LA FUGITIVA

 

Frank Johnson (Ross Elliott) es testigo de un asesinato mientras pasea una noche a su perro. El inspector Ferris (Robert Keith) le pide que declare ante el gran jurado, pero Frank decide huir para evitar posibles represalias. Su mujer, Eleanor (Ann Sheridan), piensa que en realidad huye de un matrimonio fracasado y obtiene la ayuda de un periodista, Danny Leggett (Dennis O'Keefe), para localizar a su marido. Pero ellos no son los únicos que le están buscando.

El guión adapta un relato de Sylvia Tate. La protagonista de la película es la esposa del hombre que ha huído (una espléndida Ann Sheridan en uno de los últimos papeles de su carrera), ella busca a su marido, pero también busca recuperar una relación que creía perdida y que se va dando cuenta, a medida que transcurren los acontecimientos que, en buena parte, es achacable a ella que no ha sabido o no ha querido entender a su esposo, un hombre que la ama y del que va descubriendo, conforme se entrevista con gente que lo trata, que es una persona de la que apenas sabe nada.

Una de esas películas que de Serie B solo tiene el apelativo y el presupuesto, pues Norman Foster nos ofrece una lección de buen cine con economía de medios y muchas escenas exteriores que nos muestran una parte de la ciudad de San Francisco. Sin rodeos y yendo al grano del asunto, nos encontramos metidos en una intriga que, hacia la mitad del film, gracias a una memorable escena en la que volvemos a ver el encendedor que hemos visto al principio (una imagen que utilizaría el maestro Hitchcock un año más tarde en Extraños en un tren), descubrimos quién es el asesino y el suspense se adueña del relato. Quizá lo peor sea el atropellado final que me ha resultado fallido por la manera de narrarlo y que llega inmediatamente después de unas escenas de gran calidad que transcurren en un lugar tan recurrente como es una especie de parque de atracciones y en la playa de la ciudad en plena noche, escenas nada fáciles de montar y que requieren también saber manejarse con soltura a la hora de iluminarlas, resueltas con maestría y con algunos ángulos de cámara muy llamativos. De cualquier modo estamos ante un film de esos que sigues con interés y, como quiera que apenas dura 77 minutos y el argumento no es nada complicado, resulta de lo más agradable para ver.

MALA HIERBA

 

Wael (Kheiron), que pasó por una infancia muy difícil, es un estafador de poca monta que opera con Monique (Catherine Deneuve), su madre adoptiva. Cuando este dúo poco convencional estafa al tipo equivocado, Victor (André Dussollier), un viejo conocido de Monique que ahora está a cargo de una organización de apoyo para adolescentes con problemas, no tienen más remedio que convertirse en su secretaria y educador interino para evitar que les denuncie a la policía. Al enfrentarse a seis jóvenes obstinados decididos a echar por tierra todos sus esfuerzos, la propia historia personal de Wael y sus ingeniosos trucos se convierten en la clave para ganarse su confianza, y pronto se da cuenta de que él también tiene la oportunidad de redimirse de su pasado y encontrar su lugar en la sociedad.

Wael ha tenido una infancia terrible, sobrevivió de milagro a una matanza en un lugar de Oriente Medio en la que tropas judeocristianas, acabaron con la vida de la población árabe del lugar y ha sobrevivido malamente acudiendo a la picaresca hasta que es recogido en un orfanato de monjas católicas, en el que Monique, una de ellas, le toma bajo su especial tutela hasta el punto de que acabará abandonando la institución y su estado religioso para fundar un hogar con su hijo adoptivo. 

El catálogo de problemas que traen consigo los jóvenes que ponen a cargo de Wael, los ha vivido él corregidos y aumentados. Encontramos a una niña de alto coeficiente intelectual que se comporta mal en las clases; a un gitano que tiene problemas con la escritura y el lenguaje hablado; a un joven de color que vive en un pequeño piso hacinado con su madre enferma y sus hermanos pequeños y atrapado por un policía corrupto que le obliga a trapichear con droga... Problemas con los que Wael va lidiando a su manera para lograr captar la atención de los jóvenes díscolos y ofrecerles una perspectiva de futuro a base de optimismo.

