LA LISTA DE SCHINDLER

Steven Spielberg es un director de los apodados como comerciales. Eso es más que obvio, algunas de sus películas han sido (y siguen y seguirán siendo) como un pozo de petroleo, no paran de producir dividendos.

Eso, lo de comercial, es utilizado con frecuencia por sus críticos como argumento supremo de desprestigio. Yo no veo las cosas así de simples, seguramente estoy equivocado, pero tengo la ventaja de que como no entiendo mucho de todo esto, digo lo que me ha parecido una peli después de verla, sin que me duelan prendas sobre sus valores de otro tipo, o sin pararme a pensar que no va por la senda que mandan los puristas.

Que en cualquier antología del cine haya alguna peli de Spielberg, que la va a seguir habiendo, casi me atrevo a asegurar que siempre, quiere decir algo, y ese algo es que además de convertir en oro lo que toca, es un tipo que sabe hacer cine.

Y es que La lista de Schiendler es también una película comercial, lo es por varias razones, por su final, que podemos calificar de feliz después de todo lo que se nos ha contado; lo es porque no muestra algunas de las cosas que (además de las que sí narra) ocurrían en los campos de concentración; y así podríamos continuar. Pero es que además de eso, es una gran película. ¿Que otro director hubiera hecho otra cosa? Seguramente, pero esta es la peli de Spielberg sobre el Holocausto y puede estar bien orgulloso del resultado.

Quizá, en parte por alguno de esos argumentos que ya he dicho y por alguna otra cosa que sería prolijo plasmar aquí ahora, lo que menos me gusta de todo el conjunto es el guión de Steven Zaillian. Se dice que el guión es cosa del guionista y no del director, pero en este caso, yo creo que a Spielberg le pareció bien cómo estaba, al fin y al cabo, se ajusta bastante a los gustos de Hollywood y tampoco Spielberg iba a salirse en esta ocasión de esos márgenes que aseguran un buen resultado en la taquilla, no había por qué hurgar en otros lugares, según su criterio (esto es una suposición mía).

Una estupenda dirección de actores, con Liam Neeson y Ralph Fiennes luciéndose en sus interpretaciones. Una banda sonora, de John Williams, algunos de cuyos pasajes figuran ya en las antologías y una fotografía y una ilumnación maravillosas.

El film está perfectamente planificado, logra que, en todo momento, mantengamos el interés por la historia y no decae en el ritmo en ningún instante, colocando sabiamente los momentos en los que el relato se aparta del horror e intercalando a la perfección unas acciones con otras.

Es de esas películas que a todo el mundo gustan, independientemente de que la historia se atenga más o menos a la realidad, nadie cuando la presencia, puede prescindir de la emoción que Spielberg nos transmite: El miedo, la crueldad, el desprecio por la vida de unos semejantes, la vejación de las personas, el egoísmo, la dureza de unas condiciones de vida sometida a constante tortura...

La película tiene muchas escenas magníficas, recuerdo aquella en la que vemos a Oskar Schiendler vistiéndose, con todos los detalles de cuando se hace el nudo de la corbata, elige y se coloca los gemelos, recoge el dinero, se coloca la insignia del partido en el ojal... y enlaza con la sala de fiestas donde se divierten los jerarcas nazis, con un Liam Neeson, elegante, sofisticado, toda una presentación, sin palabras de quién es este hombre. O las escenas del asalto al ghetto de Cracovia, cuando el niño trata de buscar refugio en los escondrijos más inverosímiles y todo está ocupado, siendo arrojado de cada uno de ellos: Han logrado convertir a los perseguidos en fieras para sí mismos.

Pero hay dos secuencias que a mí siempre me han parecido descollantes, una es la del principio, cuando la vela arde al compás de la salmodia en hebreo y el humo del pábilo que se extingue enlaza con el de la chimenea del tren, la cámara desciende y encontramos al funcionario que hace las listas, preparando sus útiles sobre una mesa portatil (pasamos de la felicidad al horror, del color al blanco y negro).

La otra, tiene varias partes, es la famosísima de la niña del abrigo rojo, primero perdida, caminando por el ghetto entre gente despavorida, soldados, perros, disparos... mientras Schindler contempla todo aquello desde la lejanía de su silla de montar. Unos minutos después la niña muerta es trasportada con un montón de cadáveres en un carro: Schindler es consciente, por primera vez, de lo que está ocurriendo y cambia su actitud ante la vida.

