BENDICIÓN DE LA TIERRA

 

La novela es una especie de gran epopeya agrícola que cuenta la historia de Isak, el hombre de pocas palabras y mucho trabajo, que con su entrega, dedicación, sacrificio y su gran fuerza, no solo física, convierte el desolado paisaje de Sellanraa, primero en una granja y, más adelante, en una gran explotación agrícola que atrae a nuevos colonos hacia aquella tierra otrora inhóspita y salvaje. Isak se casa con Inger, con la que tiene dos hijos, la tercera de las criaturas, una niña, nace con el labio leporino y la propia madre la mata al nacer. Cuando Inger regresa a Sellanraa tras cumplir una condena de ocho años, al principio de la cual da a luz a otra niña, el conflicto entre el campo y la ciudad toma cuerpo en la novela. 

El protagonista es una especie de titán, un hombre solitario al que Hamsun presenta como temeroso de Dios, inclinado hacia la tierra para ganarse la vida, dueño de lo que posee porque todo lo ha obtenido de su trabajo; apartado de la sociedad de los hombres, explorador y domeñador de nuevas tierras. 

Bendición de la tierra (también traducida como Los frutos de la tierra) es, en varios sentidos, la culminación de la prolífica carrera de Hamsun, que lo llevó a recibir, junto al poeta suizo Spitteler, el premio Nobel de literatura en 1920. Es en esta novela donde quizá mejor se expresa su mensaje: La única forma en que el hombre puede encontrarse a sí mismo es retornando a la naturaleza con el alma y el corazón puros. 

Un libro no exento de cierta ternura, en el que los personajes se enfrentan al escepticismo que de manera inevitable despierta en ellos la dura lucha por la supervivencia. Sin embargo, por encima de esos momentos de vacilación, prevalece en ellos la impronta que les deja el más puro ascetismo y la suprema religión del amor. 

En 1840, durante la ocupación alemana de Noruega, Hamsun simpatizó con el régimen pro nazi de Quisling, lo que le valió la reprobación de intelectuales de todo el mundo. Tras la liberación, fue arrestado y encerrado en un hospital psiquiátrico. La última de sus obras, Por los senderos otra vez silvestres (1949) es un alegato en que quiso justificar su actitud. Tras su muerte, acontecida en 1952, sus compatriotas han preferido relegar a un segundo plano ese desafortunado episodio y han rendido justo homenaje a sus altas virtudes como escritor.

PASIÓN

 

Andreas (Max von Sydow), un hombre desconectado del mundo después de su divorcio y una fugaz relación con una vecina, vive en una pequeña isla del Báltico. Allí conoce a una pareja de artistas que está en plena desintegración, al tiempo que comienza un romance desafortunado con la misteriosa y seductora Anna (Liv Ullmann), quien recientemente perdió a su propio esposo e hijo en un accidente. Mientras tanto, alguien recorre la comunidad isleña cometiendo actos de crueldad con animales.

Ingmar Bergman, una vez más, mete el bisturí en los entresijos de la naturaleza humana y las relaciones (o  aislamiento) con los demás. Es cierto que hay mentiras, infidelidades, situaciones fingidas, cierto egoísmo, pero también, aunque algunos sean incapaces de verlo, hay momentos de solidaridad, como cuando Andreas rescata al perrito al que han colgado por el cuello y se lo lleva a casa para cuidarlo o cuando él, a su vez, es ayudado por su vecino que lo encuentra borracho perdido tirado sobre la nieve y le lleva a su casa evitando que, posiblemente, muera congelado.

Al fin y al cabo, lo que nos cuenta Bergman en su película es un retrato del mundo en que vivimos, rodeados de todas esas cosas, de las maldades del ser anónimo (aunque en la realidad tengan nombre y apellidos) que mutila, tortura y mata a los animales por el simple afán de hacer daño; de los engaños e hipocresías de personas de nuestro entorno o de quienes nos gobiernan. Pero también de la bondad de algunos, de la solidaridad de otros ante las desgracias ajenas, en definitiva, un retrato de lo contradictorios que somos los hombres.

LOS AMANTES

 

Jean Tournier (Jean Moreau), casada desde hace 8 años con el propietario de un diario de provincias, frío, distante y desatento con su esposa y madre de su pequeña hija. Para divertirse viaja a París con frecuencia, donde se hospeda en casa de su amiga Maggy (Judith Magre) y se entretiene con un playboy español, jugador de polo, Raúl (José Luis de Vilallonga). Un día, volviendo desde París a su casa de campo, se le estropea el coche, pero consigue llegar a casa gracias a la ayuda de un joven. Este breve encuentro la hará recapacitar y plantearse la posibilidad de comenzar una nueva vida.

