LA MUCHACHA DE LAS BRAGAS DE ORO

Luys Forest (Lautaro Murúa), es un falangista que en su día se dedicó a glosar las glorias del franquismo desde el Servicio de Prensa y Propaganda del Régimen, pero llegados los años 70 nadie se acuerda de él. En ese momento, ya sexagenario, se marcha a Calafell, el pueblo de Tarragona donde está situada una vieja casita familiar, un pueblo pequeño donde conviven los primeros turistas y los últimos pescadores. En él pretende escribir sus memorias.

Hasta allí llega su sobrina Mariana (Victoria Abril), con la disculpa de que va a hacer un reportaje sobre él, pero en realidad, su madre la ha enviado para ver si ayudando a su tío, sienta un poco la cabeza.

El caso es que la muchacha, con su osadía, su forma desinhibida de comportarse y su lenguaje y gestos provocativos, altera la vida de Forest que siente el desasosiego que le provoca la presencia de la sobrina en todos los aspectos, no sólo en el sexual, sino también como elemento que pone en duda que lo que está escribiendo como sus memorias, sucediera realmente tal y como él lo cuenta.

El film se basa en la novela homónima de Juan Marsé, Premio Planeta 1978.

La voz del chileno Lautaro Murúa, fue doblada (bastante bien por cierto) por Arsenio Corsellas, para borrar el rastro del acento sudamericano del protagonista.

Si en 1978 dos cosas impactaban en España, eran la política y el sexo y primero la novela y después la película, se sirven de este reclamo ante el público. Digo se sirven, porque aunque se pueden sacar consecuencias, tanto del texto de Marsé, como del film de Vicente Aranda sobre ese afán de Luys Forest para borrar su pasado, la verdad es que yo no acabo de captar la profundidad del film, quizá no le saco todo el jugo a las parábolas, si las hay o es que estoy poco cultivado y no acabo de entender qué prentendió Juan Marsé con esta novela.

De lo mejor, el sorprendente final y Victoria Abril que lo hace muy bien (lo de desnudarse quiero decir).

VICTUS

Ambientada en la época de Guerra de Sucesión española, Victus narra la historia de Martí Zubiria, hijo de un comerciante barcelonés que le envía a estudiar a Francia, donde tras ser expulsado de un colegio religioso, ingresa en una suerte de academia donde será el único discípulo de mariscal Sébastien Vauban, ingeniero militar que innovó el arte de las fortificaciones y especialmente la poliorcética. Tras servir a las órdenes de Felipe V, Martí acabará en el bando austriacista y tendrá una destacada intervención en la defensa de Barcelona hasta su caída el 11 de septiembre de 1714.

La novela de Sánchez Piñol, ha supuesto todo un éxito editorial y una fuente de polémicas, en parte derivadas de que se presenta como una novela histórica y en algunas partes de la misma, no todos aprecian ese rigor que se presume a una novela que se se presenta con ese adjetivo.

Tal vez los mejores momentos del texto, son precisamente los que se alejan de los personajes históricos para echarse en manos de la ficción, pues algunos de los personajes que han salido del imaginario del autor, están bastante bien conseguidos. En otros momentos, se adentra en territorios en los que hay demasiadas heridas abiertas o mal cicatrizadas que se prestan a que quien lea el libro, dependiendo de sus propias convicciones, se encuentre molesto con algunas cosas que se dicen o se sugieren en el texto. No voy a ahondar en ello, porque no me considero preparado para entrar en polémicas de este tipo, tal vez pretender trasladar situaciones actuales a otros tiempos o ver el reflejo de unas en otras, sea una apuesta demasiado arriesgada y con ello ha de apechar el autor. ¿Qué quiero decir con esto? ¿A qué me refiero en concreto? Pondré un ejemplo, la Guerra de Sucesión fue además de un conflicto dinástico, una especie de guerra mundial de la época, en el que las potencias del momento intervinieron en mayor o menor medida y junto a ellas, también en distinta medida, sus aliados, históricos o coyunturales. Las regiones del levante español, optaron por el pretendiente austriaco y el resto (a grandes rasgos), por el francés, pretender decir que esto fue un conflicto entre Castilla y Cataluña, da pie a una de esas controversias en que deriva la novela. Que Felipe V y sus más cercanos abolieran las antiguas leyes del Reino Aragonés y más concretamente las del principado catalán y hacerlo pasar como un ejemplo de que la nueva corona traía la tiranía, también tiene sus riegos a la hora de interpretarlo, otros territorios de España (Vascongadas o Navarra) estuvieron al lado del Borbón y mantuvieron sus privilegios, luego otros pueden interpretar, sencillamente, que Cataluña apostó y perdió, sin que por ello se pueda deducir que había especial encono apriorístico contra esos territorios. También es cierto que reparte un poco para todos, porque tampoco salen muy bien parados personajes tan representativos como el propio Rafael Casanova y no digamos el Diputado Militar catalán Antoni Berenguer; eso por no hablar de lo que ha escocido en ciertos sectores vinculados al independentismo que el autor haya optado en esta ocasión, por escribir directamente en castellano. Pero como digo, tampoco voy a entrar en ese terreno más de lo que lo he hecho, porque no tengo ni ganas, ni conocimientos para sostener un debate serio y documentado al respecto.

