LA MARSELLESA

 

Relato de los acontecimientos que sucedieron al asalto de La Bastilla desde diferentes puntos de vista: El ciudadano común de Marsella, los integrantes del ejército revolucionario, los aristócratas desde su exilio alemán o el propio rey Luis XVI.

Rodada al final del gobierno izquierdista del Frente Popular, con Europa al borde de una nueva guerra, es una película con marcado acento político, financiada con fondos públicos y suscripción popular y con el apoyo económico de la poderosa central sindical C.G.T. 

Con un cierto aire de noticiero, Renoir, explicaba que había “tratado de contar uno de los grandes momentos de la historia de Francia, de la misma manera que hubiese contado una aventura que hubiera ocurrido en casa de mis vecinos. Tratando ese gran momento en un espíritu de intimidad y gran entusiasmo”.

Con algunas escenas en las que Jean Renoir dirige movimientos de masas y una primera mitad en la que está presente un cierto tono humorístico, el film deviene en un retrato bastante amable de la Revolución Francesa, centrada sobre todo en las clases humildes, en los protagonistas anónimos de los sucesos y en la que los grandes nombres aparecen únicamente mencionados por los personajes que vemos en el film, salvo en el caso de la familia real. 

Sin renunciar a pasajes en que los enfrentamientos, incluso la muerte, están presentes, se soslayan los episodios de terror y la guillotina, ni aparece en el film. 

La película pretende ser, sobre todo, un retrato de la decadencia y los abusos de la nobleza y la realeza y de la lucha de las clases inferiores por alcanzar la libertad, tratando de construír una sociedad más justa.

EL CABO ATRAPADO

 

El 22 de junio de 1940, Francia y Alemania firmaron el cese de hostilidades, a pesar de ello y con la excusa de que la guerra contra Gran Bretaña continuaba, miles de soldados franceses fueron hechos prisioneros y conducidos a campos situados en Alemania. Un cabo que se halla en tales circunstancias, se niega a aceptar su nueva condición y no dudará en intentar escapar una y otra vez a pesar de sus continuos fracasos y los castigos a que se ve sometido.

El guion adapta la novela Le Caporal Épinglé, del francés Jacques Perret, publicada en 1947, en la que narra la historia de su cautiverio en Alemania y sus intentos de fuga.

La película presenta personajes y situaciones bastante realistas, apenas comportamientos heroicos. Los prisioneros franceses se muestran resignados, procurando obtener buenos destinos que les permitan ir pasando los días sin demasiadas privaciones y obteniendo pequeños privilegios a la espera de que aquello acabe y se produzca el momento de su liberación. Apenas tres de ellos (el cabo, un agricultor y un empleado de una compañía de gas), muestran cierta temeridad y decisión de rebelarse y escapar y aún el último de ellos, después de haber recibido una reprimenda del cabo que le reprocha su cobardía y mostrarse acomodaticio con la situación. 

Los alemanes, aunque es cierto que castigan a los que consideran indisciplinados, tampoco son representados con especial saña, incluso a algunos de ellos, los vemos como personas bastante normales, incluso comprensivas. Así que, en el fondo, Jean Renoir reviste al film de cierto espíritu de reconciliación, al menos de olvidar tiempos pasados y con un deseo de restañar viejas heridas, representado sobre todo en el hecho de que sea precisamente una joven alemana la que ayude en la huída a los prisioneros en su postrer intento por liberarse del cautiverio. También hay una crítica al sinsentido de la guerra y al hecho de que sean los poderosos quienes decidan y los de siempre los que sufran las consecuencias. 

Decía Renoir que pretendía hacer reír al espectador, pero quizá es el aspecto de comedia el menos conseguido del film y eso que hay alguna escena con cierta gracia (magnífico el diálogo entre el oficial alemán y el suboficial francés, cargado de fino humor), pero quizá no es un campo de prisionero el escenario más propicio para arrancar sonrisas al espectador.

