HERO

Hace mas de dos mil años, el actual territorio de China, estaba dividido en siete reinos que luchaban entre sí por alcanzar la hegemonía sobre los demás.

El rey Qin (Daoming Chen), vive obsesionado con la unificación de esos reinos enfrentados, considera que es su misión en la tierra. Debido a estas disputas y a que está considerado por algunos como un tirano, su vida está en constante peligro, una serie de guerreros que buscan venganza, acechan la vida del rey, poniéndola en constante peligro, la cabeza de los más peligrosos, es puesta a precio.

Un guerrero llamado Sin Nombre (Jet Li), consigue acabar con los tres enemigos más peligrosos del rey, los llamados Espada Rota (Tony Chiu Wai Leung), Nieve (Maggie Cheung) y Cielo (Donnie Yen). El rey le manda llamar a su presencia para recibir las pruebas de la muerte de sus enemigos y recompensar a quien le ha prestado tan alto servicio.

Cuando tiene a Sin Nombre ante sí, el rey descubre que las cosas no han ocurrido como él había creído y que todo forma parte de un complot urdido por el héroe y los tres guerreros a los que, supuestamente, ha dado muerte.

El guión, se basa en las leyendas e historias que se entremezclan a la hora de explicar los orígenes del imperio Chino. Hay que tener en cuenta que estamos hablando de acontecimientos que se remontan a más de 200 años antes de nuestra era (siglo III a. C.) y, por tanto, la linea entre leyenda y hechos reales, es difusa en más de una ocasión.

Aunque la narración se centra en un hecho concreto, recoge algunos aspectos que reflejan la historia real de los acontecimientos de aquella época, si bien la mayor parte del relato se articula alrededor de elementos épicos derivados de la leyenda.

El argumento gira en torno al enfrentamiento entre Sin Nombre y sus tres supuestos adversarios enfocándolo desde distintas perspectivas. Por medio de flashbacks sucesivos se nos cuenta, primero, el relato que hace Sin Nombre al monarca de cómo pudo deshacerse de los tres guerreros, para después reconstruir los hechos a través de la visión del rey, una vez ha descubierto que todo es una trama urdida para asesinarle; otras variaciones sobre el mismo asunto se suceden, de manera que estamos viendo el mismo enfrentamiento una vez y otra.

Dos años después de la multioscarizada "Tigre y dragón", la película taiwanesa que arrasó en las pantallas mundiales, el chino Zhang Yimou, se lanza a esta especie de sueño de colores, para cuya realización contó con todo el apoyo de las autoridades chinas: gran presupuesto y miles de extras.

Con una puesta en escena deslumbrante, y una fotografía que hace honor a los orígenes del realizador como director de fotografía. Mucho juego de simbolismos con los colores, en los que el director hace especial hincapié. Los detalles están cuidados hasta resultar verdaderamente obsesivos en el afán de perfeccionismo.

Los combates de artes marciales se adornan con efectos especiales al estilo "Matrix" que harán las delicias de los aficionados a estos trucos.

El vestuario fue diseñado por la conocida diseñadora japonesa Emi Wada (Ran), y en el reparto figuran algunos de los intérpretes más prestigiosos de la escena china del momento.

La película es sobre todo, un espectáculo estético y visual de primer orden, no tanto así el guión, pero la belleza de los decorados, la espectacularidad de los planos de masas, la orgía de colores y los preciosos planos exteriores, con unos paisajes sublimes, todo ello acompañado de una banda sonora muy acorde, hacen de la película un producto de gran belleza artística.

Zhang Yimou acude a algunas escenas que pueden resultar muy del agrado del gran público, aunque a mí me han resultado un tanto estomagantes por aquello de que riza el rizo y que no hacía falta llegar a extremos tales que estropean un poco el conjunto por la reiteración (primeros planos con las gotas de lluvia golpeando el rostro de los protagonista, y mucha cámara lenta sobre detalles puntuales, por ejemplo)

Sin duda las autoridades chinas quedarían satisfechas con el resultado final y dieron el dinero por bien invertido, pues el mensaje final del film, es el sacrificio del individuo por el bien de la mayoría y el de que todo sacrificio es poco para que China esté unida bajo un mismo cielo.

