TRISTANA

Tristana (Catherine Deneuve), una jovencita que acaba de perder a su madre, va a ser acogida por Don Lope (Fernando Rey), un don Juan de pasado ilustre que intenta mantener las apariencias a pesar de que no pasa por los mejores momentos económicos.

A pesar de ello, como quiera que se considera un caballero, se hace cargo de Tristana porque así se lo prometió a su madre en su lecho de muerte.

D. Lope se considera a sí mismo como un hombre de honor, a pesar de haber tenido numerosos enfrentamientos con maridos y amantes a causa de su afición a las faldas.

Aunque al principio la trata como a una hija, no tarda en comenzar a mirar a Tristana con otros ojos, hasta que consigue, prevaliéndose de su posición, que ella le conceda sus favores, algo que quedará marcada a la chica el resto de su vida.

En uno de los paseos que da por la ciudad, acompañada de Saturna (Lola Gaos), la criada de D. Lope, que se ha convertido en su única confidente, Tristana conoce a un joven pintor llamado Horacio (Franco Nero), con el que acaba huyendo de la ciudad, a pesar de la oposición de D. Lope.

Al cabo de los años, Horacio se presenta ante D. Lope para comunicarle que Tristana está muy enferma, que se siente en peligro de muerte y que desea acabar sus días en casa del que aún es su tutor legal. D. Lope, que la ha echado mucho de menos en ese tiempo, accede encantado, prodigándole cuidados sin tasa, hasta que el médico le comunica que si le amputan la pierna, ella podrá sobrevivir. Así lo hacen y, aunque salva la vida, Tristana nunca volverá a ser la de antes.

Basada en la novela del mismo nombre de Benito Pérez Galdós.

Era la segunda vez, tras Nazarín, en la que Buñuel se acercaba a su admirado D. Benito, para hacer una película sobre una de sus obras, un proyecto este, largamente acariciado por el director de Calanda, desde los años 50 estaba buscando la manera de llevar la novela a la pantalla y cerca estuvo en 1963, pero era demasiado pronto para que las autoridades españolas lo permitieran, todo lo contrario, se opusieron al rodaje de una película que consideraban peligrosa, así que hubo de esperar hasta 1970, para conseguir su objetivo que no se vio libre de polémica, sobre todo tras el escándalo de Viridiana.

También la novela de Galdós estuvo prohibida en su momento, así pues llovía sobre mojado.

El libro del canario, hace sobre todo hincapié en la condición de opresión en que vive la mujer, algo que queda reflejado de soslayo en el film a través de alguna frase del protagonista (la mujer honrada en casa, con la pata quebrada) y de su oposición a que salga a pasear por la ciudad ella sola (aunque esto se puede interpretar como un síntoma de posesión sexual). Sin embargo hay otros aspectos del texto galdosiano que interesan más al cineasta: el anticlericalismo, las diferencias sociales, la crítica a la sociedad provinciana...

Con fotografía de José F. Aguayo, con su hijo como ayudante, que opta por tonos oscuros y fríos y ofrece algunos logrados encuadres de Toledo, sus calles y monumentos y una ambientación exquisita que recuerda los mejores films europeos (ingleses, franceses o italianos), son de destacar las interpretaciones, sobre todo de los dos protagonistas y de Lola Gaos. Fernando Rey nos ofrece, seguramente la mejor interpretación de su vida, con momentos realmente para el recuerdo y Catherine Deneuve, la musa de Buñuel, que pone al servicio de su papel esa belleza fría y distante que caracteriza a la actriz francesa.

La crítica al analizar la película, saca una y mil conclusiones sobre el simbolismo de ciertas secuencias (la boda, rodada como si fuera un funeral, etc.), pero a mí me parece que es quizá la película de Buñuel más fácil de entender y con menos metáforas. Apenas acude a escenas surrealistas, fuera de la cabeza de Don Lope colgando de la campana a modo de badajo, todo está claro para el espectador y sí que es cierto que la última parte del film, está plagada de elementos fetichistas pero, repito, todo está bastante claro y contado de forma explícita y con unos personajes perfectamente delineados. Don Lope que en un mundo donde la burguesía comercial, financiera e industrial y los profesionales liberales, han tomado el timón, representa a una nobleza fuera de sitio que defiende unos códigos de conducta que le llevan, al menos de palabra, a defender al débil frente al poderoso y que huye del trabajo como de una plaga; y Tristana, la mujer que con la virginidad pierde, no sólo la inocencia corporal, sino que deja de ser una niña, para convertirse en un ser despechado que ha sido obligada a someterse a quien veía como a un padre.