EL HOMBRE QUE CAMBIÓ DE CARA

 

Richard Stark, uno de los muchos seudónimos de Donald Edwin Westlake, guionista y escritor estadounidense, nominado a un Oscar de Hollywood como autor del Mejor guion adaptado por la película de 1990 Los timadores, basada en una novela de Jim Thompson.

Dicen quienes han seguido la obra de este autor que cada uno de los seudónimos que utilizaba Westlake, responden a un estilo (personajes más duros o más amables, historias con más o menos humor, etc.). 

Este que nos ocupa es el segundo libro de la serie Parker, el primero fue "El cazador", en el que Parker resulta herido por su esposa y es perseguido por "La Organización" (se supone que la mafia), así que decide cambiar de cara, para lo que recurre a los servicios del doctor Adler, un antiguo militante de izquierdas al que su pasado político ha estigmatizado y se dedica a ejercer su labor de cirujano plástico con gente al margen de la ley.

La novela nos cuentas dos historias, la primera es un atraco a un furgón blindado que ya ha sido parcialmente planificado cuando uno de los atracadores acude a Parker para que se una al grupo y acaba tomando el liderazgo de la operación. Habrá unas cuantas complicaciones alrededor de los participantes en el asalto, sobre todo con la informante, una camarera de nombre Alma, convencida de que su amante Skimm va a ser su chivo expiatorio y que éste le ha encontrado algunos otros tontos para que hagan el trabajo pesado, momento en el que tiene la intención de quedarse con todo el botín y largarse. Claramente no sabe con qué clase de tipo se las va a jugar cuando aparece en escena Parker, que lidia con la traición de Alma con mucha facilidad. Ella pensó que era alguien que podía salirse con la suya en algo así, y ese es el último error que comete. 

Westlake hace un uso detallado y preciso de los lugares geográficos en que se desarrolla la acción (carreteras, parajes, pueblos y ciudades...). Seguramente para el lector ajeno a la zona (yo, por ejemplo), pueda resultar un tanto lioso, pero al leer la novela me he imaginado al lector norteamericano que conozca un poco el territorio disfrutando con detalles del tipo de que los de Nueva York no se llevan muy bien con los de Nueva Jersey o que si toman el dinero cerca de Perth Amboy, pueden llegar a Staten Island muy rápidamente, cruzando la frontera estatal. 

La segunda historia que nos cuenta se refiere al asesinato del doctor Adler. Aquí entra en juego un personaje que da mucho juego: Stubb, el chófer del cirujano, un tipo sonado, hasta el punto que su cerebro funciona con lentitud y dificultad. Antiguo militante del partido comunista norteamericano, el médico le dio trabajo al caer la organización y se muestra leal al extremo con su patrón, incluso después de su muerte. Calcula que el asesino es uno de los tres pacientes a los que Adler proporcionó nuevas caras en el último año, que ha querido deshacerse de la última persona que puede vincularlo con su antigua identidad. Stubbs está satisfecho con la coartada de Parker, pero hay un problema: si encuentra al asesino y él mismo muere, la cocinera del médico, May, denunciará a todos estos tipos, incluido Parker. Se impone ir a visitar a May para aclarar las cosas y que Stubb le diga que Parker no es el asesino, pero éste está dedicado por completo al atraco y decide encerrar a Stubb en una granja abandonada hasta que acabe el asunto del robo. Cuando Stubb consigue escapar de su encierro y continuar la búsqueda del asesino del doctor, las cosas se complicarán para Parker. El caso es que el protagonista logrará salir del atolladero, pero no del todo limpiamente, de manera que todo queda abierto para una nueva entrega y como la novela resulta dinámica e ingeniosa y el personaje muy atractivo, uno se imagina a los lectores de la época preguntando al librero: ¿Salió ya nueva aventura de Parker?

