ME LLAMO VLADIMIR SLOIFOISKI

 

El protagonista se encuentra aparentemente recluído en una mansión, sin apenas recordar nada de su pasado. Cuando algunas imágenes regresan a su mente, va recuperando su verdadera personalidad y recuerda que fue asaltado y raptado en pleno centro de Nueva York. Logra escapar, gracias a sus dotes y a lo que considera preparación recibida para operaciones arriesgadas que incluyen capacidad de supervivencia y dominio de la lucha cuerpo a cuerpo. Camuflada en el interior de una de sus prendas, encuentra una llave que supone será de una consigna, lo que le lleva a la estación Grand Central, allí encontrará la copia de un contrato que ha firmado para introducirse en una organización que pretende manejar el universo, dirigida por unos tipos muy peculiares y peligrosos con los que ha de tener mucho cuidado, ya que son ellos quienes le secuestraron, lo que lleva a pensar que indudablemente sospechan de él. 

La novela de Gerald A. Alper es un viaje a un futuro cercano, aunque advierto que quien se decida a leerla, no va a encontrar ese humor a que se refiere la sinopsis de la editorial, sino más bien una especie de aventura en la que el protagonista realiza idas y venidas tratando, por un lado de recordar su verdadera identidad y, por otro, intentando engañar a estos personajes que le secuestraron y ante los que se volverá a presentar, para que no adviertan nada sospechoso que les lleve a pensar que es un espía y le admitan en su organización, tratando de desbaratar sus planes desde dentro, para lo que deberá superar duros interrogatorios en los que utilizan sustancias químicas. 

Antes conocerá algunas de las actividades de la organización en su visita a una recreación del mundo de la antigua Roma, en el que a sus actuales habitantes se les ha lavado el cerebro para que olviden todo lo anterior y hablen latín o se dediquen a las mismas ocupaciones y con los mismos utensilios que si estuvieran en la época de los césares. La organización tiene programado revivir otras culturas antiguas y poblar el mundo con sus réplicas.

KEEP COOL (MANTÉN LA CALMA)

 

El joven vendedor de libros Xiao Shuai (Jiang Wen) se vuelve loco de deseo por An Hong (Qu Ying), una mujer bella, liberada y sexy, pero ella le ha abandonado y ha comenzado a salir con el dueño de un club nocturno, un nuevo rico de gran influencia social con el que no conviene llevarse mal porque puede enviarte a sus matones. Lao Zhang (Li Baotian), un tipo cualquiera que está presenciando la paliza que le dan a Xiao, se ve mezclado accidentalmente en los conflictos de éste, obsesionado con recuperar a su amor.

Una película extraña y extemporánea en la filmografía de Zhang Yimou. Al realizador chino le da por rodar con una mareante cámara en mano; luz natural con abundantes contraluces; sonido directo; giros de cámara imposibles; ángulos de 90º y, eso sí, una actriz, Qu Ying, con una hermosura que tiene algo de post-adolescente, llamativa y muy, muy sexy. Claro que para ver un cuerpo precioso embutido en un llamativo y sugerente minivestido amarillo, se me ocurren otro tipo de películas en las que poco importa el guión.

Y es que tras un arranque en plan comedia, con algo de gracioso (no tanto tampoco), y apuntes interesantes sobre la vida cotidiana en la China moderna, la película abandona ese camino y se va a una larga segunda parte rodada prácticamente en interiores, con largos e intrascendentes diálogos y va perdiendo el interés porque el guión apenas se sostiene. Todo encaminado a una especie de mensaje moral sobre la conveniencia de resolver las disputas por las buenas en lugar de acudir a la violencia y la confrontación (quizá la frase más repetida es: "hablando se entiende la gente"). 

Afortunadamente el maestro chino abandonó esta especie de experimento y se dedicó a otro tipo de cine que, por lo visto, se le da mejor y es bastante más gratificante para el espectador.

EL PRODIGIO

 

La historia de una niña, hija de una humilde familia de granjeros, que deja de alimentarse pero que, de forma aparentemente milagrosa, sigue viva y aparentemente sana. La enfermera inglesa Lib Wright (Florence Pugh) es llevada a un pequeño pueblo para observar a Anna O'Donnell (Kíla Lord Cassidy), de once años. Abundantes visitantes y peregrinos se reúnen para contemplar a la niña que, según se dice, ha sobrevivido sin comer durante cuatro meses. ¿Acaso alberga el pueblo a una santa que "sobrevive con el maná del cielo" o existen motivos más siniestros?

