BLADE RUNNER

A principios del siglo XXI, la Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus, un ser virtualmente idéntico al hombre y conocido como replicante.

Los replicantes Nexus 6 eran superiores en fuerza y agilidad y al menos iguales en inteligencia a los ingenieros de genética que los crearon. En el espacio exterior, los replicantes fueron usados como trabajadores esclavos en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas.

Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus 6, en una colonia sideral, los replicantes fueron declarados proscritos en la Tierra bajo pena de muerte.

Brigadas de policía especiales con el nombre de unidades de Blade Runners, tenían órdenes de tirar a matar al ver a cualquier replicante invasor.

A esto no se le llamó ejecución.

Se le llamó retiro.

La acción se desarrolla en Los Ángeles en noviembre de 2019. Rick Deckard (Harrison Ford) es un Blade Runner ya retirado, pero su antiguo jefe le llama para que se encargue de retirar a un grupo de cuatro replicantes que han llegado a la Tierra desde el mundo exterior, uno de los cuales logró infiltrarse en la Tyrrell Corporation y fue descubierto.

El guión se basa en una novela de Philip Kindred Dick publicada en 1968 con el título de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?.

Lo cierto es que la película cambia algunas de las cosas que contiene la novela, incluso manteniendo el espíritu de la misma, altera la percepción que Dick nos expone en su novela sobre algunos aspectos, como por ejemplo la visión que tiene de los replicantes, término que, por cierto, no se emplea en la novela y que la película hace que el espectador sienta empatía con ellos, mientras la novela los presenta como seres fríos y violentos incapaces de sentir emociones.

Bien interpretada, la película se desenvuelve en una atmósfera oscura y agobiante, trasmitiendo una constante sensación de peligro y decadencia en las calles, bien estén desiertas o atestadas de gente y siempre bajo una especie de lluvia ácida.

Estupenda partitura de Vangelis y unos escenarios que constituyen en si mismo uno de los aspectos más interesantes y logrados de la película hasta el punto de crear una estética de ambientación y una atmósfera muchas veces imitadas en otras producciones posteriores.

De hecho, algunos escenarios han quedado ya grabados en la retina del espectador y forman parte de la misma historia del cine, pero me voy a detener en el que quizá resume uno de los aspectos más importantes que trata el film, me estoy refiriendo al viejo edificio abandonado donde vive J.F. Sebastian (William Sanderson). En este recinto tiene lugar el clímax y la mayor parte del final de la película. Se trata de los restos de lo que en otros años era lo que se puede considerar todo un símbolo de la sociedad occidental contemporánea: un centro comercial. Un lugar con sabor a viejo, que no antiguo, al igual que su único habitante: el ingeniero genético J.F. Sebastian, un ser prematuramente avejentado debido a una rara enfermedad, que vive en una total soledad que le hace sentirse seguro y a la que, no obstante, trata de engañar creando pequeñas criaturas que le hacen caer en la ilusión de que alguien piensa en él y desea que vuelva a lo que podría llamar "casa".

Por una parte, este espacio encierra el simbolismo de la decadencia arquitectónica, pero también social. Por último es el escenario en que tendrá lugar el combate entre Deckard y Roy Batty (Rutger Hauer), el líder del grupo de replicantes proscritos. A su vez, el momento culminante de dicha lucha tendrá lugar en la azotea del edificio, en medio de una intensa lluvia, con ese monólogo final que es una de las más sugerentes y perturbadoras escenas jamás rodadas: I've seen things you people wouldn't believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched c-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die. 

(Yo he visto cosas que vosotros no creeríais: Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo... como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir).

Somo seres pensantes, eso es lo que nos distingue de otras especies, eso y los sentimientos que somos capaces de sentir (valga la redundancia) ¿Pero qué ocurriría si somos capaces de crear nuestras propias réplicas y esos seres artificiales llegan a sentir pena, rabia, dolor o son capaces de amar? ¿Tendríamos entonces la capacidad moral de decidir sobre su vida y su muerte sólo porque son creaciones nuestras y porque alguno de ellos sale torcido y es peligroso? ¿Quiénes somos los humanos para arrogarnos esta potestad?