SANGRE EN INDOCHINA

 

Vietnam, 1954, al final de la época colonial francesa, cuando las guerrillas del Viet Minh estaban a punto de expulsar a los franceses. Una sección de infantería que ocupa un puesto de avanzadilla cercano a la frontera con Laos debe de retirarse de sus posiciones y atravesar más de un centenar de kilómetros de jungla ocupados por el enemigo. La sección está comandada por el teniente Torrens (Jacques Perrin) recién salido de la academia. Pero éste, con buen juicio, decide compartir sus decisiones de mando con el suboficial Willsdorff (Bruno Cremer), un alsaciano veterano de la Wehrmacht.

El grupo está compuesto por laosianos y dirigido por cuatro oficiales y suboficiales franceses. Debe llegar al puesto de Tao-Tsai, más al sur, para reunirse con la columna "Crève-cœur", que intenta abrirse camino hasta Dien Bien Phu. La sección, acosada por el hostigamiento continuo de los "viets", agotada por las marchas interminables, las duras privaciones y las fiebres extenuantes, sin embargo, continuará avanzando a través de la jungla inundada por las lluvias.

Coproducción franco-española, gracias a la participación del productor español Benito Perojo, aunque en ella únicamente aparece un intérprete español, el inolvidable Manolo Zarzo, en el papel del cabo de transmisiones Perrin.

Pierre Schoendoerffer adapta su propia novela y dirige este film de 1965. Schoendoerffer era un veterano de la Guerra de Indochina, donde estuvo como reportero del Service Cinématographique des Armées, siendo capturado por el Viet Minh tras la caída de Dien Bien Phu y enviado a un campo de reeducación, del que sería liberado cuatro meses después. 

Magnífica película bélica con una excepcional fotografía en blanco y negro de Raoul Coutard. Nada de los efectismo hollywoodenses, aquí se nos presentan las cosas muy cercanas a como realmente debieron suceder en parecidas circunstancias, al punto de que se aprecia cierto aire documental. Y es que ciertamente Schoendoerffer no solo vierte en la historia su experiencia sobre el terreno y el momento, sino que sabe hacerlo, mostrando la dureza de la situación, sin ser redundante, por medio de detalles que va dejando a lo largo de la narración: Las interferencias en las transmisiones, las ropas empapadas por la lluvia y el vadeo de cursos de agua, la comida en mal estado... Todo ello, así como la sencillez en los planteamientos y lo bien rodadas que están las escenas de combate con un enemigo prácticamente invisible, contribuyen a la sensación de realismo del film.

Una película poco conocida, de las que merece la pena ver y que nada tiene que envidiar a otras con mucho más nombre en el género.

LOS TIMADORES

 

Roy Dillon (John Cusack), un timador de poca monta, se encuentra dividido entre el peculiar cariño que siente por su madre Lilly (Anjelica Huston), una atractiva mujer que trabaja para un violento estafador, y su amante Myra (Annette Bening), que está dispuesta a todo con tal de alejar al joven de la influencia materna.

El guion adapta la novela The Grifters, del norteamericano Jim Thompson y fue producida por Martin Scorsese.

Aunque en su momento se vendió como una comedia de estafadores, en realidad poco tiene de comedia, siendo quizá el duelo entre las dos mujeres, con una espléndida Anjelica Huston, lo más interesante del film, junto al trágico, duro y cruel final. 

A pesar de que el film resulta entretenido, seguramente por el asunto que trata, siempre atractivo, no llega a la altura de las grandes películas del subgénero, como pueda ser El golpe, de la que, por cierto, remeda una escena referida a la pasada vida de Myra.

ATRAPADO POR SU PASADO

 

Carlito Brigante (Al Pacino), un antiguo traficante de heroína de origen portorriqueño, sale de la cárcel después de cinco años de reclusión, dispuesto a dejar el tráfico de drogas. Con la ayuda de su cocainómano abogado y mejor amigo, consigue hacerse co-propietario de un club nocturno e intenta reanudar la relación con su exnovia, pero no es fácil seguir el buen camino dentro del mundo del crimen, viejos socios y viejos instintos lo arrastran de nuevo a un mundo de violencia y desconfianza.