Con unas cuantas escenas memorables, yo me quedo con un par de ellas, aquella en la que Don Lope llega al café y se une a la tertulia de cotillas ociosos que representan a esa sociedad provinciana hipócrita y criticona y aquella otra en que los curas están tomando el chocolate con picatostes en casa del noble, como cuervos que huelen la muerte.

EL TRATAMIENTO

No se si habrán visto el vídeo, ya famoso, del PP, en el que presenta a España como el paciente que ha respondido a su tratamiento, pero bueno, da igual, tampoco se pierden mucho, es más, pueden evitarse un ataque de vergüenza ajena.

Lo primero decir que tampoco comprendo, desde mi ignorancia, por qué ha levantado polémica, cuando a estas alturas todos sabemos con los bueyes que aramos, si bien es cierto que alguien (seguramente muchos), se puede sentir ofendido, pero no por el vídeo en sí, sino por esa manía que tienen los partidos de tratarnos como a tontos.

¿Pero es que no se dan cuenta de que la gente no es tonta?, otra cosa es que les voten, por interés, por ideología e incluso convencidos, en su buena fe o en su ceguera, de que son el mal menor, pero de ahí a ser tontos, que haberlos haylos, pero son unos pocos y seguramente serán concejales en su pueblo.

En fin que lo del tratamiento a mí me ha recordado a las pelis de mafiosos, en las que someten a tratamiento a quien quieren dar un escarmiento o, lo que es peor, las historias de las policías totalitarias que sometían a tratamiento a los enemigos del régimen de turno. Aunque, quién sabe, quizá se refieren a ese tipo de tratamiento.

EL HOMBRE QUE SE QUISO MATAR

Federico Solá (Tony Leblanc), modesto profesor de latín en un colegio privado de Segovia, se desplaza todos los días desde Madrid a la ciudad del acueducto, lo hace en tren, ya que sus posibilidades económicas son bastante limitadas, circunstancia que le impide contraer matrimonio con la que es su novia desde hace siete años. Ella le urge para que pida un aumento de sueldo, pero cuando plantea la demanda ante el director del colegio, este le sale con evasivas, dándole a entender que, de ningún modo está dispuesto a aumentar su salario.

La novia, le abandona por otro y, por si fuera poco, en el colegio le anuncian que como las horas de latín son pocas, van a prescindir de sus servicios y va a dar las clases el propio director.

Federico se siente fracasado, ve que nadie aprecia sus cualidades, su bondad y su espíritu sensible y toma la decisión de poner fin a sus días en este valle de lágrimas, pero pronto se va a dar cuenta de que la cosa no resulta tan fácil como suponía.

La película es un remake de otra que hizo el propio Rafael Gil en 1943, con Antonio Casal como protagonista y que fue el debut como realizador de Gil (antes había hecho unos cuantos documentales).

La nueva versión no mejora la anterior, simplemente pone al día algunas cosas, trasladándolas a la España de 1970, desde el arranque, con la inclusión de unas imágenes de la llegada del hombre a la Luna (apenas un año antes), hasta la propia ambientación.

La obra de Fernández Flórez ha sido ampliamente llevada al cine desde muy pronto, hasta fechas relativamente recientes (recordemos "El bosque animado", por ejemplo) y aunque era un hombre de derechas, su forma de pensar era bastante dispar con esa etiqueta. En sus novelas y relatos, sus personajes están marcados por la conciencia de la derrota, proyectando una visión pesimista y melancólica de la vida, algo que ni el propio film logra enmascarar aún tratando de edulcorarlo, a veces con una actuación algo histriónica de Tony Leblanc.

El reparto cuenta con un buen número de profesionales de renombre en el cine español (Garisa, Alfonso del Real, Elisa Ramírez, Emma Cohen, Aurora Redondo, Rafael Alonso...) y una fotografía con algunas buenas tomas de Segovia.

Entretenida, con ese humor un poco cruel de Fernández Flórez, pero sin que sea una gran película.

MI PLANTA DE NARANJA LIMA

Zezé es un niño al que la ruleta de la fortuna le jugó la mala pasada de hacerle nacer en una familia muy pobre. Su padre, de edad ya madura, está sin trabajo desde hace mucho tiempo; su mamá se desloma trabajando por un mísero jornal para mantener a la familia, 5 hermanos además de Zezé, otra niña a la que enviaron a vivir con unos familiares y algún otro que no sobrevivió a la miseria.

A sus cinco años, Zezé es un niño de pequeña estatura para su edad, muy inteligente y que sueña con ser poeta de mayor. Como niño que es y dado el entorno en que vive, Zezé comete algunas travesuras por las que recibe brutales palizas, al punto de que está convencido de que un diablo vive dentro de él y le impulsa a cometer esas gamberradas, cree que el día de Navidad, en vez del niño Jesús, para él nace Satanás y que por eso no tiene regalos.