Ambientada en 1862, en la región irlandesa de las Midlands, la película adapta la novela del mismo título de la escritora irlandesa afincada en Canadá, Emma Donoghue, que también colabora en el guión. El libro narra la historia de esta niña que vive en un ambiente extremadamente católico en el que todos creen que es una santa. El asunto llega a la prensa y la familia recibe a diario visitas que dejan limosnas y regalos. La enfermera es contratada por un comité de ciudadanos del pueblo para vigilar a la niña durante dos semanas, con el objeto de otorgar credibilidad al “milagro”. Se turnará en esa vigilancia con una monja, la hermana Michael (interpretada en la película por Josie Walker). Lib no se fía de la eficacia de la religiosa, pero es casi imposible controlarla a ella también, además de a la niña y los padres de esta. William Byrne (al que interpreta en el film Tom Burke) es un periodista al que envían allí para cubrir el caso, y Lib acaba refiriéndole algunas de sus observaciones. Está convencida de que se trata de un fraude, pero resolver el misterio no resultará sencillo.

Con una espléndida fotografía y cuidadosamente ambientada, el film narra una historia de controversia entre religión y ciencia, tan antigua como la misma humanidad, pero que no deja de ser actual. A las pruebas me remito con la emergencia sanitaria en que aún estamos inmersos y otras circunstancias parecidas en las que, unas veces las religiones tradicionales y otras, esas nuevas tendencias que bajo discursos de defensa de una libertad mal entendida o levantando sospechas de que nos inoculan cosas raras o de que son invenciones, niegan la evidencia y se cierran en banda sobre sus creencias sin posibilidad alguna de establecer un diálogo racional. 

Incide también en esa lacra que supone la culpabilización de la mujer de desgracias de las que muchas veces ella misma ha sido víctima, concretamente de abusos sexuales en los que acaba siendo perjudicada e instigadora al mismo tiempo. Anna ha de reparar con su sacrificio el daño causado a su hermano del que la han llegado a hacer creer es culpable, cuando en realidad, ella era una víctima inocente de una situación que, por desgracia, no está tan superada como podamos creer y menos en ciertas culturas en las que la mujer sigue siendo un demonio puesto por Dios en la tierra para desgracia de los hombres que flaquean ante sus malignas tentaciones. 

Con sendas interpretaciones de gran nivel a cargo de las dos protagonistas femeninas, sin ser un film absolutamente redondo, si que demuestra la pericia del chileno Sebastian Lelio a la hora de contar historias.

EN EL VALLE DE ELAH

 

Hank Deerfield (Tommy Lee Jones), un veterano del ejército, investiga la desaparición de su hijo Mike, el cual, tras regresar de Irak, inexplicablemente, no ha regresado a su base tras un permiso oficial. Con la ayuda de la detective Emily Sanders (Charlize Theron) irá reviviendo las experiencias del muchacho en Irak, pero las autoridades militares no dejan de poner trabas a su investigación.

Basada en un artículo de Mark Boal publicado en la revista Playboy, titulado "Muerte y Deshonor", sobre la historia del soldado Richard Davis que, tras regresar de Irak y ser destinado al Fuerte Benning, en Georgia, desaparece. Su padre, que había servido veinte años en el ejército, inició una investigación que le llevó a descubrir que su hijo había sido asesinado por cuatro soldados, compañeros de él en Irak. Paul Haggis, guionista de películas como Million Dollar Baby, Banderas de nuestros padres o Cartas desde Iwo Jima y realizador de este film, escribió el guión combinándolo con otra historia.

A los americanos, como tantas veces ocurre en el cine del Hollywood moderno, les dio por lavar trapos sucios de su intervención en Irak por culpa de aquellas armas de destrucción masiva que nunca hallaron. Quiero decir que era un asunto trillado, no porque este tipo de films esté de más, sino porque fueron unos cuantos con la misma temática y en relativamente corto espacio de tiempo. Así que el afamado guionista Paul Haggis, en este su segundo largometraje como realizador, eligió el camino de los llamados daños colaterales. La guerra la vemos mediante difusas imágenes rescatadas del móvil dañado del soldado muerto, lo demás, el eje del film, son las consecuencias que deja para algunos, en este caso, para las familias y los soldados que regresan después de haber cometido barbaridades y de verse investidos de un poder cuasi omnímodo sobre la vida y la muerte de otras personas, algo que va a marcar el carácter de algunos de ellos para el resto de sus vidas, incapaces de retomar una vida, digamos, normal. 

