LA GRAN ILUSIÓN

Durante la Primera Guerra Mundial, un avión francés sale en vuelo de reconocimiento con el capitán De Boeldieu (Pierre Fresnay) y el teniente Maréchal (Jean Gabin) a bordo. El aparato es derribado sobre suelo alemán por un avión de combate germano.

Tras pasar por la enfermería, para curar el brazo herido de De Boldieu, su captor, el capitán alemán Von Rauffenstein (Erich von Stroheim), siguiendo antiguas costumbres que enlazan con las leyes de la caballería medieval, les agasaja con una comida.

Más tarde son conducidos al campo de prisioneros de Hallback, donde compartirán cautiverio con oficiales ingleses y rusos. Más adelante serán conducidos a una nueva prisión, el castillo de Winsterborn, a cuyo mando está el capitán Von Rauffenstein, su viejo conocido.

Película emblemática en la filmografía de Jean Renoir, para algunos su mejor film. Una obra que lograría el Premio Especial del Festival de Venecia y tendría el honor de ser el primer film de habla no inglesa nominado como mejor película en los Oscar.

Si no fue el primero, no le faltaría mucho para ser el primer film de ese subgénero que se desarrolla en campos de prisioneros y que tiene componentes del noir en mayor o menor medida, dependiendo del hincapié que se haga en los aspectos referentes a la fuga.

La militancia declarada de Renoir en la izquierda francesa del momento ha sido vista por muchos como decisiva en el argumento y las formas del film. Creo que hay parte de razón en ello, pues en aquella época, lo de la paz y fraternidad, sobre todo entre cierta intelectualidad, estaba en boga, de hecho pensaban (más bien tenían la esperanza) de que la I Guerra Mundial, sería el último gran conflicto de la humanidad y, mira por dónde, al poco de estrenarse el film se volvió a liar parda. Pero si lo pensamos bien, directrices del partido de turno aparte, es lógico que la ideología de uno influya en sus films. En otros aspectos menos militantes y más estéticos, también se nota la forma de ser y hacer de Renoir; por ejemplo, no se ve ni una sólo escena de combate y conociendo el espíritu humanista del realizador francés, es difícil imaginarle concibiendo escenas de tiroteos y sangre.

En alguno de los pasajes está más clara la intencionalidad política, como el diálogo entre los dos fugados en el que comentan que el paisaje no entiende de fronteras, estas las ponen los hombres.

La película está estructurada en dos partes, en la primera, conocemos a los personajes, los prisioneros de guerra; nos habla de las relaciones entre ellos y con sus vigilantes, su vida en el campo, donde son tratados con respeto.

La segunda, a partir de la aparición del personaje de Von Stroheim como comandante del campo, se centra más en la fuga y en los mundo que representan los dos fugados y sus dicotomías, por un lado y, por otro, su estancia en la granja donde se refugian y la convivencia con Elsa (Dita Parlo) la granjera.

Esta segunda parte es más breve, pero bastante más intensa.

Me han parecido muy interesantes algunos de los discursos que incluye el film, diálogos y pensamientos de gran nivel y plasmados de manera inteligente. Por ejemplo, el retrato que hace de los distintos grupos de prisioneros, cuando uno de los personajes comenta: -Los franceses comen sopa de nabos, pero tienen comida que les mandan de casa; los rusos, sopa de raices de nabos y no les mandan comida de casa.

-¿Y los ingleses, qué comen los ingleses?

-Puding de ciruela.

O cuando Elsa, la granjera, les dice, viendo una foto de su marido: Murió en Verdún... y sus hermanos en Lieja, Charleroi y Tannenberg, nuestras mayores victorias.

Por cierto, ese toque de recelo ancestral entre ingleses y franceses, se refleja sutilmente, cuando vemos que van a trasladar a los prisioneros de un campo a otro y les dicen que recojan sus equipajes, se pueden imaginar qué tipo de equipaje transportan, básicamente alguna ropa y pequeños objetos, sin embargo, alguno de los oficiales ingleses tiene entre sus pertenencias la raqueta de tenis.

Muy bien planteado también ese especial código de honor de la nobleza, esa guerra entre caballeros, un mundo que se acaba, sus representantes están aquí demodés, sabiendo que son los últimos de una época que no volverá.

Renoir nos demuestra cómo con un argumento de lo más sencillo puede hacer toda una proclama antibélica y opta por darle un tono optimista, no hay malos en el film, ni siquiera los carceleros, aunque bien es cierto que algunas de las situaciones que presenta son poco creíbles.