El guion adapta dos novelas del juez y escritor norteamericano Edwin Torres:  After Hours y Carlito's Way.

Brillante película en la que su realizador, Brian de Palma, hace gala de toda su pericia técnica y artística para acercarnos una historia cargada de melancolía y con unas interpretaciones de gran nivel.

El pasado de Carlito marca su futuro y, como en las tragedias griegas, su sino está marcado por más que se empeñe en tomar el camino de la redención, como él dice: "Es un sueño". 

Una historia atractiva, en la que el realizador norteamericano utiliza de maravilla el suspense que alcanza la sublimación en las maravillosas secuencias de la persecución final. Quizá el film no tenga el renombre de los grandes títulos del género, pero créanme si les digo que puede competir con cualquiera de ellos.

ALTA SOCIEDAD

 

Tracy Lord (Grace Kelly) está a punto de casarse en segundas nupcias con un hombre más amable que C. K. Dexter-Haven (Bing Crosby), su primer marido. No obstante, Dex se da cuenta de que sigue locamente enamorado de su ex-esposa e intenta volver a ganarse su corazón. Mike Connor (Frank Sinatra), un reportero sensacionalista, también se enamora de Tracy mientras cubre las nupcias para la revista Spy. Tracy debe elegir entre los tres hombres mientras descubre que "seguro" puede significar "mortalmente aburrido" cuando se trata de maridos y de la vida.

Remake de la película Historias de Filadelfia, que, a su vez, adapta una obra teatral del dramaturgo norteamericano Philip Barry.

Fue la última película de Grace Kelly, antes de su retirada definitiva de la escena para convertirse en Princesa de Mónaco.

Sin duda el principal atractivo de la película está en el reparto, con nombres muy conocidos de la escena norteamericana y la presencia de Louis Armstrong y su banda. Claro que la nómina de nombres señeros no acaba ahí, ya que la música (nominada al Oscar a la mejor banda sonora original) lleva la firma de Cole Porter y el diseño de vestuario es de Helen Rose, ocho veces nominada y dos ganadora de un Oscar por sus diseños y que recibió el encargo de Grace Kelly de realizar su vestido de novia para la boda con el Príncipe Rainiero de Mónaco, poco después de acabada la película.

Aparte de que siempre es agradable oír cantar a Crosby y Sinatra, seguramente muchos (y no sin razón), si han visto la película de George Cukor, tendrán la sensación de que este era uno de esos remakes innecesarios, pues como musical, tampoco es que sea nada del otro mundo a pesar de la música de Cole Porter y de la presencia de la siempre atractiva para la cámara Grace Kelly, que tampoco tiene una interpretación destacada. 

RED SINIESTRA

 

El detective Mike Hammer recoge en la carretera, de noche, a una muchacha que huye de un peligro mortal; al poco son interceptados por unos hombres que persiguen a la chica y, tras torturarla y matarla, arrojan a ambos por un precipicio. Hammer logra sobrevivir y se dedicará a investigar este misterioso asunto, dejando por el camino un buen número de cadáveres. 

Publicada en 1952, fue la sexta de las novelas protagonizadas por Mike Hammer, el popular detective creado por Mickey Spillane. Spillane no tenía gran reputación como estilista literario, pero su escritura es enérgica y directa y, en ocasiones, consigue retratar muy bien las atmósferas. Para algunos, Spillane hizo con la novela de misterio lo que Ian Fleming haría unos años más tarde con la ficción de espías: elevó el nivel de sexo y violencia y añadió una sensación de crudeza y urgencia y, a pesar de todas las críticas, vendió 225 millones de libros. 

Su carrera comenzó como escritor de cómics y Mike Hammer inicialmente estaba pensado como un héroe de cómic.