Hay otro aspecto que queda muy bien reflejado en la película: el cambio en los conceptos de la guerra y, sobre todo, del ejército, que ya no es lo que Hank había conocido en sus años de servicio. Cuando la detective le hace partícipe de las sospechas de que sus propios compañeros pudieron asesinar a su hijo, él se niega a creerlo imbuído de la premisa de que hombres que han compartido peligros, incomodidades y vida cotidiana en el frente, adquieren un grado de camaradería que hace imposible que se hagan daño unos a otros. ¡Pobre ingenuo!, este ejército no tiene nada que ver con el que conociste. Así que un tipo, al que podemos definir a grandes rasgos como el típico norteamericano con rasgos fundamentalistas, con la Biblia como libro de cabecera y cuyos valores son la bandera y, sobre todo, el ejército, que está convencido de que aquellos muchachos fueron a Irak a llevar la democracia (si no fuera trágico, daría risa), se da de bruces con la realidad hasta llegar a darse cuenta de en qué se ha convertido aquel mundo en el que creía. Significativa la percepción que tiene de la bandera izada al revés al principio y al final de la película. 

Un film en el que este fondo, tiene tanta o más importancia que la forma, aparentemente, la investigación de un asesinato.

BIG BAD WOLVES

 

Un pedófilo anda suelto. El principal sospechoso se llama Dror (Rotem Keinan), un profesor de religión. Miki (Lior Ashkenazi), un policía que actúa en los límites de la ley, fuerza a Dror mediante una fuerte paliza, a que haga una confesión, pero alguien lo graba y lo cuelga en las redes, debido a ello, el presunto pedófilo queda libre y Miki pierde su trabajo. Miki decide entonces hacerle confesar por su cuenta, pero se entromete en su camino Gidi (Tzahi Grad), el padre de la última niña asesinada. Gidi está sediento de venganza y secuestrará al profesor para torturarlo hasta hacerle confesar en qué lugar ha enterrado la cabeza de su hija.

Un planteamiento que no es nuevo en el cine, el dilema moral de quienes encuentran que los medios policiales no son capaces de resolver un crimen que, al parecer, para ellos está claro, pero en el que no resulta fácil aportar pruebas contra el presunto delincuente. ¿Son lícitas ciertas actuaciones, en este caso las torturas, para arrancar una confesión? Es evidente que desde el punto de vista legal, no lo son, desde el de cada cual, pues depende de los principios morales que uno tenga, lo que está claro es que el criminal siempre juega con esa ventaja de que la ley, en cierto modo, le protege para evitar abusos y, en ocasiones, parece que las víctimas quedan desamparadas.

Nunca se nos dice en la película por qué la policía está tan segura de que el sospechoso es el autor de los atroces crímenes, suponemos que algo les ha debido llevar a esa conclusión. La película juega con la angustia del espectador ante escenas explícitas de tortura que algunos no podrán soportar y con la permanente duda de si realmente Dror es culpable o no. El film tiene algunos altibajos en su desarrollo, con secuencias muy bien conseguidas, incluso brillantes y otras en que decae bastante y utiliza recursos un tanto decepcionantes, como lo son, en ocasiones, alguno de los giros que propone, para llevarnos a un final que guarda cierta sorpresa. 

A quienes les gusten este tipo de películas, pienso que les resultará entretenida a pesar de que recurre a algunos tópicos, pero sabe dejar su propia impronta de originalidad.

MEDIO SOL AMARILLO

 

La colonización europea de África y la posterior independencia de las diversas repúblicas y reinos que hoy integran el continente, dejó secuelas que aún hoy siguen vigentes, entre otras, la arbitraria división del territorio sin atender a la tradicional separación entre etnias y tribus, siguiendo otros criterios, en ocasiones espurios. No hay más que echar un vistazo al mapa africano para encontrarnos con una cantidad inusitada de fronteras en línea recta, en contraste con la sinuosidad irregular que marca la separación de los países del viejo continente.

Una de las consecuencias más graves de este sistema de divisiones que no respetaba las separaciones tradicionales, ha sido la cantidad de conflictos de origen étnico, económico o religioso, o de todos a la vez. Uno de los más recordados y cuyas secuelas aún perviven, fue la guerra de Biafra, el pequeño y efímero país africano que proclamó su independencia de Nigeria el 30 de mayo de 1967 y subsistió como estado independiente hasta el 15 de enero de 1970, tras la capitulación de las tropas biafreñas el día 12 de ese mismo mes, con la consiguiente reintegración del territorio separatista a la república nigeriana.

