EL LIBRO DE LOS BALTIMORE

En la familia Goldman, existían dos ramas: Los Goldman de Baltimore y los Goldman de Montclair, que al final, acabarían siendo conocidos dentro del clan simplemente como los Baltimore y los Montclair. Los Montclair, una familia de clase media que vive en una pequeña casa en el estado de Nueva Jersey. Los Baltimore, prósperos y a los que la suerte siempre ha sonreído, habitan una lujosa mansión en un barrio de la alta sociedad de Baltimore.

El autor, recupera aquí al personaje de Marcus Goldman, procedente de su novela anterior, La verdad sobre el caso Harry Quebert, que forma parte de los Montclair y es el que pone el pasado bajo la lupa en busca de la verdad sobre el ocaso de la familia. Entre los recuerdos de su juventud revive la fascinación que sintió desde niño por los Baltimore, que encarnaban la América patricia con sus vacaciones en Miami y en los Hamptons y sus colegios elitistas. Con el paso de los años la brillante pátina de los Baltimore se desvanece hasta llegar a lo que el narrador llama "el Drama", el día en el que todo cambia para siempre.

En el libro, que se desarrolla entre idas y venidas del presente al pasado y viceversa, sin que en ningún momento pierda el interés, la novela va desgranando una especie de edad de oro que el narrador vive con sus primos y tíos durante su adolescencia y primera juventud, hasta desembocar en el drama cuya sombra nunca deja de estar presente a lo largo de la novela.

Entre giros inesperados y algunos trucos narrativos (a veces un poco tramposillos), nos encontramos al triunfador que cae en picado, a los jóvenes predestinados a un éxito que jamás alcanzan y al pobre (sólo desde el punto de vista comparativo) que es el que de verdad alcanza su sueño y encima se lleva a la chica, Alexandra, de la que los primos Goldman están enamorados y ahora convertida en cantante de éxito.

El suizo francófono Joël Dicker, nos demuestra, una vez más, que es algo más que un escritor de bestsellers (lo que de por sí no es poco) y que sus novelas, además de interesantes, están muy bien escritas.

DON QUIJOTE DE ORSON WELLES

Tras leer un ingente número de novelas sobre caballeros y las heroicas aventuras que les acontecen, Don Quijote (Francisco Reiguera) y Sancho Panza (Akim Tamiroff), su criado y escudero, deciden recorrer los caminos de España para dar protección a los débiles y buscar que la justicia resplandezca.

Pero el mundo real al que se enfrenta el caballero, no es tan mágico como el que reflejan las novelas de caballería y Don Quijote se representa en su imaginación.

Al igual que en la trama del clásico de Cervantes, el manchego caballero se enfrenta a los molinos de viento creyendo que son gigantes, pero para su desgracia, se las arregla para salir derrotado por ellos y que su cuerpo quede maltrecho y molidas sus costillas.

El desempeño del caballero ya era anacrónico en la época en que Cervantes escribió su novela, lo cual refuerza el desgarro que produce el personaje al enfrentarse a lo que su mente enferma imagina, cuando la aventura tiene lugar en época contemporánea.

En una vuelta más de tuerca, al igual que Cervantes hiciera en su momento, Welles traslada al caballero y a su escudero a la época en que se produce el rodaje, por lo que decide modernizar la ambientación.

Jesús Franco (Jess Franco), era amigo personal de Orson Welles, fue el encargado de la segunda unidad en Por quién doblan las campanas y yo no sé si porque ya andaba detrás de ello, o porque se lo encargaron para estrenarla en los fastos de la Expo de Sevilla, el caso es que se puso a rebuscar por do quiera que andaban los negativos que en su momento, Welles había ido rodando de este inconcluso proyecto. Una obra personalísima del realizador norteamericano, enamorado de España y que conocía la novela de Cervantes al dedillo y en su idioma original.

