JEZABEL

 

Julie Marsden (Bette Davis), es una belleza de Nueva Orleans cuyos constantes intentos de provocar celos en su prometido, el exitoso banquero Preston Dillard (Henry Fonda) resultan contraproducentes. Enojado y deshonrado tras una escandalosa escena en un importante evento social, Pres rompe su compromiso y se va de la ciudad. Julie soporta un año de remordimiento hasta que Pres regresa a casa, casado. Entonces comenzará su venganza.

El guion (en el que participó, entre otros John Huston) adapta la obra teatral homónima del dramaturgo y guionista estadounidense Owen Davis, estrenada en 1933.

Julie es transgresora social y sexualmente, con un carácter arrogante y contradictorio. De hecho, su desafío a las convenciones amenaza el mismísimo orden social. 

William Wyler dirige este drama sureño de suntuosos decorados y vestuario en el que destaca el talento y la fuerza interpretativa de Bette Davis que obtuvo su segundo Oscar por este trabajo.

BABY FACE (CARITA DE ÁNGEL)

 

En una pequeña ciudad industrial, Lilly Powers (Barbara Stanwyck) trabaja como camarera en el bar clandestino de su padre. Cuando éste muere, se traslada a Nueva York con su criada, donde aprovechará su experiencia y su capacidad de engatusar a los hombres para ir escalando posiciones. En la gran manzana conoce a Jimmy McCoy (un jovencito John Wayne), un modesto empleado que trabaja en el departamento de archivo y que la ayuda a conseguir un trabajo en la Gotham Trust Company. A partir de entonces seduce y rechaza a varios hombres.

Lilly es una chica a la que la vida, con un padre que no duda en tratarla como una mercancía con los hombres si con ello puede sacar beneficio para su negocio, ha convertido en un ser amoral y codicioso que se acuesta con quien haga falta para ascender en la jerarquía corporativa de un banco de Nueva York, sin importarle quién salga lastimado. 

Rodada antes de la entrada en vigor del llamado Código Hays, este drama romántico resulta muy audaz para la época (1933).

La Warner encargó el film a un hombre que tenía en nómina, Alfred E. Green y seguramente concibió la cinta como un vehículo para lucimiento de su protagonista. Sin embargo, como ocurre otras veces en la historia de Hollywood, la película encierra mucho más contenido del que aparenta, convirtiéndose, de algún modo, en un retrato de la sociedad norteamericana en la Depresión, cuando cada uno se buscaba la vida como podía y aquí es una mujer que en un mundo de hombres, se aferra a su única arma para ascender en la escala social, pero sobre todo, para sacar adelante su propia existencia. 

Por medio de elegantes elipsis, el film no esconde lo que Lilly hace para ganarse el favor de los hombres. El final, bastante complaciente y, en cierto modo, moralizante, parece ser que fue impuesto para suavizar un tanto la explícita historia.

ESOS TRES

 

Karen (Merle Oberon) y Marta (Miriam Hopkins), compañeras de la universidad y ya graduadas, convierten una granja que ha heredado Karen de su abuela en un colegio para chicas. Pero un día las dos profesoras y el doctor Joe Cardin (Joel McCrea), el médico que las animó a construir la escuela, se ven envueltos en un escándalo cuando una alumna perversa se dedica a difamarlos.

El guion, de la dramaturga norteamericana Lillian Hellman, adapta su propia obra teatral The Children's Hour, estrenada en 1934, dos años antes de la película. El film introduce un cambio muy importante en la historia respecto a la obra de teatro por motivos de censura: en vez de ser una mujer que se enamora de la otra, en esta película se enamora del prometido de su amiga. 

El propio William Wyler la llevaría de nuevo a la gran pantalla en 1961 como La calumnia, con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine, esta vez manteniendo la historia original de la obra de teatro.

La propia Lillian Hellman manifestó que no estaba contrariada por los cambios que hubo de introducir en el guion, es cierto que el tema del lesbianismo hubiera resultado más provocador (estamos hablando de un film de hace casi cien años), pero al fin y al cabo, el fondo, incluso la forma del relato se mantienen tal cual, pues no es otro que la calumnia tejida por una jovencita perversa y malcriada que piensa que en cuanto alguien no atiende a sus caprichos la está menospreciando y por ello se siente castigada, viéndose empujada a devolver el golpe y lo hace de la manera más retorcida. 