El guion se inspira en el cuento erótico Point de lendemain (también titulado Ningún mañana o Sin Mañana) del escritor, dibujante y diplomático francés Dominique Vivant Denon, publicado de forma anónima en 1777. En el fondo, la película de Louis Malle, no deja de ser una sátira, incluso una burla, sobre la clase acomodada, esos que se levantan al mediodía y dedican el resto de la jornada a pasear, ir de compras o jugar al polo, mientras esperan el inevitable evento social que se celebrará esa noche y al que, como siempre, acudirán con grandes expectativas, para acaba regresando a casa con la misma decepción y el mismo vacío existencial que de costumbre. Así viven, instalados en la vida ociosa y buscando algo que ni ellos mismos saben qué es.

En medio de esa búsqueda, la protagonista, lo que encuentra es el frenesí físico, pero sobre todo mental, un estado en el que no valen las apariencias, sino los sentimientos. 

El maestro francés se quejaba de que la película estaba triunfando por aquellas cosas que él no buscaba, tras las dificultades para su estreno en Francia y las complicaciones en EE.UU., donde el exhibidor acabó en los tribunales (ganó el caso, por cierto), pues el film fue considerado escandaloso por algunos sectores. Y, claro, con el escándalo llega el interés morboso del público y el éxito en taquilla y más cuando los distribuidores, que van a lo que van, utilizan frases promocionales del estilo de "La más atrevida historia de amor jamás contada". Hay que ponerse en el momento (1958), hoy seguramente, puede considerarse como pudorosa la escena de cama y la larga secuencia de la noche romántica en que los dos amantes se descubren uno al otro, como pura poesía cinematográfica. Pero en aquel entonces, que una mujer casada y madre sea capaz de abandonarlo todo por el placer y un futuro incierto, supongo que sería todo un desafío contra las convenciones y algo bastante escandaloso. En España, por supuesto, estuvo prohibida. 

Por cierto, que pasó a la historia el argumento del magistrado Potter Stewart cuando se juzgó en EE.UU. si el film era pornográfico o no, dijo algo así como que tal vez nunca fuera capaz de definir de forma inteligible lo que es pornografía, "...pero lo reconozco cuando lo veo y la película involucrada en este caso no lo es”. 

El elegante erotismo que destila, su brillante sensualidad y la seductora narrativa, continúan resultando atractivas, sin olvidar la especial interpretación de Moreau.

INFIEL

 

Marianne (Lena Endre) es una actriz de teatro casada con Markus (Thomas Hanzon), director de orquesta de gran prestigio y muy solicitado por orquestas de todo el mundo. Se involucra en una aventura con el amigo de la familia, director de cine y teatro, David (Krister Henriksson), lo que lleva a un doloroso divorcio y a una batalla por la custodia de su hija, Isabelle (Michelle Gylemo).

Con guion de Ingmar Bergman, aunque los personajes son ficticios, vuelca en el mismo algunas experiencias personales que devienen en una historia en la que nadie es inocente, se manipula a quien se quiere, los secretos salen a la luz y el resultado es que todos son infieles.

La gran actriz sueca Liv Ullman, se pone en esta ocasión tras la cámara, para acercarnos esta historia compleja, narrada con calma, con una llamativa fotografía, que disecciona los resultados de la infidelidad de la protagonista, una espléndida Lena Endre. Y es que esta no es la historia de un enamoramiento, algo de lo que nadie estamos libres, puede aparecer otra persona en tu vida y encontrarte atrapado en el amor, aunque lo controles y sigas con tu pareja. No, esta, como dice Marianne, es una infidelidad programada que cuando queda al descubierto produce dolor, decepción y angustia a otras personas. Ullman nos hace participes de una amarga reflexión sobre las terribles consecuencias que nuestras decisiones pueden tener entre quienes nos rodean, asuntos que forman parte del universo de Bergman, autor del guion, en que la fragilidad de las relaciones humanas suele estar muy presente. 

El film no realiza valoraciones morales, expone situaciones y consecuencias dejando que sea el espectador quien juzgue, si es que lo hace. Asuntos, por otra parte, muy de las sociedades llamadas avanzadas, que parece como si al tener la vida resuelta, nos buscáramos nosotros mismos los problemas.

