OTOÑO TARDÍO (FIN DE OTOÑO)

 

Siete años después de la muerte de Miwa, compañeros de trabajo, amigos y su hermano, se reúnen junto a su viuda y su hija para la ceremonia religiosa que honra su memoria. Sus tres mejores amigos, antiguos compañeros de estudios, deciden hacerse cargo del futuro de su viuda Akiko (Setsuko Hara) y de su hija Ayako (Yôko Tsukasa). Todos creen que la mejor solución es casar a la joven, pero ésta rechaza uno tras otro a todos los candidatos que le presentan; así que deciden casar primero a la viuda.

El guion adapta la novela del mismo título del japonés Ton Satomi, seudónimo de Hideo Yamanouchi. Dirigida por Yasujirō Ozu, que filma en su forma habitual con una cámara fija y muchos primeros planos.

Las relaciones entre una madre y su hija a quien le resulta incluso ofensivo que su madre vuelva a casarse, pero que no quiere dejarla sola y por eso se muestra renuente a contraer matrimonio ella misma. La película gira alrededor de la creciente brecha generacional que vive el Japón de posguerra, tratando de transmitir la idea de que, aunque es inevitable el cambio de mentalidad y costumbres, sería ilógico renunciar a todos y cada uno de los valores tradicionales por el mero hecho de serlo. 

Las dos formas de enfrentar la vida vienen representadas por el coro de viejos pícaros, que resulta cómico en muchas ocasiones y que se entrometen en la vida de las dos mujeres intentado resolver su futuro y, por otro lado, Yuriko Sasaki (Mariko Okada), la mejor amiga de Ayako, prototipo de la chica moderna, que intenta romper con la tradición profundamente patriarcal de una sociedad en que las mujeres demuestran ser más sabias y tener más controladas las situaciones. 

Un melodrama con momentos de comedia, muy bien realizada e interpretada, sobre el amor y los conflictos que ha de enfrentar una tranquila familia de clase media en un país que afronta profundos cambios.

JACK MAGGS

 

En abril de 1837, un hombre con un llamativo chaleco rojo, llega a Londres en la diligencia de Dover, a donde había viajado desde Calais. Se trata de Jack Maggs, un convicto condenado a destierro perpetuo en Australia que regresa de incógnito a su verde patria tras haber hecho fortuna al otro lado del mundo después de pasar mil calamidades y humillaciones. Cuando viajaba hacía su destierro encadenado y custodiado por dos guardianes, un niño le dio de comer mientras hacían un alto en una herrería, Jack ha estado protegiendo en la distancia a aquel muchacho enviándole una asignación mensual que le permite llevar una vida regalada. A ese joven es a quien busca Jack, pero él no quiere saber nada de su protector y que en los círculos que frecuenta se le sepa relacionado con un delincuente.

Al no encontrar por ningún lado a Henry Phipps, el hombre que busca desesperadamente, Maggs termina trabajando como lacayo en la casa contigua a la de su protegido que éste ha abandonado para ocultarse. Su nuevo amo es Percy Buckle, un antiguo tendero que se ha convertido en un caballero tras una herencia inesperada.

Maggs es rudo y fuerte, hipersensible y siempre dispuesto a la violencia. Cuando sufre una especie de ataque mientras sirve la cena a Percy Buckle y al autor Tobias Oates (que escribe para un par de periódicos y ha publicado alguna novela de éxito), este último ve la oportunidad perfecta para adentrarse en uno de sus intereses predilectos: la mente criminal. Él y Maggs llegan a un acuerdo y, con la excusa de curar los ataques de Maggs, Oates indaga en su pasado mediante hipnosis, buscando material para su próxima gran novela.

