GUERREROS

Durante la guerra que desangró y desmembró la antigua Yugoslavia, el Ejército español participa en una misión internacional que se establece en la zona fronteriza entre Serbia y Kosovo.

Un pelotón de zapadores se apresta para reparar una estación de transformación eléctrica que ha sido saboteada y que ha dejado sin energía eléctrica a una población que se asienta en lo que otrora fuera un idílico valle.

Junto a un grupo de soldados franceses, los españoles se dirigen a la zona de exclusión, conocida como "territorio de sombra", donde los paramilitares de los señores de la guerra locales, imponen su ley. En su desplazamiento se ven detenidos en un control de uno de estos grupos irregulares y se establece una tensa negociación entre el oficial francés al mando y los paramilitares que acaba en un sangriento tiroteo en el que los soldados franceses perecen (excepto uno) y los españoles van a parar a un río de rápida corriente cuando están a bordo de su vehículo blindado que amenaza con hundirse con todos ellos en el interior. Salen como pueden, rodeados de fuego hostil y cuando consiguen reunirse aguas abajo, comienzan a ser conscientes de que no saben muy bien dónde se encuentran exactamente y tienen dudas de que el resto del contingente internacional lo sepa y pueda venir en su rescate.

Actores jóvenes, unos medios que no están nada mal para lo que es el cine español y una idea inicial que promete. Sin embargo la cosa nunca acaba de funcionar, como si el guión se moviera en una deriva de no saber muy bien para dónde tirar, si hacia el lado épico o hacia la justificación pretendidamente antibelicista del film.

Esta indefinición, junto a unos diálogos pobres, cuando no irreales y una muy mejorable definición de muchos de los personajes y de los acontecimientos (nunca llegamos a distinguir con cierta claridad a los albanokosovares de los serbios) juegan en contra del desarrollo del film.

En cuanto a algunas escenas que han sido criticadas por cómo están planteadas, decir que por más surrealista que nos pueda resultar, situaciones de tanta ineptitud o más, se dan en la vida real de estas misiones, aunque es cierto que hay cosas que chirrían un poco más de la cuenta y que son incluso absurdas por no decir que siente uno un poco de vergüenza ajena al asistir a la manera en que son narradas.

El film pretende centrarse en un mensaje representado sobre todo por el soldado Vidal (Eloy Azorín), un tipo idealista que está convencido de que se halla dentro de una misión humanitaria y está dispuesto a ayudar a los civiles del lugar, hasta que, por la fuerza de los acontecimientos, acaba convertido en una despiadada máquina de matar.

En lo positivo, el esfuerzo por afrontar un género con tan poca tradición en el cine español (salvo como descarado intento de enaltecimiento de determinada situación política), aunque es penoso que en su momento, en la propaganda y las declaraciones de los intervinientes en el film, no hacían más que repetir que no era una película bélica. Tanta disculpa me da mala espina.

También la manera pudorosa con la que Calpasoro nos hace llegar la violación de la soldado Balbuena (Carla Pérez), mediante una elegante elipsis a la que la intérprete aporta su buen hacer gestual, demostrando que para transmitir el drama de una situación, no hace falta regodearse en ella.

Lograda fotografía de Josep M. Civit, unos muy logrados efectos especiales y una banda sonora compuesta por el grupo de pop electrónico español NajwaJean, para este film que tiene algunas buenas escenas alternadas con otras que dejan qué desear y le quedan a uno con la impresión de que pudieron haber sacado mucho más jugo a la idea de haber trabajado un poco más el guión.
Un film entretenido, pero que te deja un sabor final de cierta confusión.

