencia final bellísima que transmite la esperanza y la ilusión con la que Hellen y quienes la rodean van a afrontar el futuro gracias a los frutos de la constancia y el trabajo de Anna Sullivan.

EL BANCO DE LA DESOLACIÓN

Entre octubre de 1909 y enero de 1910, James publicó en Putnam's Magazine la que sería su última novela corta: The Bench of Desolation (El banco de la desolación).

Muertos la esposa y los hijos de Herbert Dodd, habiendo naufragado su pequeña librería de un balneario de la costa sur, el hombre vuelve una y otra vez después de sus paseos por la playa, a un banco solitario donde se sienta a meditar. Allí lo reencuentra Kate Cookham, quien le cuenta la extraña historia de cómo reservó el dinero que él le diera.

El banco de la desolación es una tortuosa historia de amor que reincide en el tema de la vida dilapidada y las pasiones que habrían podido ser.

EL CID

Rodrigo Diaz de Vivar (Charlton Heston) caballero castellano, mantiene una escaramuza con los moros cuando se dirige a Burgos para contraer matrimonio con Jimena (Sofía Loren). D. Rodrigo decide perdonar la vida de su prisionero Al-Moutamin (Douglas Wilmer), lo que le enemista con el Conde Ordóñez (Raf Vallone), que deseaba llevarlo a presencia del rey para que fuera ajusticiado y acusa a Rodrigo de traición.

El padre de Jimena cancela la boda de su hija precisamente a raíz de esta acusación y, a su vez, ofende el honor del padre de Don Rodrigo. Cuando éste solicita una satisfacción, se produce un duelo en el que Rodrigo da muerte al padre de Jimena.

Para restituír su honor, Rodrigo se ofrece para participar, como alférez del rey, en el combate que va a decidir el futuro de Calahorra, plaza que se disputan Castilla y Aragón.

 

 

Que la película se salta a la torera el momento histórico en el que vivió el protagonista, es algo más que evidente y sobre todo para el público español, las licencias sobre los personajes y situaciones son constantes y aunque los nombres de personajes y lugares son reales en su mayoría, no se corresponden con los que aparecen en el film. Pero es que partimos de la base de que El Cid es un personaje que nace tanto de la leyenda como de la propia historia en sí y que, ya en su momento, los hechos históricos fueron acomodados en beneficio de la épica y la aureola de leyenda que envolvía al personaje.

 

 

El Cid es uno de los personajes más atractivos de la historia de España para el público del otro lado del Atlántico, y el controvertido productor Samuel Bronston consideró que sería un buen punto de partida para la nueva aventura que emprendía, que no era otra que comenzar a producir películas desde nuestro país, para lo cual montó unos grandiosos estudios en la capital de España de donde saldría unas cuantas superproducciones. Quizá esta película, junto con algunos momentos de "55 días en Pekín", fue lo mejor que salió de aquellos estudios.

 

Llevar al cine la historia del Cid no era algo nuevo, ya a principios de los 50, el realizador español Rafael Gil se había hecho con los oportunos derechos y estaba dando vueltas al proyecto con un guión de Vicente Escribá y en 1955 buscó localizaciones en Burgos, Santo Domingo de la Calzada y San Pedro de Cardeña.

Bronston le compró los derechos, descartó el guión de Escribá y le encargo uno nuevo a Philip Yordan. Del elenco que Gil tenía previsto, con Paco Rabal para el papel del Cid, no quedó nadie y se cuenta que el realizador, Anthony Mann, llegó a pensar en su esposa, Sara Montiel, para el papel de Doña Jimena.

Al final, se confecionó un cartel de relumbrón, con Charlton Heston, Sophia Loren, Raf Vallone o Geneviève Page entre otros.

 

Lo cierto es que la película es un producto más que digno, con unas buenas interpretaciones, sobre todo la de Heston, muy convincente en su papel; una no menos buena partitura que lleva la firma de un clásico como Miklós Rózsa y una cuidada puesta en escena, con algunas secuencias muy conseguidas como el duelo entre Rodrigo y el alférez del rey Ramiro de Aragón, uno de los mejores momentos del film, junto al asalto y posterior defensa de Valencia, en el que tropas cristianas y moras se enfrentan a los árabes africanos de Ben Yussuf (Herbert Lom), con el evocador combate final en el que la presencia del Cid, ya muerto y sujeto a su caballo Babieca, da la victoria a las tropas cristianas.

