UNA MENTE MARAVILLOSA

Obsesionado con la búsqueda de una idea matemática original, el brillante estudiante John Forbes Nash (Russell Crowe) llega a Princeton en 1947 para realizar sus estudios de postgrado. Es un muchacho extraño y solitario, al que sólo comprende Charles (Paul Bettany), su compañero de cuarto. Por fin, Nash esboza una revolucionaria teoría y consigue una plaza de profesor en el MIT. Alicia Lardé (Jennifer Connelly), una de sus alumnas, lo deja fascinado al mostrarle que las leyes del amor están por encima de las de las matemáticas. Gracias a su prodigiosa habilidad para descifrar códigos es reclutado por Parcher William (Ed Harris), del departamento de Defensa, para ayudar a los Estados Unidos durante la Guerra Fría contra la Unión Soviética.

Sin embargo, junto a esta brillante actividad profesional, Nash ha de convivir con un problema que cada vez se hace más frecuente, pues se está volviendo paranoico, situación que llega incluso a dificultar su tarea como matemático.

En contra de su voluntad y de la de algunos de quienes le rodean que temen que su mente pueda verse perjudicada, Alicia decide pedir ayuda especializada y solicita su internamiento en un centro psiquiátrico.

Tras una dolorosa serie de sesiones de terapia de shock a base de insulina, Nash es liberado bajo la condición de que acepte tomar medicación antipsicótica. Sin embargo, las drogas crean efectos secundarios negativos que afectan su relación con su esposa y, más dramáticamente, a su capacidad intelectual. Frustrado, Nash secretamente deja de tomar su medicación y acumula sus pastillas, provocando una recaída de su psicosis.

El guión se basa en el libro "Una mente prodigiosa" de la periodista del New York Times especializada en temas económicos, Sylvia Nasar, que está considerado como una biografía no autorizada del ganador del Premio Nobel, economista y matemático John Forbes Nash.

Magnífico film, que se llevó los Oscar a la mejor película, director (Ron Howard), actriz reparto de (Connelly) y guión adaptado (Akiva Goldsman) y con una estupenda actuación de Russell Crowe.

Por medio de un hábil recurso, en el que se mezclan la realidad y el imaginario mundo del protagonista, la película consigue salir de lo que sería una película biográfica al uso y más tratándose de un asunto tan poco atractivo para el gran público como los esfuerzos de un matemático por hallar una idea original en el mundo de la economía mediante complicadas fórmulas matemáticas.

Pero además de la lucha de este hombre por controlar, ya que es incurable, su esquizofrenia paranoide, se nos traslada de manera brillante, a la que no es ajena la magnífica actuación de Jennifer Connelly, el sufrimiento de las familias y los seres más allegados a la hora de convivir y tratar de ayudar en su día a día a estos enfermos en una relación que, en los casos más graves, puede ser sencillamente insufrible.

El giro que la trama efectúa hacia la mitad del film, hace que espectador de repente se vea ante una realidad distinta y empiece a comprender y a ponerse en la piel del protagonista y de lo dura que resulta su existencia a partir de que es consciente y asume su mal, y a comprender la no menos dura situación de su esposa.

Estupenda partitura de James Horner, bien fotografiada y con escenas brillantes, en algunos casos conmovedoras, como la de la entrega de plumas por sus colegas que realmente consigue ponerte un nudo de emoción en la garganta.

Recomendable.

SON DE MAR

A Circea, una pequeña ciudad de la costa levantina española, llega Ulises Adsuara (Jordi Mollà), que es profesor de literatura y suplirá la baja de su predecesor, recientemente fallecido.

Conoce a Martina (Leonor Watling), una bella y sensual muchacha que trabaja con sus padres en la pensión en la que Ulises se ha instalado. Ulises se siente deslumbrado por la joven, y ella sucumbe ante los relatos que él le recita al oído. Fantásticos fragmentos de poemas de Homero, Horacio, Virgilio… Su relación se hace cada vez más intensa, y culmina con el embarazo de Martina. Se casan y las cosas cambian porque Ulises se siente cada vez más distante de todo: el ambiente, el lugar y el entorno le ahogan.

