JURADO Nº 2

 

Justin Kemp (Nicholas Hoult), un hombre que podríamos considerar normal, forma parte de un jurado en un juicio por asesinato. Se encuentra luchando con un serio dilema moral que podría utilizar para influir en el veredicto del jurado y potencialmente condenar (o liberar) al acusado.

Como ya han señalado muchos críticos, una reflexión sobre los puntos grises de la justicia con la excusa de la tensión que vive el protagonista, cuyo sentido de culpa le lleva a argumentar a favor del acusado sin desvelar su implicación en el hecho que se está juzgando.

Técnicamente más que correcta, como no podía ser menos, los intérpretes están bien dirigidos por Clint Eastwood, si bien, tanto algunas de sus premisas, como el último giro de guion resultan bastante ventajistas, sin que soporten una explicación razonable, lo que supone una pequeña decepción para un film cuyo argumento, a mi juicio, promete más de lo que al final ofrece. 

No obstante, me parece una buena película, que merece la pena ver.

DANGAL

 

Mahavir Singh Phogat (Aamir Khan) es un entrenador de lucha libre que en su día se dedicó a este deporte hasta que tuvo que dejarlo para dedicarse a un trabajo administrativo, la lucha libre no le iba a dar de comer. Tiene un sueño: que su descendencia gane una medalla de oro para India en una competición internacional. Pero en su matrimonio no hay hijos, su esposa le dará cuatro hijas. Esto no es obstáculo para que Mahavir siga persiguiendo su sueño y se dedica a preparar a sus hijas Babita Kumari (Sanya Malhotra) y Geeta (Fatima Sana Shaikh).

Basado libremente en la biografía de Mahavir Singh Phogat, un luchador indio que llegó a ser campeón nacional y que quizá pudo haber ganado una medalla olímpica si no hubiera tenido que ponerse a trabajar para ganarse la vida. Su hija Geeta ganó la primera medalla de oro para la India en lucha libre femenina en la categoría de 55 kg en los Juegos de la Commonwealth de 2010 y fue la primera luchadora de su país en calificarse para una olimpiada. Babita ganó una medalla de bronce en el Campeonato Mundial de Lucha Libre de 2012 y la medalla de oro en los Juegos de la Commonwealth de 2014. Como padre adoptivo, Mahavir cuidó también, además de a sus cuatro hijas, de sus sobrinas Vinesh y Priyanka, hijas de su hermano que murió en una disputa de tierras. La primera de ellas también fue medallista de oro en los Juegos de la Commonwealth y ganó la medalla de oro en los Juegos Asiáticos de 2018.

Es cierto que la actitud del padre es bastante egoísta, en el sentido de que desea cumplir el sueño que no pudo alcanzar a través de sus hijas, pero en otros aspectos también es valiente. Cuando descubre que ellas se han peleado con dos chicos y les han dado una paliza, se le enciende una luz y decide entrenarlas. Esto en una sociedad tremendamente machista, dos chicas que a los catorce años no están casadas como manda la tradición y, encima, con el pelo corto. 

Los sacrificios hechos por la familia, las dificultades dentro de una sociedad patriarcal y el éxito de la fuerza de voluntad, se representan de manera poderosa en la película. Más allá de lo puramente cinematográfico, el film provocó debates sobre los roles de género y el valor de alentar a las mujeres a practicar deportes. De hecho, el éxito en taquilla nos lleva a percibir con cierta esperanza el cambio que está experimentando India actualmente y, desde luego, hay un claro mensaje de empoderamiento de la mujer, como señala una de las frases de la película: “Gold toh gold hota hai, chhora lave ya chhori” ("El oro es oro, ya sea que lo traiga un niño o una niña").