Independientemente de eso, la novela es dinámica, quizá un poquito larga, pero está bien escrita y capta la atención del lector, sabiendo explotar los recursos de los que echa mano, con algunos personajes que resultan atractivos, cierto sentido del humor y mucha acción como corresponde a una novela que se desarrolla en momentos convulsos y, en su parte final, en plena batalla.

Como dice el propio autor, las lagunas de la Historia son una bendición para el novelista y Sánchez Piñol aprovecha esas lagunas para construir un relato ágil e imaginativo.

KRAMER CONTRA KRAMER

Ted Kramer (Dustin Hoffman) trabaja como publicista y está muy bien considerado en su empresa, donde gana un salario más que digno. El día en que consigue el sueño de que su jefe le adjudique la mejor cuenta de publicidad con que cuenta la empresa, regresa a casa y se encuentra con que su esposa ha decidido abandonar el hogar sin darle más alternativa, simplemente siente que la casa asfixia sus posibilidades como mujer y no aguanta más la situación.

Ted se encuentra de pronto con que tiene que hacerse cargo de su pequeño hijo al tiempo que ha de atender a un trabajo que va a demandar su dedicación exclusiva. No está preparado y aquello supone una pequeña ruina en su vida, apenas se desenvuelve en la cocina, su hijo, a pesar de su corta edad, sabe más que él de cómo hacer la compra en el supermercado y para colmo, toda esta situación complica su vida laboral.

Sin embargo, a medida que se va asentado, afronta la nueva situación y va cogiendo cierto dominio de las tareas domésticas y de las responsabilidades paternales, además de descubrir que no todo es negativo, su nueva vida le permite disfrutar más de su hijo en una relación hasta entonces inexistente, charla y juega con él, acude como padre a algunos de los eventos del colegio, le lleva al parque, comparte sus alegrías, sus preocupaciones y cuida del niño cuando está enfermo. En el trabajo, por contra, se le achaca que no dedica el tiempo suficiente a sus nuevas responsabilidades profesionales y acaba siendo despedido, lo que no impide que Ted encuentre empleo rápidamente aunque sea a costa de una rebaja en su sueldo.

Pero lo peor está por llegar, cuando más está empezando a disfrutar de sus tareas como padre, su exmujer reaparece y demanda para sí la custodia del niño, comienza un proceso judicial que supondrá una dura prueba para todos ellos, incluido el pequeño Billy (Justin Henry).

Basada en la novela del mismo título de Avery Corman, la película tiene un argumento sencillo y de lo más cotidiano, con personajes que se nos antojan de carne y hueso y con unas situaciones que están presentes en el día a día de nuestra sociedad, incluso de algunos de nosotros, o de personas muy cercanas, por lo que todo resulta cercano y casi familiar, sin vueltas de tuerca, ni situaciones forzadas, todo muy natural. Ese es uno de los principales activos de la película.

En una sociedad (la de los años 60, primeros 70), en que la llamada liberación de la mujer pretendía dar sus pasos definitivos, se nos plantea el conflicto entre las obligaciones familiares y profesionales y entre los roles que la sociedad de manera inmemorial adjudica al hombre y la mujer.