DESEO, PELIGRO

 

En 1938, durante la ocupación japonesa de China, el odio al invasor crece entre la población y, en ocasiones, son pequeños grupos los que organizan la resistencia. Tal es el caso de un grupo de actores aficionados (cuatro hombres y dos mujeres), todos ellos jóvenes estudiantes que trazan un plan para asesinar a un destacado funcionario colaboracionista. Para llevarlo a cabo, Wong Chia Chi (Tang Wei), asumirá el papel de la esposa de otro de los integrantes del grupo, haciendo ver que su esposo se dedica a la exportación y realiza prolongados viajes. Durante estos periodos, tratará de seducir a su objetivo, única manera de acercarse a él, dadas las precauciones que toma. El plan fracasa, pero tres años después, ya en Shanghai, otro grupo de resistentes, en teoría mejor organizados y del que forman parte alguno de los antiguos actores, contacta de nuevo con Wong Chia Chi, a fin de retomar su antiguo plan.

El guion se basa en una novela corta de la escritora chino-estadounidense Eileen Chang (Chang Ai-ling, antes de emigrar a EE.UU.), del mismo título que la película en inglés (Lust, caution), escrita en 1950 y, tras periódicas correcciones de la autora, publicada en 1979. Los caracteres chinos para "lujuria" y "precaución", pueden leerse también como "color" y "anillo", respectivamente, por lo que el título puede interpretarse como un juego de palabras que podría ser también "anillo de color", objeto que resulta relevante en la historia. 

Se cree que la novela de Eileen Chang está inspirada en Zheng Pingru, una espía china, asidua a los eventos sociales, que reunió información sobre el Ejército Imperial Japonés durante la segunda guerra chino-japonesa. Intentó asesinar a Ding Mocun, el jefe de seguridad del gobierno títere japonés, pero no tuvo éxito y fue ejecutada.

Aunque en apariencia estamos ante una especie de  thriller psicológico, realmente la historia gira alrededor de los dos protagonistas, el señor Yee (Tony Leung Chiu-wai), un alto funcionario de la seguridad del gobierno títere de los japoneses y Wong Chia Chi, una joven dispuesta a sacrificarlo absolutamente todo, en pro de la causa patriótica. Él es un tipo frío, metódico y cruel en su trabajo y apasionado, incluso violento, en los encuentros amorosos con Wong. Unos encuentros que muestran sexo explícito y que han sido fuente de controversia, tratados de forma artística por Ang Lee, muy consciente del desafío que suponían estas escenas, pero sin esconder una atmósfera de gran erotismo y que tienen absoluta importancia en el mensaje que desea transmitir el realizador taiwanés que yo resumiría en una escena, en la que ella, en una entrevista con el antiguo director del grupo de teatro (un joven que está enamorado de ella y que fue quien la introdujo en la misión que ahora lleva a cabo) y el responsable de la resistencia, les pregunta, casi entre lágrimas, si son realmente conscientes de lo que todo aquello está suponiendo para ella, pues tiene que entregarse a un hombre sumamente inteligente que, no solo penetra en su cuerpo, también lo hace en su mente y ella no puede fingir sin que su amante se de cuenta, por lo que está entregando algo más que su cuerpo en aquellos encuentros y eso no viene en ningún manual de espionaje. Su jefe, no solo no quiere oírla hablar de aquella manera, sino que le incomoda que ella se manifieste de ese modo, casi desesperada.

El sufrimiento de esta mujer, entregada a la causa hasta límites casi inhumanos lo vemos en un film que cuenta, además de magníficas interpretaciones, con una impresionante vestuario, una exquisita fotografía del mexicano-estadounidense Rodrigo Prieto y una gran dirección artística y constituye un espectáculo visualmente hermoso.

VÍA REVOLUCIONARIA

 

Como tantos jóvenes, Frank y April tienen sus sueños, ilusiones y esperanzas. Él ha vuelto de Europa, donde ha estado en el ejército en los últimos compases de la II Guerra Mundial y ella ha terminado sus estudios de interpretación, tiene la idea de dedicarse al mundo de las tablas.

Tras conocerse, se casan, Frank acepta un trabajo en la empresa en la que, irónicamente, su padre era vendedor. Le permitirá ganar dinero y trabajar poco, aunque no es un empleo que le satisfaga especialmente. Ella debuta con un grupo aficionado en una función que resulta un absoluto fracaso. Mientras tanto se han mudado al extrarradio de Nueva York y han tenido dos hijos.

Richard Yates hace un magnífico trabajo para mostrarnos el deterioro gradual de sus sueños, hasta que deciden dar un cambio radical a su vida en común que va cada vez más a la deriva, ese cambio sería irse a Europa, algo que al final nunca se llegará a materializar.