Un día, sale de madrugada a la pesca de atunes, y desaparece. Se le da por muerto y se celebran funerales con todos los honores. Pasado el tiempo, Martina se casa con Alberto Sierra (Eduard Fernández), un rico constructor local, símbolo de la opulencia que caracterizó a muchos de los que vivieron del ladrillo a finales del pasado siglo y comienzos del presente. Alberto siempre se había sentido atraído por la chica y, al casarse, reconoce como padre al hijo que había tenido con Ulises. Martina se adapta a la nueva situación; se instala en un ambiente de lujo y caprichos y todo va bien hasta que, pasados diez años, y después de insistentes y enigmáticas llamadas telefónicas, reaparece Ulises que no ha podido olvidar a su mujer y quiere volver a verla. Como ella sigue también enamorada, le da una segunda oportunidad. Para evitar que sea descubierto, encierra a Ulises en el ático de un edificio cuyos apartamentos, ya terminados, no se pueden vender por un problema con el permiso del ayuntamiento.

Basada en la novela homónima de Manuel Vicent (premio Alfaguara de novela 1999).

He leído por ahí muchos comentarios diciendo que la novela es magnífica y que la película no es una buena adaptación. Son opiniones, como la mía, claro, pero no les hagan demasiado caso, en primer lugar porque la novela no es nada del otro mundo, ya saben lo que pasa con los premios literarios, que muchas veces se dan pensando en vender, más que en otra cosa y este es el caso. Seguramente Alfaguara publicó aquel año unos cuantos libros más interesantes que este.

Aunque disfrazada de una especie de homenaje a los clásicos, con citas literarias de autores griegos y latinos y un remedo de la historia de Ulises, en realidad no hay nada de eso, porque el protagonista, ni es Ulises, mas que de nombre, ni se nos cuenta nada de su periplo de diez años desaparecido.

Lo único que la película refleja bastante bien, es el retrato de ese nuevo rico de la costa que se hizo de oro especulando con el terreno a pie de playa, se pinta a un personaje entre hortera, chulo y mafioso, bien interpretado por Eduard Fernández.

La que también está bastante bien es Leonor Watling y no hacía falta desnudarla, porque vestida está incluso más guapa.

La película tiene una fotografía preciosista de José Luis Alcaine, con unas cuantas tomas sobre el mar de esas que lucen mucho (amaneceres, contraluces...) y algunos planos que tratan de buscar enfoques de cierta originalidad desde ángulos poco habituales.

En ciertas escenas Bigas se recrea en la belleza de los cuerpos desnudos mediante composiciones que en cámara quedan muy estéticas y que, supongo, debieron implicar un trabajo ímprobo y peculiar (me lo estoy imaginando y no se si reírme o llorar) para sus protagonistas.

La película es de cierta calidad visual, pero deja qué desear en otros aspectos.

PARÍS TOMBUCTÚ

Michel des Assantes (Michel Piccoli), un prestigioso cirujano plástico francés con problemas de impotencia que está tratando de superar con llamativas terapias, está desencantado de la vida y decide poner fin a la misma arrojándose desde el balcón de su consulta parisina.

Sin embargo, en el último momento tiene una especie de inspiración cuando ve a un trotamundos que viaja en bicicleta y que está comprando fruta. El frutero y el viajero tratan de evitar el suicidio de Michel, aunque este ya ha desistido y, en su lugar, decide comprarle la bicicleta y emprender el viaje a Tombuctú, que se le antoja un lugar mítico por su exotismo, en busca del secreto de la felicidad.

Su viaje se ve interrumpido cuando sufre un accidente a la altura de Calabuch, un pueblecito de la costa levantina que se le muestra tan caótico como la existencia que pretendía dejar atrás.

Le acogen y le cuidan dos hermanas, la impetuosa Trini (Concha Velasco) y la mística visionaria Encarna (Amparo Soler Leal), ambas le ayudarán a curarse de sus heridas.

Coincidiendo prácticamente con el cambio de milenio, Michel vivirá una serie de delirantes situaciones, compartidas con los habitantes de la particular localidad mediterránea: Gaby (Javier Gurruchaga) el peculiar hermano de Trini y Encarna; Boronat (Juan Diego) un ácrata nudista; un sacerdote convicto de asesinato, inmigrantes desobedientes, políticos y empresarios corruptos.

Berlanga se rodea de un elenco de actores muy conocidos en la escena española, con el francés Michel Piccoli como protagonista, con el que ya había trabajado en Tamaño natural.

