BWANA

Antonio (Andrés Pajares) es un hombre sencillo que se gana la vida como taxista. Para salir de la rutina, decide marcharse a una playa de Almería con su mujer, Dori (María Barranco), y sus dos hijos. Su intención es pasar un día agradable y recoger coquinas. Sin embargo, en su tranquilo paseo irrumpe un personaje muy distinto a ellos. Se llama Ombasi (Emilio Buale) y es africano. Como tantos otros, ha cruzado el Estrecho en patera huyendo de la miseria de su país, pero en el difícil trayecto el amigo que le acompañaba ha perdido la vida. Cuando el matrimonio descubre el cuerpo sin vida del joven se alarma y, aunque los dos tienen muchos prejuicios raciales, las circunstancias les impulsan a ayudar al indefenso inmigrante, que ni siquiera habla español. Las cosas no pueden ir peor: el coche de la pareja no arranca, pues Antonio ha perdido la bujía que le quitó para que no se lo robaran, así que no les queda más remedio que pasar la noche junto a Ombasi que, mucho más experimentado que ellos en la supervivencia, ha logrado encender un fuego que les preserva del frío nocturno. A la mañana siguiente, el encuentro con una banda de skinheads y unos contrabandistas darán un vuelco a la vida del grupo.

El guión adapta la obra teatral "La Mirada del Hombre Oscuro" de Ignacio del Moral.

Es una lástima que una buena idea esté absolutamente mal desarrollada y peor presentada.

Nadie con un mínimo de conciencia solidaria va a poner en duda el drama de esta gente, seres humanos como nosotros, que recorre kilómetros y kilómetros en su África natal y acaba cruzando el estrecho en patera, bien muriendo en el intento, bien llegando a unas costas donde van a ser recibidos con recelo.

Pero ya lo hemos indicado al comentar algún otro film, no vale hablar de estas cosas, por muy trascendentales que sean, a cualquier precio bajo el argumento de que hay que concienciar al personal y difundir estas trágicas historias. Hay que ser un poco serios y aquí nos presentan a unos españoles de un nivel cultural, no ya bajo, sino inexistente. No creo que haya nadie por ahí que piense que un negro africano recién llegado, no sabe hablar español porque los africanos son muy brutos, y algo así es lo que dice María Barranco en una de las escenas.

Es solo un ejemplo de las tonterías que va enlazando la película, una tras otra, con diálogos pésimos y situaciones delirantes por lo mal traídas que están, todo ello para llegar a un final que es un compendio de torpezas. Esta escena última, es de lo peor que he visto en la pantalla.

EL GOLPE

Dos estafadores, uno joven y otro experimentado, trazan un plan para vengar a un amigo común asesinado por un capo mafioso. Un numeroso grupo de amigos del difunto, les ayudarán a conseguir su objetivo.

David S. Ward se inspiró para escribir el guión, en las hazañas reales de los hermanos Charley y Fred Gondorf, cuyas experiencias culminaron en una estafa similar a la que se muestra en la película. Marvin Hamlisch recibió el encargo de adaptar la música de Scott Joplin para la banda sonora de la película. Al principio, Hamlisch se mostró reticente, se consideraba un creador y nunca había hecho adaptaciones, pero enseguida se dio cuenta del potencial que encerraban las melodías de Joplin y aceptó.

A lo largo del film, se muestran una especie de tarjetas que anuncian los cambios de escena, estas tarjetas, con delicados dibujos, fueron creadas por Jaroslav Gebr y recordaban a las viejas ilustraciones del Saturday Evening Post, una publicación muy popular en los años 30.

La película, en general, está muy cuidada en cuanto a la ambientación y también en los detalles, Robert Surtees, el director de fotografía se inclinó por dar a los fotogramas tonos sepias y marrones para tratar de revivir el entorno de los 30.

El vestuario fue diseñado por Edith Head que, cuando recogió el último de los ocho Oscar de su carrera, ganado por este film, dijo: Imagínense lo que supone vestir a los dos hombres más guapos del mundo y que encima te den un premio.