CALABUCH

Cansado de trabajar en la construcción de bombas atómicas y alarmado ante el alcance destructor de su descubrimiento, un científico norteamericano de prestigio internacional huye de su país y se refugia en el anonimato de un apacible pueblo de la costa mediterránea llamado Calabuch. Una vez allí, el profesor es confundido con un cómplice de un contrabandista, siendo detenido y encerrado en un calabozo.Sin pretenderlo, el científico, que es tomado por un vagabundo, bondadoso e indocumentado llamado Jorge Serra Hamilton (Edmund Gwenn), se va integrando totalmente en la vida de Calabuch. Traba amistad con sus peculiares habitantes, les ayuda a resolver sus problemas y participa en todo tipo de actividades. Así, proyecta las películas en el viejo cinematógrafo, ayuda a la maestra en el pequeño colegio y, llegadas las fiestas patronales, termina haciendo aquello que mejor sabe, construir cohetes y fuegos artificiales que se elevan hasta alturas nunca alcanzadas en la comarca. Son precisamente estos cohetes los que alertan a las autoridades internacionales sobre la localización del científico. Cuando la flota norteamericana acude al lugar en su busca, todos los habitantes del pueblo, desde la maestra al párroco, pasando por el cabo de la carabineros y el contrabandista, se solidarizan para impedir el rescate. Sin embargo, Jorge sabe que es inútil oponerse y decide finalmente marcharse por su propia voluntad, sin ofrecer resistencia y consciente de que se ha ganado la amistad y el cariño de todo Calabuch.

Berlanga puede contar en esta coproducción hispano-italiana, con actores internacionales, gracias al prestigio que va ganando fuera nuestro cine. Bardem gana premios en festivales internacionales y las películas de Berlanga interesan fuera de nuestras fronteras, lo que permite al cine español ir saliendo del anquilosamiento en que lo había sumido el franquismo.

Berlanga sortea como buenamente puede los problemas con la censura para ir metiendo pequeñas críticas sociales, en un clima nada propicio, en el que los censores examinan con lupa cada centímetro de metraje. Con esa influencia negativa, la productora opta por alterar el título de la película y en lugar de Calabuig, titula el film "Calabuch", para que suene menos a catalán-valenciano en el resto de España, sin reparar en que el título originalmente pensado, suena "Calabuc" cuando se pronuncia en el idioma levantino.

Con mucho humor (que Berlanga se atribuye a sí mismo) y una buena dosis de sentimentalismo que, según el realizador se debe a la mano de Ennio Flaiano, otro de los coguionistas, en esta ocasión la crítica irónica sobre aspectos de la sociedad del momento, toma un aspecto más amable y menos ácido que en otros films de Berlanga.

Con el paso del tiempo, el film ha cobrado un importante valor documental, pues está rodado en Peñíscola, poco antes de que el desarrollismo y la especulación turística y urbanística convirtieran el maravilloso pueblo levantino en lo que hoy conocemos.

Partidario de mostrar la incomunicación en que vive nuestra sociedad a través de esos diálogos multitudinarios en que todos hablan al tiempo sin escuchar a los demás, Berlanga nos ofrece uno cuantos pasajes de estos diálogos tumultuosos y algunas secuencias realmente geniales (esa especie de capea en la playa; la de Jorge interpretando al armonium "Oh! Susanna" en plena celebración religiosa en el templo; o el cabo ordenando numerarse y quienes hacen de soldados romanos, que le responden que no saben hacerlo en la numeración romana...).

Calabuch es un sueño, una especie de Brigadoom, con algo del pueblo que José Luis Cuerda retrató en Amanece que no es poco, lugares imposibles fuera de lo imaginario. En Calabuch no hay maldad y cada uno es feliz haciendo lo que más le gusta. Se ha criticado este buenismo que expone Berlanga en su película, aduciendo que la España del momento no era así y mucho menos sus pueblos y sus gentes sumidos en un ambiente que nada asemejaba con el que aquí se nos pinta. Sin embargo, tras este tono aparentemente amable, subyace una crítica bastante más amarga de lo que las situaciones alegres, incluso divertidas, pueden aparentar y el mensaje final no deja de ser desalentador.

MIGUEL HERNÁNDEZ Y RAFAEL ALBERTI, DOS POETAS ENFRENTADOS

Amigos, intelectuales de la misma generación literaria y miembros del Partido Comunista (en el que Miguel Hernández entró de la mano de Rafael Alberti y de su mujer, María Teresa León), la relación entre los dos poetas se fue agriando a lo largo de la Guerra Civil hasta el punto de que, más allá de pasar temporadas sin dirigirse la palabra, el gaditano dejó fuera a Miguel de la lista que, en los estertores de la contienda y con los peores augurios para el bando que ya se perfilaba como perdedor, confeccionaron él y su mujer para solicitar asilo en la Embajada de Chile. Tampoco el matrimonio Alberti-León le invitó a acompañarles en el vehículo que recogió a la pareja en Madrid para trasladarles hasta Monóvar, última sede del Gobierno de la República.

