EL VERANO DE KIKUJIRO

 

Masao (Yusuke Sekiguchi) tiene nueve años y vive solo con su abuela. Cuando todos sus amigos se van de veraneo, se queda solo y aburrido todo el día, así que decide visitar a su madre, a quien nunca ha visto, ya que se mudó para buscar trabajo y mantener a Masao. Para encontrarla cuenta tan solo con una fotografía y una dirección. Siendo demasiado joven para viajar solo, una antigua vecina de su abuela envía para que le acompañe a su poco recomendable marido, Kikujiro (Takeshi Kitano), un antiguo yakuza. Sin embargo, el primer día de viaje, Kikujiro se ha jugado el poco dinero de Masao. Así comienza el verdadero viaje.

El realizador coreano Takeshi Kitano, nos acerca una sencilla historia en la que el viaje es toda una alegoría de la vida misma, como si alguien estuviera recordando en voz alta sus propias vivencias del pasado. 

Kitano experimenta con la edición y los colores, sobre todo en las secuencias oníricas, aunque también en alguna otra.

Es sin duda el film más amable de Kitano, con momentos que rozan el surrealismo y un humor que tiene algo de gamberro, pero que te invita a tomarte la vida del modo menos dramático posible, esa vida que es cierto que resulta cruel, llena de accidentes y malos momentos, pero en la que siempre puede aparecer un ángel en quien confiar.

Magnífica banda sonora del maestro Joe Hisaishi, de esas que se escuchan con verdadero placer.

HANA-BI. FLORES DE FUEGO

 

Yoshitaka Nishi (Takeshi Kitano) es un policía al que parece que las desgracias le llegan todas juntas: Su hija de corta edad falleció hace dos años; a su esposa le han diagnosticado una leucemia terminal y su compañero Horibe (Ren Ôsugi) recibe un disparo a quemarropa durante una vigilancia en la que se suponía que debía participar Nishi, pero que, a sugerencia de Horibe, está en el hospital visitando a su esposa. A consecuencia del disparo Horibe queda parapléjico, es abandonado por su esposa e hijo y no sabe qué hacer con su vida, pues ser policía lo era todo para él. Con todo ello, el sentimiento de culpa de Nishi, se acrecienta y para sobreponerse a tan adversas circunstancias, su forma de trabajar se convierte cada vez en más imprudente. El detective intenta que lo que le queda de vida a su esposa, se convierta en algo especial y poder disfrutar de todos y cada uno de los momentos, para ello, pide dinero a la yakuza, con el fin de poder visitar los lugares a los que ella siempre quiso ir. Cuando los mafiosos le acosan, intentará resolverlo por su cuenta.

La película protagonizada y dirigida por Takeshi Kitano es un violento thriller mezclado con un melodrama doméstico.

Un film con muchos periodos en que la acción transcurre pausadamente y que, en buena parte refleja, en forma de metáfora, acontecimientos de la propia existencia del realizador, por lo que a quien no conozca su biografía, le puede resultar complicado desentrañar algunas de esas metáforas.

Una película de momentos, algunos de ellos realmente logrados, incluido ese humor tan peculiar de Kitano que aquí se nos ofrece en pequeñas píldoras y que alivia la tragedia que vive la pareja. El film se justifica de sobra con esos momentos, algunos de ellos casi poéticos, que logran conmovernos.

VINELAND

 

En Vineland (región californiana inventada por el autor, Thomas Pynchon) sobrevive, envuelto en brumas, un grupo de personas que hacen frente como pueden a las consecuencias de su vida en los años sesenta. En 1984, la joven Prairie busca a su madre, Frenesí, figura legendaria de los movimientos radicales a fines de los años sesenta. Lo que no sabe Prairie es que Frenesí acaba de perder su status de testigo protegida del FBI y que, una vez ‘fuera’, es el blanco perfecto de un examante suyo, Brock Vond. Este acaba de llegar a California armado hasta los dientes y empeñado en acabar con la comunidad liderada en los viejos tiempos por Frenesí. Pero nada detendrá a Prairie, decidida a descubrir la trama que envuelve a su madre, objeto ahora de la ira del terrible Brock. 