Si inventamos una mentira sobre alguien, es más que posible que acabe siendo descubierta, pero si tejemos un relato plagado de medias verdades, de comentarios tendenciosos, de sugerencias mal intencionadas, cogiendo la parte real que nos conviene y aderezándola con infundios de nuestra invención, es casi seguro que llegado a los oídos de la gente que solo escucha la parte morbosa, sea tenido por auténtico y más viniendo de una niña: "Los niños nunca mienten". Al menos esa es la extendida creencia. 

Mary Tilford (una espléndida Bonita Granville), fabrica una historia que acabará con el crédito moral de los acusados y, aunque, como ocurre en la vida real, la verdad llegue a saberse, el daño ya está hecho y la honorabilidad jamás será devuelta en su totalidad a las víctimas, pues siempre habrá quien siga creyendo en el infundio como algo real o quien mantenga aquello de "algo habrán hecho".

RETORNO A LA ISLA

 

Es el invierno de 2005 y Erika sabe que dentro de poco verá al gran Isak Lövenstand, su padre, un hombre distante, de gran reputación y pocas palabras. El coche recorre las carreteras nevadas hacia la isla de Hammarsö y la mujer sabe que en cualquier momento podría dar marcha atrás y suspender el viaje. Incluso intuye que eso sería lo mejor, pero avanza porque allí, en la casa donde pasó las vacaciones de su infancia, la esperan los recuerdos que compartió con sus hermanas y el fantasma de Ragnar, el compañero de juegos que había dado con ella los primeros pasos hacia el deseo, pero que en el  verano de 1979 fue víctima de una tragedia de tintes inciertos y oscuros, por los que nadie asume la culpa. 

La novela transita entre la culpa y la reconciliación, entre el recuerdo y el olvido, y es un libro con poderosas corrientes subyacentes de sensualidad y cierta violencia. Las trayectorias individuales de vida se entrelazan para formar comunidades frágiles donde casi cualquiera puede quedar excluido, ignorado y lo que es peor, perseguido (lo que ahora conocemos como bullying). La obra es una rica descripción de las vidas de tres mujeres y, al mismo tiempo, un retrato excepcional y hermoso de un padre, despiadado y tierno a la vez. 

Linn Ullmann, hija del gran cineasta sueco Ingmar Bergman y de la no menos grande actriz y realizadora Liv Ullman, escribe con poder asociativo y audacia, a impulso de un fuerte temperamento narrativo y una mirada atenta hacia los vulnerables e indefensos.  

LA LOBA

 

Alrededor de 1900, en una población sureña, la calculadora y despiadada Regina Giddens (Bette Davis) entabla una lucha sin cuartel contra sus hermanos para quedarse con la mayor parte de un negocio que están a punto de concluír. En sus planes no tienen cabida los sentimientos, ni siquiera hacia su marido, un hombre honrado que regresa a casa y que se encuentra gravemente enfermo. En medio de la asfixiante atmósfera creada por la desmedida ambición de su esposa, sólo encontrará calor humano en el amor de su hija.

Adaptación de la obra teatral The Little Foxes, de Lillian Hellman, ella misma es la autora del guion. La pieza original fue estrenada en 1939 y, al parecer, puede tener alguna inspiración en hechos acaecidos en la propia familia de la dramaturga estadounidense. 

En España, además de unas cuantas adaptaciones teatrales, fue filmada para el espacio televisivo Primera fila (antecesor del mítico Estudio 1). Emitida el 20 de mayo de 1964, estuvo dirigida por Pedro Amalio López e interpretada por Mercedes Prendes, Ismael Merlo, José Bódalo, Fernando Rey, Carmen Bernardos, José María Caffarel y Josefina Serratosa.

William Wyler dirige esta historia de engaños, avaricia y egoísmo en la que Bette Davis, magníficamente arropada por un excelente elenco de secundarios, interpreta a uno de los personajes más despreciables de su carrera.