La novela de Chimamanda Ngozi Adichie, narra el atroz enfrentamiento entre las etnias igbo y hausa que dio origen a uno de los episodios más recordados y terribles de la reciente historia africana y que desembocó en una hambruna, utilizada por Nigeria como arma de guerra, que ha marcado una época. A muchos de los que entonces éramos niños o jóvenes, cuando se nos habla de Biafra, la imagen que se nos viene a la cabeza es la de niños con vientres hinchados, brazos como palillos, llorando sin lágrimas, porque ya se les ha secado hasta eso y rodeados de moscas a las que no tienen ni fuerza, ni ganas de espantar.

Esa hambruna hizo que el mundo entero fuera consciente de la situación y prorrumpiera en manifestaciones y muestras de protesta en sitios tan alejados ideológicamente como Moscú o Londres; ocasionó también que Biafra se colara en la campaña presidencial de Nixon o que padres de todo el mundo obligaran a sus hijos a comer. La hambruna llevó a las organizaciones de ayuda humanitaria a enviar clandestinamente partidas aéreas nocturnas de comida a Biafra, ya que ninguno de los bandos se ponía de acuerdo en las rutas y la hambruna, por fin, impulsó la carrera de muchos fotógrafos e hizo que la Cruz Roja Internacional, considerara la situación como la emergencia más grave desde la Segunda Guerra Mundial.

El título de la novela hace referencia al emblema que figuraba en la bandera de Biafra, en el libro se nos narra la peripecia de Olanna, una mujer de clase alta, perteneciente a la intelectualidad biafreña que soñó con una independencia que hiciera las cosas más justas. Ese idealismo está detrás de la Biafra libre que se nos muestra en el relato, cuando todo se desmoronó en la vida de Olanna que vivía cómodamente en una Nigeria en que igbos, hausas o yorubas, aunque con ciertos recelos soterrados, se relacionaban, compartían trabajos, incluso se casaban y, de la noche a la mañana se matan entre ellos, convertidos en enemigos irreconciliables, odiándose hasta extremos insospechados.

En la novela, los occidentales son los responsables de que aquella hoguera esté ardiendo, pero también vemos a algunos que están comprometidos y entre los personajes del libro encontramos a tipos totalmente humanos y creíbles, ninguno de ellos, incluso los que parecen más alejados y ecuánimes, observa conductas intachables, en algún momento acaban aflorando las miserias, los egoísmos y la parcialidad.

Hay un episodio, hacia el final de la novela, cuando aparecen dos reporteros norteamericanos, que refleja un poco cómo se viven estos conflictos desde occidente, pues uno de ellos pregunta si sería posible ver el lugar en que fue asesinado un obrero italiano que trabajaba en el país. Esto en un conflicto que costó cientos de miles de muertos, claro que la mayoría eran negros y esos interesan menos.

La novela fue adaptada al cine en una producción británica de 2013, dirigida por Biyi Bandele. 

BAJO LAS ESTRELLAS DE PARÍS

 

Christine (Catherine Frot) es una sintecho que vive en París. Una gélida noche de invierno encuentra a Suli (Mahamadou Yaffa), un niño de Burkina Faso de 8 años que no habla francés, frente a su refugio. Unidos por sus condición de marginales, ambos se embarcarán en un viaje emocional para intentar encontrar a la madre del niño en la ciudad del Sena.

Claus Drexel, el cineasta alemán afincado en Francia, muy concienciado con los problemas sociales, nos muestra un asunto desgraciadamente cercano y actual: la llegada masiva de emigrados desde países pobres o en guerra, personas que se han caído, literalmente, del sistema y que buscan desesperadamente un asidero humano. Personas ignoradas o directamente consideradas molestas, cuya presencia en Europa se ha multiplicado exponencialmente. 

El film refleja también la insolidaridad presente a veces, entre los que se supone que están en el mismo escalón, esa gente pobre pero nativa del país, que mira por encima del hombro a quienes han llegado de lejanos países, convencidos de que les van a arrebatar lo poco que poseen. 

La protagonista es una sexagenaria física y moralmente destruída y que no interactúa ni siquiera en los comedores sociales a los que acude. Alguien que intuímos tuvo un pasado feliz, al menos normal, pero que ha venido a parar a donde la encontramos.