El australiano Peter Carey, autor de la novela, ha querido hacer una especie de homenaje a Dickens y a su tiempo, dando una vuelta a la novela "Grandes esperanzas", en la que, según dice, se ha basado para este relato y, a la manera del gran escritor británico, son los personajes los que dan fuerza a este libro. Carey se inspira de forma evidente en la literatura dickensiana para descubrirnos el Londres de la época y la infancia realmente desgraciada de algunos de estos personajes. El libro resulta una lectura entretenida por momentos, con muchas alusiones a Dickens, a sus libros y a sus personajes, algunas veces de manera algo sarcástica, con algunos giros que tampoco es que sean demasiado originales teniendo en cuenta el panorama literario en que se inspira.

LA HIERBA ERRANTE

 

Una compañía de tetro kabuki de segunda categoría, recala en un pueblo costero en el que hace doce años que no actúan. La última vez fue antes de que Sumiko (Machiko Kyô), la novia del director, Komajuro Arashi (Ganjirô Nakamura), se uniera a la compañía. Pero Kojamuro tiene tras si una historia que le une a esta ciudad, en ella tuvo, hace casi veinte años, un hijo, Kiyoshi (Hiroshi Kawaguchi), al que le han contado que su padre biológico murió cuando era niño y que Komajuro es el hermano de su madre Oyoshi (Haruko Sugimura). Komajuro ha estado enviando dinero a Oyoshi durante todos estos años, lo que permitirá al hijo de ambos ir pronto a la universidad. Komajuro quiere pasar el mayor tiempo posible con Kiyoshi y Oyoshi antes de que la compañía tenga que volver a marcharse, pero cuando Sumiko descubre lo que está pasando, Kiyoshi se convierte en un peón en la batalla entre Sumiko y Komajuro.

Remake de un film mudo dirigido por el propio realizador de éste, Yasujirō Ozu, en 1934, veinticinco años antes.

El maestro japonés cuenta con sencillez una historia que es más compleja de lo que aparenta, salpicada con sutiles gotas de humor. Retrato de una sociedad que hoy sería tildada de machista, en la que cobran presencia los celos, el orgullo, el engaño y el ego masculino, con escenas magníficamente concebidas de una calidad artística y visual a la altura del gran realizador.

NARCISO NEGRO

 

Cinco monjas misioneras se embarcan en la tarea de establecer un nuevo convento situado en el palacio de Mopu, en las laderas del Himalaya, donde habrá una escuela y un dispensario. Se topan con obstáculos a cada paso: una comunidad de nativos supersticiosos y un cínico y rudo intermediario británico llamado Sr. Dean (David Farrar). A estos obstáculos se suman sus propias fragilidades emocionales, el choque cultural y pasiones mundanas que previamente creían olvidadas, con los celos y deseos latentes que conllevan. El proyecto resulta una prueba formidable para la decidida Hermana Clodagh (Deborah Kerr), la joven superiora del convento, firmemente persuadida de conseguir su objetivo mientras supera los constantes obstáculos.

El guion, de los propios realizadores del film, Michael Powell y Emeric Pressburger, adapta una novela del mismo título de la británica Rumer Godden.

Una película que para muchos resultará fascinante, con una asombrosa fotografía de Jack Cardiff (La Reina de África), que le valió un Oscar y un clímax final que recuerda algo a Vértigo de Hitchcock. 

Film sutilmente erótico, sobre la represión y el deber, a veces melodramático pero siempre conmovedor y con una ambientación realmente conseguida.

EL SALÓN DE MÚSICA

 

Huzur Biswamghar Roy (Chhabi Biswas) es un rico terrateniente que vive en un palacio con su esposa, su hijo y sus numerosos sirvientes. Su pasión es la música y gasta gran parte de su fortuna en conciertos para algunos de su distinguidos vecinos en su magnífica sala de música. Sin embargo, su riqueza está disminuyendo. Sus tierras están siendo erosionadas por el río local y paga el concierto que organiza para la fiesta de mayoría de edad de su hijo vendiendo algunas de las joyas de la familia. Cuando su vecino Mahim Ganguli (Gangapada Basu) lo invita a una fiesta en su casa, Roy decide superarlo y organiza una lujosa fiesta para el mismo día, lo que le cuesta las últimas joyas. Tras la muerte de su esposa e hijo en una tormenta, Roy se recluye en su mansión y cierra la sala de música. Ahora, muchos años después, decide dar un último concierto y gastar lo que le queda de dinero para volver a superar a Ganguli.