STELLA DALLAS

 

Stella Martin (Barbara Stanwyck), una chica de familia humilde, se casa con Steve Dallas (John Boles), un hombre que, aunque venido a menos, proviene de una familia adinerada. Al poco tiempo, tienen una hija y todo parece ir bien, pero las grandes diferencias de educación harán mella en su matrimonio, los modales escandalosos y vulgares de Stella y su afición por la ropa llamativa empiezan a irritar a Stephen y Stella se siente desanimada por las incesantes exigencias de Stephen para que se convierta en lo que no es, por lo que deciden separarse. Stephen se reencuentra con su antigua novia, Helen Morrison (Barbara O'Neil) y Laurel (Anne Shirley) se convierte en el centro de la vida y amor de su madre, nada es demasiado bueno para ella, según Stella. Decidida a darle todas las ventajas, la lleva de viaje a un resort de lujo donde entabla amistad con jóvenes ricos. Tras un incidente vergonzoso, Stella se da cuenta de que su hija llegaría más lejos en la vida sin ella como madre. Su sacrificio posterior es devastador.

El guion se basa en la novela del mismo título de la novelista y poeta norteamericana Olive Higgins Prouty. Es su novela más conocida y ya había sido llevada al cine 12 años antes, en versión muda, por Henry King.

King Vidor dirige esta película de 1937 que tiene muchos de los clichés del melodrama más tradicional, con situaciones en ocasiones poco verosímiles, que conducen a un final tremendamente emotivo, incluso algo lacrimógeno. 

De cualquier forma, esto da un poco lo mismo, por cuanto es la presencia de Barbara Stanwyck lo que verdaderamente dota de un aire diferente al film, en un papel en el que demuestra la capacidad de cambiar de registro conforme lo precise cada momento. Stanwyck ofrece una gran interpretación, dotando a un personaje que fácilmente podría haber resultado patético, de energía, inteligencia y dignidad.

DESENGAÑO

 

Samuel Dodsworth (Walter Huston) es un magnate de la industria del automóvil, el típico hombre de negocios que empezando desde abajo ha llegado a la cima del éxito. Acaba de vender su empresa automovilística tras 20 años de duro trabajo y anhela disfrutar su jubilación, con una holgada posición económica, junto a su amada esposa Fran (Ruth Chatterton). Ambos deciden pasar una segunda luna de miel en Europa, pero Fran está obsesionada por mantener su apariencia juvenil, dejándose llevar por las atenciones de otros hombres. Él, a su vez, conoce a una mujer que es todo lo que no es su esposa: segura de sí misma, con autoconfianza y capaz de cuidar de sí. Ante los desatinos de su esposa, el mundo de Samuel comienza a tambalearse y se verá empujado a tomar dolorosas decisiones.

El guion adapta la novela Dodsworth, del Premio Nobel norteamericano Sinclair Lewis, publicada en 1929. En ella, como en otras obras del autor, se percibe una sátira sobre la burguesía estadounidense.

Con una impecable interpretación de Walter Huston, por la que estuvo nominado al Oscar, contemplamos a esta pareja, Sam y Fran, que se ama de verdad, sin embargo esas ansias de ella por mostrarse cosmopolita y parecer mucho más joven de lo que es y sus devaneos con ese grupo de hombres frívolos, mientras su esposo disfruta con una especie de deleite infantil con las cosas que le rodean, llevarán a la descomposición de la pareja.

Película de 1936, con un planteamiento muy moderno y una extraordinaria puesta en escena que desembocan en este melodrama diferente, con buenos diálogos y una narrativa visual de gran nivel.

LA FUERZA DEL DESTINO

 

Joe Morse (John Garfield) trabaja como abogado para Ben Tucker (Roy Roberts), un hombre que se ha enriquecido gracias al clandestino e ilegal negocio de las apuestas. Pero para asegurarse el monopolio de esta actividad necesitan llevar a cabo una maniobra que implique la desaparición de todos los pequeñas casas de apuestas. Casualmente, una de ellas la dirige Leo (Thomas Gomez) el hermano de Morse que prefiere seguir con su modesto negocio a tener que tratar con los mafiosos que dominan el mercado a gran escala.

Conocida también como "La fuerza del mal", traducción literal del título original ("Force of evil"), se basa en la novela Tucker's People, del escritor y periodista norteamericano Ira Wolfert, publicada en 1943. 

