EL ÚLTIMO TESTIGO

 

El periodista de investigación Joseph Frady (Warren Beatty) y siete colegas más, presencian el asesinato de un candidato al Senado de los Estados Unidos que se postula para la presidencia del país. Cuando los otros siete periodistas mueren accidentalmente, Frady empieza a dudar de la versión oficial según la cual el autor del crimen es un loco que actúa en solitario. Tras sumergirse más en el caso, Frady comienza a darse cuenta de que el asesinato forma parte de una conspiración que involucra a Parallax Corporation, una enigmática empresa dedicada a temas de seguridad. Más tarde decide inscribirse en el entrenamiento de Parallax para descubrir la verdad.

La película es una adaptación de una novela de 1970 de Loren Singer con el mismo título que la versión original, sobre la peligrosa investigación de un reportero sobre una oscura organización, Parallax Corporation, cuya dedicación principal es el asesinato político.

El título (The Parallax View) hace referencia a perspectivas alternativas y se presenta como un tema recurrente a lo largo de la película con ángulos de cámara únicos (observando las circunstancias desde puntos de vista inusuales) haciendo pleno uso del marco panorámico.

Aunque habían pasado unos años del asesinato de John Fitzgerald Kennedy, el film toma algunas de las teorías que se barajaron alrededor de aquel magnicidio (el segundo tirador, el complot, etc.) y participa de una especie de moda que abundó en el cine y la literatura por estas historias conspiranoicas, un asunto que resulta de lo más atractivo porque muchos participan de la seguridad, al menos de la sospecha, de que, en efecto, hay unos cuantos miembros de poderosas corporaciones que son los que de verdad rigen los destinos del planeta, gente con tantos medios a su disposición que pueden comprar voluntades y hacer y deshacer a su antojo y empresas cuyas cuentas de beneficios no pueden estar pendientes de la voluntad más o menos proclive a sus intereses de un simple congresista (ellos que quitan y ponen gobiernos) al que, si les da mucho la lata, sencillamente, apartan del camino por el medio que haga falta. 

Así pues, un argumento que tiene todos los ingredientes para concitar la atención del espectador, pero que transcurre a trompicones, algo lento a veces y con unas cuantas incoherencias. Quizá lo mejor de la narración es el desesperanzado final que deja al espectador con la duda y la zozobra de que todo aquello puede estar ocurriendo de verdad en el mundo real y que los poderes políticos actúan al dictado de estos oscuros intereses, ocultando al ciudadano toda o parte de la verdad. 

Eso sí, podemos disfrutar de una excelente fotografía a cargo de Gordon Willis (apodado el príncipe de las tinieblas), tomas muy bien concebidas que logran transmitir incertidumbre y encuadres que nos sumergen en una creciente tensión.

CASADA CON TODOS

 

Angela (Michelle Pfeiffer) está infelizmente casada con el lugarteniente de la Mafia Frank de Marco (Alec Baldwin). Cuando éste es asesinado a raíz de su aventura con la amante de su jefe, el mafioso Tony Russo (Dean Stockwell), ella ve la oportunidad de romper con el mundo del hampa y comenzar una nueva vida. Pero Russo, empieza a cortejarla, aunque ella lo rechaza. Por otra parte, el FBI decide vigilarla, sospechando que es la nueva amante del mafioso. El agente Mike Downey (Matthew Modine) del FBI, que se hace pasar por vecino de Angela, pronto comenzará a sentirse atraído por ella.

Sobre el papel estamos ante una comedia romántica que encierra una sátira sobre la mafia, pero a la hora de la verdad, el romanticismo no está muy logrado que digamos y la comedia se limita a trazos sonrojantes que apenas hacen gracia por lo manidos y previsibles que resultan. Uno piensa que películas de este cariz las tenemos por aquí y nos mofamos de ellas, cuando resulta que tienen el mérito de haberse hecho con un presupuesto que no soporta la comparación con el del cine de Hollywood.