Más allá de si el protagonista es también un replicante (algo que en el libro ni se plantea) o no, creo que este es el mensaje central que nos traslada el film y alrededor del cual gira el resto de la trama.
Por su estética, por lo que supuso de renovación del género de ciencia ficción, añadiendo esos toque de cine negro y por su mensaje sobre un futuro decadente, Blade Runner se ha convertido en una película de culto y se sigue viendo hoy día sin que el paso de tiempo la haya perjudicado en absoluto.

FUE ANOCHE

La misteriosa muerte de un huésped tras marcharse en mitad de la noche de un rancho abierto como hospedaje por una pareja, Jacqueline y Gil, es lo que dará cuerpo a esta trama. Una extraña desaparición donde todo señalará directamente a Gil tras confesar que había acompañado a ese adinerado huésped a la estación de tren en plena noche hasta su partida, pero entre los revisores de la compañía ferroviaria no hay constancia de que algún viajero se subiera al tren en esa estación a esa hora. Además, la repentina posesión de una fuerte cantidad de dinero en manos de Gil no hará más que complicar su inocencia de cara a la investigación policial que se pone en marcha a raíz de esa desaparición, y donde la búsqueda del hombre desaparecido (o de su cuerpo) se convertirá en una pesadilla para la pareja, en una fuerte tensión emocional entre ellos, y en una pérdida progresiva de su confianza mutua. Como se puede comprobar, a William Irish le gustaba resaltar las injusticia de la lógica en la que muchas veces desembocan las investigaciones policiales basándose en pruebas muy contundentes y racionales, pero las cuales no siempre desvelan la auténtica realidad de los hechos en algunos casos. Y esos casos son precisamente los que le interesaron a este genial mago del suspense literario para dar vida a sus obras.

ACORRALADO (RAMBO)

John J. Rambo (Sylvester Stallone) es un ex soldado de las fuerzas especiales de Estados Unidos que luchó en Vietnam y ganó la Medalla de Honor del Congreso, a pesar de haber regresado a su país, el recuerdo de Vietnam le persigue.

Al llegar a la pequeña localidad de Esperanza, Washington, para visitar a un amigo, es invitado a salir fuera de la ciudad por el sheriff Will Teasle (Brian Dennehy), que le cree un vagabundo, como Rambo se niega, le detiene por vagabundeo y resistencia a la autoridad. Lo que Teasle no sabe es que Rambo se toma todo aquello como un insulto, pues está muy dolido, en realidad él ha ido hasta allí para visitar a un antiguo compañero de armas y ha descubierto que murió de cáncer por culpa del Agente Naranja. Llega un punto en que Rambo se pone violento y es golpeado por varios agentes. A la mente de Rambo vienen imágenes muy vívidas de su época en Vietnam y de las torturas que hubo de sufrir cuando fue capturado, todo aquello para lo que había sido entrenado regresa a él, se enfrenta a los policías y acaba huyendo con una motocicleta robada a través del bosque.

El antiguo oficial al mando de Rambo, el coronel Samuel Trautman (Richard Crenna), advierte a las autoridades del riesgo de intentar capturar a Rambo, ya que dada su experiencia en combate puede matarlos a todos y aconseja calmar los ánimos, pero Teasle le ignora, porque en realidad persigue la muerte de Rambo llevado por sus prejuicios y el afán de venganza.

El guión se basa en la novela del mismo título del canadiense David Morrell. La adaptación recoge bastante bien los momentos de acción, pero no así otras reflexiones que se hacen en la novela de Morrell, como por ejemplo el motivo de la aversión del sheriff hacia el ex-boina verde. El sheriif Teasle tenía problemas con la figura paterna, en el film se ve cómo una de sus principales preocupaciones con respecto a Rambo, a quien ve como un muchacho, es su aspecto, le insiste en que se corte el pelo, un claro elemento psicológico sobre la autoridad paterna.

Además, Tease muestra su repulsión por estas nuevas figuras creadas para la guerra de Vietnam, máquinas de matar que se convierten en inadaptados sociales cuando regresan a la vida civil, la película no explica que Tease es un veterano de Corea con una personalidad forjada a partir de viejas tácticas de confrontación, con fácil integración a la sociedad una vez terminada la guerra. Solamente los muy iniciados se darán cuenta de que en el despacho del sheriff y apenas durante unos segundos, se ve una panoplia con las tres medallas que consiguió en Corea (la Estrella de Plata, el Corazón Púrpura y la Cruz de Servicios Distinguidos al Ejército).