Años y años de rodaje discontinuo jalonan lo que queda del film que pretendía Welles y que, en palabras de Jesús Franco, no está claro que hubiera acabado de haber seguido con vida, pues siendo como era un maniático (en el mejor de los sentidos) del montaje, un perfeccionista capaz de repensar lo que escribía una vez y otra, seguramente no hubiera estado nunca satisfecho del resultado final. Welles señaló que no haber acabado la película no era un problema de presupuesto, él iba poniendo lo que sacaba de sus películas como actor o director y lo que sus amigos le iban dando (Frank Sinatra invirtió 25.000 dólares, por ejemplo) y como era un tipo al que los actores querían, Reiguera y Tamiroff, estaban dispuestos a acudir cada vez que les llamaba.

A partir de aquí nace la primera disputa sobre el film de Franco, ¿era lícito montar las imágenes y exhibir este refrito que nos trae el realizador español, o hubiera sido mejor respetar la decisión de Welles de no estrenar el film?

Lo cierto es que el cinéfilo y los admiradores de Orson Welles, de este modo tienen acceso a lo que el maestro rodó en su momento y a deleitarse con algunas de las cosas que se ven en la cinta, los trabajados planos y contraplanos; los maravillosos travellings en los que se ve a los dos protagonistas por la manchega llanura, con sus siluetas recortadas contra el horizonte, los juegos de luces y sombras; algunos de los movimientos de cámara que experimenta Welles y la genialidad de traer a Don Quijote al presente (que serían aproximadamente principios de los sesenta del pasado siglo), como Cervantes había hecho en su momento.

Sin embargo, por contra, en su afán de rendir homenaje a su amigo, Franco introduce imágenes en las que se ve al propio Welles recibiendo un premio en Jerez o buscando localizaciones para el film y mete algunas imágenes que yo no tengo nada claro que rodara Welles o si están sacadas de otro lugar, además de algunos episodios realmente lamentables, como aquel en que se enfrenta a los penitentes, con imágenes de una procesión rodada de noche, mientras Don Quijote acomete contra ellos a plena luz del día; o el deambular de Sancho por las calles de Pamplona en plenos Sanfermines, preguntando si han visto a su amo, mientras transcurren minutos y minutos de metraje. No sé lo que hubiera opinado Welles de este montaje que se torna surrealista en el peor sentido del término.

Es una película para amantes del cine, con muchos defectos debidos, todos ellos a Franco, que por otro lado, nos brinda la oportunidad de entrever lo que Orson Welles quería hacer en un proyecto que era enteramente suyo de principio a fin, retratando no solo a los personajes cervantinos, sino a la España del momento, un país al que amó sinceramente hasta el punto de que sus cenizas vinieron a dar aquí por expreso deseo suyo.

Yo me pregunto por qué Jesús Franco hizo luchar a Don Quijote con los molinos, que yo no tengo claro que estuviera en mente de Welles y no introdujo la escena que es paradigma de lo que de verdad quería hacer el maestro de Wisconsin y que se puede ver en youtube con el título de Los seis minutos más bellos de la historia del cine, en la que podemos ver a Francisco Reiguera y Akim Tamiroff junto a Patricia McCormack que interpreta el papel de una niña llamada Dulcita.

LA VIUDA

Ex-redactora de sucesos del Daily Telegraph, con más de 30 años de periodismo a sus espaldas, la británica Fiona Barton publica su primera novela, en la que vierte buena parte de su dilatada experiencia, sobre todo como observadora, en la multitud de juicios que presenció y casos criminales en los que trabajó dentro de las tareas de su profesión.

