CAPRICHO IMPERIAL

Sofía Federica Augusta, una princesa alemana de menor rango, es educada por su familia para que un día llegue a ser una reina.

Ese momento llega cuando el rey Federico II de Prusia, siendo Sofía aún una adolescente, solicita a la familia que la entregue en matrimonio al zar de Rusia, Pedro I.

Tras el matrimonio, Sofía es bautizada y acogida en el seno de la Iglesia Ortodoxa rusa, tomando el nombre de Ekaterina Alekseyevna, la futura Catalina II, que llegaría a ser la mujer más poderosa de aquella Europa del siglo XVIII. 

Sin embargo, no todo fue un camino de rosas, la mente enferma de su marido, los manejos de la zarina Isabel, las dificultades con el idioma, las intrigas palaciegas, irán convirtiendo a Catalina en una mujer bien distinta de la niña inocente que era a su llegada.

El guión es una adaptación libre de los diarios de Catalina II, se rueda bajo la dirección de Josef von Sternberg para la Paramount y fue estrenada en 1934. 

Sobre todo en la primera mitad, el film está salpicado de situaciones con un toque humorístico que suavizan un tanto el melodrama que se desarrolla.

La película narra hechos históricos, pero no se atiene a ellos, Stemberg hace "su" película y no le importa demasiado atenerse a la historia al pie de la letra, ni a que haya cosas que resulten poco creíbles, sus prioridades son estilísticas y visuales.

La utilización de cuadros de texto es el recurso que utiliza para economizar en la narración, a la vez que subrayan el paso del tiempo.

Y ahí sí que estamos ante un film de primera categoría, para algunos la obra cumbre del director austriaco, estilizada y barroca, en la que pone claramente de manifiesto su formación expresionista.

Decorados audaces a base de figuras diabólicas que remarcan la impresión de agobio y opresión que debió sentir Catalina en el palacio imperial.

Es muy interesante cómo describe la evolución del personaje, la chiquilla soñadora que arribó a Moscú, se transforma en una mujer ambiciosa que utilizará todas sus armas de seducción para hacerse con el poder, pero también para defenderse de las agresiones y las amenazas que la acechan.

Escenas para recordar hay unas cuantas, yo me quedo con la boda de Catalina y Pedro, con la pantalla plagada de objetos y personajes, ni un sólo hueco en escena, que plasma muy bien ese barroquismo al que hacía mención y otra, el ascenso de húsares y cosacos a caballo por las escaleras de palacio, una secuencia larga, impactante y de gran dificultad técnica.

La colaboración entre Sternberg y Dietrich nos ha legado unas cuantas obras inolvidables y esta es una de ellas, uno de los films más atrevidos y rompedores del cine norteamericano de la época, con el añadido del magnetismo del rostro de Marlene Dietrich magistralmente fotografiado por Bert Glennon.

LAS GUERRAS DE LOS JUDÍOS

El libro narra el levantamiento de los judíos contra los romanos, en una larga guerra dirigida primero por Vespasiano y, más tarde, por el hijo de éste, Tito. Por cierto, al mando de la Legio X, que participó en aquellas campaña, estaba el legado español Trajano, padre del futuro emperador del mismo nombre.

Flavio Josefo, el autor, pertenecía a una noble familia judía y había vivido y estudiado con las tres grandes corrientes del judaísmo de la época, a saber: Saduceos, fariseos y esenios.

En el año 64, Josefo fue encargado de ir a Roma con la misión de solicitar la libertad de dos fariseos detenidos por la autoridad romana. Josefo obtuvo éxito en su misión: sus compatriotas fueron puestos en libertad y, por añadidura, recibió de la emperatriz Popea algunos regalos. Se cree que de esa estancia en Roma provino su sentimiento, si no de lealtad inmediata hacia los romanos, por lo menos la convicción de que el poder de Roma era invencible, y desafiarlo constituía una locura para los judíos.

A pesar de esta convicción pro-romana, cuando se produjo el levantamiento del año 66 de nuestra era, se puso al serivicio de los revoltosos y aceptó lo que consideraba su deber, por más que estaba convencido de que aquella empresa era una quimera y se puso al frente de la defensa de Galilea.

El lector encontrará en estas páginas cómo fue sitiado por Vespasiano en la fortaleza de Jotapata y las tretas con que se defendió. La rendición fue en condiciones poco gloriosas, reputada más bien como vergonzosa por los patriotas judíos, y la acogida que encontró inmediatamente ante el vencedor nos hace comprender cuál era su estado de ánimo y la influencia que había recibido de su estancia en Roma.