Rambo I, como se conoce vulgarmente esta película, es un icono del cine de acción y su personaje protagonista, uno de los más reconocidos junto a nombres tan sonoros como Supermán, Tarzan, James Bond o Harry Potter.

Denostada por una parte de la crítica, su éxito popular fue y es innegable y aunque haya disparidad a la hora de interpretar su mensaje, ahí queda la crítica a una sociedad que es capaz de crear este tipo de personas. Rambo es para algunos una máquina de matar, pero en realidad es sencillamente el resultado de lo que una institución de una sociedad desarrollada puede llegar a hacerle a un ser humano. Y un ser humano que se resiste a toda la porquería que quieren hacerle tragar no es simplemente un sucio asesino.

LA BARRACA

La serie de nueve capítulos, fue estrenada por TVE en 1979. Dirigida por el argentino León Klimovsky, el guión, escrito por el cineasta Manuel Mur Oti, se basa en la novela del mismo título escrita en 1898 por Vicente Blasco Ibáñez.

Ambientada en la huerta valenciana, nos cuenta cómo el tío Barret (Eduardo Fajardo), al hacerse viejo, ya no puede labrar toda la extensión de tierra que tiene arrendada a D. Joaquín (Gabriel Llopart), al que le debe el dinero que le ha ido prestando, los intereses y la renta del año anterior, ante lo que éste toma la vía judicial para que se proceda al desahucio de Barret que suplica a D. Joaquín que no le eche de un lugar que él y sus mayores han regado con su sudor. Ante los oídos sordos de éste, Barret mata a D. Joaquín y es enviado al presidio de Ceuta, donde muere.

Al cabo del tiempo, a la barraca que fue del tío Barret, llega la familia Borrull, Batiste (Álvaro de Luna), oriundo de Sagunto, su esposa Teresa (Marisa de Leza), que nació en Aielo de Malferit y sus hijos. Sin embargo, La Huerta se ha juramentado para que nadie ocupe aquella barraca, antes han echado a otros y ahora pretenden hacer la vida imposible a los Borrull. Capitaneados por Pimentó (Luis Suárez), un chulo vividor sin oficio ni beneficio, vago y bebedor, casado con Pepeta (Lola Herrera) que le mantiene, los huertanos se enfrentan a los recién llegados que habrán de soportar todo tipo de desprecios hasta que la tragedia toma cuerpo.

La serie recoge muy bien, a través de las imágenes de La Huerta y de los tipos que la pueblan, el espíritu naturalista que Blasco, influenciado por Zola, cuya obra admiraba, imprimió a su obra.

Se nos presenta una sociedad cerrada sobre sí misma, que desconfía del mundo exterior y que tiene sus propias leyes que cumplen por encima de todo, sin mirar si hay injusticia en sus decisiones. La Huerta es La Huerta, repiten una y otra vez, para lo bueno y para lo malo, para la solidaridad, pero también para hacer el vacío a quienes consideran intrusos. No debe verse en la novela de Blasco Ibáñez un ataque a los modos de vida de La Huerta, sino a la incultura que es la que lleva a aquellos hombres a obrar como lo hacen. Por boca de los personajes que representan el mundo ilustrado (maestro, médico y veterinario), Blasco va exponiendo algunas de sus ideas sobre la incultura del pueblo, el odio entre las personas, el maltrato animal... Al final, la rabia por la injusticia que se ha cometido con el tío Barret, lleva a que los pobres se enfrenten unos con otros, mientras los ricos permanecen como espectadores dejando pasar el tiempo, sin que la falta de producción de una tierra que no trabajan pero de la que obtienen beneficios en forma de rentas, les afecte más de la cuenta, pues tienen otros medios de vida, además de capital ahorrado y bienes de otro tipo que les permiten seguir con su ritmo de vida.

Con unos actores que, salvo algún caso muy concreto, logran que nos rindamos a sus interpretaciones, dando el perfil que requiere cada uno de sus personajes. El elenco, sin grandes estrellas (salvo Victoria Abril, que aún no lo era y Lola Herrera que está magnífica), pero plagado de nombres muy conocidos de la escena española, grandes actores y magníficos intérpretes todos ellos que, por el metraje de la obra, rodada sin prisas y sin necesidad de meter la tijera para reducir el tiempo, tienen oportunidad de lucir lo mejor de sí y creo que lo consiguen.