Ted Kramer es el proveedor de la familia y lo hace bien, los suyos llevan un ritmo de vida más que cómodo, con sus necesidades cubiertas de sobra, pero su esposa es infeliz, ha tenido que abandonar cualquier aspiración profesional y Ted no quiere ni oír hablar de que trabaje fuera de casa.

Por otro lado, cuando este tipo de conflictos salen a la superficie y se plantea el problema de los hijos, los tribunales, sin detenerse en mayores consideraciones, suelen optar por el papel preponderante de la madre en detrimento de la figura paterna.

Este es básicamente el planteamiento de este melodrama que rompió moldes en su momento y que se me antoja que sigue bastante vigente, invitando a la reflexión sobre lo arriesgado que es generalizar en estos asuntos.

Hoffman interpreta con la solvencia que le es característica su papel, consiguiendo, una vez más, una de esas actuaciones inolvidables, bien arropado por el resto del elenco, con una casi debutante Meryl Streep que presenta las credenciales para futuros trabajos.

Un film que nos atrapa desde el inicio, con la historia muy bien desarrollada y que procura dejar claras las posiciones y motivos de unos y otros, sin señalar culpables.

Un par de curiosidades para terminar. Justin Henry es la persona más joven en ser nominada para un Oscar y, creo que sigue ostentado ese record a día de hoy. La fotografía estuvo a cargo del gran Néstor Almendros que, aparte de su magnífico trabajo, hizo una sugerencia curiosa y creo que acertada: La habitación del niño estaba decorada con personajes de Disney, pero Almendros dijo que mejor una decoración más neutra para no quitar protagonismo a la trama del film, al final, lo que muestra el film son paredes decoradas con nubes.

EL INSPECTOR CADÁVER

El joven Albert Retailleau aparece muerto en las vías del tren, aparentemente un convoy le ha pasado por encima dejándole destrozado. El juez Brejon, pide a Maigret, como favor personal, que se desplace hasta el pueblo de Saint-Aubin, en la zona pantanosa de la Vendée, para investigar discretamente y de manera oficiosa qué es lo que ha ocurrido, ya que en el pueblo empiezan a correr rumores de que aquello no ha sido un simple accidente y señalan a Etienne Naud, casado con la hermana del juez, como culpable de la muerte del joven. La gorra del difunto ha aparecido a mitad del trayecto que va desde la mansión de los Naud y el lugar en que fue hallado el cadáver de Albert.

En el tren en que viaja Maigret a Saint-Aubin, va también un pasajero al que conoce de sobra nuestro protagonista, Justin Cavre, que tiempo atrás trabajó en la policía de París para acabar abandonando el cuerpo en no muy claras circunstancias y abriendo una agencia de detectives privados. En la policía le conocían con el apelativo de El inspector Cadáver y nunca le cayó bien a Maigret que ahora desconoce quién ha contratado sus servicios para ocuparse del caso de Albert Retailleau.

Maigret se encuentra con la actitud hostil de cierta parte de la población que sospecha que está de parte de los Naud, pues se hospeda en su casa. El comisario se entera por la propia interesada que Genevieve Naud, espera un hijo del difunto Albert, del que era amante y al que recibía con asiduidad en su habitación sin que sus padres supieran nada.

Es la novela número 25 de la serie.

EL TAMBOR DE HOJALATA

Mucho antes de que el protagonista, que es quien narra la historia, naciera, su abuela se encontraba en el extremo de un campo de patatas, en la región de Casubia, al norte de Polonia. Un hombre que huye de la justicia, le pide que le ayude a esconderse y ella le cobija bajo las cuatro faldas que lleva puestas. Ese hombre se convertirá en el abuelo de Oskar y vive tiempos más o menos felices hasta que la policía encuentra de nuevo su rastro y él se tira al agua, unos dicen que se ahogó y otros que se fue a América y llegó a ser rico, el caso es que nunca más regresó.