La maldad es la guerra en sí misma y los personajes son víctimas de una situación sobrevenida.

La película tiene algunos pasajes realmente grandiosos, con composiciones muy trabajadas y especial cuidado en los detalles.

Estuvo prohibida en Alemania, Bélgica e Italia (a pesar de haber ganado el premio en Venecia), pero incluso en la misma Francia del Frente Popular, 18 minutos de metraje fueron censurados.

A destacar la magnífica interpretación de Erich von Stroheim, en un personaje que fue modificado sobre la marcha al conseguir su participación en el rodaje, con el fin de darle mayor relevancia, algo que se demostró todo un acierto.

LA CONDENA

Georg Bendemann comunica a su padre que va a casarse, lo hace, en parte por deferencia hacia él, anciano y débil. El padre reacciona de una manera airada, acusa a su hijo de falsario, pone en duda la honestidad de su prometida, le menosprecia, asegurando que le traiciona y le va a dejar morir sólo y desamparado.

Ante estas invectivas, el hijo se arredra y no es capaz de replicar a su padre que, por último, lanza una terrible condena sobre su hijo: "Morirás ahogado"

Para algunos estudiosos de la obra del autor checo, esta es la obra que inclina a Kafka, de forma convencida, a la escritura, ya que como él mismo confiesa, se siente satisfecho de ella, algo que le sucede por vez primera con alguno de los relatos que ha escrito.

La Condena es un relato donde se reconocen algunas de las constantes que dominan la obra de Kafka. La incomprensión y el egoísmo del anciano, que desea tener al hijo atrapado y a su disposición, trasladan a éste un sentimiento de culpa que acaba fatalmente.

REMBRANDT

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (Charles Laughton), está en la cima de su éxito, reconocido socialmente y disfrutando de una vida desahogada, en parte gracias a su matrimonio con la acomodada Saskia van Uylenburg, con la que ha disfrutado de una convivencia plena de amor cuyo fruto es un hijo: Titus (John Bryning).

Saskia muere y el pintor queda sumido en una terrible desolación que influye de manera decisiva en su arte, muchos clientes quedan insastifechos con los encargos que le hacen, pues sus creaciones se han tornado más oscuras y no se recata en disimular los defectos de las figuras humanas que retrata.

A partir de ese momento, su vida entra en un continuo declive, pierde el favor del público y se mete en deudas que provocarán la enajenación de todos sus bienes. Sin embargo, el apoyo de su nueva mujer (con la que no llega a casarse) Hendrickje Stoffels (Elsa Lanchester) y de su hijo Titus, serán los apoyos que necesita en esos instantes.

Dos monstruos, uno a cada lado de la cámara, Alexander Korda y Charles Laughton, nos ofrecen una de esas producciones llenas de encanto y arte.

El realizador nos ofrece algunas escenas de gran maestria, sobre todo las delicadas elipsis con las que nos cuenta la muerte o el paulatino olvido de Saskia por parte de su marido.

Laughton, por su lado, en otra lección de interpretación, se apropia del personaje y lo adapta a su forma de hacer, alguno de sus monólogos son pura maravilla.

El guión se basa en una historia de Carl Zuckmayer y se centra sobre todo en la persona y no en el artista. Es claro que ambas facetas en una figura del tamaño del pintor holandés van unidas indisolublemente, pero entiéndase lo que quiero decir, pues el film nos habla sobre todo de relaciones personales y de la forma de entender el arte, de sus reacciones como ser humano.

Buena ambientación, con unos espectaculares decorados y un vestuario muy cuidado, me llamó la atención especialmente, en este aspecto, una escena del final de la peli en el que un grupo de personas que va a celebrar algo a la taberna invita a Rembrandt sin saber de quién se trata y todos los personajes que aparecen en escena parecen sacados de un lienzo de la época, con las mujeres muy bonitas y vistiendo de manera elegantísima.

Aunque no acaba de ser una peli redonda, tiene momentos de gran inspiración, con un Charles Laughton soberbio y muy bien secundado.

Digna de ver y de disfrutar.

EL PROCESO

Josef K está esperando en su cama, la cocinera de la señora Grubach, su casera, que le llevaba todos los días a eso de las ocho de la mañana el desayuno a su habitación, no había aparecido. Era la primera vez que ocurría algo semejante. Poco después, extrañado y hambriento, tocó el timbre. Nada más hacerlo, se oyó cómo llamaban a la puerta y un hombre al que no había visto nunca entró en su habitación. Era uno de los policías que había llegado a la casa donde vive para arrestarle, sin darle ningún tipo de explicación.