El film no acababa de estrenarse en EE.UU., no me pregunten qué problemas tendría, el caso es que hasta dos años después de su estreno, no se vio en Norteamérica y fue gracias a la intervención de Quentin Tarantino, gran admirador, como es sabido, del cine oriental.

CUMBRES BORRASCOSAS

Publicada bajo seudónimo un año antes de la muerte de su autora, la novela es considerada como una de las joyas de la literatura universal.

Ambientada entre paisajes agrestes y de grandes contrastes, como los que habitaban Emily Brontë y su familia, el libro es el relato de las pasiones desatadas entre Catherine Earnshaw y sus dos pretendientes, Heathcliff, que ha crecido con ella como si fuera su hermano y Edgar Linton. Catherine se debate entre el corazón y la razón, dando prioridad a esta última a la hora de decidir, algo que le traerá consecuencias hasta el día de su muerte y que se extenderá más allá incluso, a través de su propia hija.

Personajes sujetos a poderosas e irresistibles pasiones, presos del odio y la venganza, alguno de los cuales, sin embargo, encuentra hueco para la piedad y el amor.

Cumbres Borrascosas (Wuthering Heights) es el nombre de la vieja casa en que habitan los Earnshaw, situada en la granja de su propiedad. La palabra “wuthering“, es un significativo adjetivo provinciano, como dice la propia Emily irónicamente, descriptivo de la atmósfera tumultuosa a la cual su mansión está expuesta en tiempo tormentoso (la explicación que da la autora del título de su obra, Wuthering Heights: "Wuthering" es un expresivo epíteto dialectal del verbo "wuther", que significa rugir o bramar irritadamente).

Emily Brontë nos ofrece espléndidas pinturas de las marismas agrestes y lóbregas que ondulan en torno a Cumbres Borrascosas durante todas las estaciones del año y durante todos los climas. Las describe en invierno, cuando el cielo y las sombrías colinas se confunden en un violento y asfixiante torbellino de viento y nieve; en primavera, cuando cantan las alondras bajo un cielo azul y todos los riachuelos fluyen henchidos y suaves; en verano, cuando las abejas zumban somnolientas sobre los brezos purpúreos; en el frescor del atardecer, cuando, bajo un cielo claro, las pálidas mariposas revolotean entre campanillas azuladas. El paisaje que pinta en esta novela es soberbio, sin rival en la ficción inglesa.

La autora hace que contemplemos, sin evasión posible, algunos de los temas humanos más poderosamente primarios, en continuo conflicto con un pasado tormentoso, selvático y feroz. Y la grandeza con que reviste ese trágico espectáculo fortalece y estimula el espíritu del lector para que se vuelva más libre y comprensivo, más autocrítico y, por lo tanto, más tolerante.

Los personajes de la novela, van desde la maldad perversa, hasta la más absoluta necedad, pero la autora, no los censura por actuar de acuerdo con el destino que la naturaleza les ha dado, aunque tampoco los disculpa; se limita a describirlos con implacable verosimilitud sintiendo por ellos una compasión sin límites.

GANGS OF NEW YORK

El reverendo Vallon (Liam Neeson), es el líder de la comunidad Irlandesa de New York, que está siendo acosada por los grupos que se oponen a los inmigrantes por considerar que vienen a invadir su país; en un determinado momento, el enfrentamiento es tan fuerte que deciden saldarlo con una pelea, por un lado, las bandas irlandesas, con los llamados "Conejos muertos" al frente y por otro, los "Nativos", que se autoproclaman herederos de los primeros pobladores americanos, liderados por Bill "El carnicero" (Daniel Day-Lewis).

Durante la batalla campal que se desencadena, Vallon muere a manos de Bill, en presencia de su hijo pequeño. El niño es internado en un reformatorio, de donde regresa al cabo de los años convertido en un joven practicamente adulto. La mente de Amsterdam Vallon (Leonardo DiCaprio) está ocupada por un único pensamiento, una idea fija: vengar la muerte de su padre.