Oskar Matzerath (David Bennent) viene al mundo en Danzig en 1924. Es un niño llamativamente precoz que acoge con un lúcido escepticismo los comentarios de quienes le rodean. El día de su tercer cumpleaños -en un gesto de absoluto rechazo- Oskar pone fin brutalmente a su crecimiento físico. Ese día le regalan, como le habían prometido cuando nació, el primero de los tambores rojiblancos a los que permanecerá fiel hasta la muerte de Alfred (Mario Adorf), quien es oficialmente su padre. Pasan los años y conserva su estatura de niño. Tocando su tambor puntea rítmicamente todos los acontecimientos, grandes y pequeños, que rodean su existencia. Oskar pone el mundo patas arriba y se desprende alegremente de cualquier responsabilidad, sin poder escapar a las terribles cuestiones del sexo y la muerte.

El guión se basa en la que, seguramente, es la novela más conocida del Premio Nobel Günter Grass, "El tambor de hojalata", que forma parte de la trilogía que este autor dedicó a la ciudad de Danzig (hoy Gdansk), el lugar en que nació.

El éxito de la novela de Grass se debió, en parte, a la novedad del lenguaje utilizado, era la primera vez, al menos en una novela de éxito, que se utilizaba la ironía y cierto sentido del humor para relatar los hechos que rodearon el ascenso de los nazis, todo ello sin menoscabo de la crítica a su ideología.

Es una novela, a mi juicio, difícil de llevar a imágenes y el resultado, aunque de cierta brillantez por la buena realización, me ha parecido desigual, con momentos conseguidos y otros en los que baja bastante, creo que no acaba de llegar del todo al espectador, en parte por esa dificultad que ya se aprecia en el propio texto de la novela.

A pesar de ello, tiene escenas de gran calado, con un principio realmente prometedor, para mi recuerdo particular, quedan aquellas en que, a los sones del Danubio Azul, los camisas pardas reunidos en el Campo de Mayo de Danzig, empiezan a mover sus brazos en alto al compás y acaban trocando en vals lo que era una concentración política para reivindicar a la raza aria y denostar a los polacos.

Plagada de simbolismo, es uno de esos films que tienes que ver varias veces para captar lo que está tratando de contarte.

El recurso al niño que se niega a crecer, es una manera que tiene Grass y que acepta el film, para contarnos lo que está ocurriendo desde los ojos de un niño, y es que los recuerdos de Grass de lo que era su ciudad, son los de un crío, porque al final de la guerra, como todos los alemanes, tuvo que marcharse de allí como se ve en las escenas finales de la película, en la que la sombra del drama polaco, la Polonia sometida a través de los siglos a ese "jueguecito" de demolición y reconstrucción, predomina sobre cualquier otro motivo.

LOS GOYA 2016

No voy a hablar de lo pesada que se hace la gala de estos premios; ni de las cansinas quejas (por más que alguna sea legítima) sobre los problemas de la industria del cine, sin que se dijera una sola palabra del fraude de las taquillas (ni Resines, ni ninguno de los intervinientes mentó el asunto). Ni de que no les hayan dado un Goya a ninguno de los políticos asistentes, que son los que mejor actúan, incluso mejor que algunos de los que se dicen actores.

Voy a referirme a la presencia en el evento de dos figuras reconocidas y de mucha actualidad: Juliette Binoche y Tim Robbins, que soportaron estoicamente la gala, con una sonrisa y manteniendo el tipo, supongo que sin entender nada de lo que se estaba diciendo, claro que estas figuras de Hollywood tienen muy en cuenta los contratos de promoción y les dan la misma importancia que a los de rodaje e imagino que esa sería la razón principal de su presencia.

El caso es que la Academia, o quien sea el responsable del tinglado, a mi modo de ver, ha tenido poca cintura a la hora de aprovechar que ambas figuras de relumbrón estuvieran allí. No digo yo que les fueran a rendir pleitesía, pero qué bien hubiera quedado, por ejemplo, que entregaran uno de los premios, aunque Binoche lo hiciera con su exquisito acento francés (al fin y al cabo europea que triunfa más allá del Atlántico), o Robbins lo hubiera hecho en inglés, aunque supongo que si Penélope Cruz fue capaz de entregar un Oscar con su inglés de andar por casa, Robbins hubiera sido muy capaz de leer un papelito y decir algo así como: El Goia a la mehour película (o lo que fuera), es para...