A pesar del atractivo de la novela y de su trepidante acción, es cierto, no obstante, que el libro contiene algunos pasajes que pueden considerarse, cuando menos, algo absurdos, que la acción progresa mediante algunos giros inexplicados o inexplicables y realmente exagerados y que el misterio resulta bastante enmarañado y, por momentos, algo confuso, encontrando pistas ocultas de buenas a primeras, al tiempo que ayuda a escapar al protagonista de situaciones sin salida merced a artimañas que pueden resultar disparatadas.

Quizá resulta algo chocante, visto con ojos actuales, ese retrato del personaje, enamorado de su secretaria, pero ante el que caen rendidas todas y cada una de las mujeres que le rodean y que él no  tiene reparo alguno de beneficiarse si se tercia.

La novela fue llevada al cine en 1955, nada menos que por Robert Aldrich, con el título de Kiss me deadly, el mismo que la obra original.

FALLEN ANGELS

 

Wong Chi-Ming (Leon Lai) es un asesino a sueldo cansado de su trabajo que se plantea dejarlo. La mujer que limpia su apartamento, es también quien le consigue los trabajos y, aunque nunca se ven, ella está enamorada de él y le pide, como un favor, que lleve a cabo un último trabajo. Intercalándose con esta historia nos encontramos con un joven mudo que ha pasado por la cárcel, He Zhiwu (Takeshi Kaneshiro), que viviendo con su padre tiene una difícil existencia debida a su deficiencia física. Sus días transcurren entre diversos trabajos nocturnos y servir de consuelo a Charlei (Charlie Yeung) una joven engañada por su novio.

Originalmente, buena parte del argumento estaba destinado a ser el tercer segmento de la película anterior de Wong Kar-Wai, Chungking Express (1994), antes de que finalmente decidiera que la película estaba completa únicamente con las historias de los dos policías. El tercer segmento se amplió a un largometraje que se convirtió en este film. 

No resulta mal ejercicio verlas seguidas y apreciar las conexiones que hay entre ambas: Algunos pensamientos de He Zhiwu son a veces líneas de la película Chungking Express; hay una escena en la que se le ve trabajando en el Midnight Express, uno de los lugares clave del film anterior; el McDonald's que visitan con frecuencia Wong Chi-Ming y Blondie (Karen Mok) (y donde se conocen por primera vez) es exactamente el mismo restaurante visitado por el policía 663; la voz en off que nos transmite el pensamiento de He Zhiwu, nos cuenta que se quedó mudo cuando era un niño, tras comer el contenido de una lata de piña caducada...

Rodada íntegramente en ambientes nocturnos, de nuevo el realizador hongkonés nos acerca a personajes solitarios y marginales, con una fotografía de Christopher Doyle, que contribuye a la sensación de cierta irrealidad, jugando con colores y texturas y ángulos de cámara imposibles que hacen del film una maravilla visual, con algunos planos fijos de larga duración y algunas tomas arriesgadas que no convencerán a todo el mundo. 

Pocos diálogos y casi constante presencia de la voz en off de los personajes que nos introduce en sus pensamientos y formas de ser y actuar. El contrapunto a la historia oscura del asesino, lo pone el personaje de Takeshi Kaneshiro, disparatado y con momentos de humor con tinte negro, para mi gusto, el más atractivo de la narración.

CHUNGKING EXPRESS

 

Dos historias de amor independientes que se desarrollan en el popular barrio turístico de Tsimhatsui, en Hong Kong. La primera describe el fugaz encuentro entre un joven policía en plena crisis amorosa y una misteriosa mujer fatal traficante de drogas. La segunda se centra en el singular romance entre un solitario y sencillo agente de policía y la joven camarera del humilde bar donde aquél compra comida ocasionalmente. 