Consigue introducirse en el círculo de los íntimos de Bill a base de formar parte de la banda de facinerosos que lidera y de destacarse en el cumplimiento de los deseos de El carnicero, sin embargo, cuando tiene todo preparado para llevar a cabo su plan de venganza, una delación le deja al descubieto.

Si hay algún autor apegado a una ciudad, ese es Martin Scorsese y la ciudad, por supuesto, es New York. Es cierto que Woody Allen es el otro gran representante del cine de temática neoyorkina, pero de vez en cuando se ha desmarcado, sobre todo en la última época, de su querida ciudad. Scorsese, en cambio, sigue fiel, de hecho en su último film apenas recién estrenado, así lo demuestra.

Como si de una persona de carne y hueso se tratara, la metrópoli también tiene su lado oscuro, quizá esta más que otras, y en esas aguas negras que se tragan la Biblia del joven Vallon al principio del film, es donde bucea el realizador de "El Lobo de Wall Street".

Estamos hablando de una época, la del despegue de la ciudad como gran urbe, conflictiva, peligrosa y oscura, los libros de historia pasan por ella casi de puntillas y, desde luego, para el gran público europeo, son episodios prácticamente desconocidos.

Basada muy libremente en el libro homónimo de Herbert Asbury, en el que se relatan los disturbios que asolaron la ciudad en 1863, cuyo desencadenante fueron los alistamientos obligatorios para luchar en la Guerra de Secesión, pero en cuyo trasfondo latía la tremenda desigualdad entre las clases acomodadas y los humildes, sobre todo inmigrantes irlandeses que llegaban por miles a la ciudad huyendo de la hambruna que castigaba la isla.

Los enfrentamientos entre las bandas, origen remoto de las mafias que tomarían su relevo en el control del poder y su intervención a favor o en contra de los candidatos a los puestos relevantes, donde el crimen y la traición, disfrazados de democracia, dejan en evidencia la supuesta igualdad de los votantes. Para trasladarnos la historia, el guión dibuja una serie de personajes que, en ocasiones, nos producen una doble reacción repulsión/atracción, pues todos tienen sus razones, pero al final, el odio, la violencia, los intereses o la ambición, pueden con ellos.

Con dos actuaciones sobresalientes, una la de Liam Neeson, breve, pero cuya presencia dota el film de un inicio arrollador y otra, con mucha más presencia a lo largo de la película, la de Daniel Day-Lewis, que se zampa al resto del reparto.

Magníficos decorados, con una peculiar ambientación, un estupendo montaje y una banda sonora que se remata con la canción "The Hands That Built America" interpretada por U2.

Un par de curiosidades a la que no puedo sustraerme: El principe Alberto de Mónaco, participó en la financiación del film. Y otra es una aclaración al nombre de la banda "Los conejos muertos", "Dead Rabbits" en la versión original. "Rabbit", es una corrupción fonética de la palabra gaélica "Ráibéad", que viene a significar hombre temido, u hombre a temer o que debe ser temido. "Dead", se emplea como una intensificación de la palabra "Very" ("muy"), así que el sentido real de "Los conejos muertos", sería el de Hombres muy temidos.

En definitiva, película casi épica, de ritmo trepidante, en la que se nos narra la sangre, la muerte y el odio que hay debajo de las espaciosas avenidas y los grandes edificios que componen la Gran Manzana y también la tremenda corrupción de la política que ofrece su cara amable al votante, mientras entre bambalinas, están utilizando el garrote y el juego sucio para acabar con el oponente. Al fin y al cabo, poco han cambiado algunas cosas.