Wolfert, coguionista de su propia novela junto al realizador del film, Abraham Polonsky, estuvo en la llamada "Lista negra de Hollywood", al ser considerado comunista por asociación, por el Comité de Actividades Antiestadounidenses de la Cámara de Representantes. Lo mismo le ocurrió al propio Polonsky en 1951, al negarse a testificar ante el mencionado Comité. No volvería a dirigir otro largometraje durante 21 años.

Aunque en algunos momentos el relato se torna algo confuso, incluso atropellado, queda el poso de un explícita crítica a la sociedad urbana norteamericana, con unos mafiosos que pretenden amparar sus negocios en la legalidad con la complicidad de los poderosos que, a cambio, se llevarán una parte del pastel. 

En algunos tramos, la forma se impone al fondo, con unos interiores de tono impresionista, algunos poderosos encuadres y los exteriores de la ciudad de Nueva York rodados con amplitud de campo que alcanzan su culminación en las magníficas escenas finales en los alrededores del puente de Manhattan. Con sutiles referencias al relato bíblico de Caín y Abel, está considerada por algunos como una de las cumbres del cine negro.

MAMEN MAYO

 

Comedia con moraleja, dividida en ocho capítulos cortos de apenas media hora de duración, protagonizada por una Silvia Abril que, aunque hace gala de su bis cómica, se muestra contenida, muy bien arropada por unos secundarios que encuentran su espacio propio en cada episodio. 

Como digo, hay un fondo de fábula moral que pretende hacer ver que el diálogo y una cierta dosis de renuncia, puede ayudar a resolver las diferencias por profundas que estas sean. Las entregas resultan desiguales, alguna de cierto nivel y otras un tanto más flojas, en esta serie que yo creo que tenía más potencial del que han conseguido, pero siempre cargada de buenas intenciones y un tono amable en su narración.

EL DESIERTO ROJO

 

En una zona industrial desolada y deteriorada, la joven Giuliana (Monica Vitti) intenta sobrellevar la vida. Está casada con Ugo (Carlo Chionetti), gerente de una planta local y coquetea con uno de sus compañeros, Corrado Zeller (Richard Harris), que está de visita y que solo la usa para satisfacer sus propias necesidades y deseos. Tras sufrir un grave accidente de coche, Giuliana comienza a percibir la ciudad en que vive, Rávena, como un desierto tanto en el plano físico como en el de las relaciones personales. Las secuelas psicológicas le impiden llevar una vida normal y relacionarse con la gente que la rodea.

Por el desarrollo de la película, cuando descubrimos el sentir un tanto atormentado de la protagonista, no nos queda claro si su estado depresivo es fruto del accidente sufrido o éste es consecuencia de aquel. Sea como fuere, Giuliana se siente desubicada, fuera de lugar, víctima de la incomunicación, con su entorno más cercano y con el mundo en general. 

Es un film hermético, sin referencias claras para el espectador que se siente empujado a prestar toda su atención para desentrañar los misterios del camino por el que nos conduce el autor.

Resulta curioso comprobar como, en ocasiones, la obra de arte en general y el cine en particular, despierta interpretaciones entre el público, incluso entre la crítica especializada, en las que el autor ni siquiera había pensado, cuando no totalmente opuesta a lo que quiso transmitir. 

He leído multitud de opiniones sobre la alienación a que conduce al hombre la industrialización, representada en el film por ese paisaje fabril desolado o las calles desiertas de la ciudad (por otra parte, marca de la casa), pues bien, Antonioni, en una entrevista con Jean-Luc Godard, desestimó esa especie de consenso general de la crítica sobre que la industrialización fue en parte responsable de la fragmentación mental de Giuliana. Afirmó que su intención era, en realidad, celebrar la belleza del paisaje industrial, algo que Giuliana no puede apreciar debido a su frágil estado mental. 

¿Provocación del maestro italiano o realmente es tal cual lo expresa y el espectador saca unas consecuencias que no había imaginado? Es lo que tiene el arte, cuando lo expones al público, deja de ser tuyo y pasa a ser de quien lo contempla que llega a descubrir cosas que ni siquiera habías imaginado.