El policía 223 (Takeshi Kaneshiro), ha roto con su novia tras cinco años de relación. Compra una lata de piña con fecha de caducidad el 1 de mayo todos los días durante un mes. Al final de ese tiempo, siente que se reunirá con su amor o que éste también habrá expirado para siempre. La segunda mitad del film nos muestra al policía 663 (Tony Leung Chiu-wai) lidiando con la ruptura con su novia, azafata de vuelo. Habla con los objetos de su apartamento, hasta que conoce a una chica nueva en el mostrador del local donde recala algunas veces.

Al ritmo de What a Difference a Day Makes, de Dina Washington; Dreams de The Cranberries o de California Dreamin’ de The Mamas & The Papas, la película nos ofrecerá brillantes metáforas y momentos de una intensidad fílmica abrumadora, en la que el realizador hongkonés juega con los simbolismos, la música y estos personajes excéntricos y magnéticos para invitar a la audiencia a conectar con sus particulares modos de enfrentarse a sus penas mediante imágenes fascinantes y simbólicas —el avión en la pecera, la música a todo volumen, las latas de piña...— y su particular lenguaje que enlaza con lo poético.

Quizá es Faye Wong, y no cualquiera de los otros tres magníficos intérpretes que protagonizan el filme, icónico cada uno a su modo, el rostro del amor y la libertad que defiende el film, porque da sentido a la globalidad, porque encaja con el antes y el después, y sobre todo porque arrebata cada plano sin esfuerzo, con una naturalidad que desarma y obliga a entrar en el juego de Wong Kar-wai sin prestar atención a nada más que a los neones que adornan el cielo, los mercados atestados y a la química electrizante que desprende con solo una mirada.

HAPPY TOGETHER

 

Lai Yiu-Kai (Tony Leung Chiu-wai) y Ho Po-Wing (Leslie Cheung) viven una apasionada relación. Viajan desde Hong Kong a Argentina, pero la llegada al nuevo país parece transformar las cosas y Ho, de repente, abandona a Lai. Éste comienza a trabajar como portero de un tango-bar, con el único afán de reunir el dinero suficiente para volver a su país. Un día Ho reaparece, pero las cosas ya no son iguales.

Emotiva historia de amor y desamor alejada de convencionalismos en el entorno de la capital argentina, al son de temas como Cucurrucucú paloma interpretada por Caetano Veloso o los tangos y milongas de Astor Piazzolla.

Una historia de amor que va mucho más allá del universo gay, para convertirse en universal, contada de forma limpia, sin acudir a pasajes morbosos, ni siquiera reivindicativos por la condición sexual de sus protagonistas.

Plagada de diálogos vivaces, la fotografía de Christopher Doyle, juega con los tonos de color y el blanco y negro según el momento narrativo, asistimos como observadores privilegiados a las desdichas y tristezas de los personajes que se mueven ante las dicotomías que la vida nos presenta, relatando de forma nostálgica la vida de unos seres que lo único que persiguen es la felicidad de estar juntos: Happy together.

DÍAS SALVAJES (DAYS OF BEING WILD)

 

Yuddy (Leslie Cheung), un joven atractivo y seductor, descubre que la prostituta alcohólica que le ha criado no es su verdadera madre y que además se niega a revelar la identidad de ésta en la esperanza de poder retenerlo a su lado, prefiere que la odie a que la olvide. Dos mujeres tienen la mala suerte de enamorarse de Yuddy: Una chica llamada Su Lizhen (Maggie Cheung) que trabaja en un estadio deportivo, mientras que la otra es una corista deslumbrante cuyo nombre artístico es Mimi (Carina Lau). Quizás debido a sus problemas edípicos no resueltos, deja que los dos compitan por él, sin poder o sin querer tomar una decisión. Mientras Lizhen le confía su frustración a un policía llamado Tide (Andy Lau), que se enamora de ella. Lo mismo ocurre con Zeb (Jacky Cheung), el amigo de Yuddy, que se enamora de Mimi. Más tarde, Yuddy se entera del paradero de su madre biológica y se dirige a Filipinas.