3 IDIOTS

 

Al contrario que otros muchos compañeros de la escuela de ingeniería, que ingresan en ella simplemente por complacer a sus padres, Rancho (Aamir Khan) siente verdadera pasión por estudiar y aprender. En la escuela de ingenieros, entablará amistad con sus dos compañeros de habitación, Raju (Sharman Joshi) y Farham (Madhavan), que acabarán por convertirse en sus dos mejores amigos. Pero al graduarse pierden el contacto y sus dos amigos deciden ir en su búsqueda.

El guion se basa en la novela “Five Point Someone”, del escritor y guionista indio Chetan Prakash Bhagat. Al tratarse de una novela que se fundamenta mucho en anécdotas sin una verdadera trama, el guion es muy diferente del libro.

Tras su estreno, se convirtió en la película de Bollywood que alcanzó mayor recaudación en taquilla.

Alegre y vitalista comedia trufada de números musicales, como no podía ser menos hablando del cine de la India, el tema principal, colocado hacia la mitad del film, divertido y pegadizo con una maravillosa coreografía. 

El asunto central de la narración gira en torno a la independencia a la hora de labrarnos nuestro futuro en la vida, sin dejarnos llevar por las influencias del entorno o la inclinación a elegir una ocupación en que prime la economía sobre la vocación, eso tan manido de: Elige esta opción que tiene muy buenas salidas. Quizá está transmitido de una manera un tanto simplona, puede que incluso infantil. 

Una hermosa parábola sobre los verdaderos valores por los que se debe dejar llevar el ser humano, incluída la amistad y la camaradería, envuelta en sonrisas, con un contenido más profundo del que puede aparentar su tono de desbordante alegría.

LOS HUESOS DEL INVIERNO (WINTER'S BONE)

 

Ree es una adolescente de apenas 16 años, que tiene a su cargo a su madre completamente ausente y a sus dos hermanos pequeños en su casa de los Ozarks, mientras su padre está en prisión. Un día recibe la visita del agente de policía Baskin, que le comunica que su padre ha salido en libertad condicional y ha puesto como aval por la fianza la casa y las tierras donde viven, si no se presenta en el juicio que se va a celebrar de forma inminente, les embargarán y desahuciarán. 

La meseta de Ozark está situada en la zona central de Estados Unidos, ocupando territorio de Misuri, Arkansas, Oklahoma y Kansas y una parte de su población está formada por lo que en la jerga se conocen como rednecks (literalmente cuellos rojos, en alusión a los campesinos, a los que, por su constante exposición al sol, se les acaba poniendo el cuello rojo), gente con pocos recursos, incluso los que poseen tierras, que suelen ser poco productivas, en otras épocas dedicados, entre otras labores, a fabricar whisky casero en destiladoras clandestinas y actualmente a cocinar metanfetamina, como manera de ganarse ingresos suplementarios. Con estos tipos, algunos de los cuales son familiares, más o menos cercanos, ha de verse las caras Ree en la desesperada búsqueda de su padre, una tarea peligrosa tratándose de gente desconfiada de los que primero disparan y después preguntan cuando te ven aparecer en el porche de su casa y más cuando el padre de Ree ha roto los estrictos códigos de conducta que rigen en esta peculiar comunidad. 

El entorno en que se desarrolla la novela es un paisaje montañoso, con bosques, casas desperdigadas y una sociedad endogámica que se guía por sus propias costumbres, desconfía de la policía y de cualquier extraño y, además de la fabricación de meta, se dedican a cazar corzos y ardillas para alimentarse y enseñan a disparar a los jóvenes cuando aún son unos niños. Como además estamos en pleno invierno, con temperaturas bajo cero y la nieve cayendo, la búsqueda de Ree se hará aún más peligrosa e incómoda. De hecho, su tío, apodado Lágrimas y su amiga Gail Lokrum, serán los únicos que se preocupen por el incierto futuro de Ree y su familia. 

