AMERICAN HISTORY X

 

Derek Vineyard (Edward Norton) sale en libertad condicional tras cumplir 3 años de prisión por matar brutalmente a dos hombres negros que intentaron robar su coche. A través de la narración de su hermano Danny (Edward Furlong), nos enteramos de que antes de ir a la cárcel, Derek era un cabeza rapada y el líder de una violenta banda de supremacistas blancos que cometía delitos raciales en Venice (California) y sus acciones influyeron enormemente en Danny. Reformado y recién salido de prisión, Derek rompe el contacto con la banda y se propone evitar que Danny siga el mismo camino violento que él.

Dirigida por Tony Kaye, con una apasionada interpretación de Edward Norton, nominado al Oscar por su actuación, el film nos narra el pasado del protagonista, cómo llegó a ser un convencido militante de la supremacía blanca y su posterior desengaño, a través de largos flashback en blanco y negro que diferencia la narración en color del tiempo presente.

Una película impactante, con un revelador análisis sobre las bandas supremacistas blancas y un apasionado mensaje de que el odio y la intolerancia pueden ser superados, con mensaje final: “El odio es un lastre. La vida es demasiado corta para estar siempre cabreado”.

AMERICAN BEAUTY

 

Lester Burnham (Kevin Spacey), un cuarentón en crisis, cansado de su trabajo y de su mujer Carolyn (Annette Bening), despierta de su letargo cuando conoce a la atractiva amiga de su hija adolescente, a la que intentará impresionar a toda costa.

Debut en la gran pantalla del británico Sam Mendes, por la que fue galardonado con un Oscar, igual que el también debutante Alan Ball, autor del guion y el protagonista, Kevin Spacey, hasta completar un total de cinco estatuillas de las ocho a las que estaba nominada.

Sagaz crítica de la perfecta familia americana y, por ende, de una sociedad que la toma como modelo. Cargada de ironía, la película pone en solfa, de manera magistral, el estilo de vida de una sociedad en la que el triunfo en el trabajo y los negocios y las apariencias, suponen el principal objetivo en la vida de muchas personas. La hipocresía de unas situaciones que parecen el vivo retrato de la felicidad, cuando de puertas adentro, la banalidad y el vacío es lo que domina sus existencias. Todo ello contado en imágenes de gran belleza.

AMADEUS

 

Antonio Salieri (F. Murray Abraham) cree que la música de Wolfgang Amadeus Mozart (Tom Hulce) es divina y milagrosa. Él desearía ser tan buen músico como Mozart para poder alabar al Señor componiendo, ya que, como hombre devoto, cree que su éxito y talento como compositor son la recompensa de Dios por su piedad. Se siente recompensado con ser el respetado compositor de la corte del emperador José II de Austria (Jeffrey Jones), con una posición económica acomodada. Pero se sorprende al saber que Mozart es una criatura tan vulgar y no puede entender por qué Dios prefirió que Mozart fuera su instrumento. La envidia de Salieri le lleva a no comprender a ese Dios que ha concedido tanta grandeza a Mozart y está dispuesto a vengarse.

Peter Shaffer adaptó su propia obra teatral para esta película dirigida por Miloš Forman, ganadora de 8 premios Oscar.

El film exalta la música de Mozart, pero no pretende explicar cómo se compuso, ni cuándo, ni dónde, al menos no con coherencia, se puede decir que no trata realmente sobre Mozart, trata sobre Salieri. No sobre el compositor real, sino sobre la idea de uno que podría haber sido: un compositor mediocre, conservador pero muy popular, que podría haber comprendido el genio sencillo que era Mozart. Shaffer propone un Salieri que cree y acepta que el don que posee le ha sido otorgado por Dios. A cambio de su talento y popularidad en la corte, Salieri vive la vida de un hombre virtuoso. Forman describe a Mozart como un hombre inmaduro y libertino que ofende tanto las nociones de Salieri sobre el orden moral del universo que, como Caín, sufre una profunda pena por su Dios, que aparentemente lo ha abandonado. ¿Cómo pudo Dios concederle a este ser el don de los ángeles?, se pregunta Salieri. Dado que Salieri no puede enfrentarse directamente a Dios con su ira, decide devolverle la ofensa arrebatándole a Mozart todo lo que aprecia.