Durante el sitio de Jerusalén, actuó como una especie de mediador, intentando convencer a sus compatriotas de la conveniencia de rendirse para evitar males mayores, pero, como sabemos por la historia, ellos prefirieron resistir hasta que la ciudad fue arrasada y su templo destruído.

La obra de Josefo ha sido tachada de manera reiterada de poco objetiva y de contener algunos pasajes que, posiblemente, estén demasiado adornados por su imaginación. Sea como fuere, todos los historiadores, a lo largo de veinte siglos y a pesar de las críticas, han acudido al relato de Flavio Josefo como una valiosísima fuente de información.
La obra había sido escrita primitivamente en arameo y traducida luego al griego, texto en que ha llegado hasta nosotros y en ella Josefo, o sea José, hijo de Matatías, puntual historiador, narra los sucesos del final de su nación con un dramatismo impresionante.

LA VIDA PRIVADA DE ENRIQUE VIII

Se narra la historia del Rey de Inglaterra Henry VIII Tudor (Charles Laughton), centrada en los años que transcurren entre el último día de su segundo matrimonio y su sexto y último enlace, un periodo que discurre desde 1536 a 1543.

Ana Bolena (Merle Oberon), es condenada a morir decapitada, el rey la acusa de adulterio. Sea o no cierto, el caso es que el monarca se libra de ella y en el mismo instante en que rueda la cabeza de la reina, contrae nuevas nupcias con Jane Seymour (Wendy Barrie), una mujer calificada por su esposo de tonta que fallecerá al dar a luz al único heredero varón del monarca.

Aunque está decido a no volverse a casar, razones de estado le llevan a unirse a Ana de Cleves (Elsa Lanchester); el matrimonio nunca se consumó y ella no llegó a ser coronada reina, bien al contrario se las arregla para, a cambio de permitir la anulación, recibir numerosas mercedes. El rey casa de nuevo con Catalina Howard (Binnie Barnes), decapitada en la Torre de Londres a causa de su infidelidad con Thomas Culpeper (Robert Donat). La última esposa, la única que sobrevivió a este hombre con fama de Barba Azul, fue Catalina Parr (Everley Gregg).

El retrato del rey que nos presenta, es el de una persona glotona, lividinosa, caprichosa, algo inestable y, en algunos aspectos, ingenua. Sin embargo, el tono de comedia ligera, desdramatizando las situaciones más desagradables y crueles, nos hace llegar a sentir simpatía por este peculiar monarca. La película tiene un especial encanto, en parte por la magnífica dirección del húngaro Alexander Korda, pero también por un guión que contiene chispeantes diálogos y una magnífica fotografía.

Se beneficia, asimismo, de un trabajo actoral de gran nivel, encabezado por el incomparable Charles Laughton, que gracias a este papel se llevó el Oscar a la mejor interpretación masculina. Descomunal, como siempre, sólo por verle merecería la pena ver el film. Disculpad si en próximas reseñas me repito, porque tengo en cartera varias pelis en las que actúa este hombre, pero es que es impresionante. Él sí que llena la pantalla, en todos los sentidos.

Un film que se ha convertido en un clásico, no es una película histórica al uso, sino que prefiere adoptar ese aire de comedia al que hemos aludido, pero que sabe insertar con acierto momentos dramáticos.

Película elegante, que va cogiendo aire a medida que avanza y con ese toque de humor británico que la hace muy divertida.

VEINTE MARES Y APUNTES PARA UN ATARDECER

Librito de poemas del escritor jienense Fernando Roberto Ortega, según palabras del propio autor en la introducción de la obra, escrito a modo de homenaje a las composiciones de Neruda recogidas en “Veinte poemas de amor y una canción desesperada”.

El mar actúa como nexo de unión entre los distintos poemas, si bien en alguno de ellos no es sino una pura metáfora o una "disculpa" para adentrarnos en los sentimientos e inquietudes que el autor experimentaba en distintos momentos y lugares, porque la impresión que a mi me da es que fueron escritos en diferentes instantes y situaciones, conforme estas le sugerían lo que después ha plasmado sobre el papel.

Versos bellos, sugerentes y, en alguna ocasión, impregnados de un suave erotismo.

LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO

El 21 de febrero de 1431, Juana de Arco comparece ante el tribunal que la juzga por hereje y bruja.

El proceso había comenzado el 9 de enero del mismo año, si bien a las sesiones preliminares no asistió la acusada.

Había sido puesta en manos de la Inquisición tras su apresamiento por las tropas inglesas y los miembros del tribunal tratan de hacer caer en contradicciones a la joven a través de preguntas tramposas y del lenguaje rebuscado de las mismas, en busca de una respuesta que pueda interpretarse como prueba de su culpabilidad.