Sin embargo, hay lugares donde Zezé es otro, cuando está en el colegio, con una maestra que le adora, cuando va recorrer las calles con don Ariovaldo, y canta canciones de moda, vendiendo hojitas en las que están impresas las letras, pero sobre todo, cuando está con Minguito, su pequeño arbolito de naranja-lima, con el que habla y le cuenta sus peripecias diarias, sus sueños y sus frustraciones.

El libro, que a muchos les parecerá triste, por la reflexión que hace sobre la pobreza, es en realidad un relato cautivador, en el fondo lo único que hace es sacudir nuestras conciencias alrededor de una realidad, sólo tenemos que mirar el mundo que nos rodea y la cantidad de miserias que cada día podemos ver y oír en los noticiarios y que son únicamente una pequeña parte de las miles y miles de historias tristes que cada día se repiten por todos los rincones del planeta.

Zezé ha aprendido a vivir su miseria con cierto optimismo y no está ausente la alegría con la que encara la vida, a pesar de las palizas de quienes no comprenden su alma sensible. Como en toda desgracia, siempre hay un ángel de la guarda, para Zezé es su hermana Gloria y Manuel Valadares, al que apoda "Portuga", un hombre mayor que su padre, que comenzó siendo su enemigo y que ahora le lleva en su flamante auto, le compra refrescos y le da consejos sobre la vida.

Un día, Zezé recibe uno de esos golpes que da la vida y siente que de un momento para otro, su mundo de fantasía se ha acabado, como si alguien hubiera cortado de un tajo su árbol de naranja-lima, cuando apenas va a cumplir seis años, Zezé se convertirá en adulto.

LOVE STORY

Oliver Barrett IV (Ryan O'Neal) es un notable estudiante y gran deportista, apasionado del hockey sobre hielo. Un día, en la biblioteca de la universidad, conoce a una estudiante de música Jennifer Cavilleri (Ali MacGraw) surgiendo entre los dos una innegable atracción que les lleva a plantearse contraer matrimonio, aunque para ello, Jenny tenga que renunciar a una beca que la llevaría a ampliar estudios en París, ya que Oliver debe estudiar de firme, primero para conseguir su ingreso en Harvard y, más tarde, para sacar la carrera de derecho con notas brillantes, para lo cual, Jenny habrá de trabajar y ser el sostén económico de la familia.

Oliver mantiene una agria relación con su familia, sobre todo con su padre, Oliver Barrett III (Ray Milland), pues piensa que no valora su trabajo y que ve sus éxitos como algo a lo que está obligado, situación que Jenny trata de suavizar, sin conseguirlo.

Oliver y Jenny deciden tener un hijo, una vez que él ha encontrado trabajo en un prestigioso bufete, sin embargo, pasa el tiempo sin que Jenny quede embarazada, por lo que se someten a pruebas médicas. Los análisis serán mensajeros de malas nuevas para la joven pareja que verá como su felicidad sufre un traspiés irreparable.

Erich Segal escribió el guión de Love Story, una película que sería rodada con unos medios limitados, algo que se nota en el rodaje por las calles de Nueva York, ciudad en la que no tenían autorización para sacar la cámara a la calle porque el presupuesto se había acabado y lo resuelven a base de planos largos e imágenes tomadas de forma "clandestina".

El caso es que entre productora y autor, deciden adaptar el guión en forma de novela, un proceso inverso al habitual. El libro salió meses antes del estreno y se convirtió en un superventas.

Love Story es un icono del cine, para disgusto de algunos que la tachan de película rosa y que juega con los sentimientos. En fin, no voy a entrar en eso, porque es difícil conciliar posiciones encontradas después de tantos años, el caso es que filmes de este tipo los hay a millares, ¿por qué otros no consiguieron lo que este? Supongo que algún mérito tendrá el guión que ha sabido conjugar una historia sencilla y cien veces contada, dándole un toque atractivo y humano.

Sea como fuere, la película consiguió que miles de jóvenes se enamoraran, ellas de Ryan O'Neal, pero sobre todo, ellos de Ali MacGraw.

Y, por último, la estupenda banda sonora de Francis Lai, con ese tema principal que se ha convertido en un clásico, además de valerle el único Oscar del film, le ha supuesto un lugar destacado en la historia de la música de cine.

BELTENEBROS

Vine a Madrid para matar a un hombre al que no conocía...