Alrededor de ellos hay unos cuantos personajes secundarios que completan una fauna de personas a quienes April y Frank Wheeler miran un poco por encima del hombro. En primer lugar, están los Campbell, sus vecinos y amigos, a quienes desprecian por ser burgueses y vivir en los suburbios (al fin y al cabo, igual que los Wheeler). En segundo lugar, está la Sra. Givings, la agente inmobiliaria con su esposo sordo y su hijo, que entra y sale de instituciones mentales y que, a pesar de su esquizofrenia, parece el más cuerdo de todos, al menos el único que dice las verdades sin filtros. Por último, están sus compañeros de trabajo que se aferran a sus vidas con silenciosa desesperación, aceptando, a diferencia de Frank, que no llegarán a ninguna parte. 

Aunque escrito y ambientado en los años cincuenta, está considerada como una de las mejores novelas sobre la desilusión de toda una generación en el siglo pasado, escrito con una impecable prosa en la que su autor hace un conseguido retrato sobre el aislamiento y los anhelos frustrados, al ser conscientes de que sus sueños resultarán inalcanzables. Situaciones que tienen cierto paralelismo con los tiempos presentes: La falta de sentimientos producida por la incomunicación y la pérdida, muchas veces inconsciente, de valores que en otros momentos parecían fundamentales. 

La novela fue llevada al cine en una película de 2008, dirigida por Sam Mendes, con Leo DiCaprio y Kate Winslet como Frank y April Wheeler. 

EL SOPLO AL CORAZÓN

 

Laurent Chevalier (Benoît Ferreux) es un chico de catorce años que comienza a descubrir la vida. Su padre lo ignora, su madre lo venera y sus hermanos, bastante mal educados, por cierto, combinan gestos de cariño con el abuso propio de los mayores. En poco tiempo, Laurent pasa de ser virgen a tener una experiencia frustrada con una prostituta. Cuando se le detecta un soplo al corazón, Laurent, acompañado de su madre, irá a un balneario, en el que hay una intensa vida social.

Con una banda sonora que se apoya principalmente en temas de Charlie Parker, está ambientada en la década de los 50 de siglo pasado, está considerada como una de las mejores películas sobre la transición de la infancia a la edad adulta. El título, que hace referencia a la enfermedad que contrae el protagonista, puede ser considerado como una metáfora sobre la muerte de la inocencia.

El film puede ser considerado también como una crítica a las convenciones burguesas, pero en el fondo, lo que hace es simplemente retratar esa existencia de gente acomodada sin mayores complicaciones en la vida que las que ellos mismos se procuran. Al tiempo que gira alrededor del joven Laurent, reflexiona también sobre la figura de la madre, una espléndida Lea Massari.

Louis Malle retrata con certeza la evolución en este periodo tan crucial de la vida como es la adolescencia y nos va conduciendo hacia los momentos más llamativos y controvertidos del film con una maestría, naturalidad y una delicadeza que hacen que las escenas más polémicas, resulten de tal sutileza que apenas molestan al espectador, si es que lo llegan a hacer.

LACOMBE LUCIEN

 

Lucien (Pierre Blaise), un joven campesino cuyo padre está prisionero en Alemania y cuya madre se acuesta con su jefe, intenta ingresar en la Resistencia. Rechazado por el cabecilla local, ingresa por azar en la policía alemana. Con una capacidad asombrosa para amoldarse a lo que su nuevo puesto le exige, su vida cambia cuando se enamora de France Horn (Aurore Clément), hija de un rico sastre judío.

Recibida con polémica en Francia por la visión que ofrece de la sociedad civil durante la ocupación. De hecho, ante las críticas que le llovieron de todos los sectores, su realizador decidió marcharse de Francia y se fue a los EE.UU. 

Los franceses se esforzaron por borrar la realidad de una población dispuesta a colaborar con tal de salvar la vida (recibimos 200 cartas de denuncia cada día, dice una colaboradora de los alemanes), la excusa de unos enemigos (los judíos y los comunistas), les era suficiente para tranquilizar sus conciencias. Un tema tabú, el del colaboracionismo de una población que se amoldó a las circunstancias, y que Louis Malle aborda de una manera que Francia prefiere obviar. 

El guion va firmado por el propio realizador y por Patrick Modiano entonces un joven de apenas 27 años que, cuarenta años después, en 2014, recibiría el Premio Nobel de Literatura, en parte como reconocimiento a sus numerosas obras que retratan la Francia bajo la ocupación nazi.

Con una magnífica ambientación, el maestro francés toma cierta distancia y se limita a narrar hechos, sin tomar partido y sin buscar juicios de valor.

La película aborda no tanto un estudio sobre la colaboración o no con los ocupantes, sino un acercamiento a personas, como el protagonista, que representan a un grupo moralmente inculto, que no se cuestiona lo que está haciendo o dejando de hacer y si esto puede causar daño a otras personas, sencillamente cumplen con el trabajo que alguien les encomienda, situaciones que se acercan a lo que Hannah Arendt definió como banalidad del mal.