Puede que a mentes blandas y con nivel exigencia bajo cero les pueda resultar entretenida, incluso graciosa.

FOXCATCHER

 

Cuando Mark Schultz (Channing Tatum), medallista de oro olímpico, es invitado por el rico heredero John du Pont (Steve Carell) a su magnífica mansión para ayudarle a crear un campo de entrenamiento de alto nivel en el que preparar a un equipo de luchadores para los Juegos Olímpicos de Seúl de 1988, Schultz dice que sí inmediatamente. La razón es que allí espera poder concentrarse en los entrenamientos y evitar así que su hermano Dave (Mark Ruffalo) esté siempre encima de él dirigiéndole y tomando decisiones.

Basada en hechos reales, Foxcatcher cuenta la oscura y fascinante historia de la improbable y finalmente trágica relación entre un excéntrico multimillonario y dos campeones de lucha libre. Impulsado por la creciente paranoia de Du Pont y la alienación de los hermanos, el trío se ve abocado hacia una tragedia que nadie podría haber previsto.

El tema del deporte, del deporte minoritario, en este caso, es una excusa para ver en escena a tres personajes que representan tres formas de ser. Un hombre seguro de si mismo, respetado en su profesión y amante de su familia; otro inseguro, influenciable y solitario y el tercero, un perturbado, un potentado que ha heredado su imperio, víctima de una madre exigente que le considera una especie de fracasado, emocionalmente dudoso, quizá asexuado u homosexual reprimido y que, no conforme con su riqueza económica, busca el reconocimiento social y el cariño de una amistad. Este último es claramente el personaje más complejo, alrededor del que giran los acontecimientos que Bennett Miller desgrana con parsimonia, incluso con lentitud, cuyo final, aunque no deje de sorprendernos, intuímos, no en la forma, pero sí en el sentido de que algo va a ocurrir por culpa de una relación turbia y con poco o ningún futuro. 

Una cinta que se sale de los parámetros del biopic o de la mera reconstrucción testimonial de unos acontecimientos verídicos con sendas interpretaciones que brillan a gran altura.

¡ATRAPEN AL LADRÓN! ¿AL BLANCO O AL NEGRO? (AMOS & ANDREW)

 

Para Andrew Sterling (Samuel L. Jackson), un adinerado dramaturgo de color, ganador del Pulitzer, los problemas empiezan la noche que decide instalarse en su nueva casa en una zona residencial de Nueva York. Para sus nuevos vecinos, Andrew es el típico negro peligroso y llaman a la policía porque creen que se ha colado en la vivienda para robar. La policía local intenta arrestar al supuesto ladrón, rodean la casa con coches patrulla y en medio del despliegue descubren el error cometido. Todo su prestigio está en peligro, ya que incluso han llegado a abrir fuego, a menos que puedan dar una explicación verosímil de su comportamiento. Por ello, el jefe de policía propone un trato al único preso que hay en la cárcel: Amos Odell (Nicolas Cage), un pobre hombre con un historial de borracheras y delitos menores. Amos sólo tendrá que irrumpir en casa de Sterling, simular un secuestro para pedir rescate y luego entregarse. A cambio, el jefe de policía promete dejarle vía libre para escapar de la ciudad. Lo que el jefe nunca supuso es que cuando Amos es consciente de que si muere en medio de un tiroteo, se acabarán los problemas de la policía, decide no cooperar en la farsa y va a plantear aún más dificultades de las que ya tienen.

Comedia con una crítica explícita contra el racismo latente entre las clases acomodadas. Andrew va a vivir a una zona habitada por ricos, donde como él dice, parece que no es necesario cerrar la puerta de casa con llave, porque la delincuencia no existe, un barrio seguro y apacible, pero claro, tal cual señala el vecino que le denuncia: cuando ves a un negro con electrodoméstico en la mano, ya sabes lo que está haciendo. Mucho respeto a los derechos de todos de boquilla, pero en realidad, estos tipos te juzgan por la apariencia y un negro es un tipo peligroso.