Estamos ante una especie de novela negra que se desarrolla en entornos rurales (country noir lo llaman algunos), de fácil lectura, con una heroína muy valiente y arrojada, más teniendo en cuenta que apenas está saliendo de la infancia, dura y resistente a las adversidades, dispuesta a encarar el futuro por más negro que se presente y a no rendirse fácilmente a pesar de las dificultades que le ponen precisamente aquellos en quienes esperaba encontrar apoyo. Una novela intensa, subyugante, con cierto aire de thriller que te sumerge en este ambiente tan particular del frío invierno que su autor, Daniel Woodrell, te hace sentir en tus mismos huesos. 

El relato fue llevado al cine en 2010, en un film que lleva el mismo título de la novela, dirigido por Debra Granik y protagonizado por Jennifer Lawrence, nominada al Oscar por su interpretación.

LA CASA DE LA ALEGRÍA

 

Lily Bart (Gillian Anderson) es una deslumbrante belleza en la cima de su éxito que pronto descubre la precariedad de su posición cuando su físico y encanto comienzan a atraer intereses no deseados y celos, algo que dada su posición, sin apenas medios económicos pero acostumbrada a vivir entre la alta sociedad neoyorkina de principios del XX, le traerá complicaciones. Dividida entre su corazón y su cabeza, Lily siempre parece hacer lo correcto, pero en el momento equivocado. Busca un marido rico y, al tratar de adaptarse a las expectativas sociales, pierde la oportunidad de encontrar el amor verdadero con Lawrence Selden (Eric Stoltz).

Dirigida por Terence Davies, el guion, de él mismo, adapta la novela de igual título de la estadounidense Edith Wharton que retrató como nadie, por su conocimiento de la misma, a la jet set de Nueva York de comienzos del siglo pasado, su estrechez de miras y, por qué no decirlo, su ignorancia, a través de un hábil uso de la ironía. 

Con una impecable fotografía de Remi Adefarasin, el británico se muestra suntuoso, con muchas escenas que parecen pinturas vivas.

Lily se topa con las dificultades de querer ser independiente sin medios para mantener esa independencia en una sociedad en la que está mal visto que una mujer soltera viva sola, se muestra inútil en cuestiones financieras, fracasando una y otra vez a la hora de intentar cierta autonomía económica. 

Ella no desprecia a los pobres, pero teme la pobreza y tiene verdadero pavor a verse sumida en ella. Fue criada como un juguete bonito, una novedad que a su vez le permitiría conseguir un marido rico. Lily sabe que flota en la órbita de la clase alta porque es un adorno, una diversión para mucha gente aburrida a la que le gustan las cosas brillantes y cuando pierde su brillo, al verse engañada y utilizada en una trampa urdida de manera maliciosa y perversa, ya no es deseada, es desechada como una baratija deslustrada. Al no formar parte de la clase alta, al no poder casarse con un hombre rico, y sin habilidades para ganarse la vida, Lily se vuelve completamente irrelevante.

EL ÚLTIMO METRO

 

En 1942, durante la ocupación de París por las tropas alemanas, un grupo de actores trata de sacar adelante una obra de teatro. Nadie sospecha que, en el sótano del edificio, se oculta el director del grupo, un hombre de origen judío que desde su escondrijo dirige la obra a través de las indicaciones que da a su mujer, que es la protagonista.

Como no podía ser menos, el asunto de la ocupación alemana está presente a lo largo de toda la película: La censura, el control sobre la población, el racionamiento, los bombardeos, el colaboracionismo y las delaciones, la persecución a los judíos... Sin embargo, François Truffaut no hace una película política, se limita a retratar la situación, a ponernos en contexto para aventurarse por otros caminos además de los de la miseria y la opresión que sufrió la población en los dos últimos años de la ocupación nazi. Así tenemos ante nosotros, repito que además de esos temas, aquellos otros que son casi una constante en el cine del maestro francés: las relaciones interpersonales y sus dificultades, con el típico triángulo amoroso; el respeto por la homosexualidad; el amor a la infancia o esos toques de humor tan típicos de sus obras.