Cine social, de factura sencilla, uno de cuyos principales problemas es que trata muchos asuntos. Entre los jóvenes, el que no ha sido víctima de abusos, vive en un entorno de pandillas y cada uno se encuentra en callejones sin salida. Pero, como he dicho, el protagonista ha vivido esas cosas y algunas mucho peores, así que tiene mucha escuela de vida. 

En algunos tramos, las situaciones resultan un tanto irreales y forzadas y aunque predomina el tono de comedia, hay algunas secuencias muy duras, al fin y al cabo como es la problemática vida de estos muchachos. Cuenta con el atractivo de ver a Catherine Deneuve en este papel de abuelita pícara que se las arregla para buscar una salida digna a la vida de su protegido.

UNA NUEVA AMIGA

 

Claire (Anaïs Demoustier) y Laura (Isild Le Besco), amigas desde la escuela primaria y, en su vida adulta, felizmente casadas con Gilles (Raphaël Personnaz) y David (Romain Duris) respectivamente, están más unidas que nunca. Pero, tras enfermar de gravedad, Laura muere y el mundo de Claire se vuelve repentinamente muy vacío. Siendo la madrina de la hija de Laura, Claire, que prometió a su amiga interesarse por el bienestar del bebé y de su esposo, visita a David y a la niña, solo para descubrir que éste tiene un secreto sorprendente.

El guión adapta libremente un relato corto de la escritora británica Ruth Rendell, incluído en su libro The New Girlfriend and Other Stories, publicado en 1985.

François Ozon se adentra en el mundo crossdresser, hombres que gustan de vestir de mujer, maquillarse e imitar los gestos femeninos, pero a los que les siguen atrayendo sexualmente las mujeres. No son exactamente travestis, ni transgéneros, ni gays, sino personas en las que ese lado femenino que, según los expertos, todos tenemos, tiene mayor peso y se ven impulsadas a sacarlo a la luz, pero, como digo, sin inclinaciones homosexuales. Algunos de ellos dicen que admiran y aman tanto a las mujeres que por eso quieren imitarlas en lo externo.

De cualquier modo,  no es sino una disculpa para que el cineasta galo vaya a lo que realmente le interesa: provocar, remover conciencias y molestar, en el mejor sentido del término, a esa sociedad burguesa que bajo sus aparentes costumbres de libertad y tolerancia, guarda una serie de prejuicios y comportamientos hipócritas que, a nada que se escarbe, salen a la luz.

Hay una parte de la película de la que quizá Ozon no ha sabido o no ha querido sacar más partido y es que, más que la historia del hombre que se transforma en mujer, muchas veces es la historia de la chica, de Claire, que tras el rechazo inicial, cuando tacha de pervertido y enfermo a David, aconsejándole que pida ayuda profesional para "curarse", se ve impulsada por el morbo de lo diferente, algo que queda muy patente en las escenas del club nocturno y, al final, es ella la que incita al hombre a que la de ese algo que tiene un componente diferente, quizá tratando de encontrar alicientes para huír de la monotonía de la vida en pareja al uso. 

Hay personas para las que estas películas son una mera boutade o no las entienden, tal vez porque resulten incómodas de ver, porque sacan fantasmas ocultos que muchos llevamos dentro y que nuestra sociedad, en el fondo bienpensante, rechaza. Nos creemos muy modernos y que nuestro mundo es abierto y tolerante y eso no está tan claro, de forma que, cuando se exploran estas nuevas tendencias de género (que no son nuevas, solo que ahora se habla de ello), de las nuevas relaciones interpersonales o las formas de familia que algunos adoptan fuera de las hasta ahora tradicionales, a algunos les resultan molestas, incluso desagradables. 

El gran peso de la narración lo lleva la pareja protagonista, el resto de personajes son meros acompañantes y se profundiza poco o nada en las situaciones que les toca vivir que no dejan de ser embarazosas. Buenas actuaciones de ambos, con un Romain Duris que saca adelante un papel complicado como lo son siempre estos de personajes que tienen que representar al género a que no pertenecen biológicamente, aunque a mí me ha gustado más Anaïs Demoustier, pero esto es una apreciación personal. 