Así comienza esta novela de Antonio Muñoz Molina en la que el autor rinde un homenaje a aquellos luchadores antifranquistas que venían a España a jugarse el pellejo enviados por hombres que no sabían lo que aquí ocurría. Así les iba, claro. Ya lo señalaba Semprún cuando comenta que en en España, lejos de lo que se les decía por los dirigentes comunistas, que la gente estaba harta de represión, se encontró con un pueblo que lo pasaba bien, tratando de alejarse de las consignas políticas.

Beltenebros bebe de muchas fuentes, de la novela negra clásica tipo Raymond Chandler, Dashiell Hammett o Patricia Highsmith, pero también de las novelas de espías o relacionadas con con ese asunto (John le Carré o Graham Greene, por citar alguno). El ambiente de la novela es un Madrid tenebroso, en los alrededores de la estación de Atocha, más allá de Antón Martín, donde comenzaba la oscuridad.

Narra la llegada a la capital de un agente enviado para matar a un presunto traidor, un hombre que ha vendido a sus compañeros, que han ido cayendo uno a uno en manos del siniestro comisario Ugarte, un hombre invisible, del que nuestro hombre, el capitán Darman, irá descubriendo que no es el que parece.

Con reflexiones alrededor de este mundo oscuro de la lucha clandestina, en el que se mueven hombres mitad profesionales, mitad idealistas, estamos ante una novela de cierto nivel, con un final que me recuerda al Tercer Hombre y con un discurrir que va atrapando al lector para llegar a la resolución del misterio que supone, a la vez, un desengaño y una luz de esperanza para el futuro.

EL MENSAJERO

Leo Colston (Dominic Guard), un adolescente huérfano de padre y cuya madre tiene escasos medios económicos, es invitado a pasar unos días en su mansión de Brandham Hall, por su compañero de colegio Marcus Maudsley (Richard Gibson). La diferencia social se hace más evidente cuando al paso de los días observan que Leo no tiene ropa de verano y le regalan un traje.

De manera casual, Leo comienza a transmitir los mensajes que se intercambian la hermosa hermana de Marcus, Marian (Julie Christie), y su prometido Hugh Trimingham (Edward Fox), y más adelantes, será quien lleve las notas que se escriben la propia Marian y su amante Ted Burgess (Alan Bates), un rudo campesino que tiene arrendada una finca propiedad de Mr. Maudsley (Michael Gough), con el que Marian mantiene encuentros furtivos y del que está enamorada, aún a sabiendas de que su futuro en común es imposible y que ella deberá casarse con Trimingham.

Leo, adora a Marian y procura hacer cualquier cosa que esta le pida para mantenerla contenta, mientras ella, aprovecha su posición de superioridad y el cariño que el chico la profesa, para que continúe llevando sus notas a Burgess incluso cuando Leo se muestra renuente a hacerlo, pues desde su ingenuidad, sospecha que algo de lo que está haciendo no es correcto.

Basado en la novela The Go-Between, de L.P. Hartley, fue la tercera y última colaboración entre el guionista Harold Pinter y el realizador Joseph Losey, un hombre que emigró a Europa forzado por estar incluído en la famosa lista negra del macarthysmo.

El film nos retrata, de manera sutil y sin aspavientos, la vida del estamento acomodado británico de principios del siglo XX, la brecha social entre clases y la hipocresía que dominaba sus relaciones.

Los exteriores, rodados en Norfolk, nos acercan a la hermosura de la campiña inglesa, magníficamente fotografiada por Gerry Fisher, igual que los interiores, exquisitamente filmados.

Con unas magníficas interpretaciones, incluída la del niño Dominic Guard, el film evoca la transición de la adolescencia a la primera juventud del protagonista a través de sus recuerdos.

Con un lenguaje cinematográfico de gran calidad y muy original, hay varias cosas que me han llamado poderosamente la atención. El inicio, con ese cristal salpicado de gotas de lluvia que, después descubrimos es el del automóvil en el que un Leo ya anciano, llega de nuevo a Brandham Hall para reencontrarse con su pasado y, en esa misma secuencia, que corresponde a los títulos de crédito del inicio, la transición de luz que nos lleva del presente al pasado.

No menos atractivas, son todas las secuencias del partido de cricket y la fiesta posterior, además de lo bien rodadas que están, son como un compendio de la historia general del film y de lo bien planificado que está todo el rodaje, cada secuencia, cada plano...

Una película en la que se aprecia ese algo diferente y con esa clase especial que destila el cine británico, rodada con pausa, pero para nada lenta, con una logradísima ambientación y unos entornos, tanto exteriores como interiores que le dan ese aire distinguido, no por lo rebuscado, sino por los preciosista del entorno que logra transmitir una mezcla de realismo y distinción.