Miguel Hernández fue proclamado «poeta del pueblo» mientras Alberti era abucheado por unos milicianos en la sierra de Madrid, y la distinta procedencia social de cada uno (el cabrero frente al burgués) ahondaron en un distanciamiento que estalló en febrero de 1939. Fue en la sede de la Alianza de Intelectuales Antifascistas de Madrid, en el Palacio de los marqueses del Heredia-Spínola (incautado para servir de base a los artistas que apoyaban la República). Miguel llegaba del frente en la sierra madrileña y vio los restos de la comilona que Rafael y sus amigotes acababan de meterse para el cuerpo. Ni siquiera se sentó. Se dirigió a un encerado, tomó una tiza y escribió: «Aquí hay mucha puta y mucho hijo de puta». La única mujer presente era María Teresa León que se acercó corriendo y le arreó un puñetazo que le rompió un diente.

Juan Ramón Jiménez, conocido por no tener pelos en la lengua, en su libro Guerra en España no se anduvo con tibiezas al escribir, años después, que «los poetas no tenían convencimiento de lo que decían. Eran señoritos, imitadores de guerrilleros, y paseaban sus rifles y sus pistolas de juguete por Madrid, vestidos con monos azules muy planchados. El único poeta, joven entonces, que peleó y escribió en el campo y en la cárcel, fue Miguel Hernández...».

ROMEO Y JULIETA

Montesco y Capuleto, dos familias de Verona que viven enfrentadas, protagonizan una pelea callejera, ante la que el Príncipe (Vondie Curtis-Hall) reacciona anunciando que cualquier disputa que se produzca en parecidos términos, será castigada de manera contundente.

El conde Paris (Paul Rudd) anuncia su intención de casarse con Julieta (Claire Danes), de la familia de los Capuleto, que tan solo cuenta trece años, el anunció se hará en el fastuoso baile que todos los años organizan los Capuleto. Al baile asistirá, entre otros, Romeo (Leonardo DiCaprio), de la familia de los Montesco. Allí las miradas de Julieta y Romeo se cruzan y ambos quedarán perdidamente enamorados.

Ambos jóvenes buscan el apoyo de de fray Laurence (Pete Postlethwaite), que anhela una reconciliación entre las dos familias y accede a casarles en secreto.

Tybalt (John Leguizamo), primo de Julieta, desafía a Romeo al descubrir que este se coló en la fiesta sin estar invitado, pero Romeo no acepta el reto, aunque al no poder aclarar que es por su nueva situación respecto a los Capuleto, pasa por cobarde y será Mercutio (Harold Perrineau), avergonzado por la actitud de Romeo, quien pelee en su lugar hasta caer mal herido en la disputa. Ante la tragedia, Romeo se obceca y mata a Tybalt.

El dolor por la muerte de su primo, se agrava en Julieta cuando su padre hace planes para casarla con el conde Paris. Fray Laurence aconseja a Julieta que tome una droga que la dejará en estado cataléptico durante un par de días, pero para que no se sobresalte, Romeo, que ha huido a Mantua, deberá ser informado del plan por un mensajero que no consigue entregarle la carta que le ha escrito el fraile.

Peculiar adaptación del inmortal clásico de William Shakespeare. La acción se traslada a la época actual en una Verona mitad onírica y mitad fantástica.

Arriesgada y original apuesta la de Baz Luhrmann que consigue uno de esos films en los que no hay medias tintas, o lo admiras o te parece un sacrilegio.

Envuelto en un ambiente de bandas rivales (al estilo de West side story), con lejanos tintes musicales que vienen más de la estética y una especie de puesta en escena coreografiada, que de la propia música en sí, sin embargo los diálogos respetan en buena medida el texto de Shakespeare y, en la versión original, los actores declaman siguiendo el ritmo del pentámetro yámbico.

Buenas actuaciones de los dos protagonistas principales, bien secundados por el coro de actores que les rodea en una película que tiene algo de rompedor y mucho de arriesgado y que consigue, con una estética deliberadamente recargada y tras un arranque que, a mi modo de ver, repele un poco por lo excesivo, acabar arrastrando al espectador a medida que la película se va sosegando, sin perder por ello el ritmo vivo general que se ralentiza hábilmente para remarcar los momentos cruciales.