LA PECADORA (DIE SÜNDERIN)

 

Marina (Hildegard Knef), una antigua prostituta, vive con Alexander (Gustav Fröhlich), un artista sin éxito. Este sufre un tumor cerebral que amenaza con dejarle ciego. Con el fin de financiar la operación que pueda salvarle, Marina está dispuesta a afrontar cualquier sacrificio, aunque suponga retomar su antigua profesión de manera circunstancial.

Dirigida por el austriaco Willi Forst, la película causó controversia en su momento (1951), no solo por la escena de desnudo de la protagonista, sino por abordar asuntos como la prostitución, la eutanasia o el suicidio, como formas comprensibles y lógicas de actuar en determinadas circunstancias.

Hoy en día, la película está clasificada por el organismo de autorregulación voluntaria de la industria cinematográfica alemana, para mayores de 12 años y es más que probable que a cualquier adolescente que la vea, le resulte incluso anodino o aburrido contemplar el fugaz y distante vistazo del toples de Hildegard Knef. Con sus sermones moralizantes, los críticos azuzaron, sin darse cuenta, el morbo y el interés del público por ver la película. 

Lo que sí resulta cierto es que el personaje de Marina representa la antítesis que la corriente dominante en aquella Alemania de posguerra esperaba de la mujer: Linda, femenina y sumisa, que se adapta a los deseos y al estilo de vida de su marido en particular, y de los hombres en general. Una imagen que responde a la hipócrita inocencia de las películas destinadas a complacer al público medio durante el milagro económico y a proclamar la respetabilidad burguesa de la sociedad como la norma. 

La película, en muchos momentos, no deja de parecer una novela romántica bastante simple, llevada a la pantalla, entretenida por momentos, pero sin mucho a destacar.

UNA TUMBA PARA BORIS DAVIDOVICH

 

Publicado en 1976 el libro del serbio Danilo Kiš, se transforma en una profunda reflexión sobre las ideologías que destruyeron al ser humano bajo el pretexto de justicia y revolución. A través de siete relatos, entre los que destaca el que da título al libro, «Una tumba para Boris Davidovich», Kish retrata la tragedia de un individuo atrapado en la maquinaria del totalitarismo. Boris Davidovich Novsky no es solo un personaje, sino un símbolo de todos aquellos que permanecieron fieles a la verdad, aun sabiendo que les costará la vida. Su confesión, su perseverancia en la idea, la tortura y la muerte en prisión evidencian la paradoja de una época en la que los ideales se convierten en instrumentos del crimen y la verdad en objeto de duda. La escritura de Kish es sobria, fría, pero en esa frialdad arde la pasión de un espíritu veraz. No moraliza, sino que da testimonio como escritor, investigador y testigo de la desgracia humana. Su mezcla de estilo documental y narrativo crea una sensación de autenticidad, y cada frase lleva el peso de la experiencia histórica. La novela se convierte así en un libro sobre la verdad y la mentira, sobre la fe y la traición, sobre los límites de la conciencia humana. Para Kiš, la historia no es solo un conjunto de hechos, sino un desafío moral. Demuestra que el mal no nace del odio, sino de la obediencia ciega, del miedo, de mecanismos que anulan al individuo en aras de un "objetivo superior". En este sentido, Boris Davidovich se convierte en la figura del justo: aquel que sufre, pero no renuncia a su voz. «Una tumba para Boris Davidovich» no es solo una obra literaria, sino un acto de memoria y resistencia. Con ella, Kiš no pide compasión, sino comprensión: una comprensión de lo sucedido y una advertencia para no repetirlo. En una época en la que la verdad suele relativizarse, Kiš nos recuerda que las palabras tienen peso moral y que escribir puede ser una forma de luchar contra el olvido. Los relatos, que fusionan realidad e imaginación, historia cruda y narrativa sugerente, narran el sufrimiento en los gulags comunistas, pero también las persecuciones religiosas en la Francia del siglo XIV y, como curiosidad, en un par de ellos, aparecen personajes y lugares relacionados con España en la época de la Guerra Civil. 