 

Un film entretenido, con una bonita historia de amor/odio entre Loren y Heston y que quizá rechine un tanto al público español, pues enseguida vemos que Peñíscola ha sido reconvertida en Valencia o que el cerco de Zamora se rueda en un lugar que nada tiene que ver con la ciudad del romancero, además de ese cambio constante entre lo que sabemos por los libros de historia y lo que se nos cuenta en el film. Pero como digo siempre en estos casos, el cine es el cine y la película no desea contarnos la Historia, sino contarnos "una historia", algo que, a su modo, también hace el romancero, cuando convierte a quien en realidad fue un señor de la guerra que destacó por encima de otros debido a su habilidad como militar y estratega, en un héroe de leyenda que ha trascendido a los tiempos.

La película se estrenó en Londres el 5 de diciembre de 1961 y el 27 de ese mismo mes, con toda la pompa y la parafernalia del Régimen Franquista, se produjo su estreno en España, en el cine Capitol de Madrid.

 

No suelo incluír imágenes que no correspondan genuinamente al film, salvo que alguna de las que encuentro me parezca especialmente curiosa y esta que va a continuación es una de ellas, con Charlton Heston, el inolvidable Félix Rodríguez de la Fuente y D. Ramón Menéndez Pidal en un descanso del rodaje.

 

 

 

EL ÁRBOL DE LA CIENCIA

Peter Brench se cuida mucho de emitir juicio alguno sobre las esculturas de su amigo Morgan Mallow, un artista que se cree un gran creador y que no pasa de ser un mediocre productor de estatuas. Brench está secretamente enamorado de la Sra. Mallow, ella es el auténtico motivo de su pertinaz soltería. Brench es, además, padrino de Lancelot, el único y muy querido descendiente de los Mallow.

A medida que va creciendo, Lance siente vocación por los pinceles y expresa su deseo de irse a París para estudiar y estar en contacto con los mejores artistas, algo a lo que se opone su padrino, pues teme que, de este modo, Lance descubra la mediocridad del trabajo de su padre.

Una reflexión sobre la fatuidad del mundo artístico, en el que creadores sin demasiado talento se ven, en ocasiones, rodeados de críticos y amigos interesados que les ponen en un pedestal que no les corresponde.

LA HERENCIA DEL VIENTO

Bertram T. Cates (Dick York) es profesor en la escuela secundaria de una ciudad de Tennessee llamada Hillsboro. En una de sus clases de biología, explica a los alumnos la teoría evolucionista de Darwin, lo que provoca la reacción de las fuerzas más conservadoras de la localidad, con el reverendo Jeremiah Brown (Claude Akins) a la cabeza, que le acusan de ir en contra de la llamada Ley Butler (Butler Act) que prohibía la enseñanza en escuelas y universidades sostenidas, en todo o en parte, con fondos públicos, cualquier teoría que niegue la historia de la Creación Divina del hombre tal como se enseña en la Biblia , y enseñar, en cambio, que el hombre desciende de un orden inferior de animales.

El profesor es detenido por orden de la autoridad judicial y sometido a juicio.

El guión adapta la obra de teatro del mismo título ("Inherit the wind"), basada en hechos reales ocurridos en Dayton (Tennessee), donde tuvo lugar en 1925 el llamado juicio Scopes, también conocido como "Juicio del mono"

El planteamiento del film no puede ser más atractivo, el enfrentamiento entre evolucionistas y creacionistas y el retrato de la primera batalla legal entre ambos bandos en Estados Unidos, un enfrentamiento que, aunque parezca mentira, aún hoy en día sigue dando algunos coletazos.

Sin embargo, tras ese prometedor planteamiento, el asunto se diluye y Stanley Kramer nos entrega un producto con cierta carga de maniqueísmo y que sirve más para la discusión posterior que para sacar conclusiones por sí mismo.

Los hechos reales se cambian a gusto de los autores para presentar dos bandos enfrentados, unos firmes defensores de la libertad de pensamiento y cuya fe es la de la ciencia y otros intransigentes y retrógrados para quienes todo lo que se salga de la interpretación literal de la palabra revelada, está mal.