DOS AÑOS DE VACACIONES

No puedo imaginar otra aventura más emocionante y atractiva para el público infantil y juvenil que la imaginada por Julio Verne en esta novela. Pensad lo que puede suponer para un grupo de muchachos, algunos niños aún, otros ya adolescentes, verse libres de la tutela de los adultos, arrojados por el mar a un territorio deshabitado en el que no les faltan recursos con lo que sobrevivir y habiendo sido capaces de rescatar de la nave embarrancada, prácticamente la totalidad del equipamiento, del que podrán servirse para hacer su día a día más cómodo. Realmente, para la imaginación de un joven, es fácil ponerse en la piel de cualquiera de los protagonistas, ya que ellos están viviendo el sueño perfecto.

Para que resulte tan atractivo, contribuye no poco la idea del autor de poner al alcance de la mano de los muchachos esa serie de "comodidades" de que hemos hablado, pues para una mente infantil, verse privado de un mínimo indispensable de objetos y medios, puede resultar angustioso, pero de este modo, Verne hace que esos primeros capítulos del libro hagan honor al título de la novela.

En la última parte de ella, introduce el elemento perturbador, justo cuando podría decaer el interés del argumento, pues los muchachos ya han conseguido aposentarse en la isla y construir un hogar más o menos decente. La vida de los náufragos, que únicamente se ha visto enturbiada por algunas disputas entre ellos, fruto más de celos y afán de notoriedad, que de otra cosa, se verá gravemente alterada por la llegada de unos marineros de pésima calaña, verdaderos asesinos, de los que habrán de librarse si quieren salir con bien de su aventura.

Verne, que en sus novelas solía mezclar fantasía con elementos tomados de la realidad, incluso de su propio entorno, emplea el recuerdo de dos seres próximos a él, su propio hijo Michel se convierte en el joven Gordon, y un amigo de éste y compañero de estudios, Aristide Briand, que llegó a ser varias veces primer ministro francés durante la III República, inspira el personaje de Briand.

El mismo Verne reconoce (no podía ser de otro modo), que su libro está inspirado en la serie de novelas sobre Robinsones que se inició con la que da nombre a este tipo de relatos, el Robinson Crusoe de Daniel Defoe, y otras como el Robinso Suizo, de Johann David Wyss.

Verne trata de enaltecer en la novela valores como el afán de superación, la fe en las propias posibilidades, el valor, la amistad, el compañerismo, la lealtad, la responsabilidad o el sacrificio y la entrega a los demás.

Una maravillosa aventura, cuya lectura, uno no es capaz de abandonar una vez iniciada.

ARARAT

Edward Saroyan (Charles Aznavour), es un renombrado director de cine de origen armenio, que quiere plasmar el genocidio de su pueblo en una película en la que trata de recoger su propia visión como superviviente y reconstruír la tragedia a través de sus propios recuerdos y de lo que le han contado quienes vivieron aquello.

Contratado por la productora, trabaja en el film, como conductor, el joven Raffi (David Alpay), que trata de entender por qué su padre (armenio también), trató de matar a un diplomático turco, pereciendo en el intento y dejando un vacío en la existencia de su hijo. Trata de encontrar respuestas viajando a Turquía para recorrer los lugares de sus antepasados. Al regresar a Canadá, es detenido en la aduana, donde David (Christopher Plummer) un policía a punto de jubilarse, le somete a interrogatorio al sospechar de las cajas de películas que trae en el equipaje. David se siente unido al joven por una serie de casualidades y escuchará la historia del genocidio armenio a través del relato de Raffi, conectando con la tragedia y con el narrador y su búsqueda de comprensión del padre ausente, en la que, en cierto modo, ve reflejada las complejas relaciones que mantiene con su propio hijo.

Atom Egoyan nos acerca, desde su peculiar punto de vista, la tragedia del genocidio armenio, un tema que le toca de cerca por sus propios orígenes.

El año que viene, se cumplirán cien de aquellos hechos y continúa siendo un asunto polémico; el genocidio no es reconocido, ni por el gobierno turco, ni por otros países que siguen debatiendo si realmente exitió el genocidio como tal. Este es el punto realmente desconcertante para los armenios, un drama que relega a todo un pueblo al olvido y a olvidar el sufrimiento por algo que los demás dicen que no ha ocurrido.