Pocas veces, el lenguaje cinematográfico ha sabido expresar tan bien el cambio experimentado en el interior de una persona y enlazar, de paso, dos capítulos diferentes de la historia que nos está narrando.

Una película necesaria, a la que se puede acusar de algunos defectos en la manera de contarnos aquel horror que supuso la persecución de los judíos, pero que resulta magistral cinematográficamente hablando. Desde entonces, Spielberg tiene el respeto y la consideración que hasta ese instante se le había negado desde algunos sectores.

EL RATONCITO PÉREZ

La tradición del Ratoncito Pérez que se lleva los dientes que se les caen a los niños y, a cambio, les deja un regalo bajo la almohada, viene de tiempos remotos en nuestro país, desde donde se extendió a Hispanoamérica.

Sin embargo, tomó carta de naturaleza, por así decirlo, cuando desde el Palacio Real, se pidió al Padre Coloma (autor, entre otras obras de Jeromín o Pequeñeces) que escribiera un cuento cuando a Alfonso XIII, que entonces tenía 8 años, se le cayó un diente, así pues estamos hablando del año 1894.

Según la descripción del propio Luis Coloma, el ratoncito es pequeño, con sombrero de paja, lentes de oro, zapatos de lienzo y una cartera roja, terciada a la espalda.

Lo curioso es que el autor fijó la residencia del simpático roedor y nos dice que el ratoncito Pérez, vivía en una caja de galletas en la casa número 8 de la Calle Arenal de Madrid, en lo que era la confitería Prats; junto a su mujer y sus hijos, dedicándose a repartir juguetes y regalos a los niños que perdían un diente.

El día de Reyes del año 2003 el Ayuntamiento de Madrid rindió un homenaje al Ratón Pérez e instaló en la fachada de la casa donde el padre Luis Coloma situó la vivienda del roedor una placa con el siguiente texto: Aquí vivía dentro de una caja de galletas en la confitería Prats Ratón Pérez, según el cuento que el Padre Coloma escribió para el rey niño Alfonso XIII.

El manuscrito original del cuento, se conserva, desde 1894, en la biblioteca del Palacio Real.

De alguna manera, Ratón Pérez permitió la fijación de la tradición y de uno de sus elementos más importantes como es el regalo de una moneda (en el cuento, de oro) a cambio del diente caído bajo la almohada.

Si tienes curiosidad por leer el cuento, puedes hacerlo aquí, en esta cuidada edición del Centro Virtual Cervantes.

CORAZONES DE HIERRO

¿En la guerra todo vale? Esta puede ser una de las preguntas que se nos plantea con la historia que narra la peli.

Cualquier persona con sentido común que haya vivido un conflicto bélico te dirá que hasta en la guerra, por incongruente que parezca, hay unos códigos de conducta que cuando se traspasan convierten a la persona en un animal sin raciocinio y movido sólo por impulsos primarios.

Es cierto que se cometen atrocidades, que la guerra en sí lo es, pero cuando llega, hay que tratar (y digo tratar, porque no siempre está clara la línea divisoria) de mantener un mínimo de respeto tanto por tus compañeros, como por aquellos que están frente a ti y si se mete la pata, si en un momento dado, por las especiales circunstancias que rodean estas situaciones extremas en las que te estás jugando la vida, uno comete errores, al menos debe mostrar una actitud de arrepentimiento. Si no fuere así, estamos ante seres sin conciencia, amorales, para los que la palabra prójimo tiene un valor cercano al cero.

Durísima película de Brian de Palma que toma como base un hecho real, el conocido como Incidente de la colina 192, sucedido en 1966 y publicado en el semario The New Yorker, por cierto, una de las pocas publicaciones que cuenta en su plantilla con un verificador que se encarga de analizar cada uno de los datos que serán publicados con el fin de no cometer errores o publicar informaciones falsas.

Dura, digo, porque la vida real lo es, mucho más que la ficción que, a veces, no es capaz de imaginar que estas cosas ocurran. De hecho, De Palma, suavizó mucho la resolución del asunto que en la vida real no fue tan ejemplarizante como nos muestra el film y sí más cercano a lo que preveyeron los mandos que aconsejan al soldado Eriksson que se olvide del asunto.