Una vez rechazado por el maquis, el protagonista se deja llevar por un grupo de franceses que forman parte de la policía alemana, lo hace sin detenerse a pensar, sencillamente porque allí le hacen caso, le dan una pistola, le compran un buen traje y se encuentra con cierto poder, respetado por sus compinches. Sabe perfectamente lo que está haciendo, pero no piensa en ello, cuando su madre le dice que huya a España, porque lo van a matar cuando llegue la liberación, contesta sencillamente: Estoy a gusto aquí.

Solamente en el último tramo de película, cuando está en el monte con France y su madre, poniendo trampas y lazos para cazar conejos y palomas (algo que se le da de maravilla), sin normas ni horarios, sin autoridades a las que obedecer u obligaciones que cumplir, vemos al verdadero Lucien, feliz, sin pensar en ese mañana que sabe de sobra, será fatídico para él.

LAS MEJORES INTENCIONES

 

Henrik Bergman (Samuel Fröler), un estudiante de teología pobre e idealista, se enamora de Anna Åkerbloom (Pernilla August), la inteligente y culta hija de una familia adinerada de Uppsala. Tras su boda, Henrik se convierte en sacerdote en el norte de Suecia. Tras unos años, Anna no soporta vivir en el campo con la gente rústica. Regresa a Uppsala, mientras que Henrik se queda en el norte.

Dirigida por Bille August, el guion es de Ingmar Bergman, que relata la historia de sus propios padres y cómo para llevar adelante su amor, hubieron de superar la oposición de a familia de ella y el rígido sistema de clases que imperaba allá a principios del siglo pasado.

Se rodó como una miniserie de seis horas para la televisión, pero fue reducida a tres y presentada como una película convencional en el Festival de Cannes, donde obtuvo la Palma de Oro y Pernilla August, el premio a la mejor actriz.

Bergman nos ofrece una disección sin concesiones de la vida de sus padres, justo hasta el momento en que él estaba a punto de nacer. Pasados los primeros años de enamoramiento y romanticismo en que la pareja lucha contra las circunstancias que les impiden estar juntos, llega la parte de los sinsabores, con un padre con una personalidad que ya intuímos gracias a la escena de apertura del film y que parece que tiene problemas para ser feliz, entregado a su ministerio por encima de cualquier otra cosa, pero, en ocasiones, de una manera muy peculiar. Una madre cuyo sentido de la independencia y su mente cultivada, dificultan que su esposo pueda imponer siempre su criterio por las buenas. Periodos de calma relativa; discusiones, algunas subidas de tono; arrepentimiento y propósitos de enmienda. Al fin, si lo pensamos bien, lo que cualquier matrimonio vive cuando consigue perdurar en el tiempo, pero contado en un guion magníficamente escrito y con una atractiva puesta en escena. 

Diálogos profundos y silencios que también lo son en una película para ver con calma, pues la prolongada duración invita a que busquemos el momento propicio para sentarnos ante la pantalla sin premuras de ningún tipo a fin de conseguir disfrutarla.

COMER, BEBER, AMAR

 

Chu (Sihung Lung), un viejo chef, considerado el mejor de Taipei, viudo y con tres hijas, muy distintas entre si. Jia-Jen (Kuei-Mei Yang) es profesora de química, Jia-Chien (Chien-Lien Wu), ejecutiva de una aerolínea, y Jia-Ning (Wang Yu-wen), trabaja en un restaurante de comida rápida. Cada domingo prepara para ellas una suntuosa cena, una tradición familiar que les permite hablar de sus respectivas vidas. Las jóvenes parecen no apreciar estas comidas, preocupadas por sus propios problemas existenciales y sus vidas sentimentales.

El taiwanés Ang Lee nos acerca a la existencia de esta familia, como tantas otras, con sus frustraciones, disputas y puntos de encuentro y desencuentro. Tras haber criado a sus hijas prácticamente solo, Sihung ve cómo llega el momento en que cada miembro de la familia, por lógica, comienza a tomar su propio camino y es esta etapa en la que se centra la narración.

Magnífico retrato de los personajes y sus relaciones, entre ellos y con otros que les rodean en su vida diaria, con la comida como nexo de unión y como parte importante de la película. Un final original y algo inesperado en un film donde el placer de cocinar y el gusto por la buena mesa, siempre está presente.