Entiendo a aquellos que no les guste, pero a mí me convenció.

MUERTE EN GRANADA

España, año 1936. Los jóvenes Ricardo Fernández (Naím Thomas) y Jorge Aguirre (Gonzalo Penche) son dos fieles seguidores de la obra del poeta granadino Federico García Lorca (Andy García). Ricardo conoce a Federico cuando presenta en Madrid su obra Yerma, y el célebre poeta se despide de él con un "no me olvides"... Pasados dieciocho años, Ricardo, que ya ha cumplido los 31 (Esai Morales), trabaja como periodista en San Juan de Puerto Rico, pero no ha conseguido olvidar el asesinato de Lorca, ocurrido al comienzo de la Guerra Civil. Decidido a averiguar la identidad del responsable del crimen, vuelve a España. Sin embargo, la España de Franco sufre aún las secuelas de la guerra y sus habitantes parecen querer enterrar el pasado. Además, todavía abundan los detractores del poeta, como el siniestro Centeno (Miguel Ferrer). Ricardo hace caso omiso de las amenazas y las palizas que recibe y sigue empeñado en descubrir al asesino, ni siquiera se da por vencido cuando le llevan a la cárcel. Pero la respuesta a sus preguntas está más cerca de lo que jamás hubiera imaginado.

El guión se basa en los libros del hispanista irlandés Ian Gibson "El asesinato de Federico García Lorca" y "La vida de Federico García Lorca".

El guión modifica muchas de las cosas que están más o menos probadas históricamente, o bien cambia nombres o escenarios. Incluso con respecto a los libros en que dice que se inspira, los cambios son notorios.

Por ejemplo, todo el episodio relativo al domicilio de los hermanos Rosales, donde Lorca estuvo acogido hasta que fue detenido aprovechando la ausencia de los varones de la casa, por un lado hace referencia a situaciones reales, como la relación de Federico con las hermanas Rosales y con la madre de estas, que estaban encandiladas con el poeta que les contaba historias y tocaba el piano para ellas. Sin embargo, no sé por qué motivo, cambia los nombres y los Rosales, pasan a ser la familia González. En el caso de Ramón Ruiz Alonso, que al parecer, según el propio Ian Gibson, fue el responsable de la detención de Lorca, al ser el autor de la denuncia contra él, ni se le menciona y sus responsabilidades quedan repartidas entre dos o tres de los personajes del film.

Con todo este lío, la película pierde buena parte de su valor como testimonio histórico, que sacrifica en pro de la historia que fabrica el guión mezclando realidad y ficción, pero eso es algo totalmente legítimo, aunque advertimos de ello para que quien vea el film y desee saber con cierta aproximación todo lo que rodeó el asesinato de Lorca, se informe en otras fuentes. Los trabajos más conocidos al respecto son los del propio Gibson que ha dedicado buena parte de su vida a investigar la vida y la muerte de Lorca en varias facetas, pero en la actualidad hay bastante literatura al respecto, bien trabajada y fiable.

Las actuaciones, en general, dejan bastante que desear, quizá con la excepción de la poderosa presencia de Andy García.

En cuanto al film en sí, la idea de crear una intriga alrededor de las responsabilidades sobre la muerte del poeta, no está mal, pero naufraga en el intento, aunque pueda resultar entretenida, pero solo a ratos, en otros es demasiado previsible.

La trama gira alrededor del personaje que interpreta Esai Morales y sus intentos para poner nombre al culpable directo de la muerte del poeta y pierde mucha fuerza, que solo recupera, en parte, cuando la figura de Lorca reaparece en la historia.

Otra idea interesante del film, es poner como eje de la narración la elegía de Lorca titulada "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías". La fuerza de los versos de Lorca, declamados por el personaje del poeta, cobran una fuerza dramática excepcional, pues aunque Lorca no los escribió pensando en sí mismo, sino en su dolor y como homenaje a la muerte de un amigo, no es la primera vez que se ha visto en ellos una premonición, no sólo de la propia muerte del poeta, sino de la tragedia de la Guerra Civil en general.

JOHN FORD. EL HOMBRE Y SU CINE

El libro de Tag Gallagher es una inmensa obra sobre el gran cineasta del siglo XX. Inmensa en todos los sentidos, porque grande es la figura de John Ford y voluminoso el trabajo de Gallagher.