El film narra el secuestro, violación y posterior asesinato de una joven vietnamita por una patrulla del ejército norteamericano. Uno de los soldados se opone a todo aquello y acaba denunciando a sus compañeros que le miran como a un delator. Los mandos también quieren hacer la vista gorda, al fin y al cabo con los cientos de civiles que mueren cada día en el conflicto, a quién le importa la vida de una anónima chica de ojos rasgados.

A partir de ahí todos los dilemas que uno quiera plantearse, desde el cuestionamiento a la propia presencia americana en la guerra, pues en vez de haber ido a ayudar a un pueblo, parece que van a torturarlo y asesinarlo, hasta la misma actitud del ejército en general y de sus mandos en particular, que parecen dar por bueno que estos chicos que están allí sufriendo y comportándose como héroes que arriesgan sus vidas, tiene derecho a cometer algunas barbaridades de cuando en cuando.

Aunque la presencia de Michael J. Fox y Sean Penn, hace que nos fijemos, sobre todo, en ellos por lo conocidos que son, es este último el que realiza una gran interpretación del psicópata sargento que es capaz de actos heroicos y de crimenes repugnantes, cuyo carisma entre sus hombres hace que estos se pongan de su parte de manera incondicional aún a costa de hacer cosas que nunca harían en su vida cotidiana.

Muy bien secundado por un plantel de actores, entonces poco conocidos y alguno de los cuales ha ido abriéndose camino en este difícil mundo de Hollywood y sobre todo, el gran trabajo de Thuy Thu Le que nos estremece en su papel de jovencita secuestrada y logra que lleguemos a odiar al sargento Tony Meserve.

La película cuenta con una banda sonora a cargo de Ennio Morricone, que acompaña a la perfección las emociones del film.

Magníficos planos, de los cuales destaco el del principio, cuando el soldado Eriksson queda atrapado en un tunel del Viet Cong y el realizador se inventa un corte transversal del tunel, para deleitarnos con una escena de tremenda tensión y suspense.

Magnífica película, que recomiendo, porque aparte de las reflexiones morales que plantea, de su evidente valentía (no olvidemos que el cine norteamericano nos está contando un hecho que es vergonzoso para su propio país), de su calidad técnica, de sus buenas interpretaciones, además resulta muy, pero que muy entretenida.

DANDO EJEMPLO

El gobierno (nuevo) de Castilla La Mancha (PP), ha tomado la decisión de incrementar los emolumentos de los cargos de confianza (Jefes de Gabinete) en 4 ó 5.000 € anuales.

Según el propio gobierno regional, el nuevo ejecutivo, ha ahorrado ya con la supresión de algunos de estos puestos alrededor de 30 millones de euros y, por otro lado, una subida de 5.000 euros al año, supone poco más de 400 € al mes, además es de suponer que si han suprimdo puestos, a los que quedan les aumentará el trabajo.

A mí, si no la tuviera, no me daría ninguna vergüenza una medida de este tipo, pero como me queda un poco de esa cosa que no se lleva, me da un poco de grima que a los funcionarios, que también son menos y les ha subido el trabajo, les bajen el sueldo, que en el país en general se esté predicando una moderación del gasto y se tomen medidas de este tipo que a la gente le suenan a chulería.

Mari Cospe, bonita, ¿por qué haces esto?, no ves que el personal anda mosca y os tiene enfilados a los políticos.

Es una pena que una de las primeras medidas tomadas por un partido llamado a regenerar la vida pública sea tan poco entendible.

¿Que el PSOE no tiene fuerza moral para poneros las peras al cuarto?, por supuesto, después de la bancarrota que han dejado, deberían estar calladitos, pero ese no es el asunto, el asunto sois vosotros, que estaís predicando contención del gasto y a la primera de cambio dais la nota.

Hay una cosa que se está perdiendo (los partidos la han perdido del todo) y que para la gente de bien tiene mucha importancia aunque esté demodé, se llama decoro.

LA CHAQUETA METÁLICA

Supongo que Kubrick tenía ganas de dar su particular versión sobre el conflicto vietnamita, pues aunque su postura ante la guerra y los militares había quedado clara con Senderos de Gloria, esta guerra supuso tal fractura social en EE.UU. que no podía dejar pasar la ocasión.