El libro de Kiš es un relato conmovedor sobre la terrible experiencia de vivir bajo la ideología totalitaria de la Europa del siglo XX.

CARTAS DE BERLÍN

 

Otto (Brendan Gleeson) y Anna Quangel (Emma Thompson) son una pareja común que vive en un  bloque de apartamentos en Berlín. Cuando su único hijo muere luchando en el frente francés, su pérdida los impulsa a un extraordinario acto de resistencia. Comienzan a dejar postales anónimas por toda la ciudad atacando a Hitler y su régimen. Si los atrapan, les espera la ejecución. Pronto su campaña llama la atención del inspector de la Gestapo, Escherich (Daniel Brühl), y comienza un juego mortal del gato y el ratón. Pero este juego solo sirve para fortalecer el sentido del propósito de Otto y Anna, y poco a poco sus vidas monótonas y su matrimonio se transforman al unirse en su silenciosa pero profunda rebelión.

El guion adapta la novela "Jeder stirbt für sich allein" ("Todos mueren solos"), editada en castellano como "Solo en Berlín", fue publicada publicada por primera vez en 1947, poco después de la muerte de su autor, el alemán Hans Fallada, una ficción histórica basada en una historia real, en la que se describe una ciudad atenazada por el miedo. 

Dirigida por el escritor, actor y director suizo Vincent Perez, la historia ya había sido llevada al cine en 1975 por el cineasta alemán Alfred Vohrer.

Durante la Segunda Guerra Mundial, una pareja alemana (Otto y Elise Hampel), escribieron y distribuyeron por los portales, cerca de 300 postales, denunciando a Hitler y oponiéndose a la guerra. Ya resulta original y bienvenido que, por una vez, una película sobre la resistencia contra el régimen nazi no esté ambientada en Francia, Polonia o cualquier otro país ocupado, sino en la propia Alemania, en una demostración de que sí hubo, en mayor o menor medida, oposición al régimen y desmontando el mito, que aún hoy esgrimen algunos, de que no eran conscientes de la magnitud de lo que estaba ocurriendo. 

La principal reflexión de la película es si sirven para algo estos modestos métodos de rebeldía, la conclusión debe sacarla cada espectador, pero claro que tienen consecuencias, sobre todo para quienes los llevan a cabo poniendo su vida en juego. 

A lo largo de la película, llena de suspense, sentimos la futilidad de la rebelión personal de Otto y Anna contra el poder tiránico de Hitler. ¿De qué sirve su pequeña arma de postales contra las decenas de policías y agentes de las SS armados y con autoridad para arrestar y presentar cargos que los llevarán a la ejecución? Durante el film hay un diálogo entre el matrimonio, en que Otto le comenta a su esposa que le gustaría saber qué ocurre con las postales, cómo reacciona la gente al recibirlas y ella le responde que seguramente habrá quien tenga miedo, otros las vuelvan a dejar donde estaban, otros las entreguen a la policía, pero todos ellos las leerán y Otto replica: Es como con una máquina. Un poco de arena en los engranajes no la detendrá. Pero si alguien echa más arena, y luego más, el motor empieza a fallar. La cadena de montaje se detiene. Me imagino a mucha gente echando arena en los engranajes. Anna le dice que es un romántico y Otto replica: Soy mecánico.

 

CALLE MÁLAGA

 

María Ángeles (Carmen Maura) es una española de 79 años que vive sola en Tánger, en el norte de Marruecos, donde disfruta de su ciudad y de su vida diaria, que dará un completo giro cuando su hija Clara (Marta Etura) llega desde Madrid para vender el piso en el que ha vivido desde hace cuarenta años. Decidida a quedarse, hace todo lo posible por conservar su lugar y recuperar las pertenencias de su vida. En el camino, redescubre el amor y el deseo.

Dirigida por la marroquí Maryam Touzani, es una producción que reúne hasta a cinco países, entre ellos España y, aunque rodada íntegramente en Marruecos, los conflictos de los personajes pueden considerarse universales.