El golpe siempre ha sido una de mis películas preferidas, podría estar viéndola cada poco, sin cansarme y es que es uno de esos pocos films que resultan perfectos, con un guión redondo, un ritmo sin demasiados altibajos que se ve animado por un par de persecuciones muy bien rodadas, un director que lleva la batuta con mano maestra, un final espléndido, una música de esas que recuerdas y un elenco de actores maravilloso, secundarios incluídos, pues muchos de ellos tienen su pequeño (o gran) momento en la película y lo hacen estupendamente.

George Roy Hill, volvió a reunir a Newman y Redford que lograron dos de sus mejores actuaciones y es que lo tenían todo, buenos intérpretes y además guapos.

Una película de esas que no se olvidan y que siempre vuelves a ver con agrado.

LA LA LAND

Mia (Emma Stone) es una aspirante a actriz que trabaja como camarera en Los Ángeles a donde ha ido a vivir con el objetivo de abrirse camino en su sueño profesional.

Sebastian (Ryan Gosling), es un músico de jazz que sobrevive gracias a actuaciones en cócteles y bares de poca categoría.

Para ella, el sueño de Hollywood, convertirse en una estrella de cine. Para él, el jazz más puro, mantener vivo un género agonizante. Ella es pizpireta, optimista y con un gran sentido del humor. Él es introvertido, quisquilloso, extremadamente talentoso pero también egocéntrico y engreído.

Ambos trabajan duro para conseguir esos objetivos, pero se ven obligados a tomar decisiones que amenazan con rasgar la frágil tela de su amor, y la ambición de ambos por llegar a la cima, supondrá un obstáculo para el futuro de su relación, ya que además, piensan que para llegar a la excelencia hay que volcarse plenamente, aunque suponga dejar de lado otros afectos y otros aspectos de la vida.

Todo ello aderezado con desencuentros y malentendidos tan típicos de este tipo de comedias románticas en el más puro estilo de los clásicos.

El género que deslumbró en el Hollywood de los 50, renace de sus cenizas y no es con una adaptación de un éxito de Broadway como había ocurrido en algunas ocasiones, sino un producto creado específicamente para el cine.

Damien Chazelle no es un recién llegado, ni un realizador que pretenda demostrar que sabe tocar todos los palos cinematográficos y para ello saque adelante este musical, sino que tiene una exitosa carrera previa (Guy and Madelaine on a park bench y Whiplash) y en esta ocasión vuelve a colaborar con Justin Hurwitz para acercarnos una historia sencilla, pero muy emotiva y bien trabajada, con unos protagonistas espléndidos en su trabajo, que transmiten emoción al espectador. El conjunto es un maravilloso trabajo que ha encandilado a público y crítica y que se postula a ser considerado como un clásico del género a tan poco tiempo de su estreno.

La película es una combinación de aciertos, por un lado la sensacional interpretación de los dos protagonistas, por otro las melodías y la conseguida coreografía, con momentos realmente brillantes, como el espectacular arranque o las románticas escenas del observatorio y, para rematar el compendio de logros brillantes, la sabia mezcla del sabor clásico con el aire fresco que destila.

Plagada de homenajes cinéfilos a algunos de los clásicos del género, en los que se inspira sin tratar de ocultarlo, sino todo lo contrario. Los músicales de Rogers y Astaire, Kelly o Charisse, con número de claqué (o tap) incluído, están presentes en el film, pero también los hechos fuera de Hollywood, porque Chazelle es un enamorado de la música y le da igual dónde se haga, de hecho, queda patente esa fascinación que siente por la película de Demy Les parapluies de Cherbourg, no sólo por el colorido, sino por la propia historia en sí.

Y para acabar de rematar la brillantez de la película, ese final desgarrador, pero emocionante y romántico donde los haya, con uno de los más logrados planos finales que he visto en los últimos tiempos.

CONVERSACIONES CON FERNANDO FERNÁN GÓMEZ

Enrique Brasó sigue el esquema que marcó Truffaut en su famosa entrevista a Alfred Hitchcock, que se convirtió en libro.