Me ha dado la impresión asimismo de que el guión se ve desbordado por la propia historia y por las buenas intenciones y no está a la altura del relato y, junto a escenas de innegable brillantez, hay unas cuantas que bordean el ridículo, a pesar de lo cual, sobre todo por la propuesta y por lo que tiene de agitadora de conciencias, me ha parecido una película interesante.

CRIMEN AL ATARDECER (SAPPHIRE)

 

Un solitario día de invierno, unos niños encuentran un cadáver en Hampstead Heath y su madre avisa de inmediato a la policía. Se trata de una joven y bella muchacha que ha sido apuñalada varias veces y cuyo cadáver ha sido trasladado posteriormente hasta allí. La única pista es un pañuelo teñido de sangre con la inicial "S". Su vestido, calcetines altos y zapatos planos corresponden al típico atuendo estudiantil. La investigación se pone en manos del superintendente Hazard (Nigel Patrick) y del detective inspector Learoyd (Michael Craig).

Tras dominar la mezcla de comedia, suspense y terror que ayudó a definir la edad de oro del cine británico, Basil Dearden (junto con su socio productor Michael Relph) dejó los legendarios Ealing Studios y, a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, creó una serie. de películas apasionantes, innovadoras e incluso controvertidas, en las que el racismo, la homofobia y los efectos persistentes de la Segunda Guerra Mundial estaban presentes. Estos dramas teñidos de noir se ambientaron en rincones de Londres que rara vez se ven en la pantalla.

Así ocurre en este film, ya que en la década de 1950, la hostilidad racial hacia los inmigrantes de la Commonwealth en ciudades como Londres, se expresaba abiertamente. Cuando los detectives comienzan a investigar, descubren que la víctima, supuestamente blanca, es en realidad una joven mestiza y que, además, estaba embarazada. Los prejuicios de la gente y los de los propios oficiales quedan al descubierto.

La historia policiaca corre en paralelo con el retrato del racismo imperante en un segmento nada desdeñable de la sociedad, un asunto que Dearden trata de manera explícita y sin ambages de ningún tipo, pero huyendo del maniqueísmo y de las lecciones de moralidad en que tan fácil es caer cuando se abordan estos temas, incluso no tiene inconveniente en dejar caer que el racismo no es patrimonio exclusivo de los blancos, sino que se da en otras razas y culturas.

La película, como tal, tiene muchos momentos de gran brillantez: La persecución nocturna por los callejones de uno de los sospechosos, magníficamente iluminada, con un toque expresionista de gran fuerza; los diálogos con inteligentes reflexiones alrededor de los prejuicios raciales y la hipocresía que generan; la conseguida ambientación de los tugurios y de los domicilios de clase media baja en que transcurre la narración...

La historia criminal se sigue con interés, pero además, como queda señalado, el film se convierte al mismo tiempo, en una mirada devastadora a la forma en que el fanatismo trasciende las divisiones sociales y en una instantánea de la cultura cada vez más interracial de la Inglaterra de finales de los años cincuenta.

AMIGOS Y AMANTES

 

El eco de un tiro en los despachos de Whitehall, el complejo administrativo que el gobierno británico posee en el centro de Londres, no anuncia tan solo la extraña muerte de Radeechy, un alto funcionario, sino también el inicio de una sutil intriga. Kate y Octavian, jefe del departamento donde trabajaba el difunto forman un matrimonio aparentemente feliz que alberga en su casa de Dorset a un extravagante grupo de personajes: un excéntrico tío que abandonó la India bajo sospecha; un atormentado amigo superviviente de Dachau; dos amigas de Kate, una viuda y la otra divorciada; hijos de distintos matrimonios; conocidos y Ducane, amigo y visitante ocasional, subordinado en el trabajo de Octavian, nombrado responsable de la investigación interna y amante platónico de Kate. Muchos de ellos, como iremos descubriendo, están relacionados, directa o indirectamente, con el muerto en una deliciosa comedia de errores, donde las sonrisas esconden a menudo pecados de cierta hondura. Sirviéndose de los clásicos elementos del thriller, Iris Murdoch explora con maestría los temas que desde siempre le han preocupado: el amor, la amistad, la perversa frontera que separa el bien del mal o la importancia de la sinceridad frente a posibles infidelidades. 