Juana, a pesar de su origen humilde y de su juventud, deja en evidencia en más de una ocasión a sus doctos interrogadores que, a pesar de que alguno de ellos está plenamente convencido de su inocencia, acaban condenándola a morir en la hoguera.

El guión se basa en las actas del proceso, que se conservan y que recogen de manera casi literal las declaraciones.

La película respeta bastante bien los hechos históricos, incluso en detalles que al espectador se le pueden pasar, o le pueden parecer parte del imaginario de los guionistas y, sin embargo, reproducen hechos, situaciones, circunstancias o escenarios que están recogidos en los textos históricos.

Por ejemplo, en más de una ocasión, tenemos la sensación de estar en espacios circulares y sabemos que Juana estuvo custodiada en una torre (que ahora lleva su nombre) en Rouen, que tiene planta redonda; la cruz que un religioso inclina hacia la mártir en la escena final, que penetra hacia las llamas, parece un recurso visual, pero refleja algo que aparece en las crónicas: Juana reclamó que los sacerdotes alzasen una cruz delante de sus ojos hasta que ella muriese, el hermano Isambard de la Pierre fue a buscarla a San Salvador, la iglesia más cercana y volvió bajo las risas de los ingleses, de la Pierre subió a la plataforma y alzó la cruz, y ya entre las llamas, ella todavía le pidió que bajara para que no se llevara ningún disgusto, pero siempre con la cruz alzada, para que fuese lo último que ella viera. De estos detalles hay muchos más en la peli, pero no quiero ser prolijo.

Sin embargo, aún respetando hasta en lo pequeño la historia (o la leyenda, a veces), lo que Carl Theodor Dreyer pretende y, a mi juicio, consigue, es transmitirnos el drama de una muchacha de 19 años que se enfrenta a un juicio parcial, sin ninguna defensa, ante un tribunal de sádicos prepotentes que se creen el brazo ejecutor de un Dios vengativo y sometida a la vigilancia de carceleros crueles que la someten a vejaciones, incluidos intentos de violación y toda una serie de maltratos físicos y psicológicos.

Lo que vemos en la película es la tragedia de una chica sencilla y humilde, no a la heroína guerrera enfundada en su coraza y exhibiendo la espada y la lanza. Una chica que dentro de su fragilidad, demuestra una capacidad casi sobrehumana para sobreponerse a lo que se le ha venido encima, sin que acabe de comprender por qué le tiene que ocurrir eso a ella.

Dreyer fue un tipo incomprendido en su época, aquellos experimentos que tanto le gustaban y que contribuyeron a cambiar el cine como tal, eran demasiado arriesgados. De hecho los productores se cogieron un cabreo fenomenal porque después de gastarse una pasta en decorados, estos apenas se aprecian en unas pocas secuencias del film, ya que el realizador danés se decidió por montar el film a base de una sobreabundancia de primeros planos que casi se hace asfixiante y con los que nos mete hasta el mismo alma de los personajes.

Dreyer mismo decía: Nada es comparable al rostro humano. Es una tierra que uno nunca se cansa de explorar.

En sus primeros planos se revela el carácter de los personajes que actúan, se ven sus reacciones, se captan sus pensamientos. Consigue desnudarlos y para ello no duda en presentarlos ante nuestros ojos sin maquillaje e incluso resaltando sus imperfecciones físicas.

Y aquí hay que hacer especial referencia al trabajo protagonista de Renée Jeanne Falconetti, una Juana de Arco que es todo expresividad, impresionante, sin dejar de lado al resto del reparto, que lo hace de maravilla, lo de esta mujer, en manos de este director, es inolvidable.

La sinfonía de los primeros planos, como ha sido apellidada esta película, que yo no he tenido ocasión de ver en pantalla grande donde me imagino que el rostro de Renée Falconeti tiene que impactar llenando todo el encuadre.

Uno de los ultimos films de la época muda y una auténtica obra maestra que te deja una sensación entre la fascinación y la inquietud.

UNA EN OTRA

Otra novela costumbrista de Cecilia Böhl de Faber, en la que bajo la forma de cartas que se intercambian Paul Valéry y Javier Barea, uno de los personajes de la novela, la autora nos va dejando sabrosas historias: Las aventuras amorosas de Casta y Barea; el devenir de los peculiares D. Pedro de Torres y D. Judas Tadeo Barbo; el curioso caso de Diego Mena, que conoce al matador de su padre, no habiéndole visto sino una vez, y veinte años antes, y cuando el tal Mena era todavía un niño... la venganza que se toma, dará lugar a una serie de enredos y casualidades que afectarán a la vida de varios de los personajes de la novelita; los sabrosos diálogos del tío Antonio y la tía Juana...