Fernán Gómez habla de su dilatada experiencia como actor, director, escritor y guionista y, aunque también lo fue de teatro, aquí se centra en su carrera cinematográfica. Es claro que el protagonista de la entrevista es historia del género en España y este recorrido personal, se convierte en una panorámica del cine español de la segunda mitad del siglo pasado, prácticamente desde el final de la Guerra Civil.

Fernán Gómez hace gala de sinceridad y no se marca tantos a los que tan proclives resultan otros intelectuales de la época, que parece que siempre mantuvieron una lucha abierta con el sistema y enfrentados con el Régimen político y, desde luego, no le importa reconocer con naturalidad los fracasos que jalonaron su carrera y que se alternan con películas que obtuvieron el reconocimiento del público y la crítica y que todos recordamos.

Un libro magníficamente editado por Espasa, con muchas fotografías y en el que el aficionado ve desfilar a gran parte quienes fueron protagonistas de nuestro cine en esos años, en las diversas facetas del mismo.

CACHITO

Una chiquilla vive con su abuela, perdidas en la sierra. Al morir la anciana, la cría emprende viaje en busca de su madre con la pista de una dirección en una añeja carta, que corresponde (esto lo descubre al llegar) a un club de alterne. La madre ya no está allí, pero el chulo propietario del garito, ve en la chica una mina de oro y quiere sacar provecho de su cara bonita, su cuerpo serrano y su virginidad, para disfrute propio y ajeno.

Irrumpe de nuevo en escena el camionero que la llevó hasta allí, como una suerte de príncipe azul que tratará de ayudar a la chica de sus sueños y arrancarla de las manos del malvado villano.

El film se basa en un relato de Arturo Pérez-Reverte ("Un asunto de honor") escrito pensando en el cine, aunque se publicó en forma de libro poco antes del estreno de la película.

Estamos ante una historia de buenos y malos en toda regla, incluso me atrevo a decir que, algunos buenos son ingenuos y los malos, bastante patéticos. Una historia que resulta increíble, a pesar de que todos sabemos que puede ocurrir perfectamente, pero es que el tratamiento que recibe, hace que la sintamos como irreal.

Los actores tampoco es que contribuyan mucho a elevar el nivel, algunos sobreactuando y otros, como en el caso de la protagonista, como pasmados de verse allí.

Las gracias o las escenas que pretenden tener algún toque de humor, dan pena y apenas hacen gracia, quizá el único que consigue dar con lo que requiere el papel es Luis Cuenca, en su breve intervención y algunos momentos muy contados de Jorge Perugorría.

La verdad es que da un poco de pena, porque la historia no es mala, Pérez-Reverte dice que la concibió como una especie de cuento de hadas con final feliz, pero aquí parece un relato de serie B o C.

Podría haberse convertido, al menos, en un testimonio con ciertos toques dramáticos e irónicos sobre lo que es el mundo de los clubs de carretera y en algunos momentos parece que lo va a conseguir, pero todo se queda en el intento.

PERSUASIÓN

Anne Elliott (Amanda Root) tiene 29 años, una edad en la que las mujeres de la época eran consideradas mayores para casarse, por lo que tiene ante ella, un futuro de solterona, con todo lo que ello conllevaba entonces. Tuvo hace años su momento de fresca y juvenil belleza, se enamoró de un joven marino, Frederick Wentworth (Ciarán Hinds). Jóvenes, atractivos, animosos, y de buenas cualidades, perfectos el uno para el otro. Sin embargo, el padre de Anne, y Lady Russell (Susan Fleetwood), amiga de la familia, impidieron ese matrimonio, por el simple hecho de que Wentworth no venía recomendado por nadie, ni tenía fortuna. Anne se convenció de que, por el bien de los dos, debía romper el compromiso.

El joven se va por esos mares de Dios, en busca de fortuna y regresa ocho años después, habiendo alcanzado fama y posición económica, además de conservar su atractivo.

En cambio, la pobre Anne, ha languidecido y se siente avergonzada de no tener que ofrecer nada más que su propia persona, pues la fortuna de la familia ha venido a menos por la mala cabeza de su padre.