No me extraña en absoluto que en el prólogo del libro, Álvaro Pombo saque a colación a Patricia Highsmith, pues a pesar de ser dos escritoras muy distintas, tienen en común eso que en inglés llaman It makes compulsive reading para resumir el tirón popular de un autor o autora, que impide dejar la lectura de cualquiera de las novelas de estas escritoras una vez empezadas, al tiempo que nos impulsa a adquirir todas las obras que fueron publicando a lo largo de los años.

Iris Murdoch es una de las narradoras anglosajonas contemporáneas menos conocidas entre nosotros, pero leerla es un auténtico placer, entrando en contacto con un mundo intelectual de preocupaciones teóricas y prácticas, narrativas y éticas, que resulta extraordinariamente seductor.

PARADISE HIGHWAY

 

Una camionera se ha visto obligada a pasar de contrabando varios cargamentos para salvar a su hermano, que está en prisión, de una banda que le amenaza de muerte. Con agentes del FBI tras su pista, la conciencia de Sally (Juliette Binoche) entra en conflicto cuando descubre que el paquete del último envío resulta ser una adolescente.

El film constituye el debut en pantalla grande como realizadora de la directora, actriz y escritora noruega Anna Gutto, autora también del guión y nos cuenta una historia ambientada en el sórdido mundo de la trata de blancas. Una narración que, aunque no elude apuntar la dureza de las situaciones, no las muestra directamente, sino que, más bien, las da a entender, por lo que quizá la barbarie que para quienes la sufren suponen estas situaciones, queda bastante suavizada. 

También está presente, sin profundizar demasiado en ello, una crítica a las actuaciones policiales y al sistema penitenciario norteamericano. En cuanto a este, se pone en duda su capacidad para rehabilitar socialmente a los reclusos y, en cuanto a la policía, en algunas de las escenas se hacen referencias al relativo interés para profundizar en los casos de proxenetismo, con el argumento de que si destruyes una red, otra vendrá a sustituirla y al desamparo en que se ven, en ocasiones, las víctimas.

El film está cargado de buenas intenciones y el asunto que se trae entre manos resulta de lo más actual y socialmente llamativo, pero creo que falla algo a la hora de transmitir los valores y la problemática que aborda, centrándose más en las personas que tratan de ayudar a las niñas víctimas de los proxenetas que al propio tráfico en sí. A destacar la interpretación de Juliette Binoche, quizá lo mejor de la película y la magnífica fotografía del también noruego John Christian Rosenlund. La película contiene algunos planos de gran belleza y técnicamente arriesgados: imágenes aéreas, preciosas postales y algunas de las secuencias de carretera.

ROGUE AGENT

 

La extraordinaria historia del estafador profesional Robert Freegard (James Norton), que se hizo pasar por un agente del MI5.

Si no fuera porque sabemos que la peripecia de este hombre es real, que en el film ha sido dramatizado, pero que a grandes rasgos se corresponde con los hechos acontecidos, como puede comprobar cualquiera tecleando su nombre en el buscador de su ordenador, nos resultaría un tanto increíble una narración en la que este tipo, inteligente, de trato más o menos agradable, pero con un perfil que tiene algo de psicopático y, desde luego, absolutamente amoral e incapaz de sentir piedad por sus víctimas y allegados, pudo estar años campando a sus anchas, machacando vidas ajenas hasta hundirlas totalmente y estafando cantidades que, a veces provocaron prácticamente la ruina de los estafados, sin que la policía pudiera tomar cartas en el asunto, al menos en la medida en que debería, para acabar con este desalmado, porque bien se cuidaba él de que toda la red que iba tejiendo, tuviera una apariencia de cierta normalidad que hiciera que todo quedara en sospechas, a veces demasiado vagas para que la ley pudiera actuar. No sólo eso, sino que, tras ser detenido, juzgado y condenado a cadena perpetua, después de apelar, logró ver reducida su condena y salió de la cárcel para volver a las andadas, esta vez en Francia y hasta fechas bien recientes (2 de septiembre de este mismo año), no ser arrestado de nuevo en Bélgica en cumplimento de una orden de detención europea.