No es que la película sea nada del otro mundo, pero está bien interpretada y tiene momentos bastante logrados. Es de esos films que a duras penas te arrancará una carcajada, pero consigue eso tan difícil de lograr como es mantener la sonrisa en el rostro del espectador durante gran parte del tiempo en que la estás viendo.

ALGO SALVAJE

 

Charles Driggs (Jeff Daniels) es un sencillo ejecutivo que acaba de ser ascendido a vicepresidente de la empresa en que trabaja, su vida tranquila y rutinaria, poco dada a las aventuras, cambiará de repente cuando conoce a Audrey Hankel "Lulú" (Melanie Griffith) un chica alocada, sexy y peligrosa que le traerá de cabeza mientras le roba el corazón.

La película mantiene en todo momento un cierto sentido del humor, mucho más acentuado en la primera mitad, en que asistimos a una comedia romántica en que una chica gamberra seduce a un tipo aparentemente serio pero que esconde ciertos tics alocados a los que da salida cuando se relaciona con Lulú. Esta primera mitad tiene también mucho de cine de carretera y resulta la parte más divertida del film, pues es imprevisible en qué acabarán cada una de las disparatadas ideas de Lulú. A partir de cierto momento en que aparece en escena el personaje interpretado por Ray Liotta, el marido de Lulú, que acaba de salir de la cárcel en libertad condicional, la película cambia radicalmente de registro y, aunque mantiene algún toque de humor, la aparición de este "malo" que tiene algo de psicópata, hace que la narración cambie de tono para entrar en un discurso bastante más previsible que lo que hemos contemplado hasta entonces.

Con una Melanie Griffith arrolladora, interpretando un papel en que pasa de una chica vivaracha, sin complejos y bastante atolondrada a una mujer vulnerable e insegura, resulta una película mezcla de géneros, más o menos conseguida, que resulta divertida, sobre todo en su inicio, con un discurrir trepidante y con una banda sonora muy llamativa que se inicia con la marchosa Loco de amor, interpretada por David Byrne y Celia Cruz, acompañando a los coloristas títulos de crédito iniciales y acaba con la no menos atractiva Wild Thing, interpretada por Sister Carol, poniendo fondo a los créditos de cierre.

CHLOE

 

Catherine Stewart (Julianne Moore), una ginecóloga de éxito, sospecha que su marido David (Liam Neeson), un atractivo profesor de música, la engaña. Deseando salir de dudas, contrata a una scort, la joven e irresistible Chloe (Amanda Seyfried) para que ponga a prueba la fidelidad de David. Los tórridos relatos de Chloe sobre sus encuentros con David embarcan a Catherine en un confuso viaje de redescubrimiento sexual.

Remake, pienso que innecesario, de un film francés 6 años anterior (Nathalie X). Se trata de un film de encargo que Atom Egoyan pretende sacar adelante con un guión que resulta bastante tramposo, ya que nos induce a creer que son reales muchas secuencias que, después, descubrimos que son pura imaginación y lo remata con una escena que resulta bastante ilógica por increíble. 

Si el film ya había tenido cierto éxito en taquilla, cuando fue lanzado el DVD, se vendió como rosquillas, así que pensemos que todo el mundo tiene derecho a hacer caja de vez en cuando y el propio Egoyan reconoció que la película se había convertido en su mayor fuente de ingresos.

He de reconocer que ya iba avisado sobre lo que encontraría al ver la película, así que me he dedicado a disfrutar de los elegantes movimientos de cámara de Egoyan, a ver cómo saca partido de los espejos que coloca en muchas de las escenas, que sabe aprovechar muy bien para mostrarnos encuadres realmente soberbios y a deleitarme con la interpretación de Julianne Moore que se entrega absolutamente a su personaje.