Glen Taylor es un hombre normal que trabaja en un banco, sin embargo, un buen día descubre en internet la posibilidad de adentrarse en el oscuro mundo de la pornografía infantil, esto es lo que le hace aparecer ante la policía y la opinión pública, como el principal sospechoso de haber secuestrado a una niña, de la que nunca más se vuelve a saber nada. Su esposa se pone de su lado desde el primer instante y defiende su inocencia. Y ese es el verdadero asunto de la novela ¿qué saben quienes rodean al criminal de la vida oculta de éste? Barton ha observado a estas personas a lo largo de su carrera como periodista, en casos de asesinato en serie o desapariciones, en los que ha entrevistado a los potenciales criminales y siempre se ha preguntado hasta qué punto la familia o las personas de su entorno, saben realmente de las actividades de estos individuos o simplemente, su mente ha bloqueado los signos de desviación que en muchas ocasiones han ido dejando.

Con algunas conexiones con el llamado "Domestic noir" (ya saben, un noir sin detectives, aunque en esta novela sí que hay un policía que investiga el caso), la novela nos habla de gente aparentemente sencilla, con vidas normales y que son en realidad, un auténtico peligro para la sociedad, en este caso un pederasta, precisamente porque la explosión de pornografía infantil que desgraciadamente estamos viviendo, es algo que aterra a la autora y más después de vivir muy de cerca el caso de Madeline McCann, la niña desaparecida en Portugal y en el que Barton está convencida que hay alguien relacionado con este mundo pedófilo detrás de todo.

Fiona Barton nos habla también de la prensa de sucesos, de sus métodos, a veces no demasiado justificables moralmente; del problemático trabajo de la policía, acuciada por la presión mediática y de las reacciones de la sociedad ante estas situaciones que remueven conciencias.

Una novela en la que los giros que va tomando la investigación resultan tremendamente atractivos, enganchando al lector desde el primer momento. Escrita con agilidad, en dos planos distintos, uno en la actualidad (en este caso el año 2010) y otro unos años atrás, cuando sucedió la desaparición de Bella y arrancan las investigaciones, toda la narración resulta muy atractiva y entretenida. Una buena novela, sin duda.

COMO AGUA PARA CHOCOLATE

Tita (Lumi Cavazos), es la más joven de las tres hijas de Mamá Elena (Regina Torné), una viuda terrateniente de la zona, que según tradición de la familia De la Garza, se ve condenada a permanecer soltera para cuidar de su madre cuando ésta no pueda valerse por sí misma. Eso impide el amor de Tita con Pedro Muzquiz (Marco Leonardi, aquel adolescente amante del cine que retrató Giuseppe Tornatore en Cinema Paradiso), el cual, como única solución para estar cerca de su amada, no tiene mejor idea que casarse con su hermana mayor, un matrimonio desgraciado para ambos y que todos reconocen como artificioso. La situación crea represiones y fuertes emociones que se muestran a través de la comida.

El film se basa en una novela del mismo título de la escritora mexicana Laura Esquivel, autora también del guión y entonces casada con Alfonso Arau, productor y realizador de la película.

Contada a modo de flashback por una sobrina de la protagonista desde la cocina (¡cómo no!) de su casa, mientras hojea el antiguo libro de recetas de su tía, salpicada con tintes de realismo mágico, la comida es tan protagonista de la historia como cualquier otro personaje.

Con una fenomenal ambientación histórica, al tiempo que refleja tangencialmente ciertos aspectos de la revolución mexicana.

Un film bastante desigual, con interpretaciones que van desde correctas hasta un pelín mediocres, lo mismo ocurre en el plano visual en el que el director quiere buscar planos de cierta brillantez sin que lo consiga mas que en algunas ocasiones y tampoco es que sea un dechado de virtudes en este apartado en el que hubiera podido tener un poco más de ingenio con la de posibilidades que tiene una cocina como la mexicana con esa variedad y colorido de condimentos, es como la diferencia entre un gran bodegón y un cuadro bien hecho, pero normalito.

Quizá lo más conseguido del film que, por otra parte, es un traslado fiel de la novela a la pantalla, sean los pasajes de realismo mágico, algunos de ellos realmente divertidos, aunque a mí no me gustaron las apariciones en plan madrastra de Blanca Nieves, del espectro de Mamá Elena.