Es cierto que, como apuntan muchas críticas, al film le falta algo para haber resultado más pulido, sin embargo tampoco es para machacarlo como han hecho algunos, pienso yo, claro. A mí me parece que tiene unas cuantas cosas bien hechas, en primer lugar, la historia se sigue perfectamente, igual que el modus operandi del protagonista, cuyo principal activo para el "éxito" de sus objetivos, es saber elegir la pieza, como un hábil cazador pues, en el fondo, eso es y, como si tuviera un sexto sentido o un don natural, sabe dar con los resortes que ha de manipular para hacerse con la voluntad del sujeto, pero, como digo, antes ha sabido elegirlo. Claro que, en la película no se ven los fracasos, si los hubo, que supongo que algún tiro le saldría por la culata para continuar con el símil. Además de esto, por algo será que, a pesar de las casi dos horas de duración, no se hace pesada y, sobre todo ello, dos cosas que la hacen la mar atractiva por encima de la calidad mayor o menor, que ya digo que no es tampoco ninguna maravilla: En primer lugar las interpretaciones de James Norton y, especialmente, la de Gemma Arterton que consiguen hacernos empatizar con el personaje femenino y que odiemos al masculino y, en segundo lugar, la historia resultar tan atractiva que nos atrapa y, casi sin darnos cuenta nos vemos sumergidos en ella con todos los giros que va presentado que la dotan de dinamismo y la hacen muy entretenida.

JU DOU: SEMILLA DE CRISANTEMO

 

En la China rural de los años veinte del pasado siglo, un hombre mayor, propietario de una tintorería, compra a Ju Dou (Gong Li), una joven campesina, con la esperanza de que le dé un descendiente varón. Se niega a aceptar que es impotente y paga sus frustraciones con ella, golpeándola constantemente. Un sobrino del hombre, que vive en la misma hacienda que la pareja, es testigo mudo de la situación hasta que intenta consolar a Ju Dou y entre ambos surge un amor prohibido y apasionado, cuyo fruto es un niño. Hasta que, para mortificarlo le confiesa la verdad, el anciano cree que el niño es suyo y la madre se ver obligada a criarlo como si fuera hijo de su esposo, la mujer deberá afrontar su difícil situación y los rumores de la comunidad.

El guión de Liu Heng, adapta su propia novela 伏羲伏羲 (Fuxi, Fuxi).

Tradiciones ancestrales, sometimiento absoluto de la mujer y un amor prohibido y, por ello, imposible, vivido siempre en la clandestinidad. A grandes rasgos, ese es el argumento de la película.

Zhang Yimou utiliza con absoluta maestría todos los recursos que ofrece el medio, de todos ellos saca partido y todos tienen importancia trascendente en la narración, porque el film encierra simbolismo en cada situación. Los colores, los sonidos, incluso el movimiento de las telas o los personajes, cobran vida y no necesitan demasiado entrenamiento como espectador para descubrir ese simbolismo que encierran. En otros casos, da lugar a variadas interpretaciones según el entendimiento de cada cual, como quienes ven en el niño y su perturbadora presencia, una representación de los guardias rojos de los tiempos de Mao, una criatura que crece entre referencias equivocadas o engañosas, ya que se le hace creer que su padre es uno, cuando realmente es otro y acaba castigando a los dos. Un film plagado de detalles, con predominio de colores oscuros y fríos (otra metáfora) que contrastan con la explosión colorística de las telas una vez tintadas y el efecto llamativo de su despliegue cuando las van a secar. Historia dura, cruel incluso, en la que no faltan, como ocurre en otras películas de Yimou, referencias étnicas explicadas con todo lujo de detalles.

NI UNO MENOS

 

En un remoto pueblo de montaña, el maestro debe irse por un mes para visitar a su madre moribunda y el alcalde solo puede encontrar a una niña de 13 años, Wei Minzhi, para sustituirle. El maestro deja una tiza para cada día y le promete 10 yuanes adicionales si no hay un estudiante menos cuando regrese. En cuestión de días, la pobreza obliga al alborotador de clase, Zhang Huike, a irse a la ciudad en busca de trabajo. Minzhi, abnegada y obstinada a un tiempo, decide traerlo de regreso. Reúne a los 26 alumnos restantes para recaudar dinero para su viaje y parte para la ciudad de Jiangjiakou, comenzando su búsqueda. El niño, mientras tanto, está perdido y pidiendo comida. La terquedad de Minzhi puede ser la salvación de Huike y de la escuela del pueblo.