EL BRUTO

 

En una comunidad pobre del México de la década de 1950, el terrateniente Andrés Cabrera (Andrés Soler) quiere desalojar a sus inquilinos para demoler el edificio y vender el terreno, pero el líder comunitario Carmelo González (Roberto Meyer) se resiste. Andrés contrata al fornido trabajador del matadero Pedro El Bruto (Pedro Armendáriz) para intimidar a los habitantes, mientras Paloma (Katy Jurado), la amante de Andrés, acosa sexualmente a Pedro. Éste va a la comunidad por la noche y ataca al débil Carmelo, quien muere desangrado. Cuando Pedro conoce a Meche (Rosita Arenas), la hija de Carmelo, se enamora de ella y ella se muda a su casa, pero Paloma, celosa, no quiere renunciar a Pedro.

Los momentos de surrealismo escasean en esta película, si bien no faltan algunas secuencias con un toque morboso y metafórico típicos de Buñuel. El protagonista es una persona de cerebro lento, incapaz de controlar su fuerza física y del que se aprovechan otros con intenciones nada edificantes. Capaz de traicionar a los de su clase por una lealtad mal entendida hacia su patrón (D. Andrés) del que se deja entrever que podría ser hijo ilegítimo, cuando recibe amor, comprensión y dulzura, comienza a ver las cosas de otra manera, aunque la fatalidad del destino conduce a que las cosas acaben mal al más puro estilo de las tragedias clásicas.

Melodrama al que se aplican fórmulas estándar (pasiones turbulentas, amor redentor, peleas, personajes viles que se aprovechan de la debilidad de otros...), con aire de cine social, realista y cierto tono policiaco. Un relato del que Buñuel, con su maestría, sabe sacar partido a pesar de utilizar soluciones sencillas y de que, al parecer, le fueran impuestas algunas convenciones por la productora, seguramente eso influyó en que el realizador no estuviera del todo satisfecho con este trabajo, por demás muy interesante.

ENSAYO DE UN CRIMEN

 

Archibaldo de la Cruz (Ernesto Alonso) ha visto en su infancia morir a su institutriz, alcanzada por una bala perdida. Ya adulto, la muerte de varias mujeres cercanas a él hacen que Archibaldo crea que es un asesino. Su único argumento es que él deseó todas esas muertes y que las mujeres terminaron siendo asesinadas. Interrogado por un juez, Archibaldo desvela su vida y las razones por las que piensa que debe ser juzgado. Desde su particular punto de vista, él es el verdadero culpable de todos esos crímenes.

Basada en la novela del mismo título del escritor, diplomático y dramaturgo mexicano Rodolfo Usigli, publicada en 1944.

Usigli comenzó a colaborar con Buñuel en el guion, pero hubo desacuerdos, pues el autor mexicano quería que se respetara el texto de su novela, mientras que a Buñuel había cosas que no le interesaban y decidió descartarlas, así que desistieron de dicha colaboración.

Un film quizá minusvalorado dentro de la filmografía buñueliana, pero contiene buena parte de las constantes del cine de su autor. El absurdo de lo que nos narra está en la propia historia, cargada de humor negro. 

Muy bien construída, a pesar de la asfixia económica que sufría el cine mexicano de la época, tiene frases y secuencias memorables, en alguna de las cuales hacen acto de presencia, además de los fetiches propios del aragonés, su acerada crítica a la Iglesia y a las clases pudientes. 

El mismo Buñuel la calificó como una especie de divertimento, incluído el discutido final, algo que, al parecer, a D. Luis le apeteció hacer así, dejando vislumbrar un futuro optimista para el protagonista, liberado de sus fantasmas y sus miedos.

ÉL

 

Francisco Galván de Montemayor (Arturo de Córdova), un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria Vilalta (Delia Garcés) y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.

El guion, del propio Luis Buñuel y de Luis Alcoriza, adapta la novela del mismo nombre de la escritora y periodista Mercedes Pinto, publicada en 1926. 

La autora canaria, nacida en Santa Cruz de Tenerife, fue una adelantada del feminismo, comprometida en la lucha por los derechos de la mujer y relacionada en distintas etapas de su vida con personajes de la talla de Ortega y Gasset, Miguel de Unamuno, Rabindranath Tagore, Luigi Pirandello, Alfonsina Storni o Pablo Neruda que, impresionado por su personalidad, le dedicaría unos versos.