Truffaut rinde su particular homenaje al mundo del teatro, su diaria lucha de titanes para que las salas continúen abiertas, situación agravada aquí por las concretas circunstancias. Vemos los entresijos del mundillo, desde el trabajo de los subalternos, hasta los problemas, casi siempre financieros, de los promotores, pasando por las peculiaridades de los artistas, sus pequeñas manías o los nervios del estreno. 

Una especie de cántico a la libertad, el mundo de la escena se convierte en una forma de expresión de la voluntad de los oprimidos para enfrentar la represión. 

Con una evocadora fotografía de Néstor Almendros, la narración nos conduce hacia un admirable final muy ingenioso, que nos va a provocar una amplia sonrisa que no podremos reprimir.

DOMICILIO CONYUGAL

 

Antoine (Jean-Pierre Léaud) y Christine (Claude Jade) son una pareja de recién casados. Mientras él se gana la vida coloreando flores para una floristería, su mujer forma parte de una orquesta e imparte clases de violín. Cuando un experimento para conseguir un rojo intenso en la flores sale mal y estas se queman, Antoine busca un trabajo mejor pagado y más estable y, en parte gracias a un malentendido, puede conseguir un puesto en una empresa hidráulica estadounidense. A través de ese trabajo Antoine conoce y comienza una aventura con Kyoko (Hiroko Berghauer), la hija de un cliente japonés. El romance puede poner en peligro la vida que tiene con Christine que está embarazada.

Antoine, sigue siendo emocionalmente inestable e inmaduro y su relación con la joven japonesa, para él no deja de ser una aventura, pero para Kyoko es amor.

Con fotografía de Néstor Almendros y muchos homenajes cinéfilos, François Truffaut dirige esta nueva entrega con el personaje de Antoine Doinel como protagonista. Un retrato realista de la vida matrimonial, alejado tanto de tragedias como de situaciones edulcoradas y cargado de un gran sentido del humor, con muchas escenas y situaciones graciosas. 

Un guion ingenioso para una película que nos acerca a la vida matrimonial con sus virtudes y sus defectos.

LA MUJER DE AL LADO

 

En una pequeña población, cerca de Grenoble, Mathilde Bauchard (Fanny Ardant) se encuentra a Bernard Coudray (Gérard Depardieu), un hombre con el que mantuvo una relación años atrás. El matrimonio Bauchard se ha mudado a la casa de al lado de la familia Coudray y a pesar de que ambos protagonistas están casados, no pueden evitar volver a vivir un romance.

Uno de los temas recurrentes de François Truffaut es la fragilidad de los sentimientos de los hombres y las dificultades que con ello se producen en las relaciones sentimentales, más si, como aquí, aparecen los instintos que dan lugar a comportamientos irracionales.

Una historia de amour fou entre una pareja que no es capaz de desprenderse de su pasado en común.

TODO UN HOMBRE

 

Antes de escribir su novela, Tom Wolfe, como en él era característico, se documentó ampliamente (se dice que durante años), tanto en la Atlanta postolímpica y ultramoderna, símbolo de la América corporativa, conflictiva, multirracial y multicultural, territorio compartido por negros, blancos, hispanos y asiáticos, lo que la sitúa como un territorio de delicada estabilidad; como en Oakland, al otro extremo del país, con ánimo de registrar minuciosamente todos los detalles y accidentes de la geografía y el ámbito vital del contrapunto narrativo representado por el humilde personaje de Conrad Hensley. El personaje principal es Charlie Croker, magnate de la propiedad inmobiliaria, ex estrella del fútbol americano y propietario de una plantación de 29.000 acres, cuyos empleados son todos negros. Alrededor de él, Wolfe agrupa una serie de subtramas y una variedad de personajes que sirven para conformar el relato de esta extensa novela. Los principales, Wesley Dobbs Jordan, alcalde de la ciudad, y el abogado Roger White II representan a la aristocracia negra de Atlanta. Fareek Fanon, afroamericano y estrella emergente del fútbol americano, acusado de violación por Elizabeth Armholster, hija de uno de los industriales más poderosos de Atlanta, una historia que supone una grave amenaza de disturbios raciales. Martha Croker, su primera esposa, que intenta mantener su posición social sin su marido; Ray Peepgass, ejecutivo de Planners Banc, que intenta sacar provecho ilegal de la caída de Croker y, sobre todo, Conrad Hensley, un humilde empleado de una de las empresa de distribución de alimentos propiedad de Croker, a quien una serie de casuales fatalidades llevarán a la prisión de Alameda County, y una vez en ella, gracias a que le entregan un libro que no es el que ha pedido, al descubrimiento de la filosofía estoica de Epicteto. La historia de este joven resulta ser lo más original y emotivo de la novela. 