THIRTEEN

 

Tracy (Evan Rachel Wood), una joven de 13 años de Los Ángeles, queda fascinada por Evie (Nikki Reed), la chica más popular del instituto. Tras hacerse muy amigas, y debido a la peligrosa influencia de la "cool" Evie, la antes inocente Tracy se verá poco a poco atrapada en un trepidante ritmo de vida que nada tiene que ver con su anterior existencia sedentaria. Tracy se embarca en un mundo salvaje sobre el que no tiene control. Mientras, Mel (Holly Hunter), su madre, trata desesperadamente de comprender la radical transformación que está sufriendo su hija.

El guión, fue escrito por la propia realizadora del film, Catherine Hardwicke y por una de las protagonistas, Nikki Reed, que tenía 13 años cuando lo escribió y se basa libremente en algunas experiencias personales de esta última.

Con apariencia de videoclip en muchas de las tomas, la que intenta ser una película con una mirada diferente a la adolescencia problemática en un entorno de familia de padres divorciados sin ningún compromiso por parte del padre y con la madre superada por los acontecimientos, a la postre, se transforma en una serie de tópicos, de amiga tóxica que lleva a la otra, una niña que hasta ese momento jugaba con muñecas, a introducirse en el mundo de las drogas, el sexo y la delincuencia. Hay una mensaje subyacente a lo largo de la narración: cuidado con la libertad que puede llevar a consecuencias indeseadas. Y es que las las adolescentes que retrata son unas chicas que se mueven en la confusión entre libertad y libertinaje, egoístas y poco o nada dadas al compromiso. Eso sí, tranquilos que, al final, la sangre no llegará al río.

LAS VÍRGENES SUICIDAS

 

Therese (Leslie Hayman) de diecisiete años, Mary (A.J. Cook) de dieciséis, Bonnie (Chelse Swain) de quince, Lux (Kirsten Dunst) de catorce y Cecilia (Hanna Hall) de trece años, son las hermanas Lisbon. Las cinco forman parte de una famlia que vive en perfecta armonía en una lujosa zona residencial de las afueras de Detroit. La historia se centra principalmente en dos incidentes y las situaciones resultantes en la vida de las niñas. La primera fue una acción de Cecilia para para tratar de huír de sus problemas emocionales. Y el segundo fue la relación entre Lux, la hermana que traspasó los límites de las reglas del hogar más abiertamente al hacer lo que la mayoría de los adolescentes quieren hacer, y Trip Fontaine (Josh Hartnett), el joven que podía tener a cualquier chica que quisiera, pero que deseaba únicamente a Lux que, al contrario de otras jóvenes de la escuela, apenas mostraba interés por él. La historia la cuenta un hombre de unos cuarenta años que era un adolescente cuando ocurrieron los hechos, pero que, a pesar del paso del tiempo, aún sigue fascinado con las misteriosas hermanas, sometidas a una educación sobreprotectora por un padre que enseñaba matemáticas en una escuela privada y una madre, estricta católica, que dictaba en gran medida las reglas del hogar.

El guión, de la propia realizadora Sofia Coppola, adapta la novela del mismo título de Jeffery Eugenides. Esta era su primera novela publicada, años después, ganaría el Pulitzer por su obra Middlesex.

 

Con algunos pasajes oníricos, la película narra la particular desgracia de estas jovencitas, en pleno despertar sexual y el intento del narrador del film y de sus tres amigos, por entender por qué tomaron las decisiones que tomaron. Todo en el film tiene un claro ambiente de lo que se supone es el mundo femenino, sobre todo en la estética, con esos colores pastel y ese discurrir melancólico que, recordemos, a lo largo de los siglos, pero sobre todo en las últimas centurias, ha sido considerado como "un mal" eminentemente femenino en el que se englobaban muchas de las dolencias, tanto físicas como, sobre todo psicológicas, que aquejaban a las mujeres mayoritariamente. Sofia Coppola, guionista y realizadora del film que suponía su debut en la pantalla grande, cuida muy bien esa estética en que predomina "lo bonito" (a pesar de la tragedia que narra) y lo femenino. Ello ha conducido a que haya mucha gente que critique el film al que consideran estéticamente llamativo, pero vacío de contenido; mientras, otras personas, sobre todo espíritus románticos y muchas mujeres, ven en la forma y el fondo de la película de Coppola una representación de ese mundo, entre soñador y melancólico, de ese ambiente femenino acechado siempre por la depresión, por un lado, y por las vivencias románticas que los hombres no solo no comprenden, sino que incluso se burlan, por otro. 