El film adapta la novela homónima de Jane Austen, su última novela antes de fallecer y fue concebido para ser emitido en televisión por la BBC, aunque a continuación se estrenó en los cines de todo el mundo.

Con la elegancia que caracteriza muchos de estos productos británicos, el film sabe aprovechar con un sólido guión el magnífico texto de Jane Austen y consigue con un presupuesto modesto sacar mucho partido a la historia a base de una cuidada ambientación y de unas localizaciones bien seleccionadas.

Los actores ejecutan pulcras interpretaciones y me ha llamado la atención que lejos de la belleza espectacular que observamos en muchas ocasiones, al punto de que llegamos a pensar aquello de que este tipo de mujeres y hombres tan guapos no se encuentran en la vida real, aquí se han elegido intérpretes con rostros que podríamos calificar como vulgares (en el mejor sentido del término), con lo que la cercanía de los tipos retratados es mayor.

Como en otros films apoyados en los textos de Austen, está muy presente la crítica cargada de ironía hacia la sociedad acomodada de la Inglaterra del XIX, en que las formas de cortesía rayan en lo pedante y las conveniencias se imponen en ocasiones al sentido común.

Prácticamente todas las escenas diurnas se rodaron con luz natural y destaco, dentro del vestuario (muy logrado también), los tocados, sobre todo de las damas, que me han resultado muy originales y llamativos.

La banda sonora incluye piezas clásicas de Chopin (Prelude in B, Nocturne in B y Prelude in G) y Bach (Sarabande in D -French suite- y Sarabande in B -French suite-), que hacen aún más agradable de ver esta romántica historia.

LOS CAÑONES DEL ATARDECER

Tercer volumen, que completa la Trilogía de la Liberación, que narra la participación estadounidense en Europa durante la II Guerra Mundial, junto a los dos primeros (Un ejército al amanecer -Premio Pulitzer de Historia- y El día de la batalla). El volumen comienza el Día D, en junio de 1944, concluyendo con la rendición formal de Alemania en Reims 11 meses después y retrata la guerra vista desde los puntos de vista diversos de sus heterogéneos protagonistas, desde los mariscales y generales, hasta los soldados rasos, periodistas o simples civiles que se vieron envueltos de algún modo en el esfuerzo y el torbellino bélico.

La narración pasa de un frente a otro o de un ejército al contrario, en un deliberado maremagnun que, bajo la apariencia de confusión y enredo, nos hace ver lo que es realmente la guerra, nítida cuando se ve en retrospectiva, pero desconcertante y caótica para los que están atrapados en ella, mezclando sabiamente los grandes acontecimientos con los pequeños detalles; los testimonios de los protagonistas más destacados, con los de los anónimos y olvidados participantes en la misma. Así fue esta guerra, gigantesca por una parte (EE.UU., en 1945, fabricaba la mitad de los productos manufacturados del planeta) y con los aparentemente pequeños detalles que afectaban a las personas individuales (al principio de la intervención estadounidense en la contienda, un combatiente tenía que tener al menos 12 de sus 32 dientes originales. En 1944 se le podía enviar a pelear sin dientes, con un solo ojo o sordo de un oído. Ni siquiera tenía que tener el dedo índice para apretar el gatillo).

Por aquí desfilan muchos de ellos y no sólo para cantar sus gestas, sino también para contarnos las decisiones desacertadas, cuando no calamitosas que algunas veces tomaron. Para este colosal trabajo, Atkinson maneja con soltura, pero a conciencia, un ingente volumen de material que, como en los volúmenes precedentes, va desde los autores clásicos sobre el tema o los archivos oficiales, a los testimonios de supervivientes y de familiares de quienes reposan bajo tierra e incluso lo que estos últimos dejaron escritos o en la memoria de quienes les conocieron, antes de abandonarnos.

Un libro denso y largo, pero apasionante y dinámico, en buena parte por la habilidad con que su autor sabe salpicar la Historia con mayúsculas con las pequeñas anécdotas.