El guion, del propio realizador, Satyajit Ray, adapta un relato corto del escritor y letrista indio Tarasankar Bandyopadhyay, en el que refleja la decadencia humana frente a los tiempos cambiantes: la derrota de lo viejo y decadente en competencia con lo nuevo. 

Criticado por la poca presencia de la cultura india en sus películas, Ray decidió incorporar números musicales en el film, aunque totalmente diferentes del estilo cinematográfico de Bollywood tan popular entre sus compatriotas. Por ella desfilan algunos de los grandes maestros de la Raga hindú y las secuencias del final, con la bailarina, están llenas de gracia y ritmo.

El personaje principal, un zemindar (el antiguo concepto de terrateniente aristocrático), es representado como una figura trágica, víctima de su orgullo egoísta y de una creencia desmedida en su propia nobleza. Trágico pero también preciso, ya que sus exhibiciones egocéntricas y extravagantes para eclipsar a su vecino, un hombre sin linaje y hecho a sí mismo, se vuelven cada vez más evidentes. Todos sus gestos son un intento de mantener la supuesta superioridad que le fue otorgada por derecho de nacimiento. 

El maestro indio, nos muestra en su película la invasión de la modernización en la India y que el cambio a otros tiempos, resulta inevitable, evocando magistralmente la decadente opulencia del mundo de un aristócrata caído en desgracia que se aferra desesperadamente a un estilo de vida que se desvanece.

El film también se convierte en una crítica a la ostentación y nadie mejor que Ray para hacerlo, él que recibió numerosos premios a lo largo de su carrera y los guardaba debajo de la cama, pues consideraba una falta de decoro y una traición a sus principios de modestia, exhibirlos en otras estancias de su casa de Calcuta a la vista de quienes le visitaran.

ESTRELLA NUBLADA

 

Nita (Supriya Choudhury) es una joven seria y trabajadora que vive con sus padres y sus tres hermanos, refugiados del este de Pakistán, en los suburbios de Calcuta. Cuando su padre cae enfermo, Nita abandona los estudios para sostener a su familia con su trabajo y aplaza su matrimonio con Sanat (Niranjan Ray), que está buscando una beca que le permita cursar un doctorado, con la esperanza de un prometedor futuro. La vida, sin embargo, no va a recompensar los sacrificios de la muchacha.

El guion, del propio realizador, Ritwik Ghatak, adapta la novela Meghe Dhaka Tara, del indio Shaktipada Rajguru.

 

Ambientada en Calcuta, narra las peripecias de esta familia de refugiados del este de Pakistán. Un drama que puede tomarse como una alegoría de la India posterior a la partición (división en India y Pakistán), aunque este hecho nunca se menciona explícitamente en la película. Se producen en ella muchas inversiones y correspondencias que otorgan una cualidad conmovedora a esta extraordinaria película, a lo largo de la cual, lo personal se armoniza con la condición sociohistórica, dualidad que hace de ella un componente clave de los logros del filme.

LAS OVEJAS DE GLENNKILL

 

En el tranquilo pueblo de Glennkill, el pastor George Glenn lee cuentos a su rebaño cada noche, a veces incluso novelas de misterio. Cuando lo encuentran muerto en la hierba irlandesa, con una pala clavada en el pecho, las ovejas lo saben: fue un asesinato. ¿Pero quién mató al veterano pastor? ¿Cuál fue el motivo? ¿Y cómo se encuentra a un asesino? Decididas, las ovejas buscan pistas, guiadas por la señorita Maple, la oveja más lista del rebaño (y quizás de toda la región). Por suerte, pueden inspirarse en las muchas historias que han escuchado a lo largo de los años. Entre la iglesia del pueblo y la caravana en la que vivía el pastor, les esperan innumerables enigmas que solo podrán resolver con mucha astucia e intuición ovina, siempre tras la pista del culpable. Y así, paso a paso, pezuña a pezuña, el rebaño se acerca a los secretos y peculiaridades del mundo humano.