Como señala Anna Backman en su trabajo “Sofia Coppola: The Politics of Visual Pleasure”, este cuidado por lo estético no es inocente ni debe ser confundido con lo superficial, además de que mucha de la crítica hacia Coppola está cargada de visiones machistas, que consideran que las historias que cuenta son femeninas e irrelevantes.

TENIENTE CORRUPTO

 

Un policía agobiado por las enormes deudas contraídas en el juego y que comete toda clase de abusos de autoridad, decide replantearse su vida y su profesión cuando investiga el caso de una joven monja que ha sido violada.

El policía que interpreta Harvey Keitel, es un adicto al crack y de ahí que su forma de actuar sea la que es, al punto de que cuando se persona en el lugar de algún incidente, lo primero que hace es buscar droga y, si la hay, quedársela, de tal manera que su adicción es su verdadero problema, lo de sus deudas de juego, viene provocado por aquello, aunque tampoco termina aquí, ya que su comportamiento en sí mismo, es poco menos que deleznable: abuso de poder con jovencitas a las que extorsiona, degrada y de las que abusa, prevaliéndose de su placa o ladrones a los que amenaza a punta de revolver para que le den el dinero que acaban de robar y quedárselo en lugar de devolvérselo al atracado.

Hasta que tiene una especie de epifanía: La monja violada, sabe quienes fueron sus asaltantes, conoce sus nombres, pero se niega a revelarlos porque considera que son jóvenes a los que la vida maltrató y condujo por el mal camino y ella les perdona y, siguiendo al pie de la letra las enseñanzas de Jesús, decide cargar con su cruz. Esta situación lleva al teniente a reflexionar, quizá por primera vez en su vida, sobre la culpa y el perdón. 

Abel Ferrara nos muestra la escena más importante de la película como algo fuera de lugar: De repente, el crucificado se aparece al personaje de Keitel, una escena que puede ser interpretada como una ensoñación del protagonista o como un verdadero milagro, de cualquier modo tiene mucho de extemporáneo, en el sentido que cada cual le quiera dar y es la que conduce al desenlace final, una especie de redención de este mal policía (como reza el título original, "Bad Lieutenant"), mucho más ajustado, porque sus connotaciones son más amplias, a lo que es en verdad el teniente. 

Retrato de un personaje que deambula por la vida de forma patética y que acaba hundido en la más absoluta miseria moral como demuestran algunas secuencias realmente directas, explícitas, llenas de crudeza e impactantes donde las haya.

BUFFALO '66

 

Billy Brown (Vincent Gallo) acaba de salir de la cárcel después de cinco años, tras una apuesta poco acertada que no pudo pagar. Sin embargo, ha engañado a sus padres diciéndoles que trabaja para el Gobierno en un importante proyecto y que está comprometido con una preciosa joven. Desesperado por impresionar a sus padres, y sin esposa o novia de ninguna clase, Billy rapta de forma impulsiva a Layla (Christina Ricci), alumna de una academia de claqué, a la que intimida tanto que acaba garantizándole su ayuda y la obliga a representar el papel de esposa ante sus extravagantes progenitores.

Billy sale de la cárcel con la obsesión de vengarse de un jugador del equipo de fútbol americano Buffalo Bills, a quien considera el responsable de su encarcelamiento, sin embargo, su principal problema, son sus padres a los que, como queda dicho, ha engañado. Ellos son una pareja peculiar, la madre es una fanática de los Buffalo Bills y el padre, un cantante amargado por su fracaso. Ambos se mostrarán encantados con su nueva nuera.