Película entretenida, con pasajes de humor y un argumento que pierde parte de la fuerza que podría haber tenido, pero en general interesante en el sentido de que pretende ofrecer una historia diferente, aunque no siempre lo haga con brillantez.

COLMILLO BLANCO

Jack Conroy (Ethan Hawke), es un joven que parte hacia Alaska en plena fiebre del oro, dispuesto a reivindicar los derechos sobre la prospección que su padre tenía a orillas del Yukon.

A su llegada a Alaska, tras ser robado por unos pillos, conoce a Alex (Klaus Maria Brandauer), un buscador de oro que, a su vez, fue amigo de su padre y que, junto a su socio, se compromete a conducir a Jack hasta el lugar donde se encuentra la mina que ha heredado.

Tras recorrer un largo camino, acosados por mil peligros y a punto de perder la vida en más de una ocasión, Jack rescata de sus desalmados dueños a un animal cruce perro y lobo al que llaman Colmillo Blanco y al que han entrenado para la lucha ilegal de perros, hasta convertirle en un hábil profesional y un despiadado asesino.

Con mucha paciencia y a base de procurarle cuidados para sanar sus heridas y, sobre todo, cariño, Jack consigue trocar el odio que Colmillo Blanco alberga en su interior, en una leal amistad. Cuando los desalmados llegan hasta la mina y cercan la cabaña donde viven Alex y Jack para matarles y llevarse con ellos al perro, Colmillo Blanco se convierte en su más preciado aliado y el único que puede salvarles de situación tan comprometida.

El guión se basa en la novela homónima escrita por Jack London.

La película está bien construída y, aunque no saca todo el partido que podría, se beneficia de los espléndidos paisajes naturales de Alaska.

No deja de ser un típico producto Disney, y lo digo sin ánimo de menosprecio, sino para aclarar que se trata de un film pensado para niños que se centra en la peripecia del muchacho que busca la mina de su padre y en su amistad con el joven perro-lobo, adobado con el peligro que supone la presencia de los delincuentes que le acosan y con su relación de camaradería con Alex.

Sin embargo, como adaptación, es bastante pobre, muchos aspectos de la novela de London, quedan olvidados o se refieren a ellos como de pasada, hasta el punto de que no se aprecian. La novela es mucho más de lo que refleja la película y las aventuras de Colmillo Blanco, verdadero protagonista del relato literario, con los indios, cuando trabaja como perro de trineo o cuando se tiene que defender de otros animales y luchar por su propia supervivencia siendo poco más que un cachorro, incluso los capítulos en que se describe su vida en la manada, aquí quedan obviadas.

Un film entretenido, pero muy pobre y que no logra empatizar del todo con el espectador, perdiendo mucha de la épica que tiene el relato original.

GENOCIDIO SÍ, GENOCIDIO NO

Leía hace tiempo un artículo de prensa que no he logrado rescatar, en el que el articulista consideraba indecente la defensa de las lenguas romance, incluído el catalán, pues proceden de un genocidio que sí se celebra, el perpetrado por los romanos contra los pueblos de la antigua Iberia. Pero claro, este es un genocidio antiguo y, al parecer, cuando ha pasado mucho tiempo, el genocidio prescribe y ya puede celebrarse. No sabemos quién es el encargado de marcar las fechas, ese que dice que si han pasado mil años ya no es genocidio, pero si sólo han sido 500, entonces sí lo es y no se puede celebrar, sino que hay que despreciarlo.

Supongo que será gente del tipo de la Sra. Colau, que quiere quitar del callejero barcelonés todo lo que tenga que ver con el descubrimiento y conquista de América, pero nada dice de cambiar de nombre a la Vía Augusta, que festeja un camino del Imperio y homenajea al emperador Octavio, masacrador de astures y cántabros.