Seguramente estamos ante el testamento cinematográfico de Berlanga que sintió que había hecho la película que quería en aquel momento.
Durante los títulos de crédito suena la canción  "A ninguna parte", interpretada por Manolo Tena.

Mucha gente quedó descolocada con esta postrer película del director levantino, desde la crítica especializada, hasta algunos de los devotos de Berlanga y, probablemente, más de uno, por tratarse de quien se trataba, no se atrevió a decir que no les gustó la película.

A estas alturas, el valenciano podía hacer lo que quisiera más o menos, tenía crédito sobrado por su pasado en el cine español y se lanzó a esta aventura en la que recrea su universo personal, con un protagonista que, en algunos aspectos, parece su alter ego, descreído, desencantado, cargado de mala uva, que decide dejarlo todo atrás, pero que no puede sustraerse a la compañía de los demás cuando encuentra a gente sencilla y sin malicia, aunque estén más sonados que una olla de grillos.

Berlanga se da otro tipo de satisfacciones, saca a relucir algunos de los tópicos de su tierra, que a él le gustan y disfruta como un niño pequeño, allí están la paella, el pescado, las fiestas de moros y cristianos, las mascletás... Con ojos llenos de admiración, ve más allá de la simple representación, pues para él, este universo es la esencia de su pueblo, de su gente.

Aquí aparecen también circunstancias que forman parte de la esencia de Berlanga como hombre (fetichismos varios) y algunas de las preocupaciones que seguramente tenía en aquel momento, como la decrepitud física o el miedo a lo desconocido o a esa misma merma física.

A mi me parece que, sin dejar de lado algunas puyas que lanza a diestro y siniestro, es una película muy personal y que posiblemente su mayor defecto es que resulta excesiva y un poco embarullada en lo que pretende representar con los personajes que la pueblan.
El propio Berlanga decía que había pretendido hacer un modesto homenaje a la chabacanería hispana dando una intención lúdica al chiste verde, a la frase de doble sentido, a la ordinariez de la braga y el calzoncillo, pero no intentando dignificarlo, sino simplemente mostrándolo todo lo más cruda y soezmente que había podido. Y, sobre todo, para él suponía la única película a la que había añadido una aproximación a sus infiernos más profundos.

MANOLITO GAFOTAS EN ¡MOLA SER JEFE!

Aquí acaba el recorrido cinematográfico del personaje creado por Elvira Lindo, primero para la radio y, más tarde, para los libros, aunque también tuvo una serie de televisión dirigida por Antonio Mercero.

En esta ocasión Manolito (Doro Berenguer) se encuentra en plenas vacaciones navideñas. Unas fiestas en las que además de pensar en los juguetes que va a pedir a los reyes, recibirá un regalo muy especial. Se trata de la visita del tío Nico (Óscar Ladoire), que vive en Oslo, donde trabaja de camarero y se ha traído como acompañante a su novia noruega, Trudi Bergenkoklass (Marcela Walerstein). En un restaurante chino, Manolito conoce a Phio-Ling (Cervantes), un niño que le ayudará a hacer realidad uno de sus más preciados sueños: convertirse en el jefe de su panda formada por Yihad (Jorge Jiménez), Susana (Sandra Alonso), Mostaza (Eduardo Estradé), El Orejones (Iván Perete)... La película se desmarca de la anterior, con reparto absolutamente renovado.

Deja de lado el costumbrismo de la anterior película para adentrarse en una delirante historia que se va perdiendo en unas situaciones de humor muy pobre.

Los efectos especiales, pocos y muy mal manejados, con una escena, aquella del principio en la que Manolito se pierde en la niebla, que en vez de niebla es humo y no digamos la escena del final, un esperpento que resume el bodrio que hemos presenciado.

Un proyecto fallido, incluso el casting deja que desear con respecto a la entrega precedente.

EN UN RINCÓN DEL ALMA

Libro intimista, pero que nos cuenta cosas que podemos reconocer en la vida diaria, cosas de nosotros mismos o de gente cercana a la que conocemos sobradamente, aunque en esta ocasión los acontecimientos se desarrollan en un mundo en el que la magia está presente.