Precisamente Egoyan maneja las posibilidades que permite el arte de transmitir una idea a través de distintos lenguajes expresivos, para atrapar el sufrimiento y la impotencia de un pueblo y evitar el olvido de los que perecieron.

Egoyan trata de tomar cierta distancia, de no dejarse llevar por los sentimientos y ponerse en un plano más lejano, para ello, elige una narración en la que nos cuenta el rodaje del un film sobre dichos acontecimientos, de ese modo huye del sentimentalismo y de buscar la lágrima fácil del espectador.

El personaje central del film que se está rodando es un pintor, Arshile Gorky (Simon Abkarian) y el cuadro que pintó basándose en una fotografía de él mismo con su madre.

Gorky, nacido como Vostanik Manoog Adoyan, es convertido por Egoyan en una metáfora viviente del drama de su pueblo.

El pintor, que se cambió de nombre para parecer ruso, por parecerle que un armenio no tenía futuro en EE.UU., a donde había emigrado y al que le salió el tiro por la culata, sobre todo después de haberse inventado vínculos familiares con Máximo Gorky, no era ruso, pero tampoco era armenio, en el sentido de que había renegado de su pasado, fue un hombre solo en la vida, tratando de echar raíces en alguna parte o de tener una familia. Gorky no fue capaz de situarse como persona en este mundo nuestro y acabó suicidándose.

Interesantes el resto de historias que conforman la película, la del joven Raffi y sus problemas para entender a su padre y la decisión de este de atentar contra un diplomático turco, algo que le sirve a Egoyan para reflexionar sobre la legitimidad o no de los planteamientos radicales.

La madre de Raffi, Ani, interpretada por Arsinée Khanjian, esposa de Egoyan en la vida real, que intenta acercarse a la verdad a través del rigor histórico, para tratar de entender qué pasó y cómo aquello sigue marcando a su pueblo.

Algunos tachan de fría la película, pero Trecce cree que esa pretendida frialdad es producto del distanciamiento de Egoyan sobre los acontecimientos que narra.

Ararat huye del tono panfletario y de la demagogia, trata de alejarse del corazón y de acercarse al razonamiento, no pretende jugar con nuestras emociones, sino exponer algunos planteamientos y reflexiones de su realizador, planteando una propuesta para ser desmenuzada y analizada en profundidad.

ROMA (STEVEN SAYLOR)

Tras haber alcanzado fama y prestigio con su serie de novelas Roma Sub Rosa, el norteamericano Steven Saylor, se embarca en lo que, en sus propias palabras, es el proyecto más grande y complicado emprendido en su vida, una novela sobre la antigua Roma, que lleva ese título precisamente: ROMA.

1.000 años de historia, nada menos, desde el nacimiento de la ciudad, hasta el fin de la república y la llegada de la época imperial. Saylor se inventa a sus propios protagonistas, dos familias, los Poticio y los Pinario, que convergen en determinados momentos y que son actores o espectadores de excepción de los acontecimientos que nos va relatando en la novela.

El autor va dando saltos en el tiempo para contarnos, a grandes rasgos, los momentos de la historia romana que más interesantes o decisivos le parecen, normalmente circunscritos a la propia ciudad, aunque sus repercusiones, lógicamente vayan mucho más allá. Es una especie de viaje en el tiempo, en el que el viajero-lector, va haciendo paradas en los lugares más interesantes, donde el guía-autor, nos relata lo relacionado con aquello, para, a continuación, pasar al siguiente.

Los relatos no tienen demasiada profundidad y nos dan una idea liviana del acontecimiento descrito. El resultado final es agradable y la lectura resulta cómoda y fácil, proporcionando a quien desee acercarse a la historia de Roma, la base justa para adentrarse, en el futuro, en lecturas más ricas y más detalladas que aporten un mayor conocimiento  sobre el tema en general o de alguna de sus particulares etapas.