Muy bien ambientada, la música es de Alfonso Santiestaban e incluye una canción del valenciano Jesús Glück (sí, el de Black Is Black y otros grandes éxitos) que suena durante los títulos de crédito y que interpreta (de aquella manera) Victoria Abril, cuyo personaje de Roseta, pone la nota romántica y discordante con la tragedia que les rodea a ella y a Tonet (Juan Carlos Naya), mientras viven su historia de amor que viene a representar la superación de los desencuentros entre los viejos y nuevos vecinos de la huerta.

El mensaje de desesperanza impregna el final, no sólo del conjunto, sino de cada uno de los capítulos de la serie que compone una magnífica traslación a la pantalla de la pesimista obra de Blasco Ibáñez.

MAGICAL GIRL

Luis (Luis Bermejo), un profesor de literatura en paro que vende sus libros a peso para ayudarse en su complicada economía, vive con su hija, Alicia (Lucía Pollán) a la que han diagnosticado leucemia y una breve esperanza de vida.

Alicia tiene un deseo, el vestido de Yukiko, una heroína de dibujos manga. El problema principal es que el vestido que ella quiere es uno en concreto, un diseño especial que vale una fortuna.

Luis está dispuesto a lo que sea con tal de conseguir el sueño de la niña, incluso a intentar el atraco a una joyería, pero cuando está a punto de estrellar una piedra para romper el cristal de una de ellas, alguien vomita sobre su hombro, poniéndole perdido. Esa persona, que no es otra que Bárbara (Bárbara Lennie), baja a la calle y le ofrece limpiarle la ropa, le invita a subir a su casa y acaba en la cama con Luis.

Al día siguiente, Bárbara recibe una llamada, es Luis quien le amenaza con contarle todo a su marido, pues lo ha grabado con su teléfono móvil, y a cambio de su silencio le exige 7.000 euros, el precio del vestido que quiere para Alicia.

Cuando el vestido llega, se da cuenta de que falta uno de los accesorios, el más importante, una especie de varita mágica acabada en un corazón que vale incluso más que el propio vestido. Aunque ha prometido dejar en paz a Bárbara, la llama para pedirle más dinero. Aquello va a tener consecuencias trágicas e irreparables.

Aclamado segundo largometraje de Carlos Vermut que arrasó en el Festival de San Sebastián, donde obtuvo la Concha de Oro a la mejor película y la de Plata al mejor director.

Estéticamente es una película muy bien rodada, con un exquisito cuidado en detalles, planos, enfoques, iluminación... Composiciones geométricas, como si se buscara el equilibrio perfecto, con interiores más que desnudos, sobriamente decorados y exteriores que buscan esa prolongación de líneas escuetas y definidas.

Ese equilibrio acentúa aún más el desorden que se desata en la vida de los protagonistas, vidas llevadas al extremo, a pesar de lo cual, porque todo se hace sin estridencias, nos llegan a resultar creíbles, por más absurdos que lleguen a ser los recursos del guión para llegar a lo que el realizador quiere contar.

Un guión plagado de vacíos que ha hecho que algunos lo entiendan como falto de ideas, por cuanto hay unas cuantas cosas que quedan sin explicación, simplemente ocurren. Pero eso es algo buscado, Vermut lo refleja muy bien con la pieza del puzzle que Damián (José Sacristán) no encuentra, esos vacíos forman parte del devenir de la historia.

Película diferente, incluso difícil a pesar de la apariencia de sencillez, precisamente por esas cosas que no se cuentan y que quedan un poco al albur de la interpretación del espectador.

En cualquier caso un buen intento de un joven realizador que ha buscado contarnos su visión de la sociedad, al menos de cierta sociedad actual, mezclando horror y belleza transitando un camino diferente que perturba al espectador.

NO QUISIERA ESTAR EN SUS ZAPATOS

"I wouldn't be in your shoes", es el título original de esta novela escrita por Cornell George Hopley-Woolrich, más conocido por sus seudónimos William Irish o George Hopley, que quizá a muchos no les diga nada, pero si les hablo del autor de La ventana indiscreta, el relato en el que Hitchcock se inspiró para hacer una de sus más famosas películas, quizá ya les vaya sonando este maestro que renovó el género con un golpe de genialidad que no encontraremos de nuevo hasta Dashiell Hammett. Irish fue un hombre retraído, que apenas se movía de su casa y alrededores, de aspecto enfermizo, que vivía dependiente de una madre dominadora y cuya vida acabó tristemente, enfermo de ictericia, alcohólico y tullido, después de haber estado marcado por su condición sexual (era un homosexual muy promiscuo), que hizo que su matrimonio con Gloria Blackton, durara tan solo una semana.