La novela supuso el debut de su autora, la alemana Leoni Swann, fue su primera novela publicada, de la que se vendieron más de 100.000 ejemplares en los primeros seis meses. 

Es evidente que parte del encanto del libro reside en que las ovejas, consideradas generalmente criaturas bastante tontas, resultan ser bastante más inteligentes que los humanos y, gracias a sus observaciones silenciosas y su lógica, son quienes finalmente resuelven el crimen. 

Una historia a menudo divertida pero que encierra su poso de sabiduría.

EL COBARDE

 

Amitabha Roy (Soumitra Chatterjee), un guionista de Calcuta, viaja en coche por el país para documentarse para una película. Al averiarse su vehículo en una pequeña ciudad, Bimal Gupta (Haradhan Banerjee), el dueño de una plantación de té, le ofrece su casa para pasar la noche. Cuando Gupta le presenta a su esposa Karuna (Madhabi Mukherjee), Amitabha reconoce a la muchacha a la que amó en otro tiempo.

El guion, del propio realizador, Satyajit Ray, autor también de la música, se basa en el cuento “Janaiko Kapuruser Kahini” (“La historia de un cobarde”), del escritor, poeta y director de cine indio Premendra Mitra.

Una especie de melancólico recordatorio de que uno suele tener solo un instante fugaz para aprovechar una oportunidad mágica y amorosa. Karuna, como otras mujeres que aparecen en la filmografía de Ray, se arriesga, toma decisiones y tiene iniciativa; Ami tiene miedo al compromiso y cuando ella parece que le ofrece oportunidades para emprender una vida juntos, dispuesta a abandonar su vida acomodada, él no es capaz de aventurarse, pero al tiempo, el amor que siente por esa mujer, estará siempre presente en su vida y se verá incapaz de mantener otras relaciones. 

El film, con rostros, gestos y situaciones que explican mejor que las palabras algunas circunstancias, nos conduce a un final ambiguo que queda a la interpretación del espectador, si Karuna se ha acomodado a su nueva vida de casada y no quiere saber nada de su antiguo amor o es que desconfía de él porque en el pasado no quiso llevar su compromiso adelante y teme que vuelva a hacer lo mismo.

LA GRAN CIUDAD

 

En Calcuta, a principios de la década de los 50 del pasado siglo, Subrata Majumdar (Anil Chatterjee) se esfuerza por mantener a su familia (esposa, hijo, hermana menor y padres) con el modesto e insuficiente sueldo que percibe como empleado de banca. Dadas las circunstancias, su esposa Arati (Madhavi Mukherjee) plantea la posibilidad de ponerse a trabajar, pero Subrata lo descarta como algo contrario a la tradición familiar india. Sin embargo, accede a que lo haga por un tiempo, hasta que él encuentre un segundo empleo, pero cuando pierde su trabajo por la quiebra del banco, no tendrá más remedio que aceptar la necesidad de que Arati trabaje.

Con guion, dirección y música de Satyajit Ray, se basa en el cuento Abataranika, del escritor indio Narendranath Mitra. El film nos presenta a una mujer fuerte y decidida que habrá de enfrentarse al caos familiar que desata el hecho de ponerse a trabajar fuera de casa, enfrentada a su conservador suegro en una guerra de silenciosa desaprobación. En el trabajo, Arati traba amistad con Edith (Vicky Redwood), una mujer angloindia, que le transmite algunas ideas occidentales modernas.

La admiración y el respeto de Ray por las mujeres se hacen evidentes y la película es interpretada por algunos críticos como una sutil defensa de la igualdad de género en la India. 

En un esperanzador final, a pesar de la incertidumbre del futuro, la pareja reafirma su compromiso y se marchan juntos, con la ilusión y el deseo de encontrar nuevos empleos en una ciudad tan grande.