En realidad las cosas no sucedieron de una manera tan simple como nos las relata el film, pues el abogado de la acusación, Matthew Harrison Brady (Fredric March), se inspira en un político americano llamado William Jennings Bryan que, como se dice casi de pasada en la peli, había peleado intensamente por el voto femenino y no era un creyente intolerante como nos lo presenta el film, conocía las teorías evolutivas, pero sobretodo las teorías del Darwinismo social a las que se oponía fervientemente. El Darwinismo social desarrollado por Herbert Spencer (1820–1903) y Francis Galton (1822– 1909) afirma que las leyes sociales forman parte de las leyes naturales y que por lo tanto la lucha entre civilizaciones o grupos humanos es la fuente del progreso. Esta teoría nunca fue defendida por Darwin y es una puerta moral a todos los movimientos fascistas o imperialistas.

Lo mejor de la película, la excelente fotografía en blanco y negro y las actuaciones, sobre todo Spencer Tracy en su papel de abogado defensor, inmenso, como siempre y la curiosidad de ver a Gene Kelly fuera de sus habituales papeles en films musicales, interpretando a un periodista, un mundo éste, el de la prensa, que quizá sea el que peor parado sale del film.

Los diálogos son de gran nivel, con un sútil sentido del humor, muy inteligente y que descarga un tanto la tensión dramática de la historia y algunas secuencias muy buenas. Me llamó la atención una de ellas en la que se ve desfilando a un grupo de ciudadanos con antorchas, pancartas y una efigie colgada y ardiendo del acusado, con el símbolo de la justicia (la mujer con la balanza y los ojos vendados) en primer plano y de espaldas a ellos.

Un buen retrato de ciertos tics de la llamada Norteamérica profunda que, no olvidemos, es mayoría a pesar de la imagen que vemos normalmente en el cine que nos presenta las sociedades más progresistas de los grandes núcleos urbanos.

EL AMERICANO

Christopher Newman que se llama como Cristóbal Colón y es un "hombre nuevo" (Newman), es un acomodado americano cansado de ganar dinero que decide conocer Europa sin reparar en gastos, y que se ve inmiscuido en una historia de amor con una parisina que le descubre los entresijos más polvorientos de las esclavitudes sociales de la aristocracia.

A través de la esposa de un amigo, conoce a la misteriosa Madame de Cintré y el protagonista intentará vencer la oposición de la familia de la joven, para casarse con su enamorada.

A pesar de que se nota que es la novela de un autor novel, contiene, junto a las imperfecciones del principiante, muchas de las virtudes que le valieron a Henry James su reconocimiento internacional. Muchos de los episodios que aquí se narran pertenecen a la personal experiencia del escritor, que llegó a Inglaterra proveniente de una enriquecida familia neoyorquina y, por otra parte, hace gala de una prodigiosa capacidad de indagar conciencias y una maestría para el diálogo que consigue que sus novelas se lean todavía hoy con deleite, a pesar de que haya envejecido parte de su temática.

 

 

 

ÉXODO

El barco Estrella de David, llega a las costas de Chipre donde sus 600 pasajeros son conducidos por las autoridades británicas a un campo de refugiados en el que se unirán a cientos de hermanos de raza que esperan poder continúar viaje a Palestina. Los británicos tienen allí bloqueados a los judíos, pues no desean que lleguen a su destino para evitar conflictos con la población árabe.

El comandante de la organización sionista Hagana, Ari Ben Canaan (Paul Newman) llega clandestinamente a Chipre con la misión de embarcar a los del Estrella de David en un destartalado barco mercante que será rebautizado como Exodus. Quiere conseguir que lleguen a Palestina y de este modo acaparar la atención de la prensa internacional sobre la situación de los judíos a los que se impide arribar a lo que ellos consideran su patria. Además, esperan presionar a los diversos paises que, en breve, van a votar en la ONU una resolución sobre la partición del territorio palestino entre árabes y judíos.

 

El guión está basado en un best seller del escritor León Uris que había trabajado como corresponsal de prensa durante el conflicto del Golfo en 1956.