EL PACTO DE LOS LOBOS

Francia, 1766, una misteriosa bestia asola los alrededores de Gévaudan. Los testimonios, si no contradictorios, son discordantes, cada cual añade detalles sobre su forma y aspecto, aunque casi todos los que dicen haberla visto, coinciden en que es una especie de lobo gigantesco. El caso es que mujeres, niños y animales domésticos aparecen muertos y mutilados y la noticia se extiende, primero por todo el país y luego más allá de las fronteras galas.

Luis XV, envía al naturalista Gregoire de Fronsac (Samuel Le Bihan), que trabaja en los jardines del rey, para que investigue la naturaleza y el origen de los ataques. Fronsac llega acompañado de Mani (Mark Dacascos), un indio mohawk a quien conoció durante su estancia en las colonias francesas de América.

Ambos descubren que la bestia, a quien algunos, sobre todo los eclesiásticos de manera interesada, atribuyen un origen sobrenatural, debe ser un animal adiestrado específicamente para matar. Sin embargo, desde París llegan órdenes de que aquello debe acabar de cualquier manera, para lo que el rey envía a su mejor arcabucero que todo lo que consigue es matar a un lobo y exige a Fronsac que altere su cadáver para que parezca que es la famosa bestia.

Aunque oficialmente el caso se da por cerrado, Fronsac y Mani volverán a Gévaudan para seguir investigando por su cuenta desafiando a las autoridades.

Extraña película del francés Christophe Gans. Pretendidamente innovadora, lo cierto es que obtuvo un gran éxito de taquilla, para muchos inexplicable, pero así son las cosas del cine y así somos los espectadores.

Gangs es un hombre con experiencia en películas fantásticas y videojuegos, el film del que hablamos (a quienes les guste y sepan un poquillo de qué va, lo notarán enseguida) bebe en ese campo del videojuego. Introducir, en una peli ambientada en el Siglo de las Luces, luchas al estilo de los films de Hong Kong; los travellings aéreos sobre paisajes naturales por medios digitales; los pasadizos y subterráneos oscuros y llenos de recovecos... son imágenes muy típicas de videojuego de acción y aventura.

Toma también algunas cosas del western americano, sobre todo al principio de la película, la presentación de los dos jinetes (Fronsac y Mani), la podría haber firmado perfectamente Peckinpah: Vestidos con largos abrigos, bajo la lluvia, con la cabeza oculta por el sombrero y el cuello levantado del gabán, a caballo...

Lo cierto es que la primera mitad del film tiene cierto interés y concita la atención de espectador, que espera a ver por dónde van a ir los tiros. Tras el establecimiento de la trama y la definición de los personajes, viene una segunda mitad, para mi gusto menos conseguida, más previsible y con un final bastante académico.

Y es que la primera parte está concebida como una especie de thriller que podríamos llamar histórico, pues está enraizado en un determinado tiempo de la historia y presenta además el enfrentamiento entre la razón y la fe, tan típico de esa época. La segunda mitad, es una especie de film de venganza (por eso me vino antes Peckinpah a la memoria), que se hace un poco larga, en la que el realizador va casando algunas de las piezas que han quedado sueltas de forma intencionada en la exposición de la historia.

Aunque a muchos pueda parecerles una historia fantástica, lo cierto es que está basada en hechos reales y bien documentados, es más, en el film se reflejan pequeños detalles que cuentan las crónicas de la época. Lo único que se inventa el realizador es esa especie de hermandad secreta, el indio que acompaña a Fronsac y el personaje de Sylvia, una especie de espia/prostituta de lujo que interpreta una cautivadora Monica Bellucci. El resto de los personajes y la historia en sí misma, existieron, otra cosa es el tratamiento que les de el guión.

El vestuario es impresionante (el barroco da para mucho si se sabe sacar partido) y el resultado visual del film no está nada mal, pero es cierto que la película sufre mucho con los actores (en general) y con los diálogos, a veces penosos, de manera que los resultados son mejores en las escenas que carecen de ellos.

La película cumple en el plano estético, pero fracasa en otros, es como esos cómics o esos videojuegos brillantes que se estropean cuando los personajes comienzan a hablar.