El polémico Vicent Gallo, se convierte aquí en realizador, guionista y protagonista de la película, además de firmar la partitura original y porque no le dejaron ponerse al frente de la fotografía. Película aclamada por los entusiastas de llamado cine indie por su impactante valor estético y la forma narrativa elegida para dar vida a un guión que tiene bastante de inverosímil (¿no lo es a veces la propia realidad?). Ha sido acusada por algunos de ser excesivamente narcisista y no precisamente porque Gallo intervenga en todos esos apartados mencionados, sino por los reiterativos y largos diálogos que su personaje tiene, en algunos tramos convertidos en auténticos monólogos, que dejan en la sombra a algunos de los demás personajes, sobre todo a su compañera en la cabecera de cártel, Christina Ricci, sin que puedan sacar a sus papeles todo el interés que potencialmente ofrecen. 

La trama desarrolla la historia de un ser en busca del cariño que no ha tenido en su infancia y, aunque es cierto que en algunos momentos parece que va seguir un camino diferente a algunos films con temática parecida, al final, aunque en sus sueños el protagonista parece seguir esos caminos de cierta originalidad, la realidad le lleva a transitar por las sendas ya conocidas, bastante más convencionales.

EXÓTICA

 

Francis (Bruce Greenwood) un solitario inspector de Hacienda acude cada noche al club de striptease Exótica, en las afueras de Toronto, para ver bailar a Christina (Mia Kirshner), una sensual joven que se desnuda para el público masculino ante la mirada de su ex-novio Eric (Elias Koteas), el disc-jockey del local.

Un trauma y las obsesiones que esto produce es el argumento, a grandes rasgos, sobre el que gira la película del realizador y guionista canadiense que elige una narración no lineal para traernos sus reflexiones, con empleo del flashback que nos acerca al pasado de los personajes, cuyas vidas, aparentemente separadas, están unidas por algún acontecimiento, forman parte de una especie de puzle, cuyas piezas acabarán por formar un todo que se recompone al final del film.

Lo real y lo onírico, a veces simplemente imaginado, se dan la mano a lo largo de la narración, con imágenes que se repiten de forma recurrente y que subrayan aún más la sensación de obsesión por parte del protagonista, de unos recuerdos que forman ya parte de sí mismo. 

Un film al que algunos entendidos califican de posmoderno y que, supongo, habrá gente que, por su propio planteamiento y desarrollo, les pueda resultar incluso aburrido o que, simplemente, no comulgan con la manera de expresarse del realizador, pero que para otros resultará realmente hipnótico.

DRUGSTORE COWBOY

 

Bob Hughes (Matt Dillon) es el jefe de una banda de toxicómanos, integrada por su mujer, Diane (Kelly Lynch), y otra pareja, Rick (James Le Gros) y Nadine (Heather Graham). Viajan a lo largo y ancho del país atracando farmacias y botiquines de hospitales para cubrir su imperiosa necesidad de droga. A raíz de un trágico suceso, Bob se replantea su situación; decide rehabilitarse y comenzar una nueva vida. Las cosas, sin embargo, no le resultan sencillas.

Ambientada en EE.UU. a principio de los 70, el guión adapta la novela autobiográfica homónima de James Fogle, él mismo drogadicto y asaltante de farmacias. De hecho, Fogle estaba en prisión cuando la película fue estrenada en 1989 y cumpliría condenas posteriores hasta que falleció en 2012, mientras estaba en un complejo correcional.

Gus Van Sant nos acerca una historia alejada de los estereotipos que presiden este tipo de películas sobre el mundo de las drogas, aquí no hay lecciones morales, ni críticas a ese ambiente, ni siquiera la degradación en la vida de estas personas queda particularmente patente, aquí, salvo por el acoso policial, que hasta los mismos protagonistas admiten como algo lógico, incluso esperable y necesario, tampoco parece que les vaya demasiado mal. Y no es que pinte una vida de color de rosa para ellos, pero desde luego, lo que no hace es incidir en las miserias de la drogadicción. El personaje de Dillon encarna la esperanza en la redención que la historia muestra como posible, pero muy dura y complicada. 