Antonia J. Corrales nos acerca a una historia en la que te hace sentir que nos está contando cosas que le han sucedido, como si fuera una autobiografía y es que logra ponerse en la piel de la protagonista y hacer que su mundo y su historia, sean de ella misma. El relato de una de tantas mujeres sumergidas en un matrimonio cuyos miembros se distancian día a día, envueltos en el desahogo económico fruto del absorbente trabajo de él, de sus largos viajes, de los "imprevistos" que le mantienen alejado del hogar y del olor a perfume femenino en su corbata.

Aunque todo se ve venir, Jimena ha ido dando tiempo al tiempo, enamorada como está de su marido, primero sustentanda por la crianza de los hijos y más tarde por la compañía de Sheela y Remedios, “Las brujas de Eastwick” llaman en los mentideros del pueblo a esta especie de triángulo mágico.

La violencia de género, el amor clandestino, la aventura soñada del viaje a Egipto a espaldas de la familia, donde encontrará a su príncipe azul, las constantes referencias a los iconos de una juventud que se escurre entre los dedos (Gunter Grass, Mafalda, Silvio Rodríguez, Cien años de soledad...). La historia de una mujer que se refugia bajo el paraguas rojo y sueña, mientras él se muere por ir al grano, con un tranquilo abrazo, una charla a la luz de las velas, oler su perfume mientras él le acaricia la nuca, sentir sus manos deslizarse por sus muslos con deseo pero sin ansia. Una mujer necesitada de volver a sentirse viva y deseada, no “cumplida”, de volver a ser mujer, su mujer.

¿Literatura Chick-lit?, probablemente y más si pensamos en que este tipo de angustias, de frustraciones y sueños, forman parte del bagaje de la mujer de nuestras sociedades occidentales avanzadas, puesto que en paises menos favorecidos, seguramente sobrevivir y llegar a mañana es la principal preocupación de las mujeres de clase menos favorecida.

TODOS A LA CÁRCEL

Con el fin de cobrar una deuda de la Administración Pública que viene arrastrando desde hace tiempo, un pequeño empresario llamado Artemio (José Sazatornil) asiste al Día Internacional del Preso que se celebra en el interior de una cárcel. El festejo, organizado por Quintanilla (José Sacristán), un hombre astuto y especialista en organizar este tipo de eventos colectivos y bulliciosos, es un acto más bien político al que acuden las autoridades más representativas de la región, junto a otras personalidades del mundo de la cultura, las finanzas o el poder eclesiástico. Durante los preparativos, comienzan a ocurrir una serie de desastres, entre ellos, el número de asistentes es muy reducido, ya que el evento coincide con la final de la copa de fútbol. Mientras Quintanilla intenta que todo marche sobre ruedas, Artemio aprovecha la ocasión para hablar con el subsecretario de Cultura.

Mientras tanto, en el exterior del recinto se fragua la fuga de un mafioso recluso, Paolo Tornicelli (Torrebruno), influyente banquero italiano y jefe de una compleja red internacional de actividades delictivas. El director de la prisión coordina la operación, asistido por Muñagorri (Juan Luis Galiardo) otro banquero, que precisamente se encuentra también en dicho acto. Cada asistente posee unos intereses concretos y unas metas específicas, aunque todos acuden a la celebración aludiendo solidaridad y el deseo de compartir la mesa con aquellos que se encuentran privados de libertad.

En más de un sentido, la película es una consecuencia de la trilogía de la familia Leguineche, aunque no es es la misma historia, pero sí responde al mismo mundo de mentira y descaro, como decía Berlanga: La golfería nacional.

El punto de arranque es "El día del preso", una especie de homenaje a los presos, inventado supuestamente por los nuevos mandatarios durante la primera época socialista. Bajo el parapeto de un acto solidario, todo el mundo que acude lo hace por intereses personales, utilizando una situación precaria, incluso angustiosa para quien la sufre, para obtener prebendas y ayudas.

La película tuvo un éxito limitado, quizá porque se adelantó en un par de años a la realidad, cuando empezaron a hacerse públicos algunos escándalos financieros y de tráfico de influencias y los primeros acusados comenzaron a desfilar por los juzgados.

No obstante obtuvo tres premios Goya, entre ellos el de mejor película y mejor dirección. 