La escena de apertura, que se puede ver en el siguiente vídeo, nos sumerge en la cocina del chef, preparando magistralmente la cocina tradicional, con magníficos primeros planos de sus gestos, que revelan todo el saber hacer de un gran maestro de cocina. Todo un ballet cautivador que nos provoca envidia por la soltura y el arte con se maneja y nos deja fascinados.

TRES NOCHES

 

Una mujer llamada Susan Morrow se sorprende e inquieta cuando recibe un paquete que contiene el manuscrito del primer libro de su exmarido, Animales nocturnos. Junto a las páginas mecanografiadas, una nota en la que Edward la invitaba a leerlo y a que le envíe una nota con lo primero que se le venga a la cabeza, pues siempre la había considerado como su mejor crítico. 

El libro que recibe Susan es una historia que tiene algo de desagradable y violenta: Tony Hastings, un profesor de matemáticas, conduce a su familia hasta su casa de verano en Maine. Todo es agradable hasta que, en mitad de la noche, los Hastings son abordados por tres hombres que conducen otro automóvil por la misma carretera que ellos y, tras haberlos acosado, les han obligado a detenerse. Dos de los hombres suben al coche con la mujer de Tony, Laura, y su hija, Helen, y se marchan; el otro conduce a Tony hasta un claro del bosque y lo abandona. Lo que sucede a continuación resulta espantoso. 

Al tiempo que lee el libro de su exmarido, Susan no puede dejar de recordar su época de matrimonio con Edward y repasar cómo es su actual matrimonio con un cirujano mujeriego llamado Arnold. 

Resulta curiosa la historia de esta novela que no obtuvo demasiado éxito cuando fue publicada por primera vez en EE.UU. en 1993, a pesar de haber sido elogiada por el Premio Nobel Saul Bellow. Seis años después de que un entusiasta editor la reeditara en el Reino Unido, fue llevada al cine en un film titulado Animales nocturnos, dirigido por Tom Ford y protagonizado por Amy Adams. 

El libro del norteamericano Austin Wright es sencillo en cuanto a trama y narración, pero complicado a un tiempo. A primera vista, la venganza es su tema principal, pero en el fondo hay algo más y ese algo es el poder que tienen las historias, las palabras impresas, para dejar poso sobre nosotros, lectores de libros e incluso influír en nuestras propias vidas, jugando con nuestras mentes.

ADIÓS, MUCHACHOS (AU REVOIR LES ENFANTS)

 

Durante la ocupación alemana de Francia, en un internado católico para chicos regido por padres carmelitas, Julien Quentin (Gaspard Manesse), un muchacho de trece años, queda impresionado por la personalidad de Jean Bonnet (Raphael Fejtö), un nuevo compañero que ingresa en el colegio después de iniciado el curso. Jean es judío y los sacerdotes lo están ocultando de los nazis. Cuando el Padre Jean (Philippe Morier-Genoud) descubre que el sirviente Joseph (François Négret) está robando provisiones para venderlas en el mercado negro, despide al joven. Pronto la Gestapo llega a la escuela para investigar a los estudiantes y a los sacerdotes que dirigen y trabajan en el internado.

Basada en un episodio que el propio Louis Malle, realizador y guionista del film, presenció de niño, cuando a la edad de 11 años asistía a un internado católico cerca de Fontainebleau. Un día, fue testigo de una redada de la Gestapo en la que tres estudiantes y un profesor judíos fueron detenidos y deportados a Auschwitz. El director de la escuela, Père Jacques, fue arrestado por albergarlos y enviado al campo de concentración de Mauthausen. Murió poco después de que el ejército estadounidense liberara el campo, tras negarse a abandonarlo hasta que se repatriara al último prisionero francés. Cuarenta años después, Yad Vashem, la institución oficial de Israel constituída en memoria de las víctimas del Holocausto, concedió al Padre Jacques el título de Justo entre las Naciones. 

El protagonista, es el alter ego de Malle, de hecho, el realizador francés, contaba que cuando le ofreció a la actriz franco-canadiense Francine Racette el papel de Mme. Quentin y ella rehusó con el argumento de que ya no hacía cine, Louis Malle le dijo: "No puedes negarte a interpretar a mi madre".

Se dice que Louis Malle, al contrario de lo que ocurre en el film, no entabló amistad con Hans Helmunt Michel (el chico en que se basa el personaje de Bonnet) y que en ningún momento sintió simpatía por él, algo que quizá supuso, por el devenir posterior de los acontecimientos, una especie de trauma para Malle que en el film plasma una amistad que quizá pudo haber sido y no fue. Tal vez esa sea la razón de que la película que él consideraba el comienzo de todo su cine, solo fuera capaz de hacerla treinta años después de haber estrenado su primera película y cuando ya tenía 55 años y un más que contrastado prestigio en el ámbito cinematográfico. El caso es que aquel triste, tremendo y horrendo episodio dejaría en él como un sentimiento de culpa y como dice el narrador al comienzo del film: “Han pasado más de 40 años, pero hasta el día de mi muerte, yo recordaré cada segundo de esa mañana de enero” .

