EL NIÑO

Jesús (Luis Tosar) y Eva (Bárbara Lennie) son dos agentes de policía que llevan dos años persiguiendo la pista de un importante narcotraficante británico (Ian McShane) que opera en el Estrecho de Gibraltar. Cuando parece que no conseguirán cerrar el cerco, aparecen El Niño (Jesús Castro) y El Compi (Jesús Carroza), dos narcos menores, de hecho llegan a este mundillo porque, como tantos otros, desean hacerse con un dinero rápido y están dispuestos a transportar droga de un lado a otro del Estrecho. Por medio de Halil (Saed Chatiby), un joven hispano-marroquí de su edad al que El Compi ha conocido en una discoteca, entran en contacto con Rachid (Moussa Maaskri), un narco que controla una de las rutas entre África y Europa que les propone que hagan un trabajo para él. El helicóptero de la policía les localiza y persigue la lancha en que llevan el alijo, hasta que deciden dar la vuelta y cuando llegan a las playas de Marruecos descubren que en realidad, lo fardos contienen arena: han sido utilizados como cebo.

Estos jóvenes, al final, acercarán a la policía, de forma involuntaria, a su objetivo de interceptar un gran alijo.

El guión se inspira en el caso real de Ahmed Ouazzani, uno de los mayores traficantes de costo en el Estrecho. Junto a él, la película también dibuja un trazo de Mounir Remach, otro narcotraficante que subía a YouTube vídeos de sus logros tras atravesar el Estrecho con moto acuática.

Interesante planteamiento el de Daniel Monzón que nos relata una historia de narcotráfico desde los dos lados, el de la policía y el de los traficantes, poniendo el acento en la acción y dejando de lado las historias paralelas que solo son tratadas de manera esquemática, sin profundizar en ellas (las relaciones de amor, ajustes de cuentas, corrupción, dificultades de los jóvenes para trabajar...)

Con algunas escenas muy conseguidas, ya es casi mítica la persecución de la lanzadera por el helicóptero.

Creo que es un retrato acertado y cercano de una realidad que la gente de La Línea, Algeciras y otras poblaciones de uno y otro lado del Estrecho, vive de manera cotidiana.
Monzón siempre dice que él hace películas para el público y este film, desde luego, entretenido es.

CAROL

Therese quiere dedicarse profesionalmente al diseño de escenarios teatrales, pero mientras se abre paso en el difícil mundo de Broadway, trabaja temporalmente en unos grandes almacenes durante la campaña de Navidad. Un día atiende a una elegante mujer que le llama poderosamente la atención, hasta el punto de que Therese le envía una felicitación junto al pedido que ha hecho, será el principio de una amistad que se convertirá en algo mucho más profundo.

Carol, que así se llama aquella mujer, está en trámites de divorcio y su marido aprovecha el viaje que ella y Therese realizan a través de EE.UU., para poner un detective a seguir sus pasos y conseguir pruebas que desacrediten a Carol como madre, a fin de que no obtenga la custodia de la hija que tienen en común.

Cuando ya había escrito "Extraños en un tren", pero aún no había sido publicado, Patricia Highsmith escribió este libro que hubo de publicar bajo seudónimo (Claire Morgan) y titular "The Price of Salt" (El precio de la sal). Su editor se negó a publicarlo y hubo de buscar otra editorial distinta.

Therese, es en realidad un trasunto de la autora, quien en una navidad neoyorquina, trabajando como dependienta en los grandes almacenes Bloomingsdale’s, se vio subyugada por la aparición de una clienta. Acabada la jornada llegó a casa, tomó la pluma y escribió el argumento de Carol de un tirón. Pensar que ese trabajo ocasional le permitió pagarse el psicoanálisis que le llevó a no casarse con su novio de entonces, hace la historia de la gestación de la novela aún más genial.

La propia Patricia Higsmith, al hablar de su libro, nos dice: Mi joven protagonista, Therese, puede parecer ahora demasiado timorata, pero en aquellos tiempos los bares gays eran sitios secretos y recónditos de alguna parte de Manhattan, y la gente que quería ir cogía el metro y bajaba en una estación antes o una después, para no aparecer como sospechosa de homosexualidad. El atractivo de "The Price of Salt" era que tenía un final feliz para sus dos personajes principales, o al menos que al final las dos intentaban compartir un futuro juntas. Antes de este libro, en las novelas estadounidenses, los hombres y las mujeres homosexuales tenían que pagar por su desviación cortándose las venas, ahogándose en una piscina, abandonando su homosexualidad (al menos, así lo afirmaban), o cayendo en una depresión infernal.

Aunque al principio el libro tuvo una ventas discretas, cuando salió la edición de bolsillo, vendió cerca de un millón de ejemplares y seguro que fue leído por muchas más personas.

La historia que narra, totalmente exenta de morbo, es la de una mujer que despierta al mundo del amor homosexual y la de una casada infeliz en su matrimonio, mayor que ella y que ya ha tenido alguna experiencia en esos ámbitos.

Es una historia de lucha contra las convenciones sociales, pero sobre todo, es un relato lleno de ternura, en el que la naturalidad prima sobre cualquier atisbo de sensacionalismo.

EN LOS LÍMITES DE LA REALIDAD

Dividida en cuatro partes totalmente independientes con el nexo común de lo fantástico, la película nos adentra en un mundo imaginario, como dice la presentación, una puerta se abre hacia otras dimensiones.

En la primera de las historias, Bill Connor (Vic Morrow), un perfecto racista que despotrica contra negros, asiáticos y judíos porque el puesto que él anhelaba se lo han dado a un judío, al salir del bar en el que está con sus amigos, se encuentre transportado en el tiempo y en el espacio y aparece en la Francia ocupada por los nazis confundido con un judío; también se halla en Alabama, como negro asediado por el Klan y en la guerra de Vietnam, donde sus compatriotas le disparan a mansalva como si fuera un viet cong.

En la segunda parte, un tal Sr. Bloom (Scatman Crothers), residente en un asilo de ancianos, hace que sus compañeros recuperen el espíritu de la infancia.

La tercera historia nos lleva a una fantástica y terrorífica casa en la que un niño de diez años, que tiene el poder de hacer que se cumpla todo lo que imagina, tiene secuestrada a su supuesta familia.

Por último, John Valentine (John Lithgow), pasajero de un avión que vuela a través de una imponente tormenta con mucho aparato eléctrico, es presa de un ataque de ansiedad ante la situación que se vive en el avión, pero eso no será nada comparado con lo que siente cuando ve a una extraña figura humanoide sobre una de las alas del aparato, que está intentando destruir uno de los motores. Cuando avisa a la tripulación, nadie le cree y piensan que todo es producto de su estado de nervios.

Cada uno de los episodios fue encargado a un realizador diferente, incluso tuvieron sus propios equipos de rodaje. Los mediometrajes fueron dirigidos por John Landis, Steven Spielberg, Joe Dante y George Miller en el orden en que los hemos presentado en la sinopsis, con resultados desiguales. Para la crítica y buena parte de los aficionados, el episodio de Spielberg es el más flojo, pero a mí me parece que son cuatro piezas magníficas ya que ofrecen un recorrido bastante completo por el cine de terror y fantasía que se hacía en EE.UU. un par de décadas antes de que se hiciera la película.

Es cierto que tanto el episodio de Joe Dante, como, sobre todo, el de George Miller (el director de Mad Max), están algo por encima y en este último, contamos con la gran actuación de John Lithgow que le valió estar nominado en varios importante premios, pero repito que todos los episodios tienen un gran nivel, lo que ocurre es que a muchos aficionados al género, las historias que llevan la etiqueta de edulcoradas o moralizantes, no les gustan demasiado, pero el relato de Spielberg, por ejemplo, tiene mucho de cuento de hadas y más lecturas de las que a simple vista pueda parecer.

El film se concibió como un homenaje a una de las mejores series televisivas jamás realizadas, The Twilight Zone. En ella, la ciencia-ficción y el terror se aunaban para componer pequeñas perlas de menos de media hora de duración. La calidad de los guiones, basados algunos en relatos de autores como Ray Bradbury, Richard Matheson o Ambrose Bierce, era muy alta, y la serie pronto se convirtió en un verdadero objeto de culto. La serie se prolongó durante cinco temporadas y 156 episodios, entre 1959 y 1964.

El film comienza con un fantástico prólogo de John Landis. Dos personajes, un coche y una carretera oscura definirán el territorio por el que nos moveremos de aquí en adelante, lo extraño irrumpe en el mundo real hasta confundirse con él.

Muy entretenida, bien realizada y agradable de ver, con el añadido de que al estar divida en episodios, la narración se hace mucho más ágil ahuyentando cualquier atisbo de aburrimiento.

RAZONES PARA SER FELIZ

La novela es una crónica negra, la historia de un niño, Carlos, al que le suceden una serie de desdichas que resultan un poco excesivas, pero el libro es así, excesivo en algunos momentos.

Carlos se entera un mal día que su padre, al que vio cómo se llevaba la policía, es un destripador, un desalmado que descuartizaba a sus víctimas tras haberlas violado y de ahí en adelante las desgracias familiares, en forma de muerte de los seres más allegados (madre y abuelos), desquiciados por lo que aquel hombre hizo, se irán sucediendo, hasta que Carlos quede sólo en el mundo.

Rubén, un mago cuya hermana fue la primera víctima del violador, localiza al niño y trata de vengarse en él de lo que le ocurrió, hasta que recapacita y se da cuenta de que el muchacho no tiene culpa alguna y no sólo eso, sino que Carlos acaba refugiándose en casa de Rubén, en quien cree haber encontrado al padre que tanto admiró antes de saber quién era en realidad. Sin embargo, algo ocurre en la relación entre Rubén y Carlos que llevará a este a tomar una decisión trágica.

Carlos Pérez Merinero es un icono dentro del género negro español, escritor y guionista, escribió muchas novelas y unos cuantos guiones cinematográficos y televisivos (Amantes de Vicente Aranda, o algunos guiones de La huella del crimen para TV, entre otros muchos).

Alejado del famoseo, nunca buscó los premios o el abrigo editorial para conseguirlos, él se dedicaba a escribir y sus historias, descarnadas y con finales nada complacientes, eran lo importante.

Es verdad que sus novelas no son de relumbrón, pero sí con historias atractivas, muchas veces cercanas al hard-boiled (personajes rudos y con actitud de duros), hechas para pasar el rato, al más puro estilo Pulp, pero no exentas de calidad.

DE CAMISA VIEJA A CHAQUETA NUEVA

Basada en un libro de Fernando Vizcaíno Casas con guión del propio autor de la novela, la película narra las andanzas de Manolo Vivar de Alda (José Luis López Vázquez), un trepa que se las arregla para medrar sin importar el viento que sople, de falangista pro-nazi a demócrata de toda la vida, el film hace un recorrido por las diversas etapas del franquismo (el periodo de autarquía, la entrada en la ONU, los acuerdos con EE.UU., la tecnocracia, el aperturismo, la época de Carrero, las asociaciones políticas) y la primera época de la Transición, en los que vemos a un Manolo que no tiene empacho alguno en en ir pasando de Falange a supernumerario del Opus y, al final en dirigente destacado de la Plataforma Democrática.

Vizcaíno Casas fue un autor peculiar, encontró su filón a partir de la muerte de Franco y con un estilo irónico y mordaz, se dedicó a retratar, bajo su particular punto de vista a la clase política emergente, haciendo hincapié en el hecho de que eran o herederos de los viejos franquistas o, directamente, estos mismos convenientemente reconvertidos.

En esta y en otras novelas de corte similar que escribió y que le convirtieron en uno de los autores de habla hispana más leídos del siglo XX, no esconde su crítica a las corruptelas que se dieron durante el Régimen, pero las contrapone con el candoroso aprecio que demuestra por los idealistas, esas personas que renunciaron a prebendas y vivieron siempre en una oscura jefatura de negociado, renunciando a ascensos y trapicheos porque su conciencia se lo impedía.

Rafael Gil era amigo de Fernando Vizcaíno Casas y dirigió todas las películas que se hicieron basadas en los libros de su amigo (excepto la primera "Niñas... ¡al salón!", que dirigió Vicente Escrivá).

La película traduce mediante imágenes y diálogos, de manera muy sencilla aquella desconfianza que se vivió por una parte de la sociedad (el llamado franquismo sociológico) hacia el cambio que se estaba produciendo y lo hace de una manera divertida, lo que ocurre es que el film tiene un barniz rancio que hace que la empatía que sientes por la historia que te está contando, quede empañada.

De cualquier manera, no deja de ser cierto lo que narra, porque todos podríamos citar, no a una, sino a varias personas que, a grandes rasgos, responden al perfil.

Al final del film hay una escena que resume bien el espíritu de la película: Manolo se va de manifestación, se ha dejado barba y el pelo crecido, su esposa le dice que el pantalón vaquero le sienta bien, que la camisa de cuadros sin corbata, también , pero que la chaqueta, oscura y de corte clásico, no le pega. Entonces él le pregunta ¿y qué hago? y ella le responde: "cámbiate de chaqueta".

OYE, MORENA, ¿TÚ QUÉ MIRAS?

Hola, soy Coral. Siempre fui una romántica empedernida, hasta que el género masculino me rompió el corazón. Después de varios desengaños, os juro que me dije a mí misma que no permitiría que nadie más me hiciera daño. ¡Qué bonito es el amor, pero menuda mierdecilla es sufrir por él! Hoy por hoy me considero una mujer relativamente feliz. Trabajo como repostera, tengo unas amigas increíbles y una preciosa hija a la que adoro. Con respecto al tema de los hombres, lo único que pretendo es disfrutar de un sexo divertido con ellos y poco más. Sin embargo, debo confesar que hay uno que hace que se acelere mi aturdido corazón cada vez que lo veo. Se llama Andrew y es el jefe de seguridad de las giras musicales de mi amiga Yanira. Andrew es un bomboncito alto, de ojos oscuros, moreno y terriblemente atractivo. Y si a eso le sumas que conduce una moto y que tiene ese puntito canalla en su mirada que me vuelve loca, ¡ni te cuento!

Estas palabras de la protagonista de la novela, me parecen más que adecuadas para que quien no haya leído nada de esta autora, se haga una idea de por dónde va la novela.

El texto responde a los cánones de lo que ha dado en llamarse Chick lit o novelas románticas post-feministas, pensadas para mujeres jóvenes e independientes entre 20 y 40 años, pero que, lógicamente, pueden interesar a cualquier otro tipo de público.

Aunque la autora trata de presentarnos a Coral como una chica normal, nacida en Tenerife y que ha emigrado a EE.UU. en busca de un futuro mejor, en realidad, lo que nos va contando hace que no sea tan normal: Es amiga íntima de una estrella de la canción; vive en un barrio residencial que no es barato (según sus propias palabras), en un apartamento con vistas al mar; tiene unas amigas superestilosas que, como ella misma, aunque sea de vez en cuando, se pueden permitir ropa y complementos de diseño y, para colmo, se acuesta con tipos guapetes, ¡vamos, como cualquier chica normal! ¡Ja!

Megan Maxwell, es el seudónimo de María del Carmen Rodríguez del Álamo Lázaro, una española de madre toledana y padre norteamericano, que nació hace 51 años en Núremberg (Alemania). Actualmente vive en Madrid y ha alcanzado cierto éxito y muchas seguidoras con este tipo de novelas que tienen un lenguaje fresco, que hablan de sexo sin tabúes y que cambian al príncipe azul por un hombre actual, guapo, romántico, que se cuida físicamente y que tiene éxito profesional.

VALENTINA. CRÓNICA DEL ALBA, 1ª PARTE

Adaptación a la gran pantalla de la primera parte de los varios cuardernos que componen "Crónica del Alba", en los que Ramón José Sender narra las vicisitudes de José Garcés, un excombatiente republicano muerto en el campo de Argelès-sur-Mer.

En la película, un personaje interpretado por Eusebio Poncela, que ha conocido a Garcés en el campo de concentración, le lleva a Valentina, las notas que Garcés escribió allí y que suponen una suerte de autobiografía. Desde este momento, la película retorna desde el tiempo presente a la infancia de Pepe Garcés (Jorge Sanz) y Valentina (Paloma Gómez) en un pequeño pueblo aragonés. Aunque Sender retrata paisajes, lugares, personajes y recuerdos de su infancia, en realidad no es una obra autobiográfica como tal, en todo caso el autor nos lo hace creer, logrando de este modo mayor complicidad con el lector.

La película, estupendamente fotografiada y con una delicada banda sonora de Riz Ortolani que incorpora un inolvidable leivmotiv, nos traslada de manera sugestiva no exenta de un cierto tono poético, a la infancia del protagonista, reflejando la vida rural en los pueblos de la España del momento desde ese punto de vista del despreocupado niño que disfruta de un mundo incontaminado y vive su primer amor, una relación que tiene mucho de platónica y desde luego, tierna e inocente.

Además de un Jorge Sanz aún niño (yo creo que ha perdido con el tiempo, aquí incluso vocalizaba mejor), interpretando el papel de Mosen Joaquín, podemos disfrutar de la presencia de Anthony Quinn que en cualquiera de sus intervenciones llena la pantalla con ese poderío interpretativo que siempre ha tenido y su delicioso acento mexicano, totalmente fuera de lugar, es verdad, pero me parece un acierto que no se recurriera al doblaje.

No exenta de un punto de humor, Valentina destila un aroma de romanticismo elegante y de producto bien acabado y agradable de ver.

Como curiosidad, decir que veinte años después, los dos protagonistas infantiles, volvieron a cruzar sus vidas y aunque acabaron separándose,  Paloma Gómez y Jorge Sanz, tienen un hijo en común en la vida real.