Tanto la novela como el posterior guión presentan notables cambios de lo que fue la realidad en la que se basan. Uris se inspira en el viaje por aguas del Mediterráneo del barco Exodus que, en realidad, transportaba más de 4.000 judíos y que nunca consiguió llegar a lo que hoy es territorio israelí. Por su parte, el guión de la película, suaviza bastante la historia que plantea la novela que, para muchos, no es sino un panfleto pro sionista.

 

Si ya he comentado en alguna ocasión que hay films que son historia más que por lo que cuentan, por cómo lo cuentan, este creo que es uno de ellos. Quizá a quienes no conozcan con detalle la gestación de lo que llegó a ser Israel, se les escapen muchas de las claves que convierten a esta película en un documento de lo que fueron esas claves, de cómo se fue desarrollando todo aquello y de lo que estaba ocurriendo en el momento en que la novela fue escrita y el posterior rodaje de la película.

A las generaciones más jóvenes les puede resultar increíble que en aquellos lejanos años 40 y 50, ser pro israelí era un signo de progresía para muchas élites intelectuales, algunas son las mismas que ahora se dejan ver con la kufiyya palestina. Pero así fue, pues occidente en general aún estaba saliendo de la Segunda Gran Guerra y de las secuelas de ésta, la menor de las cuáles no era precisamente el Holocausto, así que no es de extrañar que este pueblo que había sido tratado de manera tan cruel, despertara simpatías por doquier. Simpatías que estaban comenzando a ser cuestionadas porque la tortilla comenzaba a darse la vuelta en los terriorios palestinos, donde los antiguos torturados estaban aplicando métodos nada edificantes.

Ese fue el momento en el que la novela de León Uris vio la luz (1958) y la posterior película llegó a las pantallas (1960), en lo que algunos interpretaron como un esfuerzo de propaganda para mejorar la imagen judía en el resto del mundo, apelando al sufrimiento que este pueblo había soportado durante siglos. Hay una frase puesta en boca de uno de los activistas del Irgun que resume bastante bien el espíritu del film: Después de lo que hemos sufrido, ya es hora de que les toque sufrir a otros.

 

En la película se ven algunas de las cosas que ocurrían en Palestina en aquellos finales de los 40, principios de los 50; está bastante bien retratada la vida en los kibbutzs, así como las actividades terroristas del Irgun que culminaron en el atentado del Hotel Rey David, que también se refleja en la película, con decenas de muertos y que supuso la salida de los británicos de territorio palestino.

Otras muchas de las cosas que se nos cuentan están acomodadas a los intereses sionistas y por algunas se pasa como de puntillas, pero para el lector (en el caso de la novela) y, sobre todo para el espectador (en el de la peli) avezado, se intuyen muchas de las claves de este conflicto que aún arrastramos y (por lo que se ve y ojalá me equivoque) vamos a estar sufriendo durante mucho tiempo.

 

La película, obviando el asunto político-ideológico, es de una buena factura técnica y con interpretaciones bastante apreciables, pero sobre todo es un gran thriller que se hace emocionante por momentos y prueba es que su larga duración no hace demasiada mella en el espectador.

Interesante la introducción de la historia de amor entre Newman y la enfermera americana interpretada por Eva Marie Saint, que sirve para exponer el punto de vista norteamericano sobre la situación que fue pasando desde la incomprensión, incluso la oposición a los judíos a contemplar con simpatía y comprensión la lucha sionista que, en algunos pasajes, se equipara a la lucha por la independencia norteamericana de manera subliminal.

El guión fue encargado a Dalton Trumbo que, al contrario de lo que había sucedido en otros films en los que participó bajo seudónimo, aquí firmó con su nombre, algo que llevó a Kirk Douglas a hacer público que también estaba escribiendo el guión de Espartaco. Trumbo estaba entre los represaliados del macartismo y esta revelación supuso el principio del fin de la lista negra.

Además de algunas buenas escenas, a mí lo que más me gusta de la película es la excelente partitura de Ernest Gold y los sensacionales títulos de crédito de todo un clásico, Saúl Bass.

Vista hoy día, a muchos les puede parecer desfasada, pero traten de analizar muchos de sus diálogos y escenas que pretenden justificar las acciones de la llamada lucha armada (léase terrorismo) y que hoy, con el paso de los años y la perspectiva que nos da la Historia, pueden volverse por pasiva y son perfectamente intercambiables con los pensamientos que pueden tener los activistas (terroristas) palestinos.