El film debe gran parte de su encanto a esa mujer uraña encarnada por Catherine Frot. La historia trata de huír del excesivo sentimentalismo, centrándose en la supervivencia de esa extraña pareja, el tono amable para el espectador por el que discurre, le priva de una crítica más punzante, pero también hace que quede alejado de la demagogia en que caen algunas de estas películas. Alternando bellísimas imágenes de París, con otras realmente desoladoras, muestra de dos mundos tan distintos y tan cercanos que, en ocasiones, no se aprecia la línea que los separa en un mismo entorno. La metáfora que supone ver la vida acelerada de la superficie, poblada de ciudadanos que van a sus trabajos o hacen turismo, cuando debajo de los puentes del Sena por los que transitan, hay un submundo de pobreza y miseria, es un buen resumen de lo que supone, sobre todo en las grandes ciudades, este contrasentido en que vivimos.

LA PRIMERA NOCHE DE LA QUIETUD

 

Daniele Dominici (Alain Delon) llega a la ciudad costera de Rimini contratado durante cuatro meses en una escuela secundaria, reemplazando a otro maestro. Su relación con su pareja Mónica (Lea Massari) está en crisis y pasa la mayor parte del tiempo jugando a las cartas con sus nuevos conocidos: Giorgio Mosca (Giancarlo Giannini), Marcello (Renato Salvatori) y Gerardo Pavani (Adalberto Maria Merli). En el aula conoce a la estudiante de 19 años Vanina Abati (Sonia Petrovna), novia de Gerardo, y se enamoran.

Descubrimos al final de la película (creo que tampoco es desvelar demasiado de la trama) que el protagonista pertenece a una familia de esas de rancio abolengo y acomodada, hijo de un héroe de guerra, algo que él niega en la primera entrevista que mantiene con el director del instituto donde va a ejercer la docencia. 

Daniele, al que da vida en una magnífica interpretación Delon, es un ser hastiado, desencantado que pretende cortar con sus raíces. Un tipo culto al que parece que lo único que le interesa es la literatura, la poesía, el resto del mundo le trae sin cuidado, ni mujeres, ni amigos, ni diversiones, ni trabajo, nada le interesa, en una actitud sin consecuencias, salvo para él,  si no fuera porque puede resultar tóxica, incluso molesta para quienes están a su alrededor. El personaje nos recuerda inevitablemente al Alekséi Ivánovich de El jugador de Dostoievski y no solo por la clara referencia de su afición al juego, algo que le llevó en el pasado a la cárcel por firmar talones sin fondos.

La apatía de Daniele y ese daño que inflige a otras personas con su actitud, queda muy bien reflejada en la película cuando deja solos en clase a los alumnos en su primer día para ir a comprar el periódico o cuando se desentiende por completo de su amante, Mónica, y de nada le vale a ella su aparente bondad, el hecho de que no la maltrate físicamente o verbalmente o no la pregunte dónde o con quién ha ido, ella se siente ultrajada precisamente por esa falta de interés. 

Cuando descubre a Vanina, cree haber encontrado un alma gemela, otro ser decepcionado por la vida, carente de ambiciones y que solo busca escapar de su continua insatisfacción. 

Zurlini recurre a diálogos, primeros planos de los rostros, situaciones de cierta decadencia, composiciones delicadas, calles y espacios vacíos envueltos en la permanente bruma de Rimini, a los sonidos y al incesante encender de un cigarrillo tras otro por parte de Daniele, para remarcar esa sensación de desesperanza. 

Un film melancólico sobre unos personajes cargados de dolor que parecen aspirar únicamente a alcanzar la primera noche de la quietud, un eufemismo para nombrar a la muerte.

EL DESIERTO DE LOS TÁRTAROS

 

Como primer destino, el teniente Giovanni Drogo (Jacques Perrin) es enviado a una fortaleza aislada en los límites de un desierto, al pie de una cadena de altas montañas. La misión de la guarnición es prevenir una posible incursión de los temibles tártaros, provenientes de más allá del desierto. Algunos compañeros oficiales esperan ansiosamente un ataque; algunos ya no quieren creer en ello; otros aprovechan la vaga amenaza para avanzar en su carrera. Todos ellos están sacrificando todo -salud, juventud, amigos, familia- por un lejano ideal militar: liderar la defensa contra los embates del enemigo. Pero en el vasto vacío que rodea la fortaleza, nadie ha visto jamás a los tártaros.

El guión adapta la novela del mismo título del escritor y periodista italiano Dino Buzzati, considerada como la mejor obra del autor. 