Película que trata de ser objetiva a la hora de abordar esta delicada cuestión en la que tantas veces chocan derechos y obligaciones enfrentados dependiendo del lado desde el que lo mires.

LOS QUE VIVIMOS

 

Ayn Rand  es una de las más influyentes y reconocidas pensadoras de la filosofía del pasado siglo. Nacida en San Petersburgo en el seno de una familia judía no practicante, Rand fue testigo de todos los acontecimientos que precedieron y sucedieron a la revolución bolchevique, consiguiendo en 1925 un permiso para visitar a sus familiares en EE.UU. a donde llegó en 1926, para no regresar nunca y adquiriendo la ciudadanía estadounidense en 1931.

Durante su estancia en Hollywood, donde aceptó todo tipo de trabajos para poder sobrevivir, conoció a Cecil B. de Mille, que le ofreció trabajo y le enseñó algunos entresijos del mundo cinematográfico, llegando a aparecer, de manera reconocible, entre los extras de la película "Rey de Reyes"

We the Living es la primera novela de Ayn Rand. Publicada en 1936, la historia se desarrolla en la Rusia soviética. La inmigrante Rand se sorprendió por el fracaso de los intelectuales y políticos estadounidenses en defender los ideales estadounidenses de individualismo y libertad, y se horrorizó por la aceptación generalizada, incluso la simpatía, que saludó la expansión del comunismo, el socialismo y el fascismo en Europa. 

Es la historia de tres jóvenes cuyas vidas son sacrificadas por un estado todopoderoso. Kira Argounova, a quien por su pasado familiar, no dejan seguir sus estudios para convertirse en ingeniera, cuando ella lo que soñaba era construír edificios de acero y cristal, es consciente de la injusticia del estado colectivista y su gran causa es su propia vida, no el estado ni sus camaradas. Ella mantendrá sus propios principios y eso será lo que le de fuerzas para seguir adelante, al contrario que Leo Kovalensky, procedente de una familia de la alta burguesía, hijo de un almirante de la flota del Zar, que, consumido por la ira ante la injusticia del estado soviético, no tendrá fuerzas para mantener sus principios y nunca se dedica a una causa, como hace Kira con su vida y Andrei con el comunismo. La sola presencia de Kira le recuerda constantemente a Leo lo que podría haber sido. Solo abandonándola puede finalmente adormecer su alma y dejar de sentir dolor. 

El tercer personaje de este triángulo es Andrei Taganov que, como soldado en el Ejército Rojo, y luego como incondicional del Partido Comunista, lucha valientemente por la revolución, creyendo sinceramente que el comunismo elevará a todos a su nivel. Kira es justo el tipo de persona que Andrei cree que debería prosperar bajo el comunismo. Andrei, un idealista honesto, no puede cerrar los ojos ante la evidencia de que el comunismo no está redimiendo a la gente, sino que los está reprimiendo y aplastando sus vidas, trayendo solo sufrimiento a la mujer que ama. Se suponía que expropiar fábricas y abolir la propiedad privada liberaría a la nación. En cambio, aquellos que logran escapar de los campos de trabajo y los pelotones de fusilamiento se encuentran condenados a vivir en la miseria. Debido a que se dedicó sinceramente y por completo a una causa, Andrei pertenece a esos "vivos" a los que hace referencia el título de la novela, como pertenece a ese grupo la propia Kira, la más "viva" de los tres. Pero Taganov, después de darse cuenta de que ha sacrificado su vida y sus valores más preciados por un propósito innoble, no puede vivir con la enormidad de su error. 