Melodrama suave con un envoltorio de comedia amable, en el que la realizadora franco-marroquí retrata de manera realista la vida del barrio, con sus gentes, sus comercios y las relaciones cercanas de quienes allí habitan y toca temas de actualidad como la dificultad de la vivienda en las grandes ciudades (que padece la hija de la protagonista) o la falta de independencia de los ancianos, que se ven abocados a vivir en una residencia (cuando consiguen plaza), con sus normas, sus horarios y una convivencia forzada que no siempre resulta agradable. La interpretación de Carmen Maura ha sido muy encomiada por crítica y público en esta película que tiene momentos muy conseguidos y otros quizá un tanto planos, aunque siempre con un halo de emotividad.

ECHOES FROM THE DEAD (SKUMTIMMEN)

 

21 años después de la desaparición y más que probable muerte de su hijo pequeño, Julia Davidsson (Lena Endre) regresa a la casa familiar en la desolada isla de Öland. Allí se reencuentra con su padre, al que culpa de la desaparición del niño. Al recibir el abuelo una sandalia que su nieto llevaba el día que desapareció, sin saber quién se la envía, surgirán preguntas y Julia descubrirá mucho más de lo que podría haber deseado con la aparente ayuda de Lennart (Thomas W. Gabrielsson), un policía local.

El guion se basa en la novela La hora de las sombras, del sueco Johan Theorin, respetando bastante el esquema del libro que, no obstante, se ha simplificado algo, cosa que no es de extrañar en una adaptación. Por ejemplo, algún que otro personaje secundario que en el libro tiene más importancia y aquí aparece de manera tangencial y difusa. La parte final cambia, no en la resolución del misterio, sino atribuyéndolo a otro personaje y aunque esto marca una gran diferencia con el texto original, yo creo que no desmerece en absoluto.

Si obviamos la novela en que se basa, la película tiene buena calidad, con una magnífica representación de paisajes naturales y buenas interpretaciones, consiguiendo transmitir muy bien lo que en el fondo viene a ser el tema central de la historia, que no trata solo de resolver el misterio de lo que le ocurrió al pequeño, sino también de cómo Julia y Gerlof redescubren la aceptación mutua y, de hecho, la dependencia que tienen el uno del otro.

La película se ve con agrado, aunque carece de la profundidad, la complejidad y el ritmo pausado de la novela, aunque a su manera, pienso que consigue transmitir lo que encierra el libro.

NOCHE EN LA TIERRA

 

Una colección de cinco historias que transcurren en un taxi en cinco ciudades diferentes. Los Ángeles: Una agente de talentos para películas descubre que su taxista sería perfecta para el reparto que está seleccionando, pero la taxista se muestra reacia a abandonar su empleo. Nueva York: Un taxista inmigrante se pierde continuamente en una ciudad y una cultura que no entiende. París: Una joven ciega sale a pasear con un taxista de Costa de Marfil y hablan sobre la vida, el sexo y la ceguera. Roma: Un taxista charlatán recoge a un sacerdote y le obliga a escuchar una confesión bastante escabrosa que tendrá consecuencias funestas. Helsinki: Los compañeros de un obrero al que acaban de despedir, debaten con el taxista que los lleva de regreso a casa sobre la desolación y la injusticia del amor y la vida o la muerte.

Jim Jarmusch reunió un extraordinario elenco internacional (entre ellos Gena Rowlands, Winona Ryder, Armin Mueller-Stahl, Beatrice Dalle y Roberto Benigni) para este compendio de historias sobre el desarraigo urbano y la angustia existencial, que abarcan diversos husos horarios, continentes e idiomas.

Personajes inusuales, a veces excéntricos, otras inadaptados o como poco, desubicados, muy bien interpretados y cuyo carácter, así como los muy logrados diálogos, prevalecen en toda la película. Las conversaciones que mantienen, van de lo humorístico a lo trágico, unas veces descacharrantes, surrealistas, otras emotivas, incluso tristes, pero siempre ingeniosas. Cada episodio tiene su miga y la película se torna amena al referirnos estos retazos de la vida que se ven acompañados por unas imágenes de gran fuerza, con magníficas tomas y los llamativos encuadres a que nos tiene acostumbrados el autor.