La banda sonora está firmada por Ennio Morricone y entre sus intérpretes encontramos nombres muy conocidos de la escena europea (además del mencionado Perrin, Vittorio Gassman, Giuliano Gemma, Philippe Noiret, Francisco Rabal, Fernando Rey, Jean-Louis Trintignant o Max von Sydow, entre otros).

La película tiene algo de introspectiva y toda la historia es un símbolo en si mismo en que realidad y ensoñación se dan la mano, siempre esperando a un enemigo invisible, una especie de fantasma, como casi lo son los propios miembros de la guarnición de Bastiani, de manera que la narración transita cercana a la fantasía, aunque el relato tiene apariencia de realidad.

Valerio Zurlini consigue en algunos momentos parar el tiempo y meternos de lleno en aquella angustia que viven los soldados, esperando, siempre esperando en una fortaleza laberíntica rodeada de amplios espacios que no hacen sino remarcar el desasosiego y la espera desesperante de lo que jamás sucede. Se dice que el autor de la novela encontró la inspiración en la redacción del Corriere de la Sera,  donde todos vivían a la espera de la gran noticia que nunca sucedía.

El título de la novela y, por tanto, el de la película, no se refiere a los tártaros procedentes de Asia, sino al concepto que deriva de la mitología griega y romana de inframundo, serían aquellos que vienen del Hades, en este caso, de más allá del desierto.

VERANO VIOLENTO

 

Carlo Caremoli (Jean-Louis Trintignant) y su pandilla pasan el verano entre bailes, excursiones y juegos en la playa. Gracias a su influyente padre, Carlo se está librando de ser llamado a filas. Precisamente en la playa, conoce a Roberta Parmesan (Eleonora Rossi Drago), una viuda de guerra algo mayor que él con una hija. La madre de Roberta advierte a esta que evite a Carlo, pero ella lo encuentra atento y es amable con su hija. El romance sigue su curso a pesar de que Carlo mantenía una inocente relación con Rossana (Jacqueline Sassard).

La acción transcurre en el verano de 1943, con la guerra a las puertas de los lugares turísticos donde se divierten los jóvenes ajenos al drama. Sin embargo, la película se centra más en la historia romántica entre el joven y la esplendorosa viuda que, por primera vez, siente lo que es el amor tras un matrimonio convencional para complacer las exigencias de sus padres. Contra todas las convenciones morales, el romance seguirá adelante con encuentros casi furtivos de los dos amantes rodados con contención y elegancia y con una escena que vale por toda la película, cuando, en casa de los padres de Carlo, la pandilla de jóvenes va a reunirse por la noche y comienzan a bailar unos con otros, con la luz de la luna entrando por las ventanas e iluminando los rostros de los actores, el primer beso de los amantes y logradísimas composiciones y movimientos de cámara que reúnen en el mismo plano a Roberta, Rossana y Carlo, con miradas cruzadas entre las dos mujeres que expresan, sin palabras, todo lo que ambas sienten, la pasión de una y la tristeza por el amor que acaba de la otra. 

Como digo, los jóvenes viven en una especie de burbuja que ellos mismos han creado para escapar del entorno bélico, únicamente tienen noticias de la guerra por algún herido que llega y las noticias que emite la radio, cuyo dial mueven inmeditamente para escuchar música, negándose a conocer lo que realmente ocurre a su alrededor. En el último tramo, desde que se produce la caída de Mussolini y se da la guerra por perdida, el film toma un rumbo más dramático, como lo hará la relación de la pareja. 

A destacar, además del buen pulso de Valerio Zurlini en la realización, la fotografía de Tino Santoni y el acompañamiento musical con una banda sonora a cargo del prolífico Mario Nascimbene.

PÁNICO

 

Las cosas van bien para el joven Evan Casher. Su carrera de director de documentales está en su mejor momento, tras haber sido nominado al Oscar y la relación con su nueva novia, Carrie, es perfecta. Pero las cosas se tuercen de manera inexplicable cuando recibe una llamada telefónica de su madre pidiéndole que vaya urgentemente a casa. Cuando llega la encuentra asesinada de manera brutal en el suelo de la cocina; en la casa también hay un par de sicarios dispuestos a acabar con su vida, sin que él sea capaz de encontrar una explicación a todo aquello. Salvado in extremis por la intervención de un enigmático personaje que dispara y corta el cable que han puesto alrededor de su cuello y del que pende su cuerpo, Evan, poco a poco, va comprendiendo que toda su vida ha sido una mentira. Sus padres no son quienes él creía que eran, su novia tampoco lo es; toda su existencia ha sido una farsa montada con ingenio. Y ahora que lo sabe corre un grave peligro. Al tiempo que lucha por salvar su vida, el joven irá descubriendo la verdad sobre su pasado.