Se tacha a este film de exceso de moralina y de cierta complacencia con el régimen chino. En la primero, quizá hay su carga moralizante sobre todo al final, pero en lo segundo, ya no estoy tan de acuerdo. Al final de la película se habla de escolarización obligatoria hasta los 9 años, cuando en los países occidentales, por entonces (la película es de 1.999), estaba regulada hasta los 12, los 14, incluso hasta los 16 años. Además, el ambiente que recrea, no me parece en absoluto complaciente. La llegada de la niña a la aldea, me recuerda la entrada en lo que podría ser cualquier pueblo pequeño de Castilla en los años 50 o 60; no hablemos de la escuela, destartalada hasta decir basta, que parece que si soplas con fuerza vas a derribar sus muros o de los medios con que cuentan, exactamente ninguno y el maestro quejándose de que hace tres meses que no recibe su salario. La madre del pequeño Huike, una viuda relativamente joven, está enferma y llena de deudas y el alcalde habla de que si no las salda pronto se enfrenta al desahucio, esto en un país comunista que se supone ampara a los desvalidos. No veo yo mucha complacencia. 

Además, aunque lo fuera (complaciente, quiero decir) ¿quiénes somos nosotros para juzgar los comportamientos de una persona que vive en un país sometido a una férrea dictadura? ¿Qué Zhang Yimou, en algunos de sus films se muestra poco crítico con régimen chino? Pues sí, es muy probable, igual que denuncia ciertas cosas, otras veces parece que no es tan combativo, pero ¿qué queremos, que se autoinmole? Desde fuera se ve todo muy bien.

Lo que sí es la película es muy didáctica, si se quiere, quizá aprovechando que la cosa se ambienta en el mundo de la enseñanza. Interpretada de forma muy creíble por actores no profesionales, es un canto al esfuerzo y la constancia, a la lucha contra los elementos y todo un reconocimiento a quienes dan su vida por dejar un ápice de conocimiento en las inocentes mentes infantiles de quienes tienen la mala fortuna de crecer en un entorno pobre y nada propicio para el desarrollo de sus capacidades intelectuales. Una escuela en la que cada pedazo de tiza es un tesoro, así que las cajas con tizas de colores que reciben al final, son toda una parábola de la esperanza en un futuro menos cruel. Y la solidaridad, la de la gente anónima que conmovida por la historia de esta niña que han visto en televisión, hace aportaciones para enviar material a la escuela, pero también la que otorga la pobreza, ese ir todos a una para ayudar a quien lo necesita, a pesar de que esa persona sea el que nos ha estado incordiando hasta hace unos instantes, pero al que nos unen los vínculos de la santa hermandad de los desheredados.

Yimou no le vuelve la cara a la crítica social, al desamparo de estos pequeños que tienen dificultades para recibir el saber y hace un magnífico retrato de la confrontación entre lo rural y lo urbano aprovechando la visita a la urbe de la joven Wei en busca de su alumno. 

Una película muy emotiva, en la que asistimos al cambio que va sufriendo la protagonista a la que, al principio mueve el interés económico, totalmente lícito, por otra parte, pero a la que, al final no impulsa si no la preocupación que siente por la situación de su alumno perdido en aquel inhóspito entorno urbano absolutamente deshumanizado, hostil y peligroso.

BLACK MASS: ESTRICTAMENTE CRIMINAL

 

El agente del FBI John Connolly (Joel Edgerton) convence a Whitey Bulger (Johnny Depp), un mafioso irlandés que estuvo en presidio años atrás, para que colabore con el FBI con el fin de eliminar a un enemigo común: la mafia italiana. Esta nefasta alianza provoca una espiral de violencia que permite a Whitey eludir el control de la ley, consolidar su poder y convertirse en uno de los más implacables y poderosos gangsters de la historia de Boston.

El film adapta la novela "Black Mass" de Dick Lehr y Gerard O’Neill, por la que obtuvieron el Premio Pulitzer y está ambientado en Boston en los años 70 y 80. Basado en la historia real del James "Whitey" Bulger, un capo de la mafia irlandesa, que tenía un pacto secreto con su hermano William "Billy" Bulger (Benedict Cumberbatch), un senador estatal y figura pública de Boston, y John Connolly, un viejo amigo de la infancia y ahora un importante cargo del FBI en Boston. Pretendían acabar con la mafia italiana de Boston, pero las cosas salieron mal y la violencia hizo acto de presencia tras desaparecer la mutua confianza, lo que provocó un aumento del tráfico de drogas, la extorsión y los asesinatos. Esto obligó a la fiscalía a intervenir y a investigar a la propia agencia de Boston.