A estos tres personajes centrales acompañan otros que representan estereotipos de la Rusia soviética del primer tercio del siglo XX: especuladores; funcionarios corruptos; militantes del partido empeñados en denunciar y depurar a quienes tienen por burgueses; gentes que provienen de familias prósperas durante el zarismo y que pretenden seguir medrando con el nuevo estado, para lo que no dudan en denunciar a sus propios familiares por contrarrevolucionarios; antiguos burgueses que viven en la miseria tras ver confiscadas sus propiedades, sin poder acceder a un trabajo y siempre con la espada de Damocles de ser acusados de antisoviéticos sencillamente por su pasado o el de sus familias... 

Rand enfrenta en su novela el valor supremo de una vida individual contra la maldad de un estado que reclama el derecho de tomar y sacrificar esa vida, sosteniendo que cada individuo tiene el derecho moral de vivir por sí mismo y buscar su propia felicidad personal. El estatalismo, por el contrario, es la idea de que el hombre no tiene derecho a existir por sí mismo, que es propiedad de la sociedad, para disponer de él como dicta el estado. Este es el poder que el estado soviético reclama sobre las vidas de Kira y Leo. Podríamos resumir la idea central del libro como la lucha del individuo contra el Estado.

A pesar de la dureza de la vida que retrata y de las angustiosas situaciones que plantea, el libro contiene algunos pasajes tremendamente poéticos, momentos de felicidad en medio del desastre que contrastan y de algún modo subrayan, lo tremendo y desesperanzado de la situación.

El final de la novela se me antoja un tanto teatral y quizá sin el nivel que ha demostrado la autora a lo largo de la narración, pero, como digo siempre, esta es una opinión muy personal que, seguramente, lectores más preparados puede que no compartan.

 Ayn Rand dijo que esta no era una novela autobiográfica, pero que que era lo más cercano a una autobiografía que jamás había escrito.

DONDE ESTÉ EL DINERO

 

Henry Manning (Paul Newman) es un veterano atracador de bancos que finge sufrir un derrame cerebral que le priva del control de su cuerpo, para que lo trasladen de la cárcel a una residencia de ancianos. La enfermera Carol (Linda Fiorentino), que es la encargada de cuidarlo, es una mujer hastiada de su trabajo y de su matrimonio, y el historial de Henry despierta su curiosidad. Incitada por su ansia de emociones fuertes, fuerza a Henry a que le revele su secreto, y éste le ayuda a descubrir en sí misma una capacidad delictiva que desconocía. A partir de ese momento, Carol tienta a Henry para que lleve a cabo un último golpe: atracar un furgón blindado que recoge el dinero del banco local y de varios establecimientos comerciales de la zona.

La película, que supuso el último papel protagonista de su larga carrera para Paul Newman., desarrolla una historia de E. Max Frye que, para situarlo un poco, fue uno de los guionistas de la aclamada serie televisiva Hermanos de sangre.

Sin pretensiones de gran película, sin embargo, sabe aunar muy bien la comedia con la tensión. En este último caso, no tanto de la preparación del atraco, como de su ejecución, que ciertamente alcanza momentos de suspense no exento de la comicidad que preside el film. 

El alma de la película son Newman y Fiorentino que salvan sus papeles con brillantez, frente a un Dermot Mulroney que parece algo despistado. El film resulta simpático y divertido sobre todo por las situaciones, que plantea bastante bien, más que por los diálogos, que salvo en dos o tres ocasiones en que dan con la chispa, tampoco son nada del otro mundo. Y es que el guión tiene la brillante idea de que el secuestro del furgón se produzca cuando inician la jornada y no al final de la recaudación del dinero, con lo cual han de ser los atracadores quienes efectúen las recogidas lo que da mucho más juego, sobre todo al aumentar la tensión por tener que salvar los imprevistos que se suceden. 

Ya digo que las situaciones están bien planteadas y desarrolladas, con muchas secuencias que te hacen sonreír, tanto las que tienen lugar en la residencia de ancianos, como durante el atraco. Un film menor en la carrera de Newman que seguro que algunos ni han oído nombrar jamás, pero que tiene su punto de divertimento.