Escrita y dirigida por Wong Kar-Wai, Days of Being Wild es la historia de un playboy que intenta encontrar su identidad mientras lidia con sus propios enredos románticos, en tanto que de las dos mujeres, una trata de olvidarlo y la otra le sigue de manera obsesiva. 

La película es la primera parte de una trilogía a la que seguirían In the Mood for Love de 2000 y 2046 de 2004, que explora la idea del amor y la soledad ambientada en el Hong Kong de los años 60.

El protagonista va de mujer en mujer sin encontrar remedio a su soledad y negándose a cualquier tipo de compromiso, su manera de vivir la vida queda muy bien expresada cuando le oímos hablar de un ave que vuela constantemente y solo se posa cuando va a morir. 

Atractiva y hermosa, con una banda sonora que incluye cortes de temas latinos como Perfidia o Siboney, entre otros (algunos interpretados por la orquesta de Xabier Cugat), el film habla sobre el amor, la soledad, el rechazo y el camino de la vida de una forma que, en muchos momentos, tiene algo de poética.

HISTORIA DE MI VIDA (CHARLES CHAPLIN)

 

La sentida y divertida autobiografía de Charlie Chaplin, una de las primeras memorias de celebridades cinematográficas, cuenta la historia de su vida, mostrando todos los encantos, peculiaridades y creencias profundamente arraigadas que lo convirtieron en un personaje entrañable y legendario, el libro, además, muestra su otra cara, su vida familiar, con su esposa Oona, sus hijos y los amigos de los que se rodeó. 

Nacido en una familia de teatro, el padre de Chaplin murió a causa de la bebida, mientras que su madre, incapaz de soportar la pobreza, sufría ataques de locura. De esa infancia de extrema pobreza en los barrios marginales del sur de Londres, Chaplin encontró una salida en su temprano debut en el escenario del music hall, seguido de su golpe de suerte en Estados Unidos que le llevó a alcanzar la fama en Hollywood con la fundación de United Artists junto a Mary Pickford, D.W. Griffith y Douglas Fairbanks, la lucha por mantener control artístico sobre su obra, la serie de matrimonios fallidos y su eventual exilio de Hollywood, con esa especie de migración inversa hacia Europa tras los escándalos personales y las investigaciones durante la llamada era McCarthy por sus convicciones consideradas izquierdistas. 

Son estos unos pasajes especialmente dolorosos para cualquier admirador de la figura de Chaplin y para los amantes del cine en particular. Resulta sangrante la entrevista a que se ve sometido en su propia casa por miembros del Departamento de Inmigración, tres hombres y una mujer, provistos de una máquina estenográfica y de magnetófonos, con preguntas que serían de risa si no fuera por lo que encierran detrás y por lo que tienen de humillantes. Por ejemplo: 

—¿Dice usted que no ha sido nunca comunista? 

—Nunca. No he formado parte jamás de una organización política en mi vida. 

—Usted pronunció un discurso en el que dijo "camaradas". ¿Qué quería usted dar a entender con eso? —Exactamente eso. Busqué la palabra en el diccionario. Los comunistas no tienen la exclusiva de esa palabra. 

 El interrogatorio continúa con preguntas por el estilo, cuando, de repente, le preguntan: 

—¿Ha cometido usted alguna vez adulterio? 

El interrogatorio, según Chaplin, duró tres horas. 

Al final, el actor, tuvo que salir de EE.UU. casi de tapadillo en septiembre de 1952, con destino a Europa, mientras el Daily News y los periódicos de la cadena de Hearst, continuaban su campaña de desprestigio, ante la estupefacción de los amigos del cómico que le preguntaban cómo se las había arreglado para suscitar la hostilidad de los americanos. A lo que él respondía: Mi estupendo pecado fue, y sigue siendo, mi carácter inconformista. Aunque no soy comunista, me negué a seguir la corriente y a odiarlos. Esto, naturalmente, ha molestado a muchos.