Supongo también que ante las películas que se iban sucediendo, algunas de ellas de profundo calado y gran calidad con esta temática, decidió esperar el momento y mientras tanto, para delicia de muchos, nos regaló El resplandor, como para que los simples mortales fuéramos pasando el rato.

Así que cuando lo creyó oportuno, cogió la novela de Gustav Hasford (que también colaboró en el guión) y nos legó esta magnífica peli que por más que la veas siempre te arranca alguna sonrisa, entretiene y, sobre todo, te hace pensar sobre un asunto tan tremendo como es la guerra.

Al igual que el libro, la peli está dividida en dos partes claramente marcadas: El periodo de instrucción y la guerra en sí.

Algunos (no pocos) hacen notar su preferencia por la primera parte del film, como digo siempre, no voy a ser yo quien llame al orden, cada cual tiene sus gustos.

Es claro que la primera mitad es mucho más efectista, más original y más impactante, cuando el tiempo transcurre es lo que queda en nuestro recuerdo, así que evidentemente algo tendrá cuando es así. Pero la segunda mitad no desmerece en absoluto, lo que ocurre es que resulta más convencional mirada en conjunto, por más que Kubrick nos de una visión de Vietnam algo particular, centrándose en conflictos urbanos y no en la selva, por ejemplo y poniendo el acento en las personas más que en el conjunto del ejército. Pero como digo, películas de guerra con escenas bélicas hay muchas y hay que reconocer que lo que hace diferente a este film es el tiempo que transcurre en el campo de entrenamiento.

Ahí, una vez más, Kubrick nos enseña lo que opina de los métodos militares, los pone en solfa y los ridiculiza al tiempo que nos muestra el choque que supone para estos hombres que acaban de llegar allí. Van a sufrir un buen lavado de cerebro, todo rasgo de humanidad se verá relegado por el fin primordial: Convertirse en máquinas de matar. Sólo que el objetivo, en lo que al recluta Patoso se refiere (buena interpretación interpretación de Vincent D'Onofrio), se consigue antes de lo previsto.

Si nos damos cuenta, todo este segmento del film transcurre sin apenas diálogos, todo son voces, monólogos del sargento Hartmann (¿por qué no fue nominado como mejor secundario aquel año R. Lee Ermey?), cánticos típicos de marine para la instrucción e imágenes, muchas imágenes que nos van mostrando las características de cada personaje y el cambio que se va operando en ellos.

Es esta, también, la película de las frases, muchas de ellas tomadas del libro, son muchas las que hay, de esas que se citan en los libros de frases de cine y algunos diálogos que rayan a gran altura, en ocasiones intercambios ingeniosos entre Bufón y algún otro personaje y que nos dan pie a la reflexión o son directamente chanzas e ironías para ridiculizar al estamento militar.

La segunda parte del film, como queda dicho es menos efectista, pero no menos descarnada. El descontrol, la aparición del instinto primitivo entre los combatientes, el afán de supervivencia como principal objetivo, la crueldad, la muerte, todo eso va quedando patente y también la perplejidad de los soldados norteamericanos al descubrir que la población no les quiere, ellos que había ido convencidos de que iban a ayudarles, a luchar por su libertad, se encuentran con el odio palpable en una guerra cuyo objetivo último han dejado de intentar comprender.

La banda sonora no es nada del otro mundo en el aspecto creativo, sin embargo recopila algunas maravillosas canciones de los 60, Wooly Bully, de Sam the Sham & the Pharaohs, también suena Nancy Sinatra, The Dixie Cups...

Desde luego, yo nunca dudo en recomendarla, de nuevo el maestro Kubrick nos deja otro film para la historia, de los que marcan época y, encima, a casi todo el mundo que la ve, le gusta.

Dirigiéndola quien la dirige, es obvio que tiene unos cuantos planos destacables, podría enumerar unos cuantos, pero me quedo con el principio y el final. El plano del comienzo, en el que les están rapando es toda una alegoría del cambio que se va operar en la personalidad de los jóvenes.

Al final, se ve a un pelotón de soldados avanzando desplegado, con una magnífica iluminación en tonos cálidos, de noche, con los edificios incendiados alrededor y van cantando una canción infantil (Mickey Mouse song). A pesar de haber visto la muerte de cerca, el miedo está presente, como cuando somos niños.