Otro emotivo y estupendo film de su realizador que refleja los cambios que se sucedían en la India del momento y, por extensión en otros tantos países, en que la mujer, a duras penas y enfrentada con el mundo y las ideas tradicionales, logra salir del cascarón familiar, descubriendo un mundo nuevo de posibilidades y la opción de alcanzar ingresos propios que la harán más libre e independiente, sin tener que renunciar por ello a su familia.

CHARULATA. LA ESPOSA SOLITARIA

 

Charu (Madhavi Mukherjee), una mujer de la alta sociedad bengalí que lleva una vida ociosa, está casada con Bhupati (Shailen Mukherjee), forman un matrimonio sin hijos. Él ha heredado una fortuna y utiliza su dinero para publicar un periódico político, sintiéndose orgulloso de no haberse dejado arrastrar por la comodidad y la desidia, pero no le dedica tiempo a su esposa. Cuando Amal (Soumitra Chatterjee), el primo poeta de su marido, que acaba de terminar sus estudios universitarios, llega a hospedarse con ellos, Charulata se siente inspirada creativamente por él. Sin embargo, después de varios meses, los sentimientos de Charu y Amal van más allá de la amistad literaria.

Ambientado a finales del siglo XIX, cuando la India era todavía una colonia inglesa, el film de Satyajit Ray (autor también del guion y la música), se basa en una novela corta "Nastanirh" ("El nido roto"), del premio Nobel indio Rabindranath Tagore.

El vestuario, los exquisitos interiores, los rostros y la detallada estructura de la película crearon una magnífica obra de cine en blanco y negro. Un film de gran belleza, perfección estructural y pureza conceptual, en el que el maestro indio, nos hace llegar algunas cosas sin decirlas, mediante una mera sugerencia.

Con el Renacimiento bengalí y el vibrante despertar intelectual en la India del siglo XIX como telón de fondo, la película es una historia sorprendentemente moderna sobre el amor, la lujuria, la fidelidad y el creciente autoconocimiento de una mujer. Un film cargado de una belleza delicada y poética.

APUR SANSAR (EL MUNDO DE APU)

 

Apu (Soumitra Chatterjee) ahora tiene poco más de veinte años, acaba de terminar estudios medios y sueña con vivir de la escritura, una vez que se ha visto obligado a abandonar sus estudios y buscar trabajo. Junto a sus ambiciones profesionales, la película narra su despertar romántico, que surge como resultado de un giro inesperado de los acontecimientos, y su posterior y compleja paternidad.

Tercera y última entrega de la trilogía cinematográfica de Satyajit Ray conocida como La trilogía de Apu, basada en la obra del escritor indio Bibhutibhushan Bandyopadhyay.

La tragedia volverá a golpear a Apu cuando su esposa muera al dar a luz. El niño queda al cuidado de los abuelos y Apu no se ve con fuerzas para afrontar sus obligaciones paternas. Con Soumitra Chatterjee y Sharmila Tagore, quienes pronto se convertirían en habituales de Ray, en interpretaciones estelares, y demostrando la cada vez más impresionante habilidad de Ray como creador de imágenes cinematográficas puras, la película es una conmovedora conclusión para esta monumental trilogía.

EL ARTE DE NO DECIR LA VERDAD

 

Un tipo casado que liga en una fiesta, un empleado que se busca la ruina por responder de forma impulsiva a un correo electrónico, un escritor fracasado, una joven historiadora del arte que pasa un fin de semana en una isla remota, un peluquero que celebra entre amigos la inauguración de su nuevo negocio o una maquetista de una revista de moda que tiene problemas en sus relaciones con los hombres, son sólo algunos ejemplos de los personajes que desfilan por las 33 historias que componen el libro y conforman un auténtico catálogo de situaciones, algunas de las cuales podríamos protagonizar cualquiera de nosotros.