Pynchon sitúa en 1984 el arranque de este texto, en el que, con esos vaivenes hippy-temporales, un excéntrico personaje, Zoyd Wheeler, y su joven hija Prairie sobreviven cada uno a lo suyo, aunque viviendo juntos: ella como camarera, él como una especie de pirado local de Vineland que recibe una paga del Estado por hacer sus locuras cada cierto tiempo: es decir, finge y actúa excéntricamente, es un loco que sabe lo que hace. La madre, Frenesí, no está presente, hace años que desapareció. El interés por ella, su paradero y su historia, renace bruscamente con la disruptiva presencia de un antiguo pez gordo gubernamental del Departamento de Justicia estadounidense, Brock Vond, que ha decidido tomar por la fuerza el hogar de Zoyd y Prairie con una fuerza paramilitar. 

Pero ¿por qué este oscuro individuo aparece ahora en escena? ¿Qué sucede para que se dé este explosivo interés por Frenesí que, dadas las circunstancias, pone a su hija en marcha para descubrir la verdad sobre su progenitora y un gran numero de personajes más?

Pynchon exhibe el hipnótico poder de su delirante imaginación, en la línea habitual de sus libros, pero está vez entreverado con un nostálgico lirismo, que dota de un equilibrio constatable a las dimensiones cómica y trágica de una historia en la que aboga por la igualdad entre todas las personas, cuestiona la persecución a los inmigrantes, denuncia la inhumanidad, la injusticia y la militarización de los gobiernos, aboga por la solidaridad y la amistad e invita a la defensa de los ideales y de la lucha por lo que se cree.

PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO, INVIERNO... Y PRIMAVERA

 

En medio de un lago, como flotando en él, un pequeño templo alberga a un anciano monje y a su discípulo. Con cada estación, el discípulo entra en una nueva etapa de su vida, se enfrenta a nuevos sufrimientos, hasta que finalmente alcanza la iluminación, que marca el fin del invierno y el comienzo de la primavera.

Primavera: un niño monje aprende, incluso mediante las travesuras propias de su edad, a respetar el entorno en que vive y a los seres que le rodean. Verano: un monje adolescente conoce el amor. Otoño: un monje de treinta años hace algo que va contra su naturaleza y debe pagar las consecuencias. Invierno: el monje es ya un hombre maduro y alguien llega al monasterio. Primavera: el monje ha tomado el lugar de su maestro fallecido; cerca de él juega un niño monje.

El realizador coreano Kim Ki-duk, al hablar sobre esta película, decía: "Mi intención era retratar la alegría, la ira, la tristeza y el placer de nuestras vidas a través de cuatro estaciones y a través de la vida de un monje que vive en un templo en el estanque Jusan, rodeado de naturaleza."

 

En la película, Kim se aleja del cine contemporáneo y crea una metáfora budista autoconclusiva, representando las etapas de nuestra vida, las emociones relacionadas con el sufrimiento, el camino hacia la iluminación y la circularidad de la naturaleza, la vida y el universo a través de las cuatro estaciones, donde cada estación se convierte en una alegoría de una de las fases de la vida de un hombre y el sufrimiento asociado a ellas.

Curiosamente, Kim es un devoto católico, pero señala que la película se inspiró en parte en la relación entre sus propios valores religiosos y la cultura que lo rodea. Como telón de fondo para esta historia, eligió el estanque Jusan, un lago artificial creado en 1720 rodeado de montañas, cuya belleza solo es superada por su resonancia mística.

La película es un delicioso cuento sobre la vida, sus etapas y el valor que tiene la experiencia (errores incluidos) para poder vivirla en plenitud, todo ello con un envoltorio visual que, además de su simbolismo, resulta de una belleza cautivadora.

HIERRO 3

 

Tae-suk (Jae Hee) es un joven que ocupa temporalmente viviendas cuyos habitantes están ausentes. Nunca roba ni ocasiona daños en los hogares de sus involuntarios anfitriones. En realidad, es una especie de fantasma que duerme en camas ajenas, come algo de las neveras de esos extraños y retribuye su forzada hospitalidad haciendo la colada o realizando pequeñas reparaciones domésticas. Su vida se ve alterada cuando en una de esas casas encuentra a Sun-hwa (Lee Seoyung-yeon), antigua modelo, que vive sometida por un marido maltratador.

Con guion y dirección del coreano Kim Ki-duk, el film, como ocurre en otros trabajos del realizador, transcurre con escasos diálogos, fiándolo todo a las interpretaciones y a la imagen, elementos que le bastan para que sigamos la historia sin mayor necesidad de explicaciones.

El realizador coreano juega hábilmente con los recursos visuales que, en ocasiones, son pura metáfora de la vida, de la soledad en la que se mueve el protagonista y de la sociedad deshumanizada en que vivimos.

La película mezcla hábilmente la realidad del medio con la representación simbólica en esta historia oscura y conmovedora.