Evan se verá envuelto en una trama alucinante de asesinos despiadados que tienen montada una red de espionaje independiente y que se vende al mejor postor, lo mismo da que sea el KGB, la CIA, los israelíes o los sirios, ni tienen escrúpulos, ni preferencias. Pretenden acabar con el protagonista de la novela porque descubre cosas que no debería saber y temen que, de ser hechas públicas, su negocio se venga abajo.

Es una novela en la que no hay descanso, situaciones de peligro inminente se van sucediendo sin tregua, incluso en ocasiones, pueden parecer algo reiterativas, pero ello hace que la novela tenga un ritmo frenético, si bien es cierto que las vueltas de tuerca que va dando Jeff Abbott, autor del libro, quizá a alguno le puedan parecer algo repetitivas.

Ideal para los amantes de ese cóctel tan atractivo que supone la mezcla de intriga., acción y suspense.

CINCO LOBITOS

 

Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre y se da cuenta de que no sabe muy bien cómo serlo. Al ausentarse su pareja por trabajo unas semanas, decide volver a casa de sus padres, en un bonito pueblo costero del País Vasco, y así compartir la responsabilidad de cuidar a su bebé. Amaia empieza a ser consciente de que aunque ahora sea madre, no ha dejado de ser hija.

La vida cotidiana de una familia con sus problemillas (supongo que como casi todas) que retrata bastante bien el laberinto en que se meten algunas parejas jóvenes (no todas, que hay muchas muy responsables) cuando deciden tener un hijo, no es que no tengan ni idea de la que se les viene encima, es que tienen una percepción totalmente equivocada de lo que aquello va a suponer en sus vidas y es que traer una criatura al mundo, nada tiene que ver con comprarse una mascota.

Amaia se va a encontrar con ese cambio en su vida de golpe y porrazo, como tantas madres y cuando recurra a los abuelos para que la echen una mano, circunstancias de la vida la llevarán a no olvidarse de que ella también tiene una madre.

Una película muy emotiva.

LA PISCINA

 

Jean-Paul (Alain Delon) y Marianne (Romy Schneider) disfrutan de unas tranquilas vacaciones en una villa cercana a St. Tropez cedida por unos amigos de Marianne que están de viaje en la India. Todo marcha a la perfección hasta que Marianne recibe una llamada de un amigo común y antiguo amante de ella, Harry (Maurice Ronet), diciéndole que está de paso por allí cerca, Marianne les invita a él y a su hija Penélope (Jane Birkin) a pasar unos días en la casa. Pronto la tensión empezará a crecer entre los cuatro y, bajo una fingida cordialidad, se creará un clima de celos y sospechas.

El sol brillante de la Riviera francesa y la presencia de Delon y Schneider, anteriormente una de las parejas más icónicas del cine europeo, aportan un erotismo palpable, con sus cuerpos bronceados, en unas vacaciones de verano que se ven interrumpidas por la llegada de un viejo conocido, el presumido Harry, y su hija de dieciocho años, desatando una ola de tensión sexual, celos y repentina violencia.

La película fue todo un éxito en aquel lejano 1969, sin duda la presencia al frente de reparto de la pareja protagonista tiene buena parte de la "culpa" de que así fuera.

El guión, de Jean-Claude Carrière y del propio realizador Jacques Deray, adapta una novela del mismo título de Alain Page, seudónimo de Jean-Emmanuel Conil.

Muchas reseñas califican al film de lento como una crítica, pienso que el ritmo pausado le viene bien para recrear el clima caluroso y el ambiente hedonista y cargado por el que transcurre la narración.

Un film que destaca por su tratamiento de la seducción, los celos, la lujuria, el flirteo, la naturaleza competitiva de los hombres y su sofisticada visión amoral del amor.