Hay que aclarar, antes de nada, que disimular o no decir la verdad, no es sinónimo de mentir, al menos no lo es siempre y en muchas de las situaciones que plantea el libro, no lo es. De hecho, nos pasamos la vida disimulando, incluso personas que son como un libro abierto en sus relaciones diarias, pero si lo pensamos bien, la ropa que llevamos, las respuestas que damos en ocasiones a un simple «¿qué tal estás», forman parte de nuestro disimulo diario que, en ocasiones no es más que simple cortesía o una manera de mantener la etiqueta social para no soltarle al conocido que hacía tiempo que no veíamos: «se te ve fatal», en lugar del consabido «estás como siempre». 

Algunas de las 33 historias giran alrededor de ocultar pasiones, mostrar interés, aparentar autenticidad, ser modesto, saber dar y recibir críticas, y aprovechar el momento oportuno e incluso mostrar dolor de vez en cuando, expresar indignación moral, ser ingenioso o mostrarse misterioso. 

El periodista alemán Adam Soboczynski, autor del libro, parece cautivado en cierto modo por la obra del jesuita español Baltasar Gracián, citado con frecuencia en el libro y cuya sabiduría práctico-filosófica aplica a nuestro mundo contemporáneo. 

Un libro entretenido que seguramente estimulará a quien desee reflexionar sobre algunos aspectos de la vida y la forma de relacionarse entre las clases medias en este arranque del siglo XXI.

APARAJITO (EL INVENCIBLE)

 

Después de vivir un tiempo en Benarés, Apu (Pinaki Sengupta), de 10 años, y su madre se mudan con su tío a un pequeño pueblo bengalí. Apu ingresa en una escuela local, donde le va bien. Cuando se gradúa, tiene una beca para estudiar en una universidad de Calcuta. Así que se va. Su madre está desgarrada por su partida y por su creciente independencia. Ama mucho a su hijo y quiere que tenga éxito, pero no quiere quedarse sola.

Guion y dirección de Satyajit Ray, en esta película basada en una novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay. Es la segunda entrega de la conocida como Trilogía de Apu. 

Ray no tenía previsto hacer una secuela de Pather Panchali, pero tras el éxito internacional de la película, decidió continuar la historia de Apu. Aparajito retoma la trama donde termina la primera película, con Apu y su familia habiéndose mudado desde su pequeño pueblo a la bulliciosa ciudad sagrada de Varanasi (entonces conocida como Benarés). A medida que Apu pasa de ser un niño curioso a un adolescente intelectualmente inquieto, que finalmente estudia en Calcuta, somos testigos de su formación académica y moral, así como de la creciente complejidad de su relación con su madre.

La historia se centra en Apu (Smaran Ghosal, de adolescente), quien abandona el hogar familiar para trabajar y educarse en un mundo más moderno que aquel al que se había acostumbrado en su juventud, mientras su madre, Sarbajaya (Karuna Bannerjee), que está enferma y deprimida, permanece desesperadamente sola en su pequeño pueblo tras la muerte de su esposo y la partida de su hijo. Siguiendo el ciclo de la vida, Satyajit Ray continúa explorando los conflictos internos de adaptarse a un mundo más contemporáneo que el de nuestros padres. La fortaleza para superar los lazos familiares y obtener independencia personal, es otro tema universal: el respeto por las tradiciones y el desarrollo de uno mismo. 

Una película tierna, expresiva y a menudo conmovedora.

PATHER PANCHALI (LA CANCIÓN DEL CAMINO)

 

La historia de un niño, Apu (Subir Banerjee), y la vida en su pequeño pueblo indio. Sus padres son bastante pobres; su padre Harihar (Kanu Bannerjee), escritor y poeta, prácticamente regaló el huerto familiar para saldar las deudas de su hermano. Su hermana Durga (Uma Das Gupta) y su anciana abuela también viven con ellos. Su madre Sarbojaya (Karuna Bannerjee) es la más afectada por la situación de la familia. Se las arregla como puede, vende sus pertenencias personales para poner comida en la mesa y soporta las críticas de los vecinos, ya que Durga siempre está robando fruta para llevársela a su abuela. Las cosas empeoran cuando Harihar desaparece durante cinco meses y Durga cae gravemente enferma. Incluso después del regreso de Harihar, a la familia le quedan pocas alternativas.