DIES IRAE

 

Dinamarca, 1623. Marta de Herlofs (Anna Svierkier) es condenada a morir en la hoguera acusada de brujería. Uno de sus jueces es Absalom (Thorkild Roose), un viejo sacerdote al que Marta solicita en vano clemencia, igual que la tuvo con otra mujer tiempo atrás, también acusada de brujería y a la que salvó, para casarse en segundas nupcias con su hija, la joven Anne (Lisbeth Movin) pues según la ley, las descendientes de las brujas también deben arder en una pira. Meret (Sigrid Neiiendam), la anciana madre de Absalom, desaprueba desde el principio el matrimonio. Cuando Martin (Preben Lerdorff Rye), el hijo de Absalom, regresa a casa para conocer a su madrastra, se enamorará de ella y ambos compartirán una relación prohibida que tendrá inesperadas consecuencias.

El guion se inspira en la obra de teatro Anne Pedersdotter, del novelista, dramaturgo y productor teatral noruego Hans Wiers-Jenssen, que había sido estrenada en 1908. 

Si la Inquisición española se lleva la fama, en otros lugares no han dejado de cardar lana, al menos en las mismas épocas. El juicio contra Anne Pedersdotter en 1590, fue uno de los más documentados de los numerosos juicios por brujería que se llevaron a cabo en Noruega durante los siglos XVI y XVII. Anne ya había sido juzgada y absuelta 20 años antes, pero se ve que algunos le tenían demasiada inquina para dejarla tranquila y las acusaciones y rumores regresaron en 1590, esta vez no hubo salvación. 

Si se leen los cargos y los testimonios, resulta tan espeluznante como vergonzoso (claro que hay que ponerse en la época) que se diera pábulo a tanta superchería: Matar a cinco o seis personas, entre ellas un niño; matar a un peral (sic); volar para asistir a las reuniones de brujas de Lyderhorn, en las que planeaban desastres naturales que solo evitó la intervención de un ángel blanco y otras lindezas semejantes.

Filmada durante la ocupación nazi de Dinamarca, hay quien ve en la película de Carl Theodor Dreyer una sutil metáfora sobre el régimen nazi equiparándolo con la creciente represión social y la paranoia vivida en Noruega en la época de la caza de brujas en aquel país, incluyendo interrogatorios y torturas; no olvidemos que Dreyer huyó de Dinamarca durante la ocupación y se refugió en la vecina Suecia.

Interpretaciones personales aparte, el cineasta danés traza una agria crítica sobre el fanatismo religioso y sus consecuencias, frente al Dios del amor y el perdón, la ira y el terror; frente a la vida, la muerte.

Con algunas composiciones inspiradas en los maestros flamencos de la pintura, excelente fotografía y maravillosas interpretaciones, es una historia oscura cargada de pesimismo que retrata a una sociedad presa del miedo que imponen los intransigentes.

ORDET (LA PALABRA)

 

Hacia 1930, en un pequeño pueblo de Jutlandia occidental, vive el viejo granjero Morten Borgen (Henrik Malberg). Tiene tres hijos: Mikkel (Emil Hass Christensen), Johannes (Preben Lerdorff Rye) y Anders (Cay Kristiansen). El primero está casado con Inger (Birgitte Federspiel), tiene dos hijas pequeñas y espera el nacimiento de su tercer hijo. Johannnes es un antiguo estudiante de Teología que, por haberse imbuido de las ideas de Kierkegaard e identificarse con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio.

El guion adapta una obra de 1932 del dramaturgo danés y sacerdote rural luterano Kaj Munk (1898-1944). Este hombre había manifestado su admiración  por Hitler, incluso por Mussolini, aunque abjuró de sus opiniones sobre ellos por la persecución judía en Alemania y la Guerra propiciada por Mussolini en Abisinia. 

Munk acabaría siendo arrestado y posteriormente asesinado por la Gestapo el 4 de enero de 1944 y es tenido por un hombre santo por la Iglesia Luterana.

Historia de resurrección milagrosa provocada por el amor humano, es una expresión extraordinaria de optimismo espiritual que no resulta ni sentimental, ni piadosa. La intolerancia religiosa y las tensiones familiares en esta familia campesina danesa son la base de la película, que explora el choque entre la forma tradicional y conservadora de entender la religión y la verdadera fe y cómo el amor es el mejor (si no el único) remedio contra la intolerancia. 

Carl Theodor Dreyer logra sus poderosos efectos de manera simple en apariencia, con una ambientación carente de artificios que consigue subyugar al espectador más allá de estar de acuerdo o no con sus postulados sobre la fe.