Las vidas de todos ellos irán confluyendo alrededor del desgraciado incidente de la presunta violación, en el que, salvo el deportista, ninguno está involucrado, pero se verán afectados por él o sus posibles consecuencias. 

Mediante su dominio del lenguaje, lo atractivo de la historia que plantea y la manera de contarla, el autor consigue seducirnos gracias también a que la narración tiene muchos momentos intensos e interesantes a la hora de describir la corrupción de la clase política, los juegos de sociedad de los más privilegiados, el despiadado código de conducta por el que se rige el mundo de las finanzas, el poder de los medios de comunicación, las tensiones raciales, la violencia de la vida callejera, la manipulación comercial de la cultura, la rutina de los ciudadanos sin nombre, o la vida, realmente peligrosa, en el interior de una cárcel. 

La novela tiene mucho de documento social y resulta amena y atractiva a pesar de que cuando uno llega a las últimas páginas tiene la impresión de que aquello se va deshinchando como un globo que pierde presión y que Wolfe no es capaz de hallar un final a la altura de la narración que hemos disfrutado hasta ese momento.

BESOS ROBADOS

 

Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud), tras ser expulsado del ejército, visita a su antigua novia, Christine (Claude Jade), cuyo padre le encuentra un trabajo temporal como vigilante nocturno de un hotel. Sin embargo, por culpa de un detective privado, pierde el empleo el primer día. Para compensarlo, el detective le ofrece trabajo en la agencia en la que está empleado. Después de encargarse de asuntos menores, recibe la misión de averiguar por qué todas las empleadas de una zapatería odian a su jefe. En la tienda, Antoine conoce a Fabienne (Delphine Seyrig), la esposa del propietario.

François Truffaut recupera a Antoine Doinel tras Los cuatrocientos golpes y un corto ("Antoine et Colette") que forma parte de El amor a los veinte años, un personaje que está considerado como una especie de alter ego del maestro francés a través del cual, no solo plasma sus propias vivencias y recuerdos, sino también la evolución de la sociedad francesa.

En clave de comedia ligera, seguimos a este joven tímido, inseguro y algo romántico con dificultades para adaptarse a los varios trabajos que va teniendo y también en las relaciones sentimentales que se le ofrecen. Las mujeres ejercen en el protagonista una especie de mágica fascinación aunque siempre parece preocupado porque no acaba de comprenderlas. 

Son películas en las que Truffaut pone mucho de sus propias experiencias, en esta en concreto, parece como si la narración estuviera descuidada, algo que le proporciona realismo, porque nos plantea unos personajes cercanos, gente a la que podemos encontrar en nuestras propias vidas. 

Con momentos de fantasía, incluso surrealistas, el humor está presente a través de personajes y situaciones pintorescos, como el propio protagonista con su contradictorio comportamiento. Con todo ello, se mantiene la atención del espectador, con momentos de cierta brillantez y otros quizá no tan conseguidos.