Certero retrato psicológico de la paranoia de los celos y la obsesión por la posesión. El protagonista se convierte en un tipo peligroso para su esposa, hoy sería el perfecto maltratador, respetado de puertas afuera, pero un verdadero maniaco que pone en riesgo la integridad y la propia vida de aquella a la que considera una más de sus propiedades. 

Buñuel nos muestra un argumento sencillo de entender y complejo en su exposición, detallado, en ocasiones a base de magistrales elipsis y con algunos llamativos movimientos de cámara, con momentos de surrealismo más contenido que alguna otra de sus películas.

EL EJECUTOR

 

En Haugesund, una ventosa ciudad noruega a orillas de un fiordo, un asesino en serie está dispuesto a escribir su obra maestra.

El periodista Viljar Ravn Gudmundsson ha perdido su buena estrella. En pocos años ha pasado de figura mediática, tras destapar un sórdido escándalo político, a apestado en una redacción de provincias. Sus colegas desconfían de este hipocondriaco de origen islandés. Cuando recibe un extraño e-mail en el que se anuncia un crimen, casi reza para que se trate tan solo de una broma de mal gusto.

Al día siguiente encuentran a una mujer asesinada y Viljar se da cuenta de que su viejo instinto sigue intacto. Mientras los agentes le interrogan, el periodista recibe otro mensaje en el que se anuncia una nueva muerte. Así comienza la caza de un criminal astuto y cruel que parece ir siempre un paso por delante de la policía dejando un rastro de sangre.

Lotte Skeisvoll, un investigadora obsesivo-compulsiva, necesita dar con la pista que por fin les de ventaja en su carrera por adelantarse a los planes del asesino. Cuando descubra que los crímenes imitan escenas de novelas negras famosas, todo dará un vuelco. Pero la tensión aumenta cuando aparezcan pruebas que relacionan a Viljar con las víctimas.

El autor de la novela, Geir Tangen, tiene un blog sobre novela negra que se ha convertido en el más popular de Noruega, con miles de lectores y su libro es una especie de homenaje a la novela negra nórdica, con citas de nombres y títulos de los más conocidos autores del género.

La narración quizá estira un poco más de la cuenta los acontecimientos que se van sucediendo de manera lineal, con algunas interrupciones que ayudan al lector a comprender el origen de los asesinatos y los motivos del asesino, acudiendo en alguna ocasión a las casualidades para hacer avanzar la trama y presentado a unos investigadores un tanto faltos de rigor, cayendo en errores casi infantiles, algo que el propio autor reconoce en el epílogo.

Un libro entretenido que conduce a un final al que se llega tras un largo y algo artificial conjunto de circunstancias.

LOS OLVIDADOS

 

El Jaibo (Roberto Cobo) es un adolescente que escapa de un correccional y se reúne en el barrio con sus amigos. Unos días después, El Jaibo mata, en presencia de su amigo Pedro (Alfonso Mejía), al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo enviaran al reformatorio. A partir de entonces, los destinos de Pedro y El Jaibo estarán trágicamente unidos.

El Jaibo es un personaje perverso, malvado y cobarde, cuya vida transcurre por el camino de la delincuencia, ejerciendo su influencia sobre los otros niños del barrio. Cuando accidentalmente mata al único niño que podría ser un buen modelo a seguir por parte de Pedro, parece que los destinos de este quedan marcados para el futuro. 

Inicialmente repudiada en México por todos los sectores (público, crítica y autoridades), por el retrato que un extranjero hacía de la delincuencia y la pobreza del país, tras ganar en Cannes el premio al Mejor Director, poco a poco, comenzó a ser vista con otros ojos, hasta ser considerada en la actualidad como una de las grandes películas mexicanas de todos los tiempos.

Realismo casi con un toque documental en ciertos pasajes y algunas notables gotas de surrealismo (menos del que tenía pensado Buñuel y que no pudo plasmar por falta de presupuesto).

Un descarnado relato sobre la pobreza y la incultura, pues el resto del retrato (la delincuencia, el hacinamiento o la falta de perspectiva de futuro para unos niños abocados a la pillería y el delito), se presentan como consecuencia de aquello.

Como se advierte en el prólogo: "...esta película, basada en hechos de la vida real, no es optimista y deja la solución del problema a las fuerzas progresivas (sic) de la sociedad."