Un viaje inolvidable con el hombre al que George Bernard Shaw calificó como "el único genio surgido de la industria cinematográfica".

EL FLUIR DE LAS LÁGRIMAS (AS TEARS GO BY)

 

Dos hermanos están introducidos en el mundo de las mafias chinas. Uno, el hermano menor, es incapaz de evitar los líos por su impetuoso temperamento. Por su parte, el hermano mayor, tiene aptitudes para ascender en la jerarquía, pero carece de la ambición para hacerlo y, además, al enamorarse de su prima Kowloon (Maggie Cheung), decide abandonar el oscuro entorno en el que se mueve, pero antes tendrá que volver a ayudar a su hermano pequeño.

Ambientada en el despiadado mundo mafioso iluminado con luces de neón de Hong Kong, con sus calles atestadas de personas, vehículos y puestos ambulantes de comida, es un relato de ambición, honor y venganza, protagonizada por Andy Lau como un matón de poca monta que se encuentra dividido entre un floreciente romance con su prima enferma y su lealtad a su hermano, cómplice en el crimen, cuyos imprudentes intentos de hacerse un nombre en la organización, desatan una espiral de violencia.

El film combina el crudo drama de acción en el entorno de Hong Kong, con toques del romanticismo vertiginoso que Wong Kar-Wai llevaría a alturas embriagadoras a lo largo de la década de 1990. As Tears Go By fue un éxito de taquilla que presagió la llegada de uno de los talentos más llamativos del cine contemporáneo.

MANHATTAN SUR (YEAR OF THE DRAGON)

 

La relativa paz que reina en el barrio neoyorkino de Chinatown gracias al acuerdo no oficial por el que la policía deja hacer a la mafia china, se ve en peligro cuando las bandas juveniles, haciendo caso omiso de este acuerdo tácito, asesinan a Jackie Wong (Ming C. Lee), el jefe de la triada. Para tratar de solucionar el asunto, la policía de Nueva York, asigna al distrito de Manhattan Sur al capitán Stanley White (Mickey Rourke), un veterano de Vietnam con quince años de servicio en el cuerpo. Su cometido es acabar con las bandas juveniles que dominan la zona, sin embargo, sus investigaciones lo conducen al crimen organizado chino, dirigido por Joey Tai (John Lone) tras el asesinato de su suegro, cuyos métodos para controlar el tráfico de drogas son extraordinariamente violentos. Acabar con el crimen organizado se convierte para White en una obsesión, pero su traumático pasado y su situación presente lo arrastran más allá de las órdenes recibidas, algo que incomoda a sus superiores, más cuando convierte el asunto en algo personal entre él y Joey.

El guion, del propio realizador Michael Cimino y de Oliver Stone, adapta la novela "Year of the dragon" del estadounidense Robert Daley.

Bajo la historia policial, hay una crítica social, como ocurre en otras películas de Michael Cimino, con las mafias extranjeras dominando los negocios turbios que se enseñorean de las grandes ciudades. El protagonista, un veterano de Vietnam (personaje también recurrente en el cine del autor), convencido aún de que allí luchó por su país y los principios que este defiende, pretende llevar ese espíritu a la lucha diaria contra la delincuencia cuando regresa a su patria, frente a lo que considera la pasividad, incluso connivencia, de las autoridades. 

El film en general resulta entretenido, aún a pesar de que muchos pasajes y algunas situaciones resultan, no voy a decir surrealistas, pero sí chocantes, incluso inexplicables. La elección del protagonista, para algunos es un fallo en el casting y lo cierto es que Mickey Rourke nos ofrece una interpretación que para algunos puede ser magnética y para otros algo decepcionante.

Lástima que el final fuera cambiado por indicaciones de la producción, en contra del criterio de Cimino que se quejó amargamente de ello. Si era como he leído que tenía pensado, desde luego, nada que ver, no me extraña que se lamentara.