Un par de zapatos arrojados por una ventana en una calurosa noche de verano convertirán la vida de su dueño en una verdadera pesadilla, un asunto totalmente kafkiano del que valiéndose de un truco de escritor, cual es hacernos creer que ni él, ni su esposa recuerdan ese detalle tan importante como es el lanzar los zapatos fuera de casa, crea un relato de suspense que podemos enmarcar entre lo mejor del género negro.

LOREAK

El matrimonio de Ane (Nagore Aranburu) y Ander (Egoitz Lasa), no pasa por sus mejores momentos, ella, que trabaja en una empresa de construcción acaba de entrar en la menopausia, aunque aún es joven, un caso prematuro. El caso es que el diálogo entre ambos apenas existe, ella se reconcentra en si misma y él, enchufa la tele en cuanto llega a casa.

Ane recibe un precioso ramo de flores y cuando le da las gracias a Ander por el detalle, él le contesta que no sabe nada de aquello. El caso es que, de forma regular, cada semana llega un nuevo ramo de flores, como en la canción, viene sin tarjeta. Ander está mosqueado y ambos investigan en las floristerías quién puede ser el autor de los envíos, sin lograr aclarar demasiado del asunto. Como Ane ve que aquello está afectando negativamente a Ander, que no se muestra demasiado comprensivo, a partir de ese momento decide ocultarle las flores a su marido y se las lleva a escondidas a la obra donde trabaja.

Un accidente de tráfico que sufre un compañero de trabajo y que le acaba costando la vida, le irá dando a Ane las claves de quién le enviaba las flores, al tiempo que conoce a dos mujeres que estaban vinculadas al fallecido: su esposa y su madre.

Film enteramente hablado en vascuence (ahora llamado euskera), dirigido por José María Goenaga y Jon Garaño, autores también de un guión en el que participa Aitor Arregui, que se basa en una idea del propio José Mª Goenaga.

La película tiene dos temas principales, por así decirlo, la soledad (o más bien la incomunicación) y el olvido (o el recuerdo, según se mire).

Alrededor de un mundo de mujeres se va reflexionando sobre estos dos asuntos, casi más a través de imágenes que de diálogos, aunque estos no están ausentes en la cinta. Imágenes que, en ocasiones nos recuerdan otras películas, otros realizadores, recuerdo, así a bote pronto, el voyeurismo tan hitchcokdiano de Beñat (Josean Bengoetxea), mirando con sus prismáticos desde su puesto en la grúa de la obra.

A mí me daba la impresión de estar viendo, en algunos tramos del film, un corto pasado de metraje, por esa calidad que tienen las historias breves que algunas veces se nos muestran en los cortometrajes y que aquí han sido alargadas en el tiempo a través de añadir imágenes que no aportan nada a la trama en sí, aunque sí suponen un magnífico ejercicio de estilo visual y compositivo.

Loreak es una película dramáticamente tierna, que crea algo de desasosiego por ese poso de misterio, casi de cine negro que envuelve la historia.

Con una fotografía que, aunque aprovecha la esplendidez del paisaje guipuzcoano, huyendo de las imágenes de postal, tampoco es que éste predomine, pues hay muchas tomas de interiores y de paisajes urbanos y del mundo que podríamos llamar actual, disociado de la naturaleza.

La banda sonora, notable también, es del experimentado Pascal Gaigne, que lleva unas cuantas músicas de películas a sus espaldas.

La película no busca efectismo, ni hurga en la herida del sentimentalismo fácil, cuenta historias sencillas que parecen totalmente creíbles en buena parte gracias al magnífico trabajo de las tres actrices principales, con interpretaciones en las que los realizadores han trabajado de firme la contención, y con algunos planos realmente bellos y llamativos.

Aunque hay algunas cosas que no están a la altura (quizá lo relativo al cadáver de Beñat), en general estamos ante un film bien trabajado, no exento de cierto preciosismo, muy agradable de ver y del que creo que, en general, se disfruta y queda uno más que satisfecho.