Situaciones similares se repetirán a lo largo de la narración, puesto que el proceso contra el señor K es una laberíntica e inútil búsqueda de la justicia que siempre se verá estorbada por los recovecos de la burocracia.

Estado opresor, burocracia infinita, ciudadanos acorralados, convertidos en insectos, no saber de qué hay que defenderse, esclavitud asumida sin saber por qué, quizá por cansancio,... no hay nada que hacer, has sido señalado y el Estado manda.

En principio, el ciudadano, la víctima, se burla del tribunal fantasmal ante el que comparece y niega necesitar los servicios de un abogado, sin embargo, poco a poco comienza a aceptar el rol que le han asignado... a aceptar su condena.

¿No es un poco lo que estamos haciendo ahora los ciudadanos, aceptar esa estupidez de que "hemos vivido por encima de nuestras posibilidades... hemos pecado" y, por tanto, estamos aceptando nuestra culpabilidad, nuestra condena?

 

 

 

LA CARGA DE LA BRIGADA LIGERA

Un representante de la corona británica viaja en misión diplomática para entrevistarse con Surat Khan (C. Henry Gordon), emir de Suristán, en el noroeste de la India, en el siglo XIX, territorio británico. Le escolta un destacamento de caballería al mando del capitán Geoffrey Vickers (Errol Flynn) y van a comunicar al emir la retirada de la ayuda económica inglesa tras la muerte del padre del emir.

Surat Khan tomará represalias y, unos meses más adelante, ataca al destacamento inglés de Chukati, produciendo una masacre de la que no se libran mujeres y niños. En la memoria del capitán Vickers, superviviente de la masacre y de todo el regimiento, quedará esta matanza de la que juran vengarse.

La ocasión se plantea tiempo adelante, en tierras de Crimea, donde Surat Khan ha huido y se encuentra junto a las tropas rusas, a las que se enfrentan los ingleses y sus aliados.

La película tiene dos partes, los 100 primeros minutos los dedica a recrear la época de la dominación inglesa de la India y a contarnos una historia de amor entre dos hermanos (los Vickers) y la mujer de la que ambos están enamorados, Elsa Campbell (Olivia de Havilland); además nos cuenta las difíciles relaciones entre los británicos y sus vecinos del Suristán. Estos episodios son retratados como si de un relato de Kipling se tratara, con su épica imagen del imperialismo británico y su presencia en la India como lo más natural del mundo, con unos soldados que representan la civilización, el honor y la cortesía y unos nativos brutales y traicioneros.

El último cuarto de hora, nos traslada a Crimea, en pleno conflicto entre el Imperio Otomano y Rusia, en el que los aliados europeos, principalmente Francia e Inglaterra, se alinean, por razones de estrategia geopolítica, del lado turco. Allí tiene lugar un hecho bélico totalmente histórico, la carga de la Brigada Ligera, una metedura de pata debida a órdenes confusas y poco concretas que lanzaron a la muerte a 600 hombres en la llanura de Balaklava, una acción tan heroica como estúpida. Alfred lord Tennyson cantó esta gesta en un poema con el mismo título. El film se basa en esa composición que alcanzó gran fama. La película interpreta los hechos históricos muy, pero que muy libremente.

Dejando de lado las inexactitudes históricas, el film cojea mucho en la parte que podríamos llamar romántica, con una historia que no acaba de atraer al espectador y como si la hubieran metido allí para dar cancha a Olivia de Havilland, indudablemente toda una estrella en el momento y un gancho que los productores desean aprovechar junto al de Errol Flynn; como no pueden mandarla a la guerra, se inventan este folletín bastante inconsistente.

Sin embargo el film gana muchos enteros en la parte que llamaremos de acción, en buena medida porque es la más vistosa y dinámica y la que nos deja los momentos más vibrantes, culminando en la espectacular escena final, muy bien filmada y corolario de todo el discurso previo que nos ha ido preparando para este canto apoteósico al valor.

Aquí Michael Curtiz luce sus habilidades, en esta carga que dura 9 minutos y que nos estremece y nos absorve, eso sí, con algunos planos que vistos hoy nos mueven un poco al sonrojo, pero que en la época supongo que propiciaron algún aplauso, como el del jinete que recoge la bandera de manos del compañero caído, o las lanzas clavándose sucesivamente en el cuerpo inerte de Surat Khan.