En fin, una ocasión perdida, porque el cine cuando es industria, al fin y al cabo vive un tanto de la promoción y una cosa así le hubiera dado presencia en medios internacionales. Pero ellos sabrán.

EL CRIMEN DE CUENCA

En Osa de la Vega (Cuenca), el 21 de agosto de 1910, próxima a avecinarse la noche, camino de Tresjuncos, fue visto por última vez José María Grimaldos López (Guillermo Montesinos), conocido como "El Cepa". Nada volvió a saberse del pastor, pero inmediatamente, surgió una versión chismosa que aseguraba que El Cepa había sido asesinado para robarle los pocos duros que portaba producto de la venta de unas ovejas.

El bulo fue creciendo y más a partir de que la madre de José María denunció su desaparición, asegurando que dos compañeros de su hijo, Gregorio (Daniel Dicenta) y León (José Manuel Cervino), habían asesinado a su hijo.

El primer intento de juicio, fue archivado por falta de pruebas y como tal, el expediente fue a dormir a los archivos del juzgado. Pero años después, llegó a Belmonte el juez Isasa (Héctor Alterio), un tipo con ínfulas que desempolvó el expediente y animado por el cacique y diputado de la zona, se propuso esclarecer lo que, según él, su antecesor había sido incapaz de resolver.

Los dos sospechosos fueron detenidos y llevados a las mazmorras de los juzgados de Belmonte y mediante procedimientos que el juez se negó siempre a conocer, infligidos por un sádico sargento de la Guardia Civil, los detenidos se confesaron autores de un crimen que no habían cometido. Ocurre que sus versiones no eran concordantes, para acabar con sus sufrimientos, se habían inventado de todo, desde que habían quemado el cadáver, hasta que lo habían enterrado en el cementerio, pero el cuerpo seguía sin aparecer y los métodos inquisitoriales de interrogatorio, continuaban, hasta que lograron poner de acuerdo a ambos reos.

La vinculación con la literatura de este film, sigue el camino inverso al habitual, Dolores Salvador Maldonado publicó el libro "El crimen de Cuenca", basándose en el guión de la película que ella misma, junto a la directora del film, Pilar Miró, había escrito. La obra de Salvador Maldonado, fue publicada por Argos Vergara en 1980, un año después de terminada la película que aún no había sido estrenada, porque un ministro cobarde de UCD (Ricardo de la Cierva, creo que fue), se acojonó y secuestró los negativos prohibiendo su exhibición, estábamos ante la primera obra censurada durante la democracia. Se argumentó que en ella se difamaba a la Guardia Civil y Pilar Miró hubo de afrontar un juicio ante un tribunal militar.

Pilar Miró cuenta la historia con brillantez, sin buscar el morbo en las escenas que muestran el calvario de los dos encausados, lejos de los argumentos gore, pero rodadas con tal verismo que hacen que resulten mucho más cruentas precisamente porque resultan verosímiles.

Bien ambientada, con magníficas interpretaciones y una buena partitura de Antón García Abril, la película va más allá de la aparente crítica a los métodos sanguinarios de los torturadores, es un retrato de lo más oscuro de aquella España analfabeta y doblegada al mangoneo de los poderosos, con una tetrarquía (juez, cura y cacique) que posa su bota sobre la cerviz del humilde para tenerle bien sujeto, haciendo que se vuelva contra los de su condición reclamando sangre.

La injusticia de la Justicia puede ser terrible cuando se apodera de un inocente al que quiere colgar el sambenito, pues no hay escapatoria. No es el crimen de un pastor corto de entendederas que desaparece sin dejar rastro y cuando se entera de que sus dos compañeros están en presidio no dice nada, sino de un juez que pretende juzgar lo injuzgable y de los métodos que se utilizaron para arrancar una verdad que era una mentira.

Historia basada en hechos reales, dura donde las haya en la que dos hombres que eran amigos (y que lo volverán a ser al cabo del tiempo), acaban enfrentados por culpa de la humillación y el sufrimiento de procedimientos indebidos, utilizados por quienes no ven en los humildes personas, sino seres embrutecidos e incultos, presuntos culpables.