Publicado originalmente en 1986, nos acerca a la figura de este genio carismático y divertido, pero también tortuoso y sardónico que ocultaba su gran erudición bajo una apariencia casi de analfabeto, su acomodada posición económica bajo ropas desgastadas y su sensibilidad bajo la apariencia de hombre duro y despiadado. El hombre que tras rodar una escena, era capaz de encerrarse en su habitación, envolverse en una sábana y coger una borrachera de tres o cuatro días, tras haber gritado: ¡voy a emborracharme!

Según su hermano Francis, había tejido una leyenda de dureza alrededor de sí mismo para proteger y ocultar la suavidad y sensibilidad de su espíritu.

Por el libro desfilan testimonios de actores y técnicos que trabajaron con él, algunos le admiraban y otros, aún habiendo tenido problemas en su relación, acaban confesando la fascinación que este hombre era capaz de ejercer sobre quienes le rodeaban. Raramente explicaba algo y, aparentemente, no daba instrucciones a sus actores que en ocasiones, tenían que improvisar, pero siempre lograba sacar lo que pretendía de ellos.

El libro disecciona todas y cada una de sus películas, desde sus principios en el cine mudo, hasta su definitiva consagración y su aparente declive.

La historia de un maestro que agradará al lector en general, porque cuenta muchas anécdotas de su vida, algunas veces disparatada, pero sobre todo resulta muy atractivo para el cinéfilo por la gran cantidad de información y pormenores que ofrece sobre la carrera de este hombre y los detalles de la preparación y rodaje de sus films.

MAS ALLÁ DEL JARDÍN

Palmira Gadea (Concha Velasco), una aristócrata sevillana con una vida que responde a un orden perfecto: un marido atractivo, dos hijos estupendos, un hogar impecable y un jardín espectacular. A pesar de ello se siente insatisfecha, su aparentemente feliz matrimonio con Willy (Fernando Guillén), un exitoso ganadero, celebra las bodas de plata. Tiene unos hijos guapos y educados, y su casa es envidiable. Pero ella busca su propia identidad. De repente, se entera de que su marido le es infiel, uno de sus hijos no asume su ambigüedad sexual, y su hija le hace abuela. Palmira decide mirar más allá del jardín, dejarlo todo atrás y marcharse con una organización humanitaria a un país africano. Es en África donde se reencuentra con su primer amor y ahora médico.

La película es adaptación fiel de la novela del mismo título de Antonio Gala, con un guión de Mario Camus y una bonita fotografía de José Luis Alcaine.

Ruanda, país que al que se dirige, se cambió por Senegal a la hora del rodaje, por la guerra que vivía aquel territorio africano, aunque en el guión definitivo no se hace mención a ninguno concreto, mas que indirectamente a través de las noticias de televisión. A la hora de la elaboración del guión, se encontraron con la dificultad de que la novela transcurría íntegramente en Sevilla y que la llegada de la protagonista a Ruanda suponía otra novela. La solución, que propuso Mario Camus y que aceptó Olea, fue la de comenzar y terminar la película en Africa e introducir en plan flash-back toda la parte central de Sevilla.

Supongo, y sólo supongo, que la película quiere transmitirnos la insatisfacción de una mujer que comienza una nueva etapa en su vida (el médico le acaba de comunicar que acaba de entrar en el llamado climaterio) y se da cuenta de que jamás ha hecho lo que quería, sino lo que le decían o aquello a lo que la vida le arrastraba. Hay también una lejana y somera crítica a una determinada clase de la sociedad sevillana, pero sin entrar demasiado en el asunto.

Con unas interpretaciones que no me han convencido, comenzando por una Concha Velasco a la que todo el mundo pone por las nubes, pero yo encuentro artificial y en algunos momentos sobreactuada, sobre todo cuando se le va un poco la especie y declama su papel. El papel era en principio para Catherine Deneuve y después se le ofreció a Pepa Flores, que lo rechazó y eso que salió ganando.

Al final, la insatisfecha mujer, de la que se nos quiere transmitir un mensaje de coraje y valentía por romper con su cómoda vida, resulta que es una persona orgullosa de un jardín que no cuida ella y que se va a África como voluntaria de una ONG para pasearse con un antiguo novio.