Después se quejan del genocidio cultural (esto es un invento, ya saben que no existe tal concepto) que han sufrido y, según algunos, siguen sufriendo, como afirmaba el profesor Francesc Roca, de la Universidad de Barcelona, que se refería a las falsificaciones de la historia y que a causa de ello, por ejemplo, apenas se conoce la importante actuación de los catalanes en América introduciendo el cultivo de la alcachofa. Claro que tampoco dice que la historia que nos cuentan tampoco habla nada de los negreros catalanes que se enriquecieron a base de mano de obra esclava en la isla de Cuba y después volvieron a la Península forrados de pasta (En 1817 España había firmado con Inglaterra un tratado por el que se comprometía a suprimir la trata y abolir la esclavitud en un plazo de tres años. La Junta de Comercio de Cataluña, mostró su radical desacuerdo: "Este es uno de aquellos incidentes, que es muy difícil tratarlo con templanza; sería preciso no tener una gota de sangre española en las venas para no sentir cierto coraje e indignación al ver hasta qué punto se quiere envilecer y ultrajar la independencia nacional").

Entre los catalanes enriquecidos por el tráfico negrero se cuentan los hacendados Panxo Martí, Pau Forcadé, Miró y Pié, Joseph Maria Borrell, Miquel Pous, Joseph Baró de Canet, Joseph Vidal y Ribas, Miquel Biada o los Samà. También entre los capitanes de los barcos negreros abundaron los catalanes. Solo de El Masnou, se han documentado ocho, entre ellos, Joan Maristany, Francesc Maristany, Carles Maristany, Pere Estapé y Joan Curell. Uno de ellos, Joan Maristany y Galcerán capitaneó en diciembre de 1862 la expedición esclavista que diezmó la isla de Pascua (Amoros, 2006, Muray, 2009 y Romero, 2011, passim). Esa preponderancia de catalanes en el negocio negrero originó cierta mala fama a los indianos de ese origen. Jordi Maluquer señala que “gairebé tots els grans comerciants s´hi dedicarent en un momento u altre” y añade que por eso los cubanos los conocían como "yanquis españoles", "judíos españoles", o "israelitas de la cristiandad". Incluso hubo una cancioncilla propia de negros que rezaba: Desde el fondo de un barranco/ cantaba un negro en su afán, / ¡Ay madre, quién fuera blanco/ aunque fuera catalán! (citada por Costa i Fernández, 2005).

Los empresarios del lobby negrero apoyaban o derrocaban gobiernos según convenía a sus intereses. Cuando la isla se independizó, después de la guerra de 1898, habían acumulado enormes fortunas que invirtieron en la península: bancos, ferrocarriles, minería, solares en Barcelona, dehesas en Extremadura, etc. Ennoblecidos por Isabel II y sucesores sus descendientes conforman hoy buena parte de nuestra aristocracia.

En el Banco de la Habana crecían como la espuma los capitales de la familia real, de la burguesía catalana (los Güell, Antonio López, Colomé, de los Girona, Manuel Girona, director del Banco de Barcelona) y de otros capitalistas de menor entidad.

Los que mantenían intereses en Cuba estaban afiliados a los “Círculos Hispano-Ultramarinos” (los Güell en Barcelona, el marqués de Manzanedo en Madrid, otros capitalistas de Valencia, Sevilla, Jerez, etc.) que en 1872 desataron una furibunda campaña contra la iniciativa gubernamental de abolir la esclavitud en Puerto Rico.

Cuando surgieron movimientos independentistas en Cuba el lobby negrero/azucarero los reprimió primero por medio de mercenarios y “voluntarios españolistas”, después con tropas de la metrópoli, quintos españoles procedentes de la clase obrera que no podía redimirse, como hacían los ricos, del servicio militar.