TIRAD SOBRE EL PIANISTA

 

Charlie Kohler (Charles Aznavour), antiguamente un gran concertista de piano, trabaja ahora como pianista en un cabaret parisino. Charlie se las ha arreglado para ocultar a todos y mantener en secreto su misterioso pasado, pero, inesperadamente, aparece su hermano mayor pidiéndole ayuda para eludir a dos delincuentes con los que había llevado a cabo un trabajo y a los que estafó.

El guion adapta la novela "Down There", del norteamericano David Goodis, algunas de cuyas novelas han sido llevadas al cine con más o menos éxito (La senda tenebrosa; Al caer la noche, de Jacques Tourneur; Calle sin retorno, dirigida por Samuel Fuller, etc.).

La película, de producción humilde, es una especie de homenaje un tanto extravagante de François Truffaut al cine negro norteamericano, con algunos ingeniosos toques de humor visual.

UN HOMBRE (HOMBRE)

 

John Russell (Paul Newman) secuestrado y criado por los indios apaches cuando era niño, es ahora un hombre comprometido con su tribu a la que ha aprendido a apreciar y a respetar profundamente. Viaja a la ciudad para ver una casa de huéspedes que ha recibido como herencia por la que le han ofrecido, a cambio, una manada de caballos. En la única diligencia que encuentra para llegar a Bisbee, donde cerrará el trato, viajará en compañía de siete personas muy diferentes. Durante el viaje son asaltados y abandonados a su suerte por los bandidos, viéndose obligados a luchar por su supervivencia.

Dirigida por Martin Ritt (una de las víctimas de la ominosa caza de brujas), está basada en una magnífica novela de Elmore Leonard, la película reivindica la figura y la cultura de los nativos estadounidense frente a la sociedad creada por los emigrantes europeos caracterizada por la avaricia, el racismo y la hipocresía, cuyo exponente es el doctor Favor (Fredrich March) el corrupto agente de la reserva de San Carlos.

Inevitablemente le viene a uno a la cabeza La diligencia de Ford, cuando repasamos a este variopinto grupo de personajes que representan estereotipos sociales: el sheriff, que se alía con los bandidos porque entiende el asalto a la diligencia como una justa recompensa a su vida de miseria; la racista y estirada mujer de Favor que permanece junto a él por conveniencia; el bravucón y violento jefe de la banda; la insatisfecha y provocadora joven; el bienintencionado pero excesivamente sumiso mejicano Méndez (Martin Balsam); Jessie (Diane Cilento), una viuda que regentaba la casa de huéspedes y a quien la vida ha hecho fuerte y, por supuesto, John Russell (extraordinario Paul Newman) un blanco criado por los indios que ha decidido vivir con estos y simboliza el orgullo, la dignidad, el honor y la libertad, cualidades incompatibles con la sociedad del hombre blanco. Un tipo que muestra cierta dureza para con los otros, como si considerara que sus problemas son un asunto que no le concierne, hasta su conversación con Jessie que le lleva a comportarse, entonces sí, como un héroe clásico en un memorable final pleno de tensión. 

Con excelentes diálogos, el film se enmarca en esa corriente que empezó a cambiar y revitalizar un género considerado agonizante allá por los sesenta del pasado siglo.

CIMARRÓN

 

En 1889, millares de pioneros ansiosos de colonizar nuevas tierras se dirigen hacia el punto de partida de la gran carrera que ha de abrir el territorio de Oklahoma a la civilización. Entre ellos se encuentran Yancey Cravat (Glenn Ford) y su mujer Sabra (Maria Schell), que ha decidido dejar la ciudad y acompañar a su marido en esta aventura.

Adaptación de la novela de Edna Ferber, que ya había sido llevada a la pantalla en 1931 por Wesley Ruggles, con Richard Dix e Irene Dunne como protagonistas. 

Si se quiere ver así, la película es un western, por cierto, el último de Anthony Mann, de hecho, la ambientación y todo eso, responden al género.