Novela, como casi todas las de la autora, de lectura amena, con cierto tono moralizante, salpicada de expresiones extraídas del lenguaje popular y precedida de un prólogo de Juan Eugenio Hartzenbusch.

OCTUBRE

La película narra los acontecimientos que se sucedieron desde febrero hasta octubre de 1917 en San Petersburgo, capital de la Rusia zarista, donde el gobierno provisional dirigido por Kerensky, que dirige la nación tras el derrocamiento de Alejandro III, se enfrenta al creciente poder de los revolucionarios soviéticos.

El gobierno provisional es capaz de hacer frente al intento de golpe de estado del comandante en jefe del ejército Lavr Kornílov, pero no al levantamiento definitivo del soviet de Petrogrado que, con el apoyo de los obreros, a quienes el gobierno provisional había armado meses atrás y se pasaron de bando, lograron hacerse con el poder.

El guión, del propio director, Sergei M. Eisenstein y de Grigori Aleksandrov, toma como base la conocida novela "Diez días que estremecieron al mundo", del norteamericano John Reed, testigo directo de los acontecimientos de la Revolución de Octubre y que, a su vez, inspiró el film "Rojos", dirigido en 1981 por Warren Beatty.

Fue encargada por las autoridades soviéticas para celebrar el 10º aniversario de los sucesos de Octubre y, aunque por un lado se pusieron a disposición del equipo de realización cuantos medios estaban a mano, por otra parte hubieron de sufrir de cerca la supervisión del férreo régimen comunista, hasta el punto de que el mismo Stalin censuró personalmente el montaje final.

El resultado se vio condicionado por estas vicisitudes, en primer lugar la fecha de estreno se demoró hasta el siguiente año (1928), pero además, muchos metros de película fueron cortados, personajes como Trotsky, Zinoviev o Kamenev, de gran relevancia en aquellos hechos y que aparecían en el original, fueron borrados literalmente. Quedan las apariciones de Lenin o de Antónov-Ovséyenko, que todavía no había sido víctima de la gran purga stalinista de 1930 y Trotsky sale brevemente y para quedar como un pusilánime, cuando todos sabemos del carácter de este hombre.

En este sentido, la película es un panfleto del comunismo triunfante en Rusia y un documento visual de la época en que fue rodada, ya que algunos de los escenarios son naturales.

Otra cuestión es la puramente cinematográfica, pues para muchos esta es la mejor película de Eisenstein, por encima de El acorazado Potenkim. Octubre es una película sumamente vanguardista para la época, pero todavía, en algunos aspectos, lo podría seguir siendo en la actualidad, sobre todo por el empleo recurrente del simbolismo. El realizador es capaz de sugerir una idea compleja en unos pocos fotogramas y hacerlo con brillantez y gran capacidad de síntesis.

Muchas de estas ideas no fueron bien comprendidas en su momento, y aún ahora, uno de los reproches que he leído reiteradamente es que para comprender algunas cosas hace falta conocer la historia de los hechos que narra. Eso, sin dejar de ser cierto, ocurre con otros muchos films, pero también con muchas obras de arte, pinturas, esculturas, obras musicales, etc., a las que sacas mucho más jugo cuando te explican los hechos que quieren reflejar a través de determinada simbología.

Y otro aspecto, que sólo voy a citar, sin entrar en mayores detalles, es el montaje. Sí ya sé que siempre que se habla del cine de Eisenstein se habla de ello, pero es que su trabajo en este apartado es impresionante.

A mí, si hay algo que me resulta bastante insoportable en la peli, es la misoginia latente a lo largo de la misma. Sé que es fruto de la época, pero es que se hace estomagante, y mira que el aspecto de panfleto que tiene la peli hace que otros pasajes del mismo puedan resultar un tanto chocantes en sentido negativo, pero en mi caso, ese el que peor llevo.

El rodaje tuvo pendiente a casi toda la población de San Petersburgo, muchos de ellos había vivido los hechos que se narran y como las autoridades habían dado toda clase de facilidades, se cortaban calles, sufrían cortes de luz para concentrar todo el potencial eléctrico en determinadas zonas de la ciudad que iban a aparecer en escenas nocturnas y, también asistieron boquiabiertos a la majestuosa entrada del crucero "Aurora" por las aguas del Neva tal y como lo había hecho 10 años atrás.

Por los múltiples condicionamientos sufridos durante su realización, Octubre ha sido siempre menospreciado cinematográficamente con relación a otros films de Eisenstein. No obstante, el análisis de este film, nos revela un producto de gran calidad, muy moderno y además, en la versión que ahora se puede encontrar en DVD, con el posterior añadido del acompañamiento musical del maestro Dimitri Shostakovich.