Un film en el que el aliciente principal son las estrellas que lo protagonizan (¡qué bien le sienta el uniforme a Errol Flynn!) y que a pesar de alguna escena prometedora al comienzo (las sombras gigantescas proyectadas en la pared del palacio del emir), en general carece de algunas de las cualidades que tienen los grandes films de Curtiz.

El ritmo del film se rompe con las escenas que reunen a Flynn con su hermano o su prometida, a menudo sin ningún propósito narrativo, como no sea asistir a los momentos un tanto cómicos que protagonizan Sir Benjamin Warrenton (Nigel Bruce) y su singular esposa.

 La épica desatada por la escena de la carga, pero también por el asalto a Chukati, es lo que quedará en la memoria del espectador.

EL CASTILLO

Un hombre, al que en la novela se llama "K", ha sido contratado como agrimensor por las autoridades de una población a la que llega para incorporarse a su puesto. La aldea es gobernada desde el castillo, al que K tratará de llegar infructuosamente.

Publicada en 1922, para algunos es la obra más compleja de Kafka y en ella están presentes algunas de esas constantes que conforman el universo del autor checo y que han dado nombre propio a ese imaginario.

Se trata de una novela inconclusa plagada de simbolismo y consigue llenarnos de desasosiego ante una especie de callejones sin salida con los que se enfrenta el protagonista que insiste de manera casi irreflexiva en superar las dificultades para acceder al castillo ante las continuas trabas de los funcionarios y los consejos desfavorables de los vecinos de la aldea.

Además de esta inútil lucha contra la burocracia y la administración que salvaguarda al desconocido poder, se suceden las situaciones casi oníricas que hacen de su proyecto algo imposible.

LA KERMESSE HEROICA

La historia nos lleva hasta el siglo XVII, cuando un destacamento de tropas españolas anuncia su llegada al pueblecito de Bloon, en Flandes en una época en la que ambos territorios (España y Flandes) pertenecen a la misma corona. Sin embargo, los españoles son tropas de ocupación y, como tales, los flamencos les tienen por enemigos.

Los regidores municipales se echan a temblar, imaginando que los españoles van a cometer todo tipo de atrocidades y a dejar la población arrasada, por lo que adoptan una estrategia defensiva que consiste en que el burgomaestre fingirá estar muerto y el resto de la población masculina, desaparecerá de la vista, dejando a las mujeres solas ante el peligro, en la confianza de que los soldados se “conformen” con alguna que otra violación que asumen como mal menor.

Ante esta actitud cobarde, las mujeres toman el mando de las operaciones y deciden dar a los españoles una bienvenida por todo lo alto. Sus encantos y su inteligencia, serán las armas que utilicen para poner a los soldados a sus pies.

La película de 1935, fue en aquel momento la más cara del cine francés, no se escatimaron medios y ello se plasma en la impresionante ambientación, con la construcción (muy bien hecha) en decorados del pueblo donde se desarrolla la acción, el cuidado vestuario y la contratación de cientos de figurantes.

A pesar de que, entre otros, obtuvo el Grand Prix du Cinema y de la buena aceptación de público, tuvo numerosos problemas para su exhibición. En España, por ejemplo, se estrenó en 1936 y luego estuvo prohibida por la dictadura. La Alemania nazi, también la prohibió; incluso Francia, país de producción, la tuvo retirada de las carteleras durante un tiempo, algo que se explica, sobre todo en tiempos de la ocupación alemana, porque se pensó que incita a la colaboración con los invasores.

No estamos ante una película que se pueda llamar de cine histórico, en el prefacio del film así se reconoce explícitamente, cuando nos anuncia que los hechos que nos van a narrar no son históricos y que lo que se pretende es plasmar un relato heroíco-cómico.

Bajo la apariencia de una comedia, el film nos trae un alegato en toda regla a favor de la igualdad de sexos que cobra mayor relevancia por estar hecho en una época en que la autoridad y preeminencia del hombre no era objeto de discusión.

El realizador, nos acerca también a lo que debía ser la vida en una ciudad cualquiera de los Paises Bajos en aquellos tiempos, nada fáciles para ellos. Lo hace de una manera asombrosamente sencilla y para su forma visual se basa en las obras pictóricas de los grandes maestros flamencos, algo a lo que también hace alusión en la introducción del film.

Buenas interpretaciones, gran ambientación y destacable calidad técnica dan como resultado esta comedia muy divertida, uno de los pocos films donde se habla de los Tercios españoles, aunque el asunto bélico sea totalmente marginal. Y cuando digo que pocas películas tratan sobre los Tercios, es literal, se cuentan con los dedos de una mano y sobra alguno.