Pero hay muchos más asuntos que se contienen en la narración: el racismo para con los indios, reflejado en varias escenas, quizá de manera más cruel cuando la pequeña niña india es expulsada de la escuela, incluso más impactante que cuando linchan a su padre por la manera en que está rodada; los conflictos intergeneracionales; las diferencias en el matrimonio por las distintas concepciones sobre la vida y el futuro entre los miembros de la pareja; la solidaridad; el arribismo y algún otro. 

Tiene escenas espectaculares, dignas de su realizador, la más llamativa quizá sea la carrera por conseguir las tierras (land rush), aunque hay otras cuantas que llaman la atención más por el arte con que están concebidas y realizadas que por su grandiosidad: la ya mencionada de la niña india o la forma en que Yancey se presenta en casa tras una ausencia de años, por ejemplo. 

El papel y la historia misma de Sabra Cravat, no resulta para nada anecdótico, al punto de que durante muchos pasajes del film parece ella la protagonista más que su propio esposo, sumergiéndonos en su complicada situación, una chica del este, de familia acomodada, que viaja hacia el salvaje oeste con su apuesto marido. De espíritu más pragmático que su esposo, a quien pueden, por una lado, su integridad moral y, por otro, su ferviente afán de aventuras. 

Con algunos momentos muy emotivos, es también una crónica sobre los pioneros que colonizaron los territorios libres del oeste americano y sobre la evolución de una sociedad nueva que va pasando de ser un grupo de personas con cierto afán de aventura y de buscar un futuro mas prometedor para sus familias, a grupos de ciudadanos que van asentado la ley y el orden en aquellos territorios en que no existía, al tiempo que vemos peculiaridades propias de ellos, como el descubrimiento de petróleo en sus tierras y lo que ello significó y otras situaciones más universales, como la corrupción y los manejos de los políticos o las ventajas que obtienen los ricos y poderosos gracias a la influencia que les proporciona su dinero y su estatus social. 

La película supuso un pequeño fiasco en taquilla, pero creo que es de esos films que merece la pena ver, magníficamente interpretado, secundarios incluídos y dirigida de manera eficaz.

REVOLUTIONARY ROAD

 

Es el año 1955. Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet) están en el séptimo aniversario de su matrimonio del que tienen dos hijos, pero no son felices. April ha renunciado a su sueño de ser actriz y Frank odia su trabajo. Un día, April propone mudarse a París como una forma de rejuvenecer su vida.

Basada en la novela del mismo nombre del norteamericano Richard Yates. Fue su primera novela, publicada en 1961.

La intrahistoria del llamado sueño americano, lo que ocultan las fachadas de esas maravillosas casas del extrarradio urbano tras las cortinas de sus ventanas, la infelicidad, la insatisfacción por no haber logrado aquello que se les ha vendido y ver pasar tu vida en medio de un trabajo rutinario, sea en el hogar o en una gran empresa, en la que no eres mas que un número. Un estilo de vida que no llena las aspiraciones de quienes creyeron que el paraíso estaba aquí en la tierra y a cambio se encuentran con un modo de vida presidido por la hipocresía en el que el único que canta las verdades en voz alta es aquel que tienen por loco que resulta ser el único cuerdo. 

El sueño americano es tener una casa, un marido (o una esposa) y criar a tu parejita de herederos, pero quien se había forjado otro tipo de ambiciones, se hallará despojado. 

Sam Mendes hace un retrato de los males de las sociedades llamadas avanzadas, desde luego, estas frustraciones, no son tales para quien cada día sale de casa a buscarse la vida y no sabe si va comer o no y no digamos para quien está en medio de un conflicto mayor y su única aspiración es salvar el pellejo suyo y el de su familia. 

Magnífica interpretación de Kate Winslet en su papel de mujer frustrada al ver rotos todos sus sueños.