EL FUSILAMIENTO DE DOSTOIEVSKI

El 22 de diciembre de 1849, Fiódor Mijailovich Dostoievski y los demás condenados a muerte por su colaboración con grupos liberales y revolucionarios, fueron alineados ante el pelotón de fusilamiento. Después de un angustioso silencio, les fue leído el veredicto. Tras leer la sentencia de cargos y el nombre de cada condenado, resonaba la pena fatídica: ¡A muerte!

Y de pronto sobreviene el milagro, y una voz distinta a la que les condenaba dice: “En su infinita clemencia, su majestad el zar, les perdona la vida...”

Todos lloraban todos estaban abatidos después de la simulación de sus propias muertes, menos Dostoievski. No importaba ser condenado a trabajos forzados en Siberia, o el hecho de tener que andar con grilletes en los pies día tras día, nada importaba, tenían una vida nueva que les había sido regalada.

Aquellas gentes, aquellos intelectuales rusos, no eran grandes héroes, ni personas excepcionalmente valientes, ni siquiera convencidos revolucionarios. Como dijo Bakunin al respecto, eran unos “anodinos desocupados que hacen socialismo literario”.

Así que aquel hecho, aquella muerte simulada, un acto totalmente cruel, debió marcar sus vidas, desde luego marcó la de Dostoievski, a quien algunos critican su conversión a la religión, que proponía como única salida. Sin embargo, yo creo que esa transformación del genio ruso, solamente debe ser mirada bajo el prisma de una experiencia tan fuerte como la que vivió aquel día en el que el silencio de la madrugada, fue roto por aquella voz que le condeba a una muerte que creyó irremediable.

SALVADOR

Oliver Stone tiene esa fama de director controvertido por atreverse a denunciar en sus películas cosas que otros dicen de manera más suave o simplemente no dicen.

Otra cosa es su manera de hacerlo, que puede resultar más o menos atractiva y que, como cualquier obra de arte, es criticable legitimamente, pero sí hay que reconocerle esa cierta valentia que ha de tenerse para, desde el engranaje hollywoodiense, ser capaz de sacar los pies del tiesto.

Este film es de los que, cuando comienzas a verlo, te deja (a mí, al menos), un tanto descolocado, no es la manera de hacer cine que estamos acostumbrados a ver y no sabe uno muy bien cuál es el camino que está siguiendo el realizador. Por momentos parece todo un tanto deslabazado, e incluso hay algún matiz que no sabes ubicar demasiado bien hasta que en determinado momento alcanza su ubicación definitiva en la peli.

El film está hecho y concebido desde el punto de vista norteamericano, pero también está pensado para el público de ese país.

Eso tiene una parte en la que queda patente la valentía de Stone, que no tiene reparos en criticar incluso al propio Reagan cuando todavía era presidente, pero tiene otra vertiente bastante negativa.

Y es el poco cuidado en los detalles que vistos desde este lado chirrían un montón.

Para los norteamericanos, todo lo que está al sur, es lo mismo, les da igual México, Nicaragua o El Salvador, todos hablan igual y todos tienen las mismas inquietudes y sentimientos, deberían haber tenido un poquito más de cuidado a la hora de documentarse y eso a pesar de que es el propio coguionista, Richard Boyle, que estuvo como reportero en aquel país, el que cuenta su experiencia.

Los tipos están esteoritipados hasta el extremo, penosa la representación que hacen del pobre arzobispo Óscar Arnulfo Romero. Pero hay otras cosas que también suenan bastante mal, como la idea que expone el protagonista de cómo son las mujeres latinas.

En fin, se les ve el plumero de gringos.

A pesar de todos los pesares, lo mejor del film y por lo que es recomendable, es por esa descarnada denuncia que hace de los manejos de norteamerica en los asuntos de estos paises en los que las personas se convierten en números y cualquiera con inquietudes sociales se convierte en comunista.

Acertado el retrato que hace la Iglesia, de la que sólo se acuerdan algunos para criticarla y que en El Salvador siempre, siempre, desde la primera autoridad, que perdió la vida por ello, estuvo al lado de los débiles, del pueblo sufrido que es el que ha cargado con la peor parte del terrible conflicto que ha costado más de cien mil vidas, en un país que apenas sobrepasa los 7,5 millones de habitantes.