A pesar de que el film retrata a unos muchachos que, en ocasiones, no comprenden bien las decisiones que los adultos les imponen y que asistimos al proceso de maduración de los chicos, Louis Malle no los trata como seres cándidos e inocentes, dejando a un lado el ideal infantil de seres ingenuos que algunas películas construyen; por contra, sí que les vemos actuar con espontaneidad algo pueril. 

Una sutil historia de camaradería en la que se contraponen el coraje y la cobardía que conducen al trágico despertar de estos niños en su transición a la vida adulta.

PELLE EL CONQUISTADOR

 

Un barco llega entre la niebla matinal. Entre los esperanzados inmigrantes suecos que buscan trabajo, se encuentran Lasse Karlsson (Max von Sydow) y su hijo, Pelle (Pelle Hvenegaard). Lasse es un hombre triste, abatido por la vida; luchando contra lo que le ha supuesto la pérdida de su esposa; deseando defender a su hijo pero temeroso de la autoridad; y encontrando alivio en la botella.

Ambientada en Dinamarca a principio del pasado siglo, el film está basado en el primero de los cuatro volúmenes de la novela del mismo título del escritor danés Martin Andersen Nexø. Es cierto que llama la atención la interpretación de Von Sydow, pero el talentoso director danés Bille August se centra en Pelle cuando él y Lasse encuentran trabajo en Stone Farm. Después de ser humillado por el joven ayudante del capataz de la granja, Pelle se desilusiona cuando su padre no lo defiende. El muchacho admira a Eric (Björn Granath), un inmigrante mayor que él que no se deja intimidar por el capataz y que sueña con ir a Estados Unidos. 

El film obtuvo el Oscar a la Mejor película en habla no inglesa y la Palma de Oro en Cannes. 

Veremos como el protagonista va madurando y creciendo a base de soportar la dura realidad que le rodea, el trabajo casi esclavo de la granja, los desprecios que sufre por su condición de inmigrante y la abrumadora sumisión de su padre, un hombre ya mayor (Pelle fue un hijo tardío), en su afán por mantener lo poco que tienen. 

El chico observa cómo se desarrollan las relaciones entre los adultos y le vemos evolucionar mientras reacciona, aprende y, luego, sigue adelante solo. 

Una bella película que es toda una lección de dignidad a pesar de la pobreza y al afán por la búsqueda de la libertad sin renunciar a los sueños a pesar de las contrariedades.

EL FESTÍN DE BABETTE

 

En un remoto pueblo danés en el siglo XIX, dos hermanas llevan una vida rígida centrada en su padre, el ministro local, y su iglesia. Ambas tuvieron oportunidades de abandonar el pueblo: una podría haberse casado con un joven oficial del ejército y la otra, con un cantante de ópera francés. En ambos casos ellas renunciaron para pasar toda su vida cuidando a su padre. Muchos años después, cuando su padre ya ha fallecido, acogen a una refugiada francesa, Babette Hersant (Stéphane Audran), que huye de la guerra en su país y acepta trabajar como su sirvienta aunque ellas no tengan dinero para pagarle un salario. Después de ganar un premio de la lotería, Babette quiere recompensar a las hermanas por su amabilidad y se ofrece a cocinar para ellas y los ya ancianos discípulos de su difunto padre, una comida con los mejores platos y vinos franceses, en el centenario del nacimiento de su padre. Resulta ser una experiencia reveladora para todos.

El guion adapta el cuento del mismo título que la película, incluído en el libro Skæbne-Anekdoter, de la escritora danesa Karen Blixen (bajo el seudónimo de Isak Dinesen), cuya obra más conocida es Memorias de África, llevada al cine en 1985.

La película fue galardonada con el Oscar a la mejor película en habla no inglesa.

El vestuario de Stéphane Audran, fue creado por el diseñador germano Karl Lagerfeld.

Con una exquisita ambientación, el film es toda una reflexión moral, religiosa y filosófica sobre la renuncia y sobre la aceptación de los pequeños (o grandes) placeres que la vida nos ofrece. 