La película tiene un guión un tanto deslabazado en el que se mezcla la historia del pretendido acto solidario, en realidad un pretexto para que unos vivales le saquen pasta a la administración pública y por otro la fuga de banquero italiano que, al final, queda poco explotada.

Berlanga aprovecha para no dejar títere con cabeza, allí pone en solfa a varios estamentos públicos y seudopúblicos y a quienes se aprovechan de ellos para medro y beneficio personal, desde las propias instituciones, hasta las ONG, nadie se libra del dardo envenenado del realizador levantino y eso que entonces no ocurría nada comparado con la que está cayendo en la actualidad. En algunas fases el film se sostiene principalmente por las actuaciones del maravilloso plantel de cómicos que intervienen en la película.

Por cierto, tiene un pequeño papel, como Vanessa, la amante transexual del director de la prisión, un joven que no llegó muy lejos en el mundo del cine, pero que tras cambiar su apellido, Domínguez, por Delfín, se conviritió en todo un referente en el mundo del diseño de moda. Ese joven se llamaba David Delfín, que nos abandonó el pasado sábado día 3 de junio víctima de un tumor cerebral que apagó su vida.

LÁZARO DE TORMES

Es curiosa la historia de esta película, pues Rafael Álvarez "El Brujo", encargó a Fernando Fernán Gómez, que escribiera el guión de una película tomando como base el monólogo teatral que protagonizaba y que era una adaptación del Lazarillo de Tormes del propio Fernán Gómez. Unos productores mexicanos iban a producir la película, pero todo quedó en agua de borrajas, hasta que doce años después, Andrés Vicente Gómez compró los derechos a los mexicanos y puso de nuevo en marcha el proyecto, encargando a Fernando Fernán Gómez la dirección. Por si fuera poco, Fernán Gómez enfermó de gravedad apenas iniciado el rodaje y hubo de ponerse al frente del mismo su amigo José Luis García Sánchez. Fernán Gómez quedó, aparte de agradecido, satisfecho con el resultado final.

No era tarea fácil la que tenía el guionista y realizador la de trasladar a imágenes cinematográficas el monólogo teatral en el que "El Brujo", solo en el escenario, se dirige a un tribunal que no se ve, pero se sabe que está allí, y también al público de la sala, al que mira de frente.

El Lazarillo de Tormes es una de las obras cumbres de la literatura en castellano y, como digo, no era sencillo, si no se quería caer en una película que fuera la grabación pura y simple de la obra teatral que es la adaptación del propio Fernán Gómez, entre otras razones porque el protagonista no cuadra con la edad que se supone debe tener Lázaro, al menos en sus primeras aventuras.

Así que Fernando Fernán Gómez optó por hacernos ver a un Lázaro que rememora ante el tribunal sus andanzas y va mezclando su declaración ante los jueces y la representación de lo que fueron aquellas aventuras, en las que se ve a un Lázaro ya maduro, excepto en las del inicio de su vida (cuando sirve al ciego, o al clérigo, por ejemplo), en las que le representa aún niño, eligiendo para ello a Manuel Lozano, al que recordamos por su entrañable trabajo en La lengua de las mariposas.

El reparto es de verdadero lujo, nombres muy sonoros del panorama nacional, aparte de los mencionados Rafael Álvarez o Manuel Lozano, nos encontramos a un magnífico Karra Elejalde, a una espléndida Beatriz Rico, o a Manuel Alexandre, Álvaro de Luna, Agustín González, José Lifante, Francisco Rabal (en una de sus últimas apariciones), Francisco Algora, Juan Luis Galiardo, Emilio Laguna o Tina Sáinz, entre otros.

Creo que el resultado de la película es desigual, es evidente que la historia y el texto del Lazarillo ya son una maravilla y que suponen un gran apoyo de partida, aunque no siempre da con la manera de transmitirlo en imágenes y, en ocasiones, a pesar de lo buen actor que es, puede resultar un tanto redundante ver una y otra vez a Rafael Álvarez declamando, convirtiendo a Lázaro casi en un cuentacuentos.

Estupenda ambientación, en la que tienen no poco que ver los figurines de Javier Artiñano, nos quedamos con un regusto agridulce al ver, por un lado a tan grandes actores como logró reunir esta producción y, por otro, que no logra, a mi modesto parecer, sacarle todo el jugo al texto original.