A pesar de todos los esfuerzos y de todos los sobornos al gobierno de Madrid, la isla se independizó después de la desastrosa guerra de 1898. Algunos indianos permanecieron en la isla y siguieron explotando sus ingenios, con trabajadores asalariados. Otros liquidaron su hacienda e invirtieron en la península: bancos, ferrocarriles, minería, solares en Barcelona, dehesas en Extremadura, etc.

Descabalgada de Cuba como san Pablo en el camino de Damasco, la burguesía catalana que mientras se enriquecía con la explotación colonial estuvo a partir un piñón con Madrid, descubrió, de pronto, su pertenencia a una nación oprimida, Cataluña, y se afilió a la Lliga Regionalista. (*)

(*) El texto en azul, está entresacado del libro de Juan Eslava Galán Avaricia que, desde aquí me permito recomendar, en él, entre otros que han tenido mayor difusión, se reflejan muchos episodios poco conocidos de esta parte de la historia poco edificante de España.

TOMATES VERDES FRITOS

Evelyn Couch (Kathy Bates) vive una existencia gris. Es una mujer de mediana edad, acomplejada y totalmente frustrada con todo lo que la rodea. Sin embargo, la manera de ver el mundo que tiene una persona puede cambiar cuando menos se lo espera. En una visita al asilo donde reside la tía de su marido, Evelyn conoce a la anciana Ninny Threadgoode (Jessica Tandy), que le empieza a explicar cosas de un pequeño pueblo llamado Whistle Stop, cuya vida giró un tiempo en torno a un café. De pronto, a Evelyn se le abre una luminosa ventana al pasado por la que entra un aire de una frescura desconocida para ella. Remontándose a finales de la década de 1920, Ninny explica historias cuyas protagonistas son Idgie Threadgoode (Mary Stuart Masterson) y Ruth Jamison (Mary-Louise Parker), dos espíritus sensibles, alegres y llenos de una admirable energía vital, que saben sobreponerse a las dificultades y saborear el gusto por la vida. Ambas eran entrañables amigas y cuando Ruth se casa, Idgie va a visitarla y descubre que su marido la maltrata físicamente, hasta que Ruth se cansa y decide abandonar a su esposo, para irse a vivir con Idgie, junto a la cual abrirá un café en Whistle Stop.

Sin embargo, el marido de Ruth no se conformará así como así y menos cuando nace el hijo de ambos. Tras algunas amenazas, una noche en que Idgie y Rurh están en la función benéfica de la parroquia, se presenta ante el café, con la pretensión de llevarse al bebé.

A pesar de abordar temas tan difíciles como los malos tratos, el racismo, el lesbianismo, la miseria, el alcoholismo o el envejecimiento, es una película optimista, en la que, como por arte de magia, todo encaja a la perfección y acaba cautivando al espectador. Lejos del dramón en el que fácilmente podía haber caído la historia, la elegancia, los pequeños toques de humor y el espíritu optimista de los personajes, hacen del film una de esas películas inolvidables que siempre resultan gratas de volver a ver.

En la novela de Fannie Flagg están presentes todos esos detalles y las suculentas historias que nos trae el film, que ha de hacer un inmenso trabajo de compresión para que quepa en él todo lo que Flagg había desarrollado en su libro, incluída la relación entre Idgie y Ruth, un amor que queda más explicito en la novela, pero siempre sugerido, algo que recoge muy bien la película, conservando la ambigüedad con que es trasladada al espectador.

El film es una historia de mujeres fuertes en una sociedad totalmente machista y un tanto retrógrada, pero ellas, con el encanto que destilan, saben encontrar aliados que no buscan, sino que van hacia ellas de manera espontánea seducidos por su forma de ser y de tratar a quienes las rodean sin importarles si son fuertes o débiles, blancos o negros.

Una película imperecedera por su forma de tratar asuntos que igualmente lo son, con esa intriga que añade interés al film, envuelto en una excelente fotografía y con un trabajo de actores inmenso.

Una gran película, para una gran historia.