Película que cumple, sin más y es que estos films de mafiosos cuyas historias se entrelazan con policías y políticos corruptos, dan para mucho y, a veces, con el simple hecho de contar la historia, a poco que se haga de forma aseada, atraen la atención del espectador. A uno le queda la sensación de que estas historias ya las hemos visto unas cuantas veces y que tampoco es que aporte nada nuevo al género, vamos, una de tantas de mafiosos, en esta ocasión con un personaje central absolutamente amoral que se va cargando a todo el respira a su alrededor, porque, eso sí, muertos hay unos cuantos.

MONSTER

 

Aileen Wuornos (Charlize Theron) es una prostituta que conoce un día en un bar a Selby Wall (Christina Ricci), una joven lesbiana que ha sido enviada por sus padres a vivir con su tía para "curar su homosexualidad". Wuornos, víctima de una trágica infancia llena de abusos, rápidamente se enamora de Selby, encontrando en ella una razón para vivir. Incapaz de encontrar un trabajo digno, Wuornos sigue ejerciendo la prostitución. Cuando uno de sus clientes la maltrata, ella lo mata en defensa propia, comenzando así una trágica cadena de asesinatos.

Basado en la vida de Aileen Wuornos, una prostituta de Daytona Beach que se convirtió en asesina en serie, en efecto, la película es la historia de una asesina, pero también una historia de amor entre dos inadaptadas.

Espléndida interpretación de Charlize Theron, que se llevó el único Oscar a que estaba nominada la película, es un film descarnado y duro que nos acerca la triste historia de un personaje maltratado por la vida desde su infancia, que no halla salida para sus desventuras y al final acaba en una espiral de odio y violencia que la llevará a lo más profundo del abismo. 

Como digo, la interpretación de Theron, para la que cambió casi por completo su físico, es de gran nivel, al borde de la sobreactuación, logra definir todas las características que el personaje requiere, hasta su forma de caminar entre desgarbada y desafiante. Ella es posiblemente lo mejor de la película.

MI PRIMO

 

Pierre (Vincent Lindon) es el consejero delegado de un gran grupo familiar en la industria del vino. Cuando está a punto de firmar el trato del siglo, debe resolver una última formalidad: lograr la firma de su primo Adrien (François Damiens) quien posee el 50% de la empresa. Éste es un soñador idealista algo gafe que, sin embargo, está muy feliz de reencontrarse con Pierre y solo quiere pasar tiempo con él y retrasar la firma. Pierre no tendrá otra elección que embarcarse con su primo en un turbulento viaje de negocios donde su paciencia será seriamente puesta a prueba.

La narración se apoya en las buenas interpretaciones de dos pesos pesados de la actual escena francesa, Vincent Lindon y el belga François Damiens, ya que el resto de personajes está al servicio de las actuaciones de los dos protagonistas, con más peso, si se quiere, de Alix Poisson, con un papel de algo mayor relevancia que los del resto de secundarios. 

La película tiene un buen nivel técnico, con el reconocido Guillaume Schiffman al frente de la fotografía que, si bien saca partido de las escenas de exteriores, quizá resulta más llamativa aún en las escena de interiores, con edificios modernos y de arquitectura luminosa.

Aunque presentada como comedia y con algunos tramos en los que te hace al menos sonreír sin tener que recurrir en ningún momento ni al sexo, ni a una sola palabra malsonante, es una película más reflexiva de lo que aparenta, con una crítica explícita a muchas de las situaciones que abundan en las sociedades modernas, en las que hay lugar para el mundo empresarial, pero también para las relaciones familiares y las dificultades que puede plantear la vida diaria en ambos ambientes. Es cierto que la resolución del film y su moraleja se antojan bastante previsibles, pero no deja por ello de resultar una película entrañable y con algunos buenos momentos.