Primera entrega de la conocida como Trilogía de Apu, del hindú Satyajit Ray, autor también del guion basado en una novela de Bibhutibhushan Bandyopadhyay.

Representación de la vida rural bengalí, que evoca de forma naturalista y poética varios años en la vida de una familia, presentándonos tanto al pequeño Apu como a las mujeres que contribuirán a su formación: su independiente hermana mayor, Durga; su agobiada madre, Sarbajaya, quien, con su marido ausente, debe mantener unida a la familia; y su amable y traviesa abuela, Indir (Chunibala Devi): personajes vívidos y multifacéticos. 

Con una fotografía espléndida, marcada por el perpetuo afán de descubrimiento de su joven protagonista, resulta un película conmovedora, alejada de los patrones de Bollywood y, como alguien señaló, hecha con amor puro y sincero.

LOS CABALLOS DE DIOS

 

Yachine (Abdelhakim Rachid) tiene diez años y vive con su familia en Sidi Moumen, un poblado de chabolas de Casablanca. Su madre, Yemma (Fatima El-Kraimy), hace lo que puede por sacar adelante a la familia. Su padre tiene la mente enferma y de sus tres hermanos uno está en el ejército, otro vive encerrado en su mundo y el tercero, que tiene trece años y se llama Hamid (Abdelilah Rachid), es un matón de barrio y el protector de Yachine. Cuando Hamid es encarcelado, Yachine se ocupa de varios trabajillos que le ayudan a escapar del marasmo provocado por la violencia, la miseria y la drogadicción que la rodean. Cuando Hamid sale de la cárcel se ha convertido en un islamista radical y convence a Yachine y a sus amigos para que se unan a sus ‘hermanos’. El líder espiritual del grupo, el imán Abou Zoubeir (Mohammed Taleb), se encarga de dirigir el prolongado entrenamiento físico y mental de los muchachos, antes de anunciarles que han sido elegidos para convertirse en mártires.

Los hechos que narra la historia, se inspira en la novela Les Étoiles de Sidi Moumen, del marroquí Mahi Binebine que trata sobre los llamados atentados de Casablanca. 

El viernes 16 de mayo de 2003 en lo que se ha venido a denominar el «11 de septiembre marroquí», cinco explosiones casi simultáneas (una de ellas, la de consecuencias más sangrientas, en la Casa de España) producidas por 12 suicidas, golpearon la capital económica de Marruecos, Casablanca, sembrando el terror con un balance de 45 muertos y más de 100 heridos.

Con guion y dirección del francés de ascendencia marroquí Nabil Ayouch, nos muestra cómo un joven puede convertirse en mártir para algunos, en terrorista para otros, en un mundo de niños sin guía, sin educación, sin siquiera autoridad, poblado de personajes violentos e incluso, en ocasiones, vulgares. 

De buena factura técnica, la narrativa está marcada por varias metáforas. El título es bastante revelador, evocando combatientes, guerreros o personas que sirven como monturas para un destino que, en última instancia, los domina, los supera y los aplasta. El realizador dedica más tiempo a describir la miseria social, antes de llevarnos al adoctrinamiento religioso, intentando comprender (nunca justificar) a estos jóvenes terroristas suicidas en lugar de condenarlos, lo que puede crear una sensación de inquietud en el espectador. Lo hace mostrándolos como víctimas de una situación socio económica y de unos entornos familiares, propicios para que sus conciencias puedan ser manipuladas y dejando en el aire una pregunta que nunca se hace en el film, pero que se desprende de lo que vemos: Si tan convencidos están estos imanes de que al inmolarse van directos a un paraíso lleno de maravillas, ¿por qué no lo hacen ellos y buscan a unos incautos dispuestos a hacerlo, mientras ellos siguen "disfrutando" las desgracias de esta vida?