LOS CUATROCIENTOS GOLPES

 

Con sólo catorce años, Antoine Doinel (Jean-Pierre Léaud) se ve obligado no sólo a ser testigo de los problemas conyugales de sus padres, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor. Un día, decide hacer novillos con su amigo René (Patrick Auffay) e inesperadamente, ve a su madre en compañía de otro hombre; la culpa y el miedo lo arrastran a una serie de mentiras que poco a poco van calando en su ánimo planeando fugarse de casa para huir de sus problemas, vivir su vida y realizar su gran sueño de conocer el mar. Tras robar una máquina de escribir de la oficina en que trabaja su padre para empeñarla, le pillan justo cuando va a devolverla y su propio padre lo pone en manos de la policía decidido a que afronte las consecuencias de sus actos.

Antoine es un niño en busca de amor y atención, a lo que se ve, sus padres no parecen nada preocupados por atenderle y algún fin de semana se ha quedado totalmente solo en casa. Para acabar de empeorar su situación anímica, se entera de que, no solo fue un niño no deseado, ya que su madre no quería tenerlo y fue el empeño de su abuela el que consiguió que el embarazo siguiera adelante, sino que, en una de las disputas de sus padres, escucha la revelación de que su padre, no lo es en realidad. Por las actitudes de sus papás, se ve que el niño no deja de ser un estorbo en sus vidas.

Película con la que François Truffaut entró, por derecho propio, en la historia del cine, celebrada por propios y extraños, decir que es un film que trata sobre el tránsito de la infancia a la adolescencia o a la edad adulta, es quedarse corto con respecto a la importancia de este film tan singular que aporta una mirada crítica, intransigente y sin prejuicios a elementos clave en la vida de un adolescente. 

Alejada del melodrama, incluso con algunos momentos de un humor muy particular, se convierte también en una especie de canto a la esperanza y, sobre todo, a la búsqueda de la libertad. 

Por cierto, como alguien dijo, no me extraña que el crío hiciera novillos, ¿a quién no le apetece deambular por la calles de París en lugar de ir a la escuela o al trabajo?

LUZ EN EL ALMA

 

Debido a las inclemencias del tiempo, el teniente del ejército Charles Mason (Dean Harens) se ve obligado a pasar la Navidad en Nueva Orleans, cuando el avión en que viajaba a San Francisco es desviado. Recientemente abandonado por su novia, con la que se iba a casar, el teniente, deprimido y sin conocer a nadie en la ciudad, acepta casi a regañadientes, la invitación de un periodista para visitar la Maison Lafayette, un club de alterne en el que trabaja como cantante Jackie Lamont (Deanna Durbin), que ruega a Charles que la acompañe a la Misa del Gallo. Más tarde, le cuenta su historia: Su verdadero nombre es Abigail y se enamoró de Robert Manette (Gene Kelly), un hombre de carácter inestable. Tras seis meses de feliz vida matrimonial, una noche todo cambia de repente, aunque ella no lo sabe, Robert acaba de asesinar a un corredor de apuestas, un delito por el que acabará siendo arrestado y condenado a muerte, que le será conmutada por la cadena perpetua, cumpliendo condena en un presidio. A pesar de todo Abigail continúa amándole y siéndole fiel.

El film adapta la novela Christmas Holiday (1939) de William Somerset Maugham. 

El guión cambia los escenarios parisinos de la novela por Nueva Orleans y, para no chocar con el Código Hays, transforma en cantante de un club nocturno a la prostituta de un burdel. 

Para hacer las transiciones a los dos flashbacks que narran cómo se conocieron y la posterior relación de Abigail y Robert, el realizador Robert Siodmak, acude a sendas y extensas escenas que rompen el curso de la narración. En la primera de estas escenas, asistimos a la misa de Nochebuena, filmada con detalle, que concluye con la interpretación del 'Adeste Fidelis' por el coro de la iglesia y las lágrimas de la protagonista. La segunda escena de transición nos lleva hasta un concierto, el lugar en que se conocieron Abigail y Robert, que transcurre a los acordes de 'Tristan e Isolda' de Wagner, filmado también con cierto detalle.

Inesperados papeles para dos estrellas a quienes conocemos en otro tipo de personajes bien distintos, en esta película cuyo título puede llevar a engaño.

Robert se convierte en una relación tóxica para Abigail, es un tipo algo perturbado e influído por la relación con su madre, un personaje dominante, mientras Abigail, enamorada de su marido, peca de ingenuidad y de ser víctima de ese enamoramiento casi enfermizo que la lleva a ser leal incluso cuando su marido la acusa de infidelidad.

Una película algo irregular que a veces pierde un poco el ritmo, contiene excelentes composiciones de plano, algunas de ellas pensadas para narrar sin palabras que son puro lenguaje cinematográfico.

Interesante y sombrío noir de la década de los 40.