EL SIMPATIZANTE

 

Es abril de 1975 y Saigón está sumida en el caos. En su villa, un general del ejército de Vietnam del Sur bebe whisky y, con la ayuda de su capitán de confianza, elabora una lista de aquellos a quienes se les permitirá abordar los últimos vuelos que salen del país. El general y sus compatriotas comenzarán una nueva vida en Los Ángeles, sin saber que uno de ellos, el capitán, los observa en secreto e informa sobre el grupo a un alto mando del Viet Cong. 

La novela es la historia de este capitán: hijo de un sacerdote francés y una madre vietnamita pobre, estudió con una beca en una universidad de Estados Unidos, pero regresó a Vietnam para luchar por la causa comunista, infiltrándose en la policía secreta survietnamita. 

La asombrosa novela de Viet Thanh Nguyen nos adentra en la mente de este agente, un hombre cuyos elevados ideales lo obligan, en ocasiones, a traicionar a sus seres queridos, aunque en otros momentos demostrará la lealtad hacia sus amigos. 

Una apasionante novela de espías, una perspicaz exploración de la política extrema y una conmovedora historia de amistad, que explora una vida entre dos mundos y examina el legado de la guerra de Vietnam en la literatura, el cine y las guerras que libramos hoy. 

Rechazada por hasta trece editoriales antes de ser publicada, fue galardona con el Premio Pulitzer de Ficción en 2016, la novela ofrece una perspectiva nueva, importante e inusual sobre la guerra: la de un simpatizante comunista en conflicto entre sus lealtades ideológicas y la inclinación que siente hacia la cultura norteamericana, viviendo entre dos mundos diferentes de los que se considera parte, pero ninguno de los cuales le considera parte de ellos. Con muchos elementos de humor negro, el libro resulta un relato agradable de leer, muy bien escrito y revelador de una visión diferente de lo que ocurrió, tanto en Vietnam, como a los refugiados que hubieron de salir del país.

MYSTERY TRAIN

 

Una pareja de jóvenes japoneses, una viuda italiana que ha llegado desde su país para hacerse cargo del cadáver de su marido y un inmigrante británico que acaba de ser despedido y que, acompañado por un amigo y el hermano de su novia que acaba de abandonarle, se emborracha y se mete en problemas, convergen en esta especie de ciudad de los sueños que, en la película de Jim Jarmusch, es Memphis.

La entrañable pareja japonesa, él un tanto distante y apático y ella que, por momentos, resulta cautivadora, realizan su particular peregrinación paras visitar Graceland y el mítico Sun Studio. 

Luisa (Nicoletta Braschi), que ha llegado a la ciudad desde Roma para llevarse el cadáver de su difunto marido a Italia, está cansada y parece que se deja engañar por cualquier aprovechado pícaro que se le cruza en el camino para que le suelte algo de dinero. Acabará compartiendo habitación con la charlatana Dee-Dee (Elizabeth Bracco), que acaba de abandonar a su novio, Johnny (Joe Strummer), un tipo un tanto inestable que acabará usando el revolver que lleva en el bolsillo y metiendo en problemas a su amigo y al que cree ser su cuñado, hasta que se entera de que en realidad, Johnny y Dee-Dee, no estaban casados. 

Todos estos variopintos personajes, acaban convergiendo en el destartalado Arcade Hotel, sin llegar a saber unos de otros.

Como en otras de sus películas, Jarmusch nos acerca a la otra Norteamérica, de hecho, la Menphis que contemplamos es prácticamente una ciudad fantasma, sus edificios modernos e iluminados, los barrios que imaginamos bulliciosos y llenos de vida, apenas los atisbamos allá a lo lejos, al otro lado de las vías del tren, mientras nuestros personajes deambulan por barrios con casas casi desvencijadas, de jardines descuidados, calles sucias, fachadas con desconchones, cines clausurados y carteles y anuncios descoloridos, en la que la propia memoria de Elvis, parece fuera de lugar. 