COPIA CERTIFICADA

 

James Miller (William Shimell) acaba de escribir un libro sobre el valor de una copia frente a la obra de arte original. En una presentación del libro, una galerista francesa le da su dirección y al día siguiente se encuentran y dan un paseo por el campo. A partir de una conversación con la dueña del bar donde toman un café, que confunde al escritor con el marido de la protagonista, ésta decide jugar a que, en efecto, este hombre al que acaba de conocer, lleva quince años casado con ella y tienen un hijo común. Él se presta a la charada y las conversaciones casuales se tornan en discusiones, como correspondería a un matrimonio de larga duración. Incómodo, pero sin valor para renunciar a ello, el escritor va buscando argumentos para fingirse reprochado y para pedir disculpas por omisiones de las que no ha sido autor.

La película transcurre en Arezzo, un pueblecito de la Toscana en el que los protagonistas pasean, mientras Elle (Juliette Binoche) lleva al hombre de turismo.

El error de la camarera hace que la relación de los dos protagonistas se transforme en la de una pareja tradicional y da pie a que el reconocido realizador iraní Abbas Kiarostami, autor también del guión, reflexiones sobre las relaciones matrimoniales tras unos cuantos años de convivencia.

Lo hace de una manera particular que responde a su manera de concebir el cine, buscando una propuesta que resulte diferente y centrando la narración en un ininterrumpido diálogo entre la pareja, muchas veces con frases insustanciales o poco relevantes. 

Magnífico trabajo de Juliette Binoche, que le valió el reconocimiento del Festival de Cannes, dependiendo de las expectativas y los gustos del espectador, puede hacerse algo tediosa o, por contra, para quien sepa verlo y lo valore, casi un ejercicio de estilo, con ganas de innovar sobre un argumento que nos muestra la evolución de la pareja en el tiempo, la imposibilidad de mantener la pasión de manera constante y lo complicado que es evitar la monotonía, las dificultades que plantean los hijos y la búsqueda de alicientes para seguir manteniendo la llama del amor.

MAMÁ MARÍA

 

Patience Portefeux (Isabelle Huppert) es una traductora de árabe especializada en escuchas telefónicas para la brigada de estupefacientes de París. Es un empleo mal pagado y con exceso de trabajo. Un día, se da cuenta de que conoce a la madre de uno de los narcotraficantes y, para encubrir al joven, acaba involucrada en una gran operación de drogas, lo que le deja con una tonelada y media de cannabis en su poder. Mientras mantiene su trabajo en la brigada anti-droga, Patience cruza al otro lado y se convierte en traficante, utilizando su conocimiento interno y los recursos policiales para construir su propia red criminal.

El guión adapta la novela "La madrina", de la autora francesa Hannelore Cayre.

La película nos presenta unos escenarios parisinos alejados de los que habitualmente vemos en el cine, con una variedad de personajes y situaciones que, seguramente, habrían dado más empaque e interés a la película, de haber profundizado en ellos, cosa que apenas hace, hasta el punto de que algunos de ellos, apenas aportan nada al film: Las hijas de la protagonista; la multiculturalidad del ambiente en que vive Patience, en un edificio habitado enteramente por chinos (salvo ella, claro); el mundo marginal del trapicheo con drogas; la madre ingresada en una residencia y atendida por una trabajadora magrebí que sirve de nexo entre la vida privada de Patience y su incursión en el negocio del narcotráfico; la policía y sus métodos...

Ya digo que, todo esto, apenas queda señalado en la narración sin que se le de mayor protagonismo.

A pesar del endeble guión, el film resulta entretenido, incluso en algún momento tiene algún giro que resulta divertido y es gracioso en ciertos tramos, pero da la sensación de que es una ocasión perdida para haber hecho una comedia más divertida y haber sacado más partido, incluso en el plano crítico, de las situaciones que apenas plantea. 

No obstante, si algo hay verdaderamente destacable es la interpretación de Isabelle Huppert, omnipresente a lo largo de toda la película, interpretando a esta mujer cuyo rasgo más llamativo, aparte de la fortaleza que demuestra para desenvolverse en un ambiente casi exclusivamente masculino, es la inteligencia con que lleva a cabo sus planes y sortea las dificultades que se le plantean, si bien es cierto que, en ocasiones, algunas de ellas están solucionadas de manera un tanto interesada en el guión.