Babette llega a una comunidad en que impera el puritanismo, hay que vivir la vida con sacrificio, renunciando a los placeres, que no son sino tentaciones del maligno, para así ganar las delicias del paraíso. Babette es una papista, en el lenguaje de los luteranos, de religión católica y viene del sur, donde dicen que vemos la vida de otra manera, más alegre y luminosa. Ella no busca esos placeres a que renuncian quienes la han acogido, pero si se presentan, pues bienvenidos sean. Al final nos preguntamos, quién tiene más mérito, si las hermanas con su vida ascética, entregadas a cuidar de los más desfavorecidos en los que invierten sus modestos ingresos, o Babette que, en su infortunio, se ve favorecida por la suerte de la lotería con un importante premio y se gasta hasta el último franco en un banquete por todo lo alto. Cada cual sacará sus conclusiones. 

El danés Gabriel Axel, no busca comparaciones, ni mucho menos tomar posición por una manera u otra de entender la religión y su película nos viene a decir que en ambos casos pueden encontrar la felicidad, cada cual a su manera. Las hermanas, porque su vida de renuncia parece que las llena plenamente y Babette, porque para ella, mostrarse espléndida y ejercer su arte en la cocina, es una manera de hacer felices a los demás y, a través de ello, sentirse a gusto consigo misma. 

Un film que se toma su tiempo para presentar a los personajes y sus circunstancias, con cierto tono intimista, pero que en su sencillez y delicadeza alcanza su grandiosidad y belleza.

LOS FALSIFICADORES

 

Salomon "Sally" Sorowitsch (Karl Markovics) es el rey de los falsificadores. Vive una vida descontrolada de naipes, alcohol y mujeres en Berlín durante la época nazi. De repente, su suerte se acaba cuando es arrestado por el superintendente Friedrich Herzog (Devid Striesow). Inmediatamente llevado al campo de concentración de Mauthausen, Salomon demuestra allí habilidades excepcionales y pronto es transferido al campo de Sachsenhausen. A su llegada, una vez más se encuentra cara a cara con Herzog, que está allí en una misión secreta. Seleccionados por su habilidad única, Salomon y un grupo de profesionales se ven obligados a producir moneda extranjera falsa (libras esterlinas y dólares americanos), además de pasaportes y otros documentos. El equipo, en el que también se encuentra el detenido Adolf Burger (August Diehl), recibe un trato preferente por su obligada ayuda, pero mientras Salomon sigue las instrucciones que le han dado, contribuyendo a debilitar la economía de los enemigos de Alemania, Adolf se niega a utilizar sus habilidades para beneficio alemán y le gustaría hacer algo para detener la ayuda a los nazis y contribuír al esfuerzo bélico. Enfrentado a un dilema moral, Salomon debe decidir si sus acciones, que podrían prolongar la guerra y poner en riesgo las vidas de sus compañeros prisioneros, son en última instancia las correctas.

En 1942, los nazis pusieron en marcha la denominada Operación Bernhard (Aktion Bernhard), sucesora de otra anterior llamada Operación Andrés (Unternehmen Andreas), cuyo objetivo era falsificar billetes de libra británicos. Al final de la operación, estaban trabajando en falsificar dólares americanos, pero no llegaron a terminar esta fase. 

Los alemanes habían logrado reproducir el papel, los dibujos, las marcas de agua y habían descubierto el algoritmo empleado para crear el código de serie alfanumérico en cada billete. Para los trabajos de falsificación fueron empleados prisioneros de los campos de concentración nazis. 

En 1983, el judío eslovaco Adolf Burger, que había participado en esos trabajos forzados, publicó sus memorias que, con cambios, son la base del guion de esta coproducción austro-alemana dirigida por Stefan Ruzowitzky, que fue galardonada con el Oscar al mejor film extranjero en 2008.

El instinto de supervivencia de estos presos, les les lleva a participar en una operación que de sobra saben va contra los intereses de quienes pueden devolverles la libertad y esta colaboración forzada la llevan a cabo rodeados de los lamentos de sus hermanos de cautiverio, sometidos a toda clase de abusos y vejaciones, sadismo puro, hasta que la muerte, que les va a llegar sí o sí, les libere del sufrimiento. Este es el dilema que plantea la historia: ¿sobrevivir un día más o negarse a colaborar, con lo que ello conlleva? 

Por cierto, aunque el film nos muestra cómo uno de los presos dilata hasta el límite la posible falsificación de dólares, en realidad eso, que realmente sucedió, lo hicieron un poco entre todos, no tanto por una valentía que difícilmente se le puede exigir a alguien en sus circunstancias, sino porque tenía la certeza de que una vez conseguida la falsificación perfecta de la moneda norteamericana, sus captores les iban a matar.

La película en sí está bien, con una atractiva banda sonora a base de música de tango y cortes de música clásica, pero quizá le falta algo de emoción a la hora de conectar con el espectador.