El guionista y realizador estadounidense, parece querer rendir su particular y, por momentos, divertido homenaje a la ciudad que vio nacer a las míticas compañías discográficas que ampararon el nacimiento del rock y el soul, por donde pasaron Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y tantos otro y, por supuesto, Elvis Presley.

Una curiosa película, entre comedia y homenaje, en la que Jarmusch vuelve a dejar su particular sello a la hora de hacer cine y contar historias de una manera diferente.

EXTRAÑOS EN EL PARAISO

 

Willie (John Lurie), un emigrante húngaro que vive en Nueva York, recibe la visita de su prima, recién llegada de Budapest. Al principio se establece entre ellos una relación de indiferencia y cierta hostilidad, aunque acabará creciendo un ligero germen de afecto entre los dos. Junto con un amigo, terminan visitando a su tía en los páramos de Cleveland y luego se dirigen a Florida.

Un film cautivador en el que cada uno de sus momentos merece la pena, con una acción que da toda la impresión de que transcurre entre líneas.

Con su delicado humor, algunos consideran que el film transformó el panorama del cine independiente norteamericano.

BAJO EL PESO DE LA LEY

 

Zack (Tom Waits), Jack (John Lurie) y Roberto (Roberto Benigni) comparten celda en una prisión de Louisiana. Zack es un DJ; Jack, un proxeneta de poca monta y Roberto, un turista italiano cuyo dominio limitado del idioma inglés es a la vez entretenido y exasperante. Más útil para ellos es el hecho de que Roberto conoce una ruta de escape.

Tanto Zack como Jack han sido detenidos por delitos que no cometieron, les han tendido una trampa. Bob, por su parte, está acusado de homicidio involuntario. La película deja de lado los estereotipos de los films carcelarios, incluída toda la preparación y ejecución de la escapatoria, para centrarse en los personajes y en las acciones recíprocas ente ellos, primero en la cárcel y después en su huída a través de los pantanos de Nueva Orleans.

Jim Jarmusch nos presenta un retrato de solitarios y marginados en el panorama estadounidense, en esta especie de mezcla entre pesadilla y cuento, con interpretaciones brillantes y una fotografía en blanco y negro impecable a cargo del aclamado Robby Müller (Paris, Texas; Bailar en la oscuridad).

 

UNA LUZ EN EL HAMPA

 

Kelly (Constance Towers) es una prostituta que llega a la ciudad de Grantville huyendo de su pasado. Tras un primer encuentro con Griff (Anthony Eisley), el capitán de la policía de la ciudad, con el que mantiene un encuentro sexual por dinero, consigue rehacer su vida trabajando como enfermera en un hospital para niños inválidos. Además, se enamora del hombre más respetado y rico de la ciudad; pero las cosas no son exactamente lo que parecen.

Con una escena inicial impactante, en la que se ve a la protagonista golpeando de forma violenta a su proxeneta, mientras este le arranca la peluca dejando al descubierto su cabeza calva, puede parecer que vamos a presenciar un film sobre sexo y violencia, pero eso no es más que un envoltorio.

En realidad Samuel Fuller desarrolla un ataque despiadado contra la moral hipócrita de la clase media.

El retrato de una pequeña comunidad que vive tranquila, sin problemas aparentes de delincuencia, porque todo ocurre de manera soterrada y las propias autoridades se preocupan de que si algo pasa, sea de forma discreta: 'Vete a ejercer tu oficio a la localidad que está al otro lado del río que, además, pertenece a otro estado', le sugiere de manera hipócrita el capitán de policía a la protagonista, cuando en realidad en lo que está pensando es en tenerla a mano para refocilarse con ella, pero sin que nadie de sus vecinos le vea y ella no de mal ejemplo a las virtuosas personas de la ciudad.

Fuller toca temas tabú como la inducción a la prostitución, la pederastia o el aborto, algo que debió perturbar y quizá confundir algo al público que vio esta película en alguno de aquellos cines de programa doble